Описание декоративного панно михаила александровича врубеля «философия»

Врубель Михаил

Декоративное панно «Философия» была создана Михаилом Александровичем Врубелем в 1899 году. Панно передает аллегорическую сцену, на которой изображена девушка. Ее обнаженное тело прикрыто материей бронзового цвета, демонстрируя обнаженную грудь. Рыжие волосы девушки […]

Была нарисована художником приблизительно в 1904 -1905 гг. Для ее создания использовался обычный лист бумаги, акварель, уголь и карандаш. Зритель может открыто наблюдать печальный взгляд пророка. Врубелю удалось передать в изображении всю […]

Михаил Врубель выполнил эту работу по заказу для оформления и декорации интерьера. Примечательная структура живописного и красочного панно, задача которого будет решить заполнение всего потолочного пространства. В этой картине особенно выделяются характерные […]

Потрясающая работа Михаила Александровича Врубеля «Сошествие Святого духа на апостолов» украшает цилиндрический свод Кирилловской церкви, расположенной в Киеве. Произведение относится к первым работам живописца. Согласно Евангелию, к апостолам пришел Святой дух в […]

Портрет с натуры был написан в 1898 году. При написании шедевра использовались масляные краски. Супруга одета в пышное платье, украшенное желтым широким поясом, голову украшает кисейная шляпка. В руках Надежда Ивановна держит […]

Керамическая скульптура «Египтянка» была создана художником М. А. Врубелем в 1891-1896 годах, когда он только начал увлекаться изготовлением изделий из этого материала. Творец изобразил прекрасное по своей пластике женское лицо – красивое […]

Михаил Александрович Врубель – художник со сложной судьбой. Жизнь его напоминает драму. Успешный молодой человек, во время обучения на юридическом факультете университета увлекшийся богемным образом жизни, к счастью, нашел в себе талант […]

Михаил Врубель один из тех русских художников, который стал отцом русского модерна. Именно элементы модерна, мастер использовал для создания уникального шедевра «Суд Париса». Врубель применял более точные линии, орнаменты, имеющие скрытый и […]

«Воскресение» Врубеля представляет собой эскиз к росписи Кирилловской церкви в Киеве. Михаил Александрович Врубель – великий русский художник, скульптор и рисовальщик, который был пионером модернизма с оригинальным видением. Новатор по своей природе, […]

Савва Иванович Мамонтов (1841 — 1918) — один из богатейших людей в Российской империи, крупный железнодорожный магнат и благотворитель. Был широко известен современникам своей деятельностью, направленной на поддержку и развитие искусства. В […]

Источник: http://opisanie-kartin.com/vrubel-mixail/

М.А.Врубель — характеристика творчества, произведения

( А.Я.Головин)

М.Врубель. Панно «Суд Париса»

Михаил Александрович Врубель (1856-1910)- одна из самых сложных и неоднозначных фигур в русской культуре рубежа XIX-XX века.

Он проявлял своё мастерство в различных видах изобразительного искусства: живописи, графике, скульптуре и в архитектуре, стремясь приблизиться к мастерам Ренессанса

Врубель — у истоков русского символизма и модерна

Художественный язык Врубеля формировался в изобразительной системе стиля модерн символического направления, а также основывался на предметности и осязательной ценности формы, заимствованной художником у традиции русского академического искусства, а в частности у его учителя П.П.Чистякова.

М.Врубель. Авторпортрет

В его творчестве соединяются две тенденции реалистическая и романтическая, на основе данного соединения возникает семантическая двузначность образов. Символ у мастера – это знак с бесконечным множеством трактовок. Созданные им образы многогранны, это символы, вызывающие у зрителя многочисленные ассоциации.

Живописец через символический образ создаёт изображение мирового бытия. Все персонажи художника – это многозначные образы-символы, что заключают в себе авторское понимание мира, отражение авторского «я».

Основные темы картин художника

Религиозная тема

Произведения на религиозную тему у Врубеля наиболее полно воплотились в ранний период его деятельности. Тогда он занимается реставрацией росписей в Кирилловской церкви в Киеве («Оплакивание»), а впоследствии создаёт эскизы к росписям Владимирского собора в Киеве («Надгробный плач», «Богоматерь с младенцем»), которые так и остались на бумаге.

Центральная тема творчества мастера —  это образ Демона

Эта тематика стала для художника целым миром сложных переживаний. Впервые этот образ  привлёк внимание художника при создании эскизов для Владимирского собора в Киеве, он написал его, но впоследствии эту работу уничтожил.

М.Врубель иллюстрации к «Демону» Лермонтова

В 1890 году художник рисует задумчивый образ «Демона сидящего» — первое произведение, созданное из демонического цикла, включающего в себя живописные произведения, рисунки и скульптуру. Позже мастер сделал скульптурную голову «Демона», где этот же образ показан более жестоким.

В 1891 году художник принимается за иллюстрации к поэме Лермонтова «Демон», которую в то время больше никто  не пытался иллюстрировать.

М.Врубель «Демон поверженный»

В 1898 году он возвращается к «демонической» теме , после долгих колебаний он берётся за создание «Демона летящего», но, к сожалению, так и не заканчивает его. Берется за образ «Демона поверженного». Демон на этой картине выглядит сломленным безумием. После долгого перерыва художник в 1904 году возвращается к этому циклу и создает картину «Азраил» (демон смерти).

Сказочная тема

М.Врубель «Царевна-Лебедь»

Немаловажное место в творчестве Врубеля играла тема сказочного эпоса и русской оперного искусства. Он создаёт многочисленные живописные полотна, среди которых известны ««Царевна лебедь», панно «Богатырь», театральные декорации к операм Римского-Корсакова.

Самой последней темой художника стал образ «пророка», начавшийся с иллюстраций к известному стихотворению Пушкина. Пророк стал лебединой песней мастера, он работал над ним до конца жизни, эта была тема посвящена трагической миссии творца. Последнюю вариацию этой темы художник назвал «Видение Иезекииля»

Врубель как универсальный мастер

Художник, как было сказано выше, стремился оставить след во всех областях изобразительного искусства, походя на художников эпохи Возрождения. Мастер пробовал себя в различных жанрах: портрет («Женская голова. Э.Л. Прахова»), фантастика («Демон сидящий»), пейзаж («Куст сирени») и т.д., работая в различных техниках.

Он создавал:

  • монументально-декоративные панно («Фауст»),
  • произведения театральной живописи (декорации к «Садко») и декоративно-прикладного искусства (возрождение майолики),
  • декоративную скульптуру («Маска льва») и т.д.

Художественные средства Врубеля

М.Врубель «Богоматерь с младенцем»

Основу колорита живописца составляют три цвета:

  • золотистый;
  • пурпурный (цвет зари)
  • сине-лиловый (цвет ночи и неба).

Это цветовое сочетание – характерно для его творчества.

Цветовая гамма художника меняется с определённым этапом его творчества. Зрелый мастер использует более тёмные, насыщенные, мрачные оттенки его цветовой гаммы.

Например,

  • у самого сильного эскиза к росписи Владимирского собора «Надгробный плач», созданного в ранний период, цветовое решение состоит из светло-жёлтого, розового, небесного тонов;
  • в созданных в поздний период  «Демонах», он использует блестяще-золотистые, сиреневые и жемчужный оттенки.

М.Врубель «Голова пророка»

У Врубеля колористическое решение всегда совпадает с образно-символическими и стилистически поставленными задачами. Метафоричность цветового содержания картины характерна для живописи этого художника. Очень узкий выбор красок и невероятное количество их сочетаний направлены у художника на создание персональной символической системы.

Антидинамичные композиции мастера – это крупные изображения на общем фоне, в них нет взаимодействия объектов произведения. Мозаичность, гранённость форм, стирающие границы фигур и предметов, также характерны для врубелевских полотен. Глубина и пространство картин – плоскостны.

В последних работах мастера намечается тяготение к экспрессионизму, его живопись становится более пессимистичной, а колорит становится более тёмным и мрачным, усиливая напряжённость полотен. Хотя экспрессия была свойственна его картинам  изначально, в ранних работах более следовал романтическим тенденциям.

Всю свою творческую жизнь художник посвятил служению красоте. Его девизом было — «Истина в красоте».

Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость — поделитесь

Источник: http://velikayakultura.ru/russkaya-zhivopis/m-a-vrubel-harakteristika-tvorchestva-proizvedeniya

Работы художника михаила врубеля — философия

Обучаясь в Академии художеств (1880-е) и изучая законы академического искусства, художник М. Врубель прослыл талантливым акварелистом и мастером композиции. Работы Михаила Врубеля на библейские темы в этот период отличались виртуозностью рисунка (Обручение Марии с Иосифом, 1881, Введение во храм, 1882).

В акварели Натурщица в обстановке Ренессанса (1883) ощущается поиск художника новых форм изображения и цветовых оттенков. И в это же время проявляется его интерес к философии, к драматичным, сильным личностям (Гамлет и Офелия, 1884, Демон,1885). Тема лермонтовского Демона красной нитью проходит через всю живопись мастера.

Киевский период для художника был очень напряженным.

В результате работы художника Михаила Врубеля в Киеве по реставрации старинных фресок в Кирилловском храме XII века были написаны чудесные иконы для византийского иконостаса,  однако  эскизы для росписи стен Владимирского собора: Воскресение, Ангел с кадилом и свечой и исполненный трагичности и скорби Надгробный плач (1885), — не были использованы, так как его стиль не отвечал устоявшимся канонам церковной живописи. Киевский период характеризуется формированием  знаменитой врубелевской манеры письма – декоративной, кристаллической, пластичной, символичной (Девочка на фоне персидского ковра).

Переезд великого живописца М. Врубеля в Москву (1889) и знакомство со знаменитым меценатом С.И.Мамонтовым оказали огромное влияние на его последующее творчество.

Художник пишет огромные панно (Венеция, 1893; Микула Селянинович и Принцесса Греза, 1896) и картины (Испания, 1894;  Гадалка, 1895), оформляет декорации к операм Н.А.Римского-Корсакова, занимается майоликой и пишет замечательные портреты (Портрет Мамонтова, 1897).

В его картинах 90-х годов чувствуется рука зрелого мастера. Широко известны его  красочные фольклорные картины Пан (1899), Царевна-лебедь (1900), пейзаж Сирень (1900).

Главный астролог страны раскрыла секрет привлечения богатства и процветания для трех знаков зодиака, вы можете проверить себя Бесплатно ⇒ ⇒ ⇒ ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ….

Иллюстрации художника Михаила Врубеля

Иллюстрации художника Михаила Врубеля к произведениям М.Ю.Лермонтова, написанные в составе  группы художников, готовившей юбилейное издание поэта, принесли ему небывалую славу. Для оформления им были выбраны поэмы Демон, Измаил-бей, роман Герой нашего времени и некоторые стихотворения.

Рисунки к роману оказались столь удачны, что иллюстрации к нему других художников прошли почти незамеченными. Однако жемчужиной издания считались иллюстрации художника Михаила Врубеля к поэме Демон (Демон и Тамара, Тамара в гробу).

Образ  бунтаря-одиночки Демона долгие годы занимал все мысли Врубеля своим трагизмом и романтичностью, мятежным духом,  и суровостью. Исполнив акварельные иллюстрации, он работает над полотнами Демон сидящий (1890), Демон летящий (1899)  и Демон поверженный (1902).

В изломанных линиях, переливающихся цветами кристаллических  контрастных красках возникает драматический образ героя, далекого от обыденности.

Живопись Михаила Врубеля, не оцененная современниками, вошла в сокровищницу  мирового искусства. Много раз издавались альбомы и наборы открыток с репродукциями живописца. Такой альбом – чудесный подарок для любителя живописи. Купить репродукции художника М. Врубеля можно в книжном магазине или  на интернет-сайте.

Смотреть на видео картины Михаила Врубеля

Источник: http://filosofia.ru/raboty-xudozhnika-mixaila-vrubelya/

Принцесса Греза — 1896 Михаил Врубель

Октябрь 23, 2012

„Врубелевские панно своей оригинальностью и свежестью красок и письма в буквальном смысле «убивали» расставленные внизу в золоченых рамах произведения других художников” Николай Прахов

Принцесса Греза

1896; 750х1400 см; декоративное панно, холст, масло
Государственная Третьяковская галерея, Москва

По заказу Саввы Мамонтова Врубель в 1896 году работал над декоративными панно для украшения интерьера художественного павильона на Всероссийской художественно-промышленной выставке в Нижнем Новгороде.

Они должны были располагаться в полукруглых завершениях торцовых стен зала, этим определялся их огромный размер и формат. Врубель избрал темами панно «Принцессу Грезу» и «Микулу Селяниновича». Второе полотно не сохранилось.

В начале лета 1896 года Врубель приступил к работе в Нижнем Новгороде. Панно «Принцесса Греза» было подготовлено им еще в Москве, где художник писал его в гончарной мастерской Мамонтова, за Бутырской заставой. Теперь панно только натянули на подрамник, соответствующий размерам и форме отведенного места.

Колоссальный творческий замысел Врубелю помогала воплотить бригада молодых живописцев под руководством Сафонова, в то время оканчивавшего Академию художеств.

Помощь была необходима, чтобы успеть в кратчайшие сроки (месяц с небольшим) завершить работу над двумя панно общей площадью около 200 кв. метров.

Читайте также:  Описание картины николая крымова «летом на даче»

Однако нельзя расценивать ее как коллективное творчество, учитывая задачи, которые ставил мастер своим помощникам:

„Пишите… точно воспроизводя мои черты и пятна, помните только, что вы вышиваете, как по канве, никаких общих прокладок и набрасываний”.

Тема панно «Принцесса Греза» была навеяна одноименной пьесой французского драматурга Эдмона Ростана, написанной в 1895 году, переведенной на русский язык Т. Щепкиной-Куперник и поставленной в Петербурге Литературно-художественным кружком. Врубель видел постановку весной 1896 года.

В основе пьесы лежит средневековая легенда о принце и трубадуре по имени Жоффруа Рюдель, очарованном рассказами пилигримов об антиохийской принцессе Мелисинде. Предчувствуя свой близкий конец, он решил пуститься в далекий путь за море, «не в силах умереть, не увидев хоть на миг ее».

В центре декоративного панно изображен умирающий в пути принц с арфой в руках. Силой искусства он воссоздает свою романтическую мечту — образ прекрасной и недостижимой принцессы.

Легкая и прозрачная, она возникает из розовых закатных облаков и нежно склоняется над принцем.

Врубель воспользовался сюжетом пьесы для того, чтобы выразить свою любовь к будущей жене, а также рассказать о вечном стремлении художника к прекрасному.

Формально все действующие лица литературного источника вполне узнаваемы. Но панно отнюдь не повествовательно и не является иллюстрацией пьесы.

Во-первых, художник как бы совместил время и действие, изобразив принцессу, влетающую на корабль, а не входящую в сопровождении рыцаря Бертрана, посланника принца, что, по Ростану, происходит в конце пьесы.

Во-вторых, каждый изображенный герой представляет собой некий собирательный образ-символ.

Потому так отчетливо читается отношение самого художника к главным персонажам и особенно к принцессе, в лице которой угадываются портретные черты Надежды Забелы. Что касается стоящего у мачты рыцаря Бертрана, то в его лице прежде всего прослеживаются характерные черты облика «Демона (сидящего)».

Открытие Нижегородской выставки, намеченное первоначально на 10 мая, состоялось чуть позже — 28-го, но уже без панно Врубеля. За три дня до этого «Микула Селянинович» и «Принцесса Греза» были сняты и накатаны на валы во исполнение приговора жюри.

Сейчас трудно судить о первоначальном облике панно «Принцесса Греза». Врубель не успел закончить его к выставке, и над завершением работали друзья Василий Поленов и Константин Коровин. В первозданном виде сохранилась лишь композиция, построенная на музыкальной гармонии ритмов.

В композиции панно Врубель отлично справился с отведенным для него местом в павильоне, подчинил изображение плоскости, распластав изображение, как орнамент на ковре.

Вместе с тем, он дает почувствовать второй и третий планы в глубину, как в скульптурном рельефе. Изысканность линий и узор пятен в панно приведены к предельной поэтической ясности и четкости.

Это понятный каждому рассказ о возвышенной рыцарской любви, преодолевающей все преграды, которой не страшна и сама смерть.

Композиция «Принцессы Грезы» послужила основой для росписи сценического задника для Частной оперы.

Что касается самого живописного панно, то оно перешло в 1908 году к новому хозяину — коллекционеру и владельцу Частной оперы Сергею Зимину, который купил его у разорившегося Саввы Мамонтова.

Он разместил это панно на портале сцены театра, тем самым дав возможность посетителям оперных вечеров еще раз увидеть творение Врубеля.

Еще при жизни художника, в 1899-1903 годах, под его руководством был исполнен вариант «Принцессы Грезы» — майоликовое панно на главном фасаде гостиницы «Метрополь» в Москве. Но, по словам современников Врубеля, «эта копия далеко не передает очарования оригинала».

Техническое замечание

Панно «Принцесса Греза» было написано на гигантском холсте размером более девяноста квадратных метров. В масляные краски, по словам современников, добавлялся керосин, благодаря чему картина утрачивала блеск, характерный для масляной живописи. Это было необходимо для удобного рассматривания панно снизу на большом расстоянии.

В законченном виде картина должна была, по замыслу Врубеля, производить впечатление старой инкрустации или фрески, слегка высветленной временем. Врубель подчеркивает эту связь со средневековым искусством, придавая формам характер изломанных плоских граней, а контурам фигур — угловатость.

В колорите он использует непрозрачные, «глухие» тона. Тяжелые, словно вырезанные из камня массы морских волн на переднем плане делают композицию устойчивой, «удерживают» на себе сложное переплетение линий и форм изображенной сцены.

Выдающаяся работа художника оказалась слишком новаторской для современников Врубеля. «Принципиальная борьба новых, еще не вполне сложившихся направлений в искусстве с традиционными формами неожиданно разгорелась в Нижнем Новгороде помимо воли и желания Михаила Александровича Врубеля», — вспоминал Николай Прахов…

(1856-1910) Михаил Врубель

Поделиться ссылкой в социальных сетях

Источник: http://www.filoli.ru/artists/077-wrobel/princessa-greza.php

Восприятие м.а. врубеля современниками

Михаил Александрович Врубельрусский художник рубежа XIX – XX веков, мастер универсальных возможностей, прославивший своё имя практически во всех видах и жанрах изобразительного искусства: живописи, графике, скульптуре. Он был известен как автор живописных полотен, монументальных росписей, декоративных панно, театральных декораций, книжных иллюстраций, как скульптор, керамист и даже архитектор.

Несмотря на универсальность таланта М.А. Врубеля, его творчество вызывало крайне противоречивые мнения и оценки. Многие современники не признавали его, обвиняя в дилетантизме. Картины художника часто не принимались на выставки, многие иллюстрации не были опубликованы, меценаты нередко отказывались приобретать его произведения, критики часто давали негативные оценки.

В своих воспоминаниях К.А. Коровин писал: «Огромную зависть вызывал Врубель своим настоящим гениальным талантом. Он был злобно гоним.

Его великий талант травили и поносили и звали тёмные силы непонимания его растоптать, уничтожить и не дать ему жить. Пресса отличалась в первых рядах этого странного гонения совершенно неповинного ни в чем человека. М.А.

Врубель, чистейший из людей, кротко сносил все удары судьбы и терпел от злобы и невежества всю свою жизнь» [2].

Среди  художественных критиков особо ярой неприязнью к творчеству Врубеля отличался В.В. Стасов, об этом говорят даже сами названия его статей: «Нищие духом», «Подворье прокаженных» и др. [10], [11].

Критик писал: «Врубель очень хороший и милый человек, и даже отчасти небесталанен». Но эта похвала сразу же перечёркивалась следующей фразой: «Однако работы его до того нелепы и безобразны, что никакого терпения нет!» [9].

Уместно отметить, что подобную оценку В.В. Стасова вполне разделял и писатель М. Горький. О картинах художника А.М. Горький говорил, что все они исполнены «какими-то ломаными линиями, капризными мазками, неестественных цветов красками, грубо, с ясной претензией на оригинальность», что он пишет «деревянные картины, плохо подражая в них византийской иконописи», что всё это «уродство» [9].

Стоит заметить, воспитанники Академии художеств, проходившие там обучение вместе с М.А. Врубелем, в своих воспоминаниях отмечали, что художник обладал исключительной требовательностью к себе, целеустремлённостью и высокой эрудированностью. «Образование этого человека было огромно.

… Я не видал более образованного человека», – говорил К.А. Коровин [3, c. 229].  «Врубель рисовал не как все, он рисовал с напряжённым вниманием»,   – вспоминал М.Н. Нестеров.

Вместе с тем и в мемуаристике также можно обнаружить подтверждение разноречивого отношения к таланту художника: «Отношение к нему товарищей было двоякое: удивлялись одни, недоумевали другие, но те и другие чувствовали в нём явление чрезвычайное»,  – писал М.Н. Нестеров.

В классе композиции, где были выставлены эскизы, отобранные как образцы, находился и эскиз М.А. Врубеля «Обручение Марии с Иосифом». Это произведение, а также работа В.И. Сурикова «Пир Вальтасара», по словам М.Н. Нестерова, вызывали наибольший интерес [7, с. 224].

Двойственным в отношении художника было не только мнение студентов Академии, но и преподавательского состава. Высоко талант М.А. Врубеля оценивали П.П. Чистяков и И.Е. Репин – педагоги, к которым сам художник относился с огромным уважением и благодарностью.

При  этом многие другие преподаватели не были согласны с оценками П.П. Чистякова и И.Е.

Репина, подтверждением чего может служить, например, проставленный на рисунке Врубеля «Натурщик» номер «85», являющийся оценкой, выставленной комиссией Академии (лучшая работа удостаивалась первого номера, худшая получала последний) [8, с. 14].

Весьма показательной для отражения неоднозначного отношения современников (в том числе и преподавателей Академии художеств)  к творчеству художника является история экспонирования врубелевских панно «Принцесса Грёза» и «Микула Селянович», выполненных по просьбе С.И. Мамонтова для Всероссийской промышленной и художественной выставке, проходившей в Нижнем Новгороде в 1896 году.  

Дело в том, что подготовка данных работ официально не согласовывалась с Академией художеств, поэтому было организовано жюри художественного отдела, в состав которого вошли академики, известные в то время художники, специально приехавшие в Нижний Новгород для оценки произведений Врубеля.

В результате члены данного жюри выступили против экспонирования панно на нижегородской выставке [8, с. 51 – 53].

Михаил Александрович писал: «Работал и приходил в отчаяние; кроме того, Академия воздвигла на меня настоящую травлю…» – та Академия, из стен которой он вышел и которую считал главной школой своей жизни [1, с. 61].   

С.И. Мамонтов не согласился с решением жюри, в кратчайший срок он арендовал участок земли, выстроил на нём специально для табуированных работ М.А.

Врубеля павильон, над входом в который поместили вывеску: «Вывеска декоративных панно художника Врубеля, забракованных жюри Императорской Академии художеств» [8, c. 53]. Произведения Михаила Александровича вызывали огромный интерес у многочисленных посетителей.

Павильон с панно открыли одновременно с выставкой. Так, после разногласия с комиссией талант художника всё же был оценён.

Ещё одним доказательным примером настороженного отношения к таланту М.А. Врубеля являются события, относящиеся к киевскому периоду его творчества (1884 – 1889 гг.).  В данном случае речь идёт о событиях, связанных с росписью достраивавшегося тогда в Киеве Владимирского собора.

Руководить росписями этого собора предстояло А.В. Прахову, который обещал М.А. Врубелю участие в них. Но он вовсе не собирался делать Михаила Александровича главным художником собора. А.В.

Прахов не хотел возлагать на себя ответственность перед строительным комитетом и церковниками за результаты работ молодого и ещё малоизвестного М.А. Врубеля, поэтому предпочёл ему В.М.

Васнецова – живописца, к тому моменту уже пользующегося известностью; а также художников академического направления братьев Сведомских и Котарбинского. Михаил Александрович воспринял это крайне тяжело и был всерьёз обижен как человек и художник [12, с. 14 – 15].

Спустя некоторое время М.А. Врубель всё же получил разрешение на выполнение небольших орнаментов во Владимирском соборе. Когда роспись собора была завершена, художники, критики, любители искусства увидели, что она не оправдала возложенных ожиданий: получилась разрозненной, эклектичной. Лишь скромные орнаменты М.А.

Врубеля в боковых кораблях собора впечатляли изяществом и своеобразием: «Какой чистой, ясной, вдохновенной музыкой льются они по стенам. … Эти орнаменты Врубеля совершенно поразительны. Они не сделаны в каком либо стиле, но сколько в них собственного, настоящего стиля. Это дивные ковры, равняющиеся лучшим персидским и арабским коврам.

Глядя на них, я поверил, что Врубель гениален. …», – писал А.Н. Бенуа [4]. Тогда же стали раздаваться негодующие голоса критики, не понимавшей, отчего на стенах собора нет больших сюжетных композиций Врубеля; автором его орнаментов называют В.М. Васнецова или А.В.

Прахова; а имя настоящего художника даже не поместили на мраморной доске, где перечислены все участники строительства и украшения собора. А.Н.

Бенуа по этому поводу говорил: «Фрески Врубеля в Кирилловском монастыре будут в истории русской живописи служить вечным укором для тех, на долю которых выпало распоряжение декоративными работами Владимировского собора.

Совершенно непонятно, как мастер, обнаружившийся в самом начале своей деятельности с такой поразительной силой, с таким изумительным чувством монументального и церковного стиля, не был привлечён для более крупной и самостоятельной работы – и это в том же городе… Но, если бы Врубелю досталось воплотить в грандиозных размерах свои замыслы… то, наверное, у нас, единственное у нас, в настоящее время и в целом мире, появились бы на стенах божьего храма истинно живые, истинно вдохновенные слова» [5].

Приведённые выше случаи, когда творчество М.А. Врубеля одновременно порицали одни и хвалили другие, далеко не единичны. Эта тенденция прослеживается фактически на протяжении всего его творческого пути. Очень точно в своих воспоминаниях подметил художник Н.И. Мурашко: «О Врубеле нет среднего мнения.

Он для одних гений, для других нечто весьма странное, ни на что не похожее из того, к чему так привыкли. Врубеля очень трудно объяснить другому, его только можно показать и спросить: приемлется это или нет.

Читайте также:  Описание скульптуры эрика фишля «падающая женщина»

Приемлется он – ладно, а не приемлется, лезть из-за этого на стену, как я вижу из опыта, совсем не следует» [6, c. 159 – 160].

Подводя итог, необходимо отметить: художественная манера М.А. Врубеля настолько индивидуальна и нетривиальна, что искусство художника осталось непонятным, а как следствие, непринятым большинством его современников.

Лишь в последние годы жизни к душевнобольному, а затем и ослепшему художнику пришло признание: критики по достоинству оценили талант мастера, коллекционеры начали раскупать его произведения, для его работ, наконец, распахнулись двери музеев, появилось понятие «стиль Врубеля». В день похорон художника А.Н.

Бенуа сказал: «Будущие поколения … будут оглядываться на последние десятки XIX века, как на «эпоху Врубеля». … Именно в нём наше время выразилось в самое красивое и самое печальное, на что оно было способно» [4].

Список литературы:

  1. Врубель М.А. Письмо к А.А. Врубель № 43 май 1896 /    М.А. Врубель // Врубель. Переписка. Воспоминания о художнике. – Л.:    Искусство, 1976. – С. 61 – 62.
  2. Константин Коровин [Электронный ресурс]. – Режим доступа: http://kkorovin.ru/ –  Дата доступа: 13.03.2017.
  3. Коровин К.А. М.А. Врубель  / К.А. Коровин // Врубель. Переписка. Воспоминания о художнике. – Л.: Искусство, 1976. – С. 228 – 251.

Источник: https://sibac.info/studconf/science/xvii/71277

Модерн: музыка линий и цвета

Ближе к концу XIX века в архитектуре, живописи, декоративно-прикладном искусстве начал преобладать стиль модерн — необычный, прихотливый, немного «не от мира сего», ставший своеобразным порождением той неспокойной эпохи.

Предпосылки обновления

Со второй трети XIX столетия в архитектуре и интерьере начался так называемый период эклектики — смешения, порой хаотичного, черт разных стилей прошлых эпох.

В архитектуре, например, это выражалось в том, что у одного и того же здания могли быть романские башенки, барочный причудливый декор и строгие классические колонны.

Основными заказчиками подобных строений выступали, как правило, представители тогдашнего среднего класса — разбогатевшие буржуа. В деньгах они стеснены не были, а вот обладатели изысканного вкуса попадались среди них редко.

Еще одной характерной особенностью этого времени было подражание старым стилям, что отражалось приставкой «нео» (от лат. новый) в названиях обновленных стилей: неоготика, неоренессанс. Уровень развития техники позволял быстро и дешево  штамповать копии барочной лепнины или готических кресел. К появлению подлинных произведений искусства это подражание приводило нечасто.

Естественно, что подобная ситуация не могла длиться долго, нужен был новый стиль, отражающий потребности эпохи. Им и стал модерн.

Художники модерна не хотели потакать неразвитому вкусу. К каждому создаваемому предмету они подходили индивидуально, создавая вещи одновременно и красивые, и функциональные.

Представители раннего модерна опирались на идеи английского поэта и художника Уильяма Морриса (1834–1896), основателя «Движения искусств и ремесел». Все свои декоративно-прикладные изделия Моррис и его сторонники создавали вручную, и каждый предмет был уникален.

Декор модерна

Мастера модерна стремились создать единый стиль во всем, что окружало человека. Это касалось интерьера жилищ, предметов внутреннего убранства, книг и так далее. Именно поэтому в период развития модерна возрос интерес к декоративно-прикладному искусству, книжной графике, мелкой пластике, включая керамику. Привычные глазу прямые углы и линии сменились плавностью, изогнутостью очертаний.

Художники, творившие в этом стиле, часто использовали в своих работах орнамент, предпочитая экзотику: диковинные цветы, пауков, стрекоз. Особенно часто встречаются изображения сов: загадочность этой ночной птицы великолепно сочеталась с таинственной и немного потусторонней атмосферой, свойственной произведениям модерна.

Модерн в архитектуре: природа и техника

Здания, выстроенные в стиле модерн, тоже отличались тем, что всё в них, от въездных ворот до дверных ручек, было выдержано в едином стиле.

И что это был за стиль! Архитекторы модерна, с одной стороны, активно использовали все современные материалы, в том числе железобетон и стекло, а с другой — часто пренебрегали рационализмом и симметрией, стремясь к уже упомянутой плавности линий.

В результате получались извилистые лестничные пролеты и балконы, необычные оконные и дверные проемы, причудливо изгибающиеся кровли.

Внимание мастеров неизменно привлекали ковка, природный камень. Они очень любили витражи, мозаичные вставки, использовали разного рода символические орнаменты, размещая все это как на фасадах, так и во внутреннем убранстве.

Одним из первопроходцев этого стиля в архитектуре стал бельгиец Виктор Орта (1861–1947). 

Модерн в живописи. Михаил Врубель

Во времена господства модерна к живописным полотнам стали относиться не как к самостоятельным произведениям искусства, а как к части интерьера. Необходимость гармонично встроить картину в общий стиль кабинета или гостиной привела к появлению новых приемов и форм изображения.

Картины и панно в стиле модерн отличаются декоративностью, при этом фон в виде орнамента прекрасно сочетается у художников модерна с четкостью фигур и лиц, изображенных на картине. Мастера модерна, такие как Густав Климт, Михаил Врубель, активно играли цветовыми оттенками, уделяли внимание проработке мелких деталей.

Густав Климт «Поцелуй» (1908) Картина относится к «золотому периоду» в творчестве Климта

От символизма модерн унаследовал особый подход: передавать тот или иной скрытый смысл с помощью определенных цветов и линий. Особенно популярны в модерне были мотивы скорби, смерти, эротики.

Одним из художников, в чьем творчестве элементы модерна проявились наиболее ярко, считают Михаила Александровича Врубеля (1856–1910).

Свою карьеру живописца этот создатель множества демонических ликов начал… как иконописец и реставратор церковного искусства. Однако в поисках новых творческих путей он сначала увлекся иллюстрированием  народных сказок, мифов и преданий, а после пришел к бесконечным попыткам воссоздать образ Демона, героя трагической поэмы М. Ю. Лермонтова.

Этот персонаж заворожил Врубеля и в буквальном смысле свел его с ума: после завершения «Демона поверженного» (1902) у художника началось психическое расстройство, от которого он не оправился до конца жизни.

Михаил Врубель «Демон сидящий» (1890). «Дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный», — писал о нем художник

Михаил Врубель «Портрет К. Д. Арцыбушева» (1897) Арцыбушев был крупным промышленником и коллекционером живописи

Скульптура. Огюст Роден

Скульптура эпохи модерна отличается внутренней энергией, резкостью и динамичностью форм. Подобно картинам, статуи часто создавали как часть декора, связывая воедино с их помощью разные элементы убранства.

Самая известная скульптура эпохи модерна — «Мыслитель» Огюста Родена (1840–1917). Она с детства знакома буквально каждому из нас, а поза, в которой застыл отлитый в бронзе мужчина, стала хрестоматийной. Другие работы мастера («Поцелуй», «Вечная весна» и другие) не так популярны, но производят не менее яркое впечатление: они полны жизни, красоты и гармонии.

Поделиться ссылкой

Источник: http://SiteKid.ru/kultura_i_iskusstvo/modern_muzyka_linij_i_cveta.html

«Падший ангел ясного вечера…»

160 лет со дня рождения М.А. Врубеля

(17.03.1856 – 14.04.1910)

«Он сам был демон,

падший прекрасный ангел,

для которого мир был

бесконечной радостью

и бесконечным мучением…» 

А. Блок

«Забыть, что ты художник,

и обрадоваться тому,

что ты, прежде всего человек…»

М. Врубель

Михаил Александрович Врубель родился в Омске 5 (17) марта 1856. Его отец был  военным юристом, поэтому ему семье приходилось часто менять место жительство.

Будущий художник рано потерял мать, но ее смогла заменить любящая мачеха. Вообще, Врубеля с детства любили все: и взрослые, и ровесники – он был весёлым, очаровательным и способным ребёнком.

Увлечение рисованием началось у Врубеля с пяти-шести лет. «Он зарисовывал с большой живостью сцены из семейного быта», – вспоминала его сестра. В гимназии он индивидуально занимался с учителем рисования и посещал рисовальную школу Общества изящных искусств.

Окончив одесскую гимназию, Врубель по настоянию отца поступил на юридический факультет Петербургского университета. Все годы его учебы он жестоко нуждался в деньгах, потому что отец, обремененный большой семьей, очень мало мог помочь ему. Врубелю приходилось добывать средства уроками и репетиторством.

Трижды его исключали из университета за неуплату положенных за обучение денег, но потом восстанавливали вновь. В течение этих пяти лет у него было очень мало времени для занятий живописью. Однако по окончании университета, в 1880 г.

Врубель, вместо того, чтобы избрать карьеру юриста, пошел учиться в петербургскую Академию художеств. С этих пор он уже никогда не расставался с кистью и карандашом, со своей, как он шутливо писал, «супругой-искусством».

Еще учась в Академии, Врубель осознал, что его путь в искусстве будет особый.

Из двух существовавших тогда больших направлений он не принимал ни одного: ему был чужд холодный академический подход к живописи, но он не разделял также идей и мироощущения передвижников, которые, по его словам, «кормили публику кашей грубого приготовления», стремясь утолить ее голод, но забывая о специальном деле художника.

Положенного академического курса Врубель не закончил. В 1884 г. по приглашению известного искусствоведа Адриана Прахова он уезжает в Киев для реставрационных работ в Кирилловской церкви XII века.  Врубель без сожаления оставил столицу и Академию.

Ему было уже почти тридцать лет, и затянувшаяся пора ученичества начинала его тяготить. Он отправился на Украину, уверенный, что в его жизни начался новый важный этап.

И действительно, он быстро нашел необходимые формы и стиль для фресок «в византийском духе», поверил в свои возможности и радужные перспективы, которые сулила ему самостоятельная деятельность, обеспеченная заработком.

Объем работ, выполненных им за полтора года, был огромен: кроме новых фресок «Сошествие Святого Духа», «Положение во Гроб» и других изображений, он нарисовал около 150 фигур – в основном с натуры, исполненные затем его помощниками, и реставрировал по своим эскизам ряд фигур в Софийском соборе. Прахов был им доволен и давал один за другим выгодные заказы.

В эти годы складывается особый, неповторимый стиль Врубеля. В иконах и мозаиках VI-XII веков он нашел ту притягательную выразительность «каменной оцепенелости» фигур, которая оказалась ближе всего его собственному видению образа.

В его палитре большое место заняли цвета, созданные не столько природой, сколько мастерством и искусством человека: узоры старинных тканей, ковров, драгоценностей, обработанных камней и стекол, художественной утвари и других красивых вещей.

Там же, в средневековых фресках, он открыл мир суровых и вдохновенных ликов, полных напряженной и загадочной жизни, увидел ту таинственную и величавую жизнь духа, выражения которой он искал в своей живописи последующих лет.

Особый прием изображения глаз – огромных, выпуклых, взор которых напряжен до предела, трагически скорбен и печален, стал с тех пор одной из характернейших особенностей Врубеля, а его сквозной темой, проходящей через все творчество, стала тема мировой скорби. Он выразил ее так сильно и прекрасно, как никто.

Конец складывающемуся благополучию Врубеля положила страстная романтическая любовь его к Эмилии Львовне, жене Прахова. Отношения с наставником стали напряженными, и в конце концов Врубель должен был оставить реставрацию.

Он уехал из Киева и поселился в Одессе. Именно здесь в 1885 г. на его холстах впервые появился образ Демона – самая главная и самая пронзительная тема его творчества, его idea fix, которая после этого уже никогда его не покидала.  «Демонов» Врубеля всего три: «Демон (сидящий)», «Демон (летящий)» и «Демон (поверженный)».

Первый «Демон» – начало сумасшествия. Наброски этой картины не сохранились. Известно, что Врубель показывал их К. Коровину, и тот «узнал сейчас же лицо знакомой дамы, совершенно неподходящее к Демону». Художник долго не мог забыть первую любовь, она неотвратимо, против его воли воплощается в картинах. Считается, что именно она заложила «первый кирпич» безумия.

В 1890 году, в Москве, «Демон (сидящий)» был закончен. Образ Демона вышел глубоко романтическим. Этот дух еще полон юности и сердечного жара, в нем нет ни злобы, ни презрения. Это ни тень добра, ни его изнанка (как в христианской философии) – это само добро, но освободившееся от безгрешности, от святости и потому приблизившееся к человеку.

Это полотно стало только началом работы Врубеля над его «Демонианой».

Через несколько лет Врубель пишет «Демона летящего» (1899). Это был уже не лермонтовский Демон, но могучий бунтовщик, обдумывающий план своего бунтарства. В одной его руке меч, юное лицо проникнуто решимостью и зреющей яростью.

Образ пронизан предчувствием гибели, обреченности. Это последний, отчаянный полет над горами. Демон почти задевает вершины своим телом. Колорит картины мрачен.

И, наконец, к 1901–1902 годам относится последняя картина – «Демон поверженный», над ней Врубель работал напряженно и мучительно. А. Бенуа вспоминает, что картина была уже на выставке «Мира искусства», а Врубель все еще продолжал переписывать лицо Демона, менял колорит.

В картине «Демон поверженный» Врубель познает и представляет своего героя не в тоске по человеческой любви, а в его войне с Богом, с установленными божественными законами. В созданном художником образе запечатлелась ярость произошедшей схватки и неостывшая ненависть к врагу.

  Разбитое, деформированное тело Демона с изломанными крыльями распростерто и ущелье, гневом горят глаза. Мир погружается в сумрак, последний луч вспыхивает на венце Демона, на вершинах гор. Мятежный дух низвергнут, но не сломлен.

Современники видели в этом образе протестующее начало, прекрасного непокоренного человека.

С 1889 года Врубель живёт в Москве. Это время ознаменовывается для него началом наиболее продуктивного периода в творчестве. Поселившись в Москве, Врубель присоединяется к абрамцевскому кружку С.И. Мамонтова, к которому принадлежали не только художники, но и музыканты. 

Давняя любовь к музыке приводит Врубеля в частную оперу Мамонтова, где он сближается с Н. А. Римским-Корсаковым и принимает участие в оформлении опер «Царская невеста» и «Сказка о царе Салтане».

  Затем он берётся за архитектурные проекты, из которых был осуществлен лишь один – пристройка к дому Мамонтова в Москве. В Абрамцеве Врубель возглавляет керамическую мастерскую, создает серию своеобразных скульптур-майолик на сказочные темы: «Лель», «Волхова», «Купава».

  Талант Врубеля-декоратора проявляется и в его огромном панно Принцесса Греза, заказанном для Нижегородской ярмарки (1896).

В 1890-1891 гг.

Врубель получил возможность принять участие в оформлении юбилейного издания Лермонтова, над которым тогда трудились лучшие русские художники, и создал несколько прекрасных иллюстраций к поэме «Демон» (в том числе «Голова Демона», «Пляска Тамары», «Тамара в гробу» и некоторые другие). После выхода книги измученный до изнеможения своим Демоном Врубель на время освободился от его чар и от его гнета.

После появления его «Сидящего Демона» и некоторых других работ – таких как «Испания» (1894), «Гадалка» (1895), прекрасных декораций к операм Римского-Корсакова, за ним признали оригинальный талант. Он начинает получать заказы, которые позволили ему несколько поправить свой быт и устроить личную жизнь.

В 1896 году Врубель встретил любовь всей своей жизни – оперную певицу Надежду Ивановну Забелу и через несколько месяцев женился на ней. Период с 1896 по 1901 был, наверное, самым счастливым в его жизни. При всех страданиях, выпавших на его долю, судьба даровала ему любимую жену, верного друга и почти единомышленника в понимании искусства.

Врубель боготворил жену: ездил на все ее репетиции и спектакли, придумывал и собственноручно мастерил ей наряды для сцены и жизни. Она была его музой и в жизни и в творчестве.

Читайте также:  Описание картины александра иванова «вирсавия»

Он создает сюиту портретов своей супруги. Ее облик живет и в некоторых сказочных и мифологических женских персонажах его картин, просвечивая сквозь них или знакомыми чертами лица, или излюбленной музыкальной тональностью цветовой гаммы.

В ней он видел Морскую Царевну, Маргариту, Музу, Снегурочку, Весну; везде мы встречаем этот удлиненный овал, большие ласково-томные глаза, «зазывно-недоуменную» (по выражению Гнесина) легкую улыбку, тонкую фигуру, длинные руки.

За эти счастливые пять лет художник создал такие картины, как «Пан», «Богатырь», «Царевна-лебедь», «К ночи», «Сирень».

А в 1901 году «счастливый период» заканчивается.

Долгое напряжение, томительное погружение в мир «демонического» не прошли для него бесследно. После окончания картины что-то ломается в его душе. Он меняется буквально на глазах – даёт знать о себе душевное расстройство.

В сентябре 1901 года у Врубеля родился сын с заячьей губой. Художник стал раздражительным, беспокойным, возбуждённым.

У него начинаются приступы тревоги, слуховые галлюцинации и бред, кто-то невидимый убеждал его в том, что он бездарность и ничтожество.

Врубель считал себя достойным наказания за то, что посмел изображать и Демона, и Христа. Но во время прояснений рассудка он продолжал работать.

10 февраля 1902 года 46-летнего Врубеля помещают в психиатрическую лечебницу 1-го Московского университета, где он проходит курс лечения.

Постепенно состояние художника улучшилось, и весной 1903 года он был выписан из клиники. Через некоторое время сын Врубеля умер от менингита, что вызвало новое обострение болезни.

Потрясенный горем, Врубель сам попросил отправить его в лечебницу, которую покинул ненадолго лишь раз – в августе 1904 г.

В 1904 году Врубель едет в Петербург. Начинается последний период творчества. В 1904 году Врубель пишет «Шестикрылого Серафима», по замыслу связанного со стихотворением Пушкина «Пророк». Могучий ангел в сверкающем радужном оперении в известной мере продолжает тему Демона, но этот образ отличается цельностью, гармоничностью.

В последние годы жизни Врубель создает один из самых нежных, хрупких образов – «Портрет Н. И. Забелы на фоне березок» (1904). К этому же времени относятся интересные автопортреты. С 1905 года художник находится в лечебнице постоянно, но продолжает работать, проявляя себя как блестящий рисовальщик.

Он рисует сцены больничного быта, портреты врачей, пейзажи. Доктор Усольцев, лечивший Врубеля, пишет: «Это был художник-творец всем своим существом, до самых глубоких тайников психической личности. Он творил всегда, можно сказать, непрерывно, и творчество было для него так же легко и так же необходимо, как дыхание.

Пока жив человек, он все дышит, пока дышал Врубель – он все творил».

В феврале 1906 года Михаил Врубель ослеп. Сестра художника говорила, что «с потерей зрения, как это ни кажется невероятным, психика брата стала успокаиваться».

В феврале 1910 года Врубель заболел воспалением лёгких, и 14 апреля скончался.

Он был торжественно похоронен Академией художеств. Речь над его могилой произнес А. Блок. А известный историк искусства А. Бенуа в день похорон опубликовал статью, где писал: «Бывают жизни художников – сонаты, бывают жизни художников – сюиты, бывают пьески, песенки, даже всего только упражнения.

Жизнь Врубеля, какой она теперь отойдет в историю, – дивная патетическая симфония, то есть полнейшая форма художественного бытия.

Будущие поколения, если только истинное просветление должно наступить для русского общества, будут оглядываться на последние десятки XIX века как на «эпоху Врубеля»… Именно в нём наше время выразилось в самое красивое и самое печальное, на что оно было способно».

Врубель занимался почти всем: живописью, графикой, скульптурой, монументальными композициями, театральными декорациями, оформлением жилых интерьеров – словом, становится той удивительной многогранной фигурой, без которой немыслима русская культура рубежа веков.

Влияние его искусства было универсальным: в той или иной мере его испытали практически все крупные мастера русского и зарубежного искусства 20 в. В 1906 г. В Париже, на устроенной С. Дягилевым выставке, в зале, целиком отведенном картинам Врубеля, часами простаивал молодой П. Пикассо. Позднее он напишет: «Я понял, что хочу и буду художником после того, как увидел картины Врубеля….»

Врубель оставил более 200 произведений. Среди них – портреты, картины, декоративные панно, иллюстрации, эскизы театральных занавесей, скульптурные произведения, проекты зданий, поражающие по размаху и широте творческого диапазона. Его искусство и сегодня продолжает «будить душу от мелочей будничного величавыми образами».

Современники о М.Врубеле

«Он видел значительно и высоко. И, как никто другой, наполнял нашу жизнь». (К. Коровин)

«Врубель был нашей эпохой. Он первым вывел рисунок из академической условности и обогатил его новыми средствами». (К. Петров-Водкин)

«В своем полете откуда-то из горных глубин он ударился о суровую, жесткую, грубую русскую действительность, разбился и рассыпался драгоценными осколками».  (А. Бенуа)

«Незаметно протекла среди нас жизнь и болезнь гениального художника. Для мира остались дивные краски и причудливые чертежи, похищенные у Вечности». (А. Блок)

Врубель – пламень, лебедь, демон,

Врубель – бешеная скачка

Четырех копыт коня.

Вот оракул. Тих и нем он.

Но зазыбилась заплачка;

Вмиг слетает с уст звеня.

Врубель – демон, лебедь, пламень,

Ценный камень,

И сирень.

Врубель – косвенная тень,

Уплывающая лодка,

Взбрызги Солнц, плеснувших четко

На заветную ступень

Тайной лестницы, ведущей

В мир тончайший, вечно сущий,

В наш великий, в наш грядущий,

Богоравный день (К. Бальмонт)

Так тихо-долго шла жизнь на убыль

В душе, исканьем обворованной…

Так странно тихо растаял Врубель,

Так безнадежно очарованный…

Ему фиалки струили дымки

Лица трагически-безликого…

Душа впитала все невидимки,

Дрожа в преддверии великого… (Игорь Северянин)

Интернет-ресурсы

http://vrubel-world.ru/«Мир Врубеля». Подробная биография, галерея картин, анализ творчества, монографии, воспоминания.

http://vrubel.narod.ru/  – Михаил Врубель. Биография,  произведения.

http://wroubel.ru/   – Михаил Врубель. Биография. Фотографии. Хроника жизни. Переписка. Воспоминания. Галерея работ.

http://vrubel.info/texts.php – Воспоминания и произведения о Михаиле Александровиче Врубеле

http://www.smr.ru/centre/win/artists/vrubel/biogr_vrubel.htm –  Биография М. Врубеля

http://vrubel-lermontov.ru/Врубель и Лермонтов : О  духовном  родстве  и  глубокой  взаимосвязи  в  судьбах  и  творчестве.  Анализ творчества.  Врубель и музыка.  Врубель и театр. Символизм Врубеля.

http://iskusstvu.ru/artist/vrubel_mihail_aleksandrovich – Галерея работ М. Врубеля

М. Врубель в Википедии

Рисунки М. Врубеля

Автопортреты Врубеля

М. Врубель в Электронной энциклопедии «Кругосвет»

Михаил Врубель на сайте «Русские художники»

М. Врубель на сайте «Библиотекарь»

М.А. Врубель в проекте «Живопись. Художники. Картины. Музеи мира»

М. Врубель  в проекте «Кроссворд-кафе»

М. Врубель в проекте «Хронос»

Работы М. Врубеля в галерее Танаис

http://www.photosight.ru/photos/3545599/  –  Подборка стихов, посвящённых М.Врубелю

Работы М.А. Врубеля в Третьяковской галерее

Описание картин Михаила Врубеля

Михаил Врубель на страницах онлайн-журнала «Философия жизни»

Источник: http://www.libozersk.ru/pages/index/793

Ссылка на основную публикацию