Описание картины михаила врубеля «роза в стакане»

Сочинение по картине Врубеля “Роза в стакане”

Роза в стакане – один из лучших рисунков Врубеля, сделанных им в больнице. Художник утверждал, что в основе всякой красоты – “форма, которая создана природой вовек. Она – носительница души, которая тебе одному откроется и расскажет тебе твою.

Это значит, что не я толкую природу, а природа растолковывает, объясняет мне – меня. Тем самым природа персонализируется, превращается в одушевленного собеседника”.

Роза на рисунке живет и рассказывает нам свою историю, словно беседует о чем-то очень интимном, трепетном и вместе с тем трагическом.

В рисунках Врубеля, даже беглых, никогда нет вялой приблизительности: рисовальная техника художника отточена, как острый стилет. Чаще всего он передает форму сетью прерывистых штрихов, ломких, пересекающихся. Из их паутины возникают орнаментальные эффекты, рисунок может напомнить прихотливые узоры ледяных игл.

Если же присмотреться внимательно, то можно увидеть, что ни один штрих не положен случайно или только “для красоты” – он обрисовывает план формы, характеризует фактуру. Помятые куртки и пиджаки на мужских портретах – что может быть прозаичнее? – а, оказывается, расположение складок с чередованием теней и света обладает сложным ритмом, обнаруженным посредством рисунка.

Или вот сплошная пелена снега, оживляемая только узкой проталинкой и чернеющими вдали голыми ветками. Как передать графически этот простой мотив, казалось бы, небогатый оттенками? На рисунке, если глядеть вблизи, видны прихотливые комбинации отрывистых прямых черточек без единой кривой или круглящейся линии – почти фантастический узор.

Но на расстоянии штрихи скрадываются, и перед нами не плоское белое пространство, а явственно ощутимая фактура снега, рыхлого, местами подтаявшего.

Особенную красоту рисункам Врубеля придают богатые градации темного и светлого, очень точно найденные соотношения между ними. Так было и в иллюстрациях к Лермонтову – игра пятен различной степени светонасыщенности создавала иллюзию красочного ковра.

На рисунках с натуры, гораздо более простых по сюжету и трактовке, можно убедиться, что подобный прием не был чем-то нарочитым, а вытекал из созерцания реальных предметов. Врубель, рисуя, всегда начинал с прокладки основных пятен – от темных к светлым.

В светлых местах прикосновениями остро отточенного карандаша намечал нужные детали и наносил те…легкие штриховые арабески, которые одновременно и строили форму (без них светлые места выглядели бы плоскими), и несли в себе неповторимое очарование врубелевского почерка.

Иногда же он мог и просто оставить кусок листа белым, нетронутым – шкала отношений была найдена так безошибочно, что белый участок бумаги “опредмечивался”.

Так, всякий, кто видит простой и прелестный карандашный рисунок “Дворик зимой” с уверенностью скажет, что там на первом плане – сугроб, а подальше – занесенное снегом крыльцо. Кажется, будто видны и тени на сугробе. На самом же деле снег изображен чистой поверхностью листа, совершенно не тронутой карандашом.

Тем не менее, группы “игроков”, погруженных в свое занятие и, вероятно, даже не замечающих, что их рисуют, схвачены во всей жизненной непринужденности. Пятеро за столом играют в карты.

Собственно, карт у них в руках не видно, но все равно сразу понятно, что идет именно карточная игра и собравшиеся ею поглощены у игрока на первом плане даже спина, даже складки на костюме, едва намеченные, выражают состояние сосредоточенности.

Очень выразительна фигура молодого “болельщика”, забравшегося с ногами на диван,- он сам не участвует в игре, но с большим любопытством следит за ее ходом. Еще лучше, пожалуй, шахматисты. Один напряженно обдумывает ход, его партнер откинулся на спинку дивана, руки в карманы, несколько расслабился, но не сводит глаз с доски, видимо прикидывая, как будет действовать дальше. Третий наблюдает.

В рисунках Врубеля фон всегда ритмически согласован с изображением и включается в образ, будь это фон предметный, орнаментальный или нейтральный, заштрихованный. Н. А.

Прахов в своих воспоминаниях сообщает: “Помню, как Михаил Александрович говорил мне… что художники обычно делают ошибку, когда, сочиняя что-нибудь или рисуя с натуры, следят только за внешним контуром предмета, в действительности не существующим.

Надо всегда проверять себя также по очертаниям фона, надо следить за его “орнаментальностью” – тогда все будет крепко связано между собой”.

(Пока оценок нет)
Loading…Вы сейчас читаете сочинение Сочинение по картине Врубеля “Роза в стакане”« Краткое содержание “Сказания о Мамаевом побоище”Краткое содержание “Жизнь Будды” »

Источник: http://schoolessay.ru/sochinenie-po-kartine-vrubelya-roza-v-stakane/

История одного шедевра. Врубель Михаил Александрович. Роза в стакане

А история-то грустнейшая….

« Демон поверженный » был скорбной вехой в биографии Врубеля. Картина еще висела на выставке, когда ее автора пришлось поместить в одну из московских психиатрических лечебниц. В течение полугода его состояние было настолько тяжелым, что к нему никого не допускали, даже сестру и жену.

Потом он начал поправляться, писать вполне здравые письма близким, пытался рисовать, но это давалось ему с трудом — после эйфорического подъема, которым сопровождалась работа над «Демоном», наступила долгая депрессия, состояние художника все время было угнетенным, подавленным, себя он считал теперь ни на что не годным.

Так он был настроен и тогда, когда вышел из лечебницы (в феврале 1903 года) и поехал на отдых в Крым . Ничто его не интересовало, Крым не нравился, работать он почти не мог. Его тянуло на Украину, и в мае 1903 года Врубели с сыном отправились в Киевскую губернию, в имение В. В.

фон Мекка, одного из богатых поклонников Врубеля, который приобрел «Демона».

Они доехали до Киева и остановились в гостинице. Неожиданно заболел ребенок — маленький Саввочка, только начинавший говорить. Через два дня его не стало. Все заботы о похоронах взял на себя Врубель, он вышел из апатичной неподвижности, старался быть бодрым и поддержать жену, которая замолчала, не произносила ни слова.

(«Надя все молчит»,— с тоской говорил он.) Минувший год был мучителен для Забелы: смерть отца, тяжелая болезнь матери, сумасшествие мужа и, наконец, внезапная смерть единственного ребенка.

В этот год пострадал соловьиный голос Забелы — такой певицей, как прежде, она больше уже не была, хотя еще несколько лет выступала на оперной сцене.

Похоронив на киевском кладбище сына и, видимо не зная, что же делать и куда себя девать дальше, Врубели все-таки поехали в имение фон Мекка, Пробыли там недолго: уже через несколько дней снова начались у художника приступы болезни. На этот раз он сам заявил: «Везите меня куда-нибудь, а то я вам наделаю хлопот». Только боялся, как бы его не поместили в киевскую лечебницу при Кирилловском монастыре.

Его отвезли сначала в Ригу, потом перевели в клинику Сербского в Москву. Он был грустен, слаб, беспомощен и физически совершенно истощен, так как ничего не ел, желая уморить себя голодом. К началу следующего года он почти умирал.

Но кризис прошел, его поместили в частную лечебницу доктора Ф. А. Усольцева в окрестностях Москвы. Там произошло его последнее возвращение к жизни. Он стал есть и спать, прояснились мысли, стал много, с прежней увлеченностью рисовать.

Так и появилась картина «Роза в стакане». Один из лучших рисунков Врубеля, сделанных им в больнице. Художник утверждал, что в основе всякой красоты — «форма, которая создана природой вовек. Она — носительница души, которая тебе одному откроется и расскажет тебе твою.

Это значит, что не я толкую природу, а природа растолковывает, объясняет мне — меня. Тем самым природа персонализируется, превращается в одушевленного собеседника».

http://www.tanais.info/art/vrubel7more.html

Картина «Роза» – шедевр графического мастерства Врубеля.

Мир цветов всегда привлекал внимание художника, он часто служил источником его художественной фантазии.

Врубель любил погружаться в мир «бесконечно гармонирующих, чудных деталей». В каждой природной форме художник видел духовную сущность. Срезанная и поставленная в стакан с водой роза кажется нетленной. Тяжелый венчик цветка будто впитывает и одновременно излучает свет.

Прозрачные, тающие мазки акварели передают нежность лепестков и одновременно гранят форму. Жесткие стебли и листья словно вырезаны резцом в прозрачном кристалле.

Роза, в созданном образе, обретает свое драгоценное подобие под воздействием магических действий художника, который как алхимик стремится познать тайну бессмертия.

«Роза в стакане»

1904

Бумага на картоне, акварель, графитный карандаш
29,8 х 18,5

Источник: https://subscribe.ru/group/tsvetyi/678107/

Описание картины роза

Updated on 08.11.2015 By Admin

«Белые розы» представляют позднее творчество Ван Гога, когда он близок был уже и к сумасшествию, и своей трагической смерти. Желая отдохнуть, он уехал из Парижа в предместья, где много писал цветы – на кустах, в вазах, без четкого фона – и розы, должно быть, попались ему на глаза случайно.

В картине очень мало цветов, это стразу бросается в глаза. Стол неопределенно-белого цвета, тон которого изменяют падающие на него тени. Ваза зеленая, темного, насыщенного цвета. Стена – светло-зеленая, с вазой не столько контрастирующая, сколько продолжающая её перелив цвета. Сами розы разнородны, выглядят так, словно их собирали в разные дни.

Одни пышно-белые, только сорванные, яркие. Другие подвядшие, желтоватые, один такой бутон лежит на столе. Этот контраст, вместе с упавшими на стол лепестками, контраст между жизнью и смертью, а вернее, смертью и смертью, воспринимается немного даже жутковато.

Словно Ван Гог находил определенное удовольствие в том, чтобы составить вместе мертвые цветы, и словно бы сравнить их в написании, увядающие и полные призрачной жизни, желтые и белые, те, что скоро отправятся в компостную кучу и те, что перестоят их дня на два.

В этом противопоставлении смертей есть что-то неестественное, что-то глубинно неправильное, и, возможно, в безобидном натюрморте скрыта борьба внутренних демонов художника.

Впрочем, столь же возможно и то, что Ван Гогу просто приглянулись цветы, контраст стены и вазы, и он написал их на скорую руку, не задумываясь о том, что через много лет потомки будут искать у его действий высший смысл.

Вряд ли он вообще предполагал наличие в будущем потомков, которые через много лет оценят его работы и будут анализировать их серьезно и вдумчиво.

Возможно, если бы он был в этом уверен, его жизнь закончилась бы иначе.

Описание картины Михаила Врубеля «Роза в стакане»

Updated on 17.10.2014 By Admin

Михаил Александрович Врубель – известный художник – реалист. Эпоха его деятельности приходит к концу ХIX начало XX веков. Жанр мастера настолько многообразен, что его невозможно сразу изучить.

Это живопись, графика, декоративное творчество. Можно даже отметить, что творец экспериментировал над своими возможностями.

Максимально быстро Михаил Александрович мог выразить своё душевное состояние на полотнах, что всегда привлекало любителей его искусства.

Изображённую на бумаге карандашом и акварелью работу «Роза в стакане» считают верхушкой мастерства художника. Этот шедевр таит в себе печальный факт своего создания. Творец написал картину, когда находился на лечении в психиатрической лечебнице, вследствие потери сына. Из томного стрессового состояния, Врубель выходил при поддержке своего любимого занятия – живописи.

Присутствие в больнице значительно ограничило спектр композиций, которые может изобразить художник.

Он проделывал зарисовки при помощи карандаша окружающей его обстановки: углы палаты, все объекты, окружающие его, мир изнутри.

Точечными набросками, мастер передал всю структуру несложных предметов – стакана с водой и розы. Эта чёткость графики Михаила Врубеля затмевает взгляд зрителя. От розы исходит манящий момент красоты.

Лепестки изображены настолько деликатно, что цветок кажется фактурным, вылепленным или же высеченным из строгого материала. Эта строгость подчёркнута толстым стеблем и резцовой формой. Но всё равно роза выражает хрупкость. Виден изящный переход от тёмного оттенка к светлому цвету, поэтому цветок смотрится одновременно реальным и неживым.

Заботливое написание картины показывает гармонию души и неброский шарм. «Роза в стакане» – картина чувственности и беспокойства, которые поселились в душе мастера.

Описание картины Константина Коровина «Розы»

Updated on 26.04.2014 By Admin

«Розы», написанные кистью советского художника Константина Коровина, предстали перед широкой публикой в 1912 году. В настоящее время картина выставляется в залах Ярославского художественного музея.

Период творчества художника, обозначенный началом двадцатого века, практически всецело был посвящен написанию натюрмортов на цветочную тематику. Не стали и исключением очередные «Розы».

Этот мотив часто встречался в его творчестве, особенно сильно автору нравились величественные, изящные розы – признанные королевы среди всех цветов.

Представшие перед нами цветы сразу завораживают своим нетривиальным, свежим видом.

Коровин использует только холодные оттенки. Нежные лепестки роз написаны бордовым, пурпурным, лососевым, лавандовым и золотисто-бежевым цветом. Мелкие лепестки выведены изумрудным и серо-зеленым.

Окружение цветов имеет преимущественно серо-аметистовый и лазурный оттенок. Вкупе все эти тончайшие оттенки красок сливаются в печальную, леденящую гармонию. Кажется, словно от картины исходит настоящий холод.

Если мысленно прикоснуться к ней, то можно почувствовать на пальцах гладкую поверхность льда.

В полотне нет ни одно теплого пятнышка.

Даже небольшие, шаловливые оттенки бежевого, кроваво-бордового и желто-зеленого, случайно прокравшиеся на холст, не выглядят хоть немного теплыми в сочетании с подавляющими холодными цветами.

Эти розы прекрасны сами по себе, им не требуется какого-то дополнения или активного сюжета. Они само произведение искусства, сотворенное природой и собранное человеком.

На первый взгляд может показаться, что холст не доработан. Линии несколько нечеткие и сама композиция не фиксируется на каком-то предмете. Все цветы составляют единое целое, мы не рассматриваем их каждый по отдельности. В этом и есть задумка автора полотна. Такой стиль рисунка раскрывает перед нами настоящие эмоции и восхищение идеальной, совершенной красотой.

Описание картины Евгении Антиповой «Розы»

Updated on 07.11.2015 By Admin

Антипова – советская художница, работавшая в стиле реализма и предпочитавшая из жанров портреты и натюрморты – ей нравилось отображать окружающую действительность максимально полно и правдиво.

Розы» – одна из цветочных её картин, в которых заключено целое лето. Конкретно на этой картине изображен букет цветов в сиреневой вазе, и интересно, что, не смотря на название, цветы скорее облагороженный шиповник, чем настоящие садовые розы. Слишком много у него листков, недостаточно пышны соцветия.

При их изображении используются широкие смелые мазки, которые оставляют ощущение бликующего света. Такие мазки изображают стол – та легкость и живость, с которой двигалась кисть, видна даже на его поверхности – и фон тоже изображают они, превращая его в движение неверных шуршащих теней, в манящий сумрак.

Занятно то, что, как и многие талантливые художники, Антипова передала не только красоту роз, но и общее настроение того дня, в котором они навсегда застыли, а также желание придумать о них историю, которое возникает как-то само собой у любого зрителя.

Возможно, их подарили артистке после великолепного исполнения роли Джульетты – и был рукоплещущий зал, поднявшийся с кресел в едином порыве, и душный запах духов и цветов в гримерке, и остаточное упоение ролью, когда от любого слова всплывали в памяти чужие слова.

А, может быть, их принес молоденькой девушке пылкий поклонник, который нарвал их в чужом саду и чуть не был укушен собакой, которая ревностно этот сад охраняла. И, конечно, за свою храбрость он получил поцелуй.

Или же их, дурачась, принесла мечтателю и романтику боевитая подруга, с предложением написать о них стих и превознести их красоту – и, конечно, была превознесена в стихах сама, только тайно, даже не догадавшись об этом.

Вариантов истории множество, и каждый может представить себе тот, который ему ближе остальных.

Описание картины Пьера Огюста Ренуара «Букет роз»

Updated on 06.05.2016 By Admin

Чувственные и беззаботные работы Ренуара стоят особняком в импрессионистском искусстве. Запечатленный им мир, был свободен от тревожности и страхов, а сам художник был убежден, что произведение искусства должно привлекать приятным настроением, быть радостным и веселым. Это гедонистическое направление в искусстве французский художник пронес через свои картины и жизнь.

Ренуар обожал изображать людей, особенно красивых французских женщин, а натюрморты и цветы не были главной темой в его творчестве, но они были столь же прекрасны и изысканны, как женские образы на его полотнах.

Скорее, Ренуар писал натюрморты в перерывах между большими работами, отдыхая и расслабляясь таким образом. Им написано около двух десятков цветочных композиций. Сам художник говорил, что цветы – легкая работа, они прекрасно пишутся и приносят доход.

Цветочный сюжет всегда был в моде, а мода, как известно, некий исторический факт. Букет из роз насыщен разнообразием красок и передает стилистику мастера. Они не кажутся скучными и безжизненными, глядя на розовый букет, можно ощутить прекрасный аромат. Яркие цвета призывают к жизни и любви. Красочный живой сюжет может являться прекрасным украшением любого дома.

Сам художник считал, что выполняя работы в таком жанре легко научиться мастерству живописи, исследовать тона и практиковать сочетание света и тени.

Подрабатывая натюрмортами, художник оставил большую часть своих работ во владении частных коллекционеров.

opisanie-kartin.com

Описание картины Сальвадора Дали «Цветок» («Медитативная роза»)

Updated on 06.12.2013 By Admin

Написанная в родной Испании после возвращения из США и перед мрачноватым «французским периодом» картина Дали «Медитативная роза» полна ярких красок и какого-то, нехарактерного для художника в целом, радостного отношения к жизни. Можно было бы даже сказать (если такое вообще применимо к творчеству Сальвадора Дали) – осторожного оптимизма.

Картина приковывает к себе взгляды, где бы вы её не увидели (даже в виде копии или репродукции, потому что саму картину увидеть сложно, она находиться в частной коллекции).

Голубое сияющее небо, с радостными, слегка подсвеченными легким розовым цветом перистыми облаками, нехарактерно тщательно для Дали, до мельчайших подробностей и фигурок людей выписанная долина светло-коричневых тонов под этим небом…

А в центре картины – вместо солнца! – огромный, яркий, «летний», с распущенными лепестками, бутон розы. От картины нельзя оторваться, она дарить радость и , одновременно – странную тревогу (что уже больше похоже на впечатления от работ Дали). Попытаемся разобраться в её символике.

Большинство критиков, да и оставляющих отзывы в музеях или комментарии на сайтах зрителей сходятся во мнении, что бутон «медитативной» розы заменяет собой небесное солнце, то есть картина как бы символизирует подмену небесного объекта – земным, а смысл этого произведения – земная любовь, согревающая и освещающая людскую жизнь на этих равнинах.

Отсюда и радостное отношение к жизни, соответствующее, собственно, наиболее светлому периоду в жизни самого художника: он уже знаменит, разногласия с сюрреалистами его больше не волнуют, к тому же Дали только что вернулся на родину из Америки, где, пусть и не очень плодотворно, сотрудничал с Диснеем и Хичкоком. Но откуда же тогда подспудная тревога? Вглядитесь в картину холодным взглядом аналитика: не слишком ли низко для солнца расположен ослепительно яркий, красный (если не кровавый) розовый бутон? Напомним, к 1958 году уже не секретом были испытания ядерного оружия, как и восклицание одного из его создателей: «Какая небывалая красота!». И в самом деле, не напоминает ли эта, воссиявшая над землей – но все же чуть ниже солнца, – «земная роза», – ядерную вспышку? Словом, картина «Медитативная роза», как все работы Дали, дает повод к размышлениям, если не к медитации.

Исследователи творчества известного русского и советского художника-импрессиониста Константина Коровина выделяют особый, «цветочный» период его творчества, приходящийся на начало двадцатого века. В это время живописец особенно часто обращался к тебе цветочных натюрмортов.

Именно к этому периоду творчества Коровина относится данная картина «Розы». Как известно, художник посвятил изображению роз не одно полотно, его всегда привлекали эти величественные, шикарные цветы — настоящие королевы среди других цветов.

Изображенные на этой картине розы привлекают внимание зрителя своим свежим видом.

В работе художник использует холодные оттенки. Лепестки, написанные оттенками красного удивительным образом гармонируют с серыми цветами их окружения. Кажется, что картина источает холод и печаль.

Даже светлые пятнышки теплых оттенков кажутся случайными на этом полотне и не в силах изменить общее впечатление от нее. Так художник хочет подчеркнуть самостоятельность красоты этих цветов. Отсутствие сюжета в этом цветочном натюрморте еще более подчеркивает независимость этих прекрасных, но таких холодных творений природы.

В общем, картина оставляет впечатление некоторой незавершенности, недоработанности. Нечеткость линий вкупе с отсутствием выделяемых элементов заставляет зрителя воспринимать все изображение как единое целое, не заостряя свое внимание на чем-нибудь одном. Этим способом художник еще раз подчеркивает не сами цветы, а их холодную красоту и независимость.

Год написания картины: 1912.

Размеры картины: 93 x 70 см.

Техника написания: масло.

Жанр: цветочный натюрморт.

Галерея: Омский музей изобразительных искусств имени М.А. Врубеля, Омск, Россия.

opisanie-kartin.ru

Источник: http://td-trio.ru/opisanie-kartiny-roza/

Розы в живописи

?artWITHOUTborders * Yuri-KOSSAGOVSKY
yuri_kosagovsky
2013-02-26 00:54:00

РОЗЫ В ЖИВОПИСИ

… я решил поискать работы великих художников на эту тему ну и конечно поместил и свои картины с розами т.к. на классиков великих надо равняться и стремиться встать рядом с ними… ну и заодно захотелось и привести мысли художников об искусстве — особенно мне понравиласт мысль Ван-Гога:

«У искусства нет худших врагов, чем торговцы картинами… Они льстят публике, поощряют ее самые низменные, самые варварские склонности и вкусы»

===

Михаил Врубель. Розы — плафон

«забыть, что ты художник, и обрадоваться тому, что ты прежде всего человек» — Михаил Врубель

«Я знал, что Врубель, как и другие — Серов и Коровин — не говорят пустых комплиментов; они относились ко мне по-товарищески серьезно и не однажды очень жестоко критиковали меня. Я верил им… Их суд был для меня высшим судом»- Федор Шаляпин

Роза в стакане.
1904.Бумага на картоне, акварель.
Третьяковская Галерея, Москва, Россия.

Константин Коровин. Розы в голубых кувшинах. 1917 г.

«Мастерская — это спасение от мира подлости, зла и несправедливости» * «Нужен свет — больше отрадного, светлого» * «Пейзаж не писать [без] цели, если он только красив, — в нем должна быть история души. Он должен быть звуком, отвечающим сердечным чувствам.

Это трудно выразить словом, это так похоже на музыку» * «Моей главной, единственно непрерывно преследуемой целью в искусстве живописи всегда служила красота, эстетическое воздействие на зрителя, очарование красками и формами.

Никогда никому никакого поучения, никакой тенденции» — Константин Коровин

Розы. 1912 г.

Юрий Косаговский

«рисовать надо так как рисуют на заборах — простодушно и быстро» * «искусство это явление природы которым слава богу человек не может управлять» * «картина или стихотворение — это своеообразное любовное письмо автора к облаку… дереву… забору… траве… цветку… человеку… и т.д.» * «рисовать надо как рука возьмет» —

Розы 1992

волнистый пластик

Надоедные розы 1987

Роза — белый цветок 2008

Розы в тазу 1979

(последняя картина вероятно написанная на ул.Мархлевского)

Борисов-Мусатов Девушка с розами (сестра) 1912 Борисов-Мусатов

«Тоска меня мучит, музыкальная тоска по палитре, быть может» * «Не бунтовать, а вспоминать, мечтать, грустить» * «Когда меня пугает жизнь, я отдыхаю в искусстве» —

Розы и сережки 1912

Пабло Пикассо Три розы 1898

«художник это коллекционер» * «Искусство смывает пыль повседневности с души.» * “Все пытаются понять живопись. Почему они не пытаются понять пение птиц?” * Люди, делающие искусство своим бизнесом, по большей части мошенники. * — Пабло Пикассо

«Мальчик с венком роз»

картина розового периода

Ван-Гог «будучи художником, в большей мере чувствуешь себя человеком среди людей, чем живя жизнью, которая основана на спекуляциях и при которой приходится считаться с условностями».
* «У искусства нет худших врагов, чем торговцы картинами…

Они льстят публике, поощряют ее самые низменные, самые варварские склонности и вкусы» * «Сады, поля и пашни, которые у нас в Брабанте окружены дубовым лесом или подлеском, а в Голландии — подстриженными ивами, обнесены здесь живыми изгородями, черными и колючими.

Теперь на снежном фоне это производит впечатление шрифта на белой бумаге, выглядит, как страница Евангелия». — Ван-Гог

Розовые розы 1890

Розы

Одилон Редон Роза

«В масляной фактуре есть что-то колдовское: она подчиняет тебя, удерживает у мольберта, с каждым днём всё мучительнее, всё сильнее.» * “Заниматься живописью значит создавать красивую субстанцию, прибегая к особому, внутреннему чувству. Точно таким же образом природа создаёт алмаз, золото, сапфир. Это врождённый дар чувственности. Его нельзя приобрести.” — Одилон Редон

-=-*-=-

Оригинал записи и комментарии на LiveInternet.ru

Источник: https://yuri-kosagovsky.livejournal.com/371980.html

Михаил Врубель. Рисунки

В его рисунках, даже беглых и набросочных, никогда нет вялой приблизительности: рисовальная техника Врубеля отточена, как острый стилет.

Чаще всего он передает форму сетью прерывистых штрихов, ломких, пересекающихся. Из их паутины возникают орнаментальные эффекты, рисунок может напомнить прихотливые узоры ледяных игл. Если же присмотримся внимательно, увидим, что ни один штрих не положен случайно или только «для красоты» — он обрисовывает план формы, характеризует фактуру.

Вот сплошная пелена снега, оживляемая только узкой проталинкой и чернеющими вдали голыми ветками. Как передать графически этот простой мотив, казалось бы, небогатый оттенками? На рисунке, если глядеть вблизи, видны прихотливые комбинации отрывистых прямых черточек без единой кривой или круглящейся линии — почти фантастический узор.

Но на расстоянии штрихи скрадываются, и перед нами не плоское белое пространство, а явственно ощутимая фактура снега, рыхлого, местами подтаявшего. дают Богатые градации темного и светлого, очень точно найденные соотношения между ними.

Так было и в иллюстрациях к Лермонтову — игра пятен различной степени светонасыщенности создавала иллюзию красочного ковра.

На рисунках с натуры, гораздо более простых по сюжету и трактовке, можно убедиться, что подобный прием не был чем-то нарочитым, а вытекал из созерцания реальных предметов.

Врубель, рисуя, всегда начинал с прокладки основных пятен — от темных к светлым.

В светлых местах прикосновениями остро наточенного карандаша намечал нужные детали и наносил те легкие штриховые арабески, которые одновременно и строили форму (без них светлые места выглядели бы плоскими), и несли в себе неповторимое очарование врубелевского почерка. Иногда же он мог и просто оставить кусок листа белым, нетронутым — шкала отношений была найдена так безошибочно, что белый участок бумаги «опредмечивался».

Так, всякий, кто видит простой и прелестный карандашный рисунок «Дворик зимой», с уверенностью скажет, что там на первом плане — сугроб, а подальше — занесенное снегом крыльцо. Кажется, будто видны и тени на сугробе. На самом же деле снег изображен чистой поверхностью листа, совершенно не тронутой карандашом.

А вот зарисовка двоих мужчин в черных костюмах, сидящих в белых креслах и читающих. Их фигуры сплошь зачерчены густым черным горизонтально положенным штрихом, то есть даны как черные силуэты.

Однако форма их так прочувствована художником, что фигуры воспринимаются не силуэтно, а объемно и пространственно.

Мы видим внутри черного силуэта формы рук, ног, складки пиджака, хотя их очертания незримые, фактически их нет на рисунке.

Художник разнообразил свои приемы рисования. При быстрых зарисовках групп людей, беседующих, читающих, играющих в карты, в шахматы, он ограничивался сопоставлением больших пятен темного и светлого и опускал проработку деталей. Тем не менее группы «игроков», погруженных в свое занятие и, вероятно, даже не замечающих, что их рисуют, схвачены во всей их жизненной непринужденности.

Пятеро за столом играют в карты. Собственно, карт у них в руках не видно, но все равно сразу понятно, что идет именно карточная игра и собравшиеся ею поглощены: у игрока на первом плане даже спина состояние сосредоточенности. Очень выразительна фигура молодого «болельщика», забравшегося с ногами на диван,— он сам не участвует в игре, но с большим любопытством следит за ее ходом.

Еще лучше, пожалуй, шахматисты. Один напряженно обдумывает ход, его партнер откинулся на спинку дивана, руки в карманы, несколько расслабился, но не сводит глаз с доски, видимо прикидывая, как будет действовать дальше. Третий наблюдает.

Не будь этих рисунков, мы бы и не узнали, что Врубель мог так выразительно и живо запечатлевать житейские жанровые сценки, ведь на картинах он их никогда не изображал. Но он действительно «все мог».

Карандашный портрет доктора Усольцева по красоте и твердости техники и по выразительности психологической стоит на уровне лучших портретных работ Врубеля. Он сделан вдохновенно. Тонкое худощавое лицо с шапкой курчавых волос, проницательные, в упор глядящие глаза — в них светится гипнотическая сила.

Портрет студента — сделанный черной акварелью и карандашом, так осязательно передает форму и характер молодого лица, продолговатого, с тяжелым подбородком, узким разрезом глаз и юношеской припухлостью щек и губ, что нам кажется, будто мы видели и знали этого человека в жизни. Кажется, что слышали его солидный, но еще ломающийся басок; представляется, что он высокого роста, слегка сутулится при ходьбе. По лицу в воображении естественно дорисовываются и фигура, и характер, и манеры.

Безупречная лепка обоих портретов достигнута все той же системой угловатых разнонаправленных штрихов, которые, при всей прихотливости арабеска, чеканно моделируют форму в ее выпуклостях и углублениях, тенях и бликах. Эти мужские характеры переданы мужественной, волевой манерой рисунка.

В отличие от них, портрет В. А. Усольцевой — сама женственность, и сделан в несколько иной манере, легчайшими деликатными касаниями карандаша, без сильных темных акцентов, но с тонкой проработкой нежного лица, волос.

В портрете Усольцевой изгибающиеся линии узорного фона мягко обтекают, обнимают фигуру — она в этот лирический узор погружена, им окутана.

Роза в стакане

Натюрморт. Подсвечник. Графин. Стакан

Н. А. Прахов в своих воспоминаниях сообщает: «Помню, как Михаил Александрович говорил мне…

что художники обычно делают ошибку, когда, сочиняя что-нибудь или рисуя с натуры, следят только за внешним контуром предмета, в действительности не существующим.

Надо всегда проверять себя также по очертаниям фона, надо следить за его «орнаментальностью» — тогда все будет крепко связано между собой».