Скульптурные опыты Валентина Серова
Номер журнала:
#3 2015 (48)
Скульптурное наследие В.А. Серова не стоит рассматривать как результат серьезного профессионального занятия. Это своего рода паузы в тяжелом труде живописца.
Большая часть его «неживописных» работ появляется как будто спонтанно, не связана с магистральной линией его творчества, встречается в отдельные годы и может быть охарактеризована словом «лепка».
Серов лепил, будучи вовлеченным в жизнь Абрамцевского кружка, лепил, когда отсутствовала натура для решения сложных композиционных задач, и только однажды выступил как портретист, испытывая потребность творить в глине. Потребность, возникшую в процессе наблюдения за работой скульптора Паоло Трубецкого.
Свидетельство о первом серьезном скульптурном опыте Валентина Серова мы находим в воспоминаниях его матери1. Это был портрет Ивана Матвеевича Угланова, квартирного хозяина Серовых в селе Сябринцы. Изображение не сохранилось, но В.С.
Серова подробно описывает его. «Вот он стоит передо мною слепленный шестнадцатилетним юношей.
Что за сила! Что за выразительность в лице старого крестьянина, крутого, строгого нрава, пережившего крепостное право, свирепствовавшего и в своей семье с неимоверным деспотизмом.
Не смею утверждать, что бюст удачный (отбитый кончик носа особенно мешает судить о сходстве), но взгляд суровый из-под нависших густых бровей, упрямый лоб бывшего старосты переданы безусловно верно и сильно. «Мазки» репинские и здесь сказались, хотя и в другой области»2.
Бюст, исполненный около 1881 года, решал те же задачи художественной фиксации окружающего мира, что и наброски (графические и живописные) раннего ученического периода.
Это, пожалуй, единственное упоминание о пластической форме среди работ юного живописца, которую мать сочла нужным отметить. Говоря о манере работы сына, В.С. Серова особо подчеркивает живописные репинские «мазки».
Важно, что она считает необходимым сосредоточиться на этой живости и свежести лепки, а не просто на верности натуре и сходстве.
Наиболее значительная (в количественном отношении) группа лепных произведений Серова выполнена в Абрамцевской керамической мастерской. Для Валентина Серова керамика не стала столь значимой, как для М.А. Врубеля, создавшего целое направление в декоративной майолике.
Он ощущал себя прежде всего живописцем, будучи художником искренним, честным и безмерно трудолюбивым, не мог расточать время на то, что не являлось смыслом его жизни и, вероятно, не приносило ему значительного творческого удовлетворения, не захватывало, не поглощало целиком.
Керамические работы Серова — дань увлечению, охватившему большую часть обитателей и гостей Абрамцева (как и любительские спектакли, в которых он также принимал живейшее участие). В конце 1889 — начале 1890 года в усадьбе была оборудована небольшая гончарная мастерская.
Хозяева мечтали восстановить в старом доме печи и камины и дать им яркое художественное изразцовое убранство. К тому же сын С.И. Мамонтова Андрей Саввич учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ) и живо интересовался керамикой.
Многочисленные члены семьи Саввы Ивановича и гости увлеклись этим творчеством. Лепили сами и использовали готовые формы, на которые наносили орнамент, долепливали детали, согласовывали цвет глазурей с технологом П.К. Ваулиным.
Далее изделия обжигались в печи, и в следующий приезд гости могли их видеть уже в окончательном виде.
Серов принимал участие в работе Абрамцевской керамической мастерской с начала ее основания и, вероятно, до перевода производства в 1896 году в Москву, за Бутырскую заставу.
На Всероссийской промышленной и художественной выставке в Нижнем Новгороде (1896) среди работ Абрамцевской мастерской в одном из обозрений упоминались барботины3, исполненные целым рядом художников, в том числе и В.А. Серовым4.
Свидетельства самого Серова о работе в керамической мастерской и о произведениях, исполненных там, в письмах и документах не встречаются. Но из печати и воспоминаний современников можно почерпнуть сведения о некоторых из них.
Так, на известной выставке 1915-1916 годов в Галерее Лемерсье, единственной специализированной экспозиции продукции керамико-художественной гончарной мастерской «Абрамцево» при жизни С.И. Мамонтова, фигурируют три работы В.А. Серова: «Святой Георгий Победоносец» (№ 91), «Ваза» (№ 92), «Офелия» (№ 93)5.
Перечисление ряда работ Серова можно найти в описях готовых изделий, фабрикатов и форм керамико-художественной гончарной мастерской «Абрамцево»6.
Преобладают среди этих изделий панно, вставки и изразцы, то есть объем мало интересовал художника, и он предпочитал работать с плоскостью, с формами, близкими к изразцам, имеющими большую, гладкую поверхность. Заготовки изразцов имелись в мастерской в достаточном количестве, так как целью хозяев было обустроить и украсить усадьбу.
Серов лепил форму в очень невысоком рельефе, а далее следовал процесс, в котором всю ответственность за будущее произведение принимал на себя технолог П.К. Ваулин.
Профессионал, вдохновенно работавший над составлением палитры цветных глазурей, их плотностью и прозрачностью, был полноправным соавтором всех изделий Абрамцевской мастерской. Процесс росписи ложился на технолога.
Автор в лучшем случае мог представить акварельный эскиз, а подчас цвет оговаривался устно.
Работы в скульптуре и прикладном искусстве дают одно преимущество — с них можно снять форму и сделать несколько экземпляров. Панно «Утопленница» (31x26x10 см, около 1896, частное собрание, Санкт-Петербург), ставшее известным сравнительно недавно, неоднократно встречается в описях и классифицируется и как изразец, и как панно7.
Упоминания о нескольких экземплярах с аналогичным сюжетом свидетельствуют о наличии формы. Серов в «Утопленнице» выступает одновременно и скульптором, и живописцем. Привычную для живописца моделировку формы светом и тенью он меняет на реальный объем, вылепленный в глине.
Достичь тональной разработки формы с помощью цвета Серов в силу специфики материала не может. Он пытается применить чисто живописные выразительные средства, вводя изображение пейзажа, а это не способствует раскрытию особенности декоративного искусства.
Его работы более живописны, чем скульптурны, хотя в керамике он и теряет свое лучшее качество, самую сильную сторону своего таланта — колористический дар. Еще одно обстоятельство оборачивалось против художника в этом панно.
Серов отдавал предпочтение работе с натурой: создавая декоративно-прикладное произведение, он пользовался живописными приемами, заменяя холст и масло глиной и муфельными красками. По времени создания «Утопленница» совпадает с работой над картиной «Русалка» (1896, ГТГ). Представляется, что выбор сюжета для панно не случаен.
Художник продолжает разрабатывать замысел картины уже внутри Абрамцевского кружка, где этот литературный сюжет и близкие ему (Офелия, Русалка, Орфей) возникали постоянно. В его сыновней памяти могли появляться и ассоциации с незавершенной оперой отца А.Н. Серова «Майская ночь» по одноименной повести Н.В. Гоголя. Да и память о самом Гоголе, посещавшем эти места, сохранялась владельцами усадьбы.
Серов к середине 1890-х годов — автор таких виртуозных живописных полотен, как «Девушка, освещенная солнцем», «Девочка с персиками», и многих других, и все недостатки керамических панно для него очевидны.
Он исполняет панно «Святой Георгий Победоносец»8 и решает его иначе: цвет используется здесь заливками, рельеф плоскостен. Очевидно, что автор обращается к подчеркнуто графическим древнерусским образцам.
Среди бесспорно удачных декоративно-прикладных работ Серова следует отметить композицию «Черт, вылезающий из корчаги» (высота 29,3 см, 1890-е, Музей-заповедник «Абрамцево», ГТГ, частное собрание). Это произведение сложно определить по типологической принадлежности.
Чаще ее обозначают как вазу, хотя многие декоративно-прикладные изделия Абрамцевской мастерской имеют только декоративные функции и не могут служить в быту.
Корчага, вероятно, выполнена гончаром и относится к заготовкам, которые делались к приезду гостей, чтобы они могли декорировать заготовки и расписывать красками, не затрудняя себя лепкой больших объемов.
Корчага имеет правильную форму крестьянской посуды, а вот фигурка черта наверху тулова вылеплена свободно распластавшейся и слегка шаржированной и более напоминает литературный или фольклорный персонаж, скорее забавный, чем устрашающий. Видно, что автор с юмором отнесся к своей работе, хотел рассмешить и растормошить гостей.
Известен рассказ художника К.А. Коровина о том, как В.А. Серов и С.И. Мамонтов по очереди лепили одну забавную фигурку — шишигу и от души смеялись над этой импровизацией. Тут же оба фантазировали, определяя шишиге характер, круг интересов и занятий. Ваза, конечно же, была закончена в один вечер. В ней нет сложной, кропотливой работы. В ней присутствуют только виртуозная импровизация, энергия и веселье.
Обладавший великолепным чувством цвета и колористическим даром, Серов не мог серьезно относиться к результатам работы, на которую он мог так мало влиять. Да и все возраставшее количество заказных портретов не оставляли время на занятия керамикой. Это во многом объясняет небольшое количество керамических работ в наследии Серова.
Но для С.И. Мамонтова было важно другое: всякая вещь, вылепленная Валентином Серовым, несла на себе следы его таланта. Он ценил Серова, живописца и человека, оставившего яркий след в жизни его дома. Наличие корреспондирующих экземпляров «Черта, вылезающего из корчаги» и «Утопленницы» означает, что была снята форма и уже без присутствия Серова вещи получали свое колористическое решение.
Появление скульптурного портрета Паоло Трубецкого (князя Павла Петровича Трубецкого; гипс, 1898, ГТГ) — страница не только в творчестве, но и в жизни Серова. В 1898 году по приглашению директора МУЖВЗ князя А.С. Львова в Москву из Италии приезжает преподавать скульптуру Павел Петрович Трубецкой. В Московском училище к его приезду готовились.
Специально для него менее чем за год во дворе Училища была построена мастерская и выписан из Италии литейщик Карл Робекки. Ателье скульптора быстро стало знаменитым, туда приезжали позировать многие и даже сам Лев Толстой, признававший Паоло Трубецкого большим художником. Москва распахнула для него объятия.
Он принят везде, и причина не только в том, что Трубецкой — представитель древнего рода и племянник ректора Московского университета, философа, князя С.Н. Трубецкого, но и в огромном его обаянии, независимости, артистизме и таланте. Он оказался в центре художественной жизни Москвы.
Его имя на слуху и в печати, он один из самых упоминаемых художников начала ХХ века, от него ждут, что он вдохнет новую жизнь в скульптуру, вернет ей иссякшую силу. В первый год преподавания к нему в ученики записалось сорок человек.
Серов, как и многие, был очарован Трубецким. Он не только пишет портрет Трубецкого; увлеченный личностью скульптора и его творчеством, лепит большую полуфигуру.
Для Серова, неустанно трудившегося, неуверенного, сомневавшегося, Трубецкой был, вероятно, жителем другого мира — уверенный, ставивший себя выше светских условностей, не позволявший никому усомниться в своих артистических способностях и возможностях.
Больше всего поражало, как уверенно и легко работал Трубецкой. Эта легкость привлекала не только молодежь, но и сложившихся художников. Серов, работавший медленно и тяжело, мечтал понять и усвоить эту легкость и быстроту портретирования.
Работ такого формата Серов никогда не делал в глине и, вероятно, пользовался советами своего сиятельного натурщика. Серов повторяет широкие мазки Трубецкого, моделирует форму пальцами, придавая импрессионистическую подвижность твердому материалу.
Поверхность портрета светоносна и трепетна и вторит внутреннему напряжению и нерву портрета. Будучи блистательным портретистом, Серов легко справился с передачей облика скульптора, придав портрету очень характерные позу и взгляд. Этот портрет новизной и живостью вполне отвечал задачам скульптуры нового времени.
В последующее десятилетие Серов не обращался ни к скульптуре, ни к прикладному искусству.
Жизнь его так строго поделена между живописью, семьей, преподаванием, общественной деятельностью, выставками, что не остается времени на что-то за пределами этих строгих границ.
При такой занятости очень логично, что создание следующей скульптуры было продиктовано работой над новой картиной — «Похищение Европы».
Скульптурная композиция «Похищение Европы» подобно врубелевскому «Демону» (гипс, ГРМ) позволяла решать сложные композиционные задачи и выстраивать правильные ракурсы при работе с холстом. Серов бесконечно привязан к натуре, делает многочисленные зарисовки. Ему необходим зримый контакт с оригиналом. Мастер лепит форму широкими «мазками», в мощной пластической манере.
Видно, как претворился в скульптуру графический набросок быка из Орвието. Но изображение фигурки юной Европы — это совершенно иной художественный образ, он взят из древнегреческой архаики и подобен нежной коре с улыбающимся лицом-маской. Такое сочетание архаики и современности, такая попытка сплавить древние мифы и оживить их наблюдаются в то время только в творчестве С.Т. Коненкова.
Это, возможно, происходит от задачи, решаемой художником и не связанной с проблемами подачи формы. То, что скульптура исполнена в качестве натуры для живописной работы, видно по ряду чисто рабочих деталей. Серова интересует силуэт, потому не выбрана глина в ряде мест, где это не мешает внешней форме и восприятию композиции в целом.
Используя скульптуру в рабочих целях, он не придавал значения и завершенности композиции. С тыльной стороны она решена очень обобщенно. Круглая по своему типу скульптура имеет строго фронтальную точку зрения и должна рассматриваться подобно картине только фронтально.
Композиция в своей изобразительной части приподнята над конструктивным основанием на высоту от 3 до 7 см, и вся нижняя часть несет чисто утилитарную задачу — поддержать изображение над поверхностью воображаемой воды.
Для придания устойчивости тяжелой голове быка, которая своей массой перевешивает всю остальную часть, Серов даже использовал в чистом виде архитектурный контрфорс, не пытаясь декорировать конструктивную деталь. Именно это утилитарное рабочее решение дает основание утверждать, что скульптурный вариант «Похищения Европы» исполнен как натурный объект. При жизни Серова переведен только в гипс.
Скульптурное наследие Серова невелико, но достаточно разнообразно — портреты, сюжетные композиции, декоративно-прикладные композиции, при этом каждое произведение несет на себе отпечаток таланта, мысли, вкуса.
При кажущейся несерьезности прикладных произведений Серова нельзя не отметить, что мастерство и талант художника делают их достаточно значимыми и важными при анализе творчества.
Он, безусловно, совершенствовал свою технику лепки и оставлял в каждом произведении личный опыт, отмеченный возрастающим мастерством и пониманием специфики скульптуры. Фигурка на корчаге и по рисунку и по «неприглаженности» сродни фигуркам мужиков из его иллюстраций к басням Крылова. Чувство меры и вкуса безупречны.
Крестьянская корчага простой формы, без изысков и утонченности завершается столь же лаконичной, угловатой фигуркой. На такой форме может появиться только соответствующее ей изображение.
Портрет П.П. Трубецкого дает возможность Серову максимально сосредоточиться на передаче сложного характера талантливого мастера, сочетающего в себе аристократизм, трудолюбие и легкую заносчивость. Таким видится он на фотографиях и в воспоминаниях современников.
Скульптурные работы Серова сохранились благодаря усилиям его друзей и поклонников. Когда после смерти Серова поднялся вопрос о помощи его семье, то помимо образования капитала, обеспечивающего материальное будущее его семьи, художники, связанные с МУЖВЗ, инициировали перевод гипсовой «Европы» в бронзу.
На посмертной выставке произведений Серова экспонировался гипсовый экземпляр9, принадлежавший О.Ф. Серовой. Отливки в бронзе около 1916 года выполняют Эмилио и Карло Робекки. В 1915-м появляются фарфоровые реплики скульптуры, выполненные на Императорском фарфоровом заводе.
Параллельно одна из моделей исполняется в керамике.
Перевод в бронзу портрета П.П. Трубецкого осуществлен уже в 1955 году известным советским отливщиком В.В. Лукьяновым по инициативе заведующей отделом скульптуры ГТГ Валентины Павловны Шалимовой.
- Серова В.С. Как рос мой сын. Л., 1968.
- Там же. С. 116.
- Барботин — в керамическом искусстве накладной рельефный орнамент, выполненный глиняным тестом (лепной материал из смеси белой глины, песка и краски).
- Оглоблин В.Н. Керамика на Нижегородской всероссийской выставке 1896 г. Москва, 1897. С. 14, 20.
- Каталог выставки художественной индустрии, декабрь 1915 — январь 1916. Галерея Лемерсье. «Абрамцево». Майолика Саввы Ивановича Мамонтова. М., 1915.
- Арзуманова О.И., Любартович, ВА. Нащокина М.В. Керамика Абрамцева в собрании Московского государственного университета инженерной экологии. М., 2000. С. 179-193.
- Красникова И. Неизвестный Серов из швейцарского собрания Якунчиковой // Русское искусство. 2005. №3. С. 54-57.
- В настоящее время это панно можно увидеть только в черно-белом воспроизведении в журнале «Искры» (1916, №1).
- Каталог посмертной выставки произведений В.А. Серова. СПб., 1914, №295. С. 24.
Вернуться назад
Источник: https://www.tg-m.ru/articles/3-2015-48/skulpturnye-opyty-valentina-serova
Небывалый ажиотаж. Картины В. Серова теперь посмотрите без очереди
Выставка работ одного из величайших русских художников Валентина Серова (1865-1911), писавшего в стиле реализма и неоклассицизма.
Экспозиция в Государственной Третьяковской галерее на Крымском валу была приурочена к 150-летию со дня рождения мастера. В ней было представлено более ста произведений живописи, графика.
Самая потрясающая работа художника, по нашему мнению, это знаменитая картина «Девочка с персиками».
Мы сначала тоже думали, почему Серов? Но потом, когда увидели картины, поняли. Все это, собранное вместе, дает совершенно необыкновенный эффект. Вглядитесь в лица на представленных полотнах, всмотритесь в детализацию и прорисовку, например, одежды – это просто поразительно!
Девочка с персиками (портрет В. С. Мамонтовой). 1887.
С конца XIX века именно портрет стал основным жанром в творчестве Серова. В экспозиции были представлены портреты царственных особ, аристократов, художников, поэтов.
Необычность стиля художника отметил также и Владимир Путин, посетивший выставку.
Президент России сравнил манеру работы нашего великого соотечественника с другим всемирно известным художником, представителем испанской школы – Диего Веласкесом.
Девушка, освещенная солнцем (портрет М. Я. Симонович). 1888.
В девять лет наставником В. Серова становится Илья Репин, и именно в репинской манере с легкими растушевками написаны портреты матери, двоюродной сестры. Но все же славу Серову как портретисту принесло не просто свободное владение техникой, но и умение всего лишь несколькими штрихами передать суть личности.
Портрет художника Исаака Левитана.
Особое внимание – лицу. В глазах словно видны душевные струны. Сдержанность – в портрете Левитана, пронзительный взгляд Максима Горького, царственность обнаженной Иды Рубинштейн.
И почти за каждой работой – сотни разорванных набросков и месяцы труда. Не прописывая детали, Серов добивался почти зеркального сходства, и мог долго не браться за картину, обдумывая, как должна выглядеть модель.
Проникался своей работой настолько, что создание портрета называл болезнью.
Заросший пруд. Домотканово. 1888.
Портрет княгини З. Н. Юсуповой. 1902.
Купание лошади. 1905.
Портрет С. М. Боткиной. 1899.
Петр I. 1907.
Портрет И. А. Морозова. 1910.
Октябрь. Домотканово. 1895.
Портрет Генриетты Гиршман.
Мика Морозов. 1901.
Портрет великого князя Павла Александровича. 1897.
Портрет князя В. Н. Голицына. 1906.
Выезд императора Петра II и царевны Елизаветы Петровны на охоту. 1900.
Портрет А. Н. Турчанинова. 1906.
Георгий Победоносец. 1885.
Баба в телеге. 1896.
Крестьянский дворик в Финляндии. 1902.
Открытое окно. Сирень. 1886.
Портрет Александра III с рапортом в руках. 1900.
Портрет Иды Рубинштейн. 1910.
Источник: https://photolium.net/painting/919-valentin-serov-amazing-painting.html
Победоносный воин Христов
Победоносный воин Христов
| 06 мая 2014 года |
От редакции «Россия навсегда»: «Святой воин Георгий, прозванный Победоносцем, был казнен 6 мая в начале IV века по приказу римского императора Диоклетиана. И с тех пор память о нем и его подвигах никогда не ослабевала у разных народов христианского мира.
На Руси христианский святой Георгий, бесстрашно противостоящий злу, постепенно превратился в героя народных сказаний Егория Храброго (Егор и Юрий — русские формы греческого имени Георгий) — приводим рассказ «Победоносный воин Христов» Веры Донец, сотрудника научно-просветительского отдела Государственной Третьяковской галереи, опубликованный в газете «Православное Ступино» май 2013 г.
***
Святой воин и великомученик (так называют святых, принявших особенно тяжкие и длительные страдания за свою веру) Георгий, прозванный Победоносцем, был казнен в начале IV века по приказу римского императора Диоклетиана. И с тех пор память о нем и его подвигах никогда не ослабевала у разных народов христианского мира.
Культ его сложился в V веке в Малой Азии, Сирии, Палестине и широко распространился в Византии, на Кавказе, на Балканах, на Руси и в Западной Европе.
Во многих странах и городах (в том числе и в Москве) он почитался как небесный покровитель, а его образ запечатлен на гербах, медалях и монетах.
На Руси христианский святой Георгий, бесстрашно противостоящий злу, постепенно превратился в героя народных сказаний Егория Храброго (Егор и Юрий — русские формы греческого имени Георгий).
где святой Георгий, как это было принято и в Византии, представал в воинских доспехах, с копьем, мечом и щитом.
Святой Георгий родился в конце III века в Бейруте, в богатой и знатной христианской семье. Возмужав, он пошел на военную службу и быстро отличился среди римских воинов своей отвагой, силой и умом. Сам император возвысил его до звания тысяченачальника и очень ценил воинский талант Георгия.
Но Диоклетиан был жестоким гонителем христиан, и его молодой полководец, сострадая мученикам, не стал скрывать свою веру. Раздав все свое имущество бедным, Георгий пришел к императору, объявил себя христианином и обвинил правителя в совершаемых против христиан злодействах. Диоклетиан пытался образумить своего любимца, уговаривал его отречься от Христа, но безуспешно.
Тогда император приказал пытать Георгия, надеясь сломить его волю, но святой воин стойко переносил страшные мучения.
В клеймах (небольших изображениях на полях) житийных икон святого Георгия часто показывали жестокие пытки, больше похожие на казнь, и каждую из них он принимал с кротким спокойствием, поражая всех силой своей веры.
Что бы с ним не делали — пилили пилой, сдирали кожу, варили в котле — он продолжал молиться и оставался жив и невредим.
Видя это, многие из окружающих поверили в силу христианского Бога (даже движения палачей на многих иконах напоминают благоговейную позу моления).
Георгий с житием. Москва. Первая треть XVI века
Жена Диоклетиана, царица Александра, пришла к месту мучений Георгия, упала к его ногам и открыто признала свою веру в Христа.
Бодаревский Николай Корнилиевич (1850-1921). «Святая царица Александра». 1895 г., Государственная Третьяковская галерея, Москва. Икона написана для создания мозаики в Соборе Воскресения Христова (Спас на Крови) в С.-Петербурге (1907 г.).
В XIX веке в России Александра Римская стала небесной покровительницей императриц (Александра Фёдоровна (императрица, жена Николая I), Александра Фёдоровна (императрица, жена Николая II)).
В этот период в её честь был освящён целый ряд храмов в Москве.
Взбешенный император приказал казнить и свою жену, и святого Георгия — 23 апреля (6 мая по новому стилю) 303 года ему отрубили голову.
День казни святого стал днем прославления его духовного подвига. В V веке в Риме была построена Георгиевская церковь, где хранилась частица мощей святого (сам он был похоронен в городе Лидда в Палестине), а также его ратное копье и хоругвь.
Гробница и мощи святого великомученика в Лидде
Тогда же было составлено Житие святого Георгия, дополненное в VI–VII веках описаниями чудотворений святого воина. Легенды о святом Георгии излагали известные церковные писатели и богословы: Андрей Критский (называемый также Иерусалимским), Симеон Метафраст, Григорий Кипрский.
Наиболее древние изображения святого воина относятся к V–VI векам и представляют его прежде всего как мученика, снискавшего венец небесной славы.
Так, на синайской иконе рубежа VI–VII веков «Богоматерь на престоле с предстоящими Феодором и Георгием» юный воин предстает в том иконографическом образе, который станет традиционным — с миловидным безбородым ликом, с шапкой кудрявых волос и крестом в руке.
Богоматерь с Младенцем и св. Феодором и Георгием. Вторая половина VI в. Монастырь cв. Екатерины, Синай, Египет
Позже к образу святого Георгия добавится и еще один символ мученичества — красный плащ. С X–XI веков в византийском искусстве стал широко известен образ Георгия-воина, в воинском облачении и с оружием.
Святой Георгий. Икона. 1130-1140 гг. Новгород. ГТГ, Москва
Такой же тип изображения святого — в полный рост или поясной — приходит на крестившуюся Русь.
Георгий Победоносец, вмч. Двусторонняя выносная икона. XI в. Происходит из новгородского Софийского собора. Успенский собор Московского Кремля
По сложившейся в Византии традиции, святого Георгия часто изображали вместе с другими почитаемыми святыми воинами — Димитрием Солунским, Феодором Тироном, Феодором Стратилатом. Вместе они представляли Христово воинство, стоящее на страже веры и добра.
К концу XII века возник иконографический вариант с изображением святого Георгия, восседающего на троне (но такие образы всё же были довольно редкими).
Св. Георгий на троне. Нач. XVI в. Болгария. Художественная галерея, Пловдив
Подобный торжественный облик святого был связан с византийским императорским церемониалом (Георгий считался покровителем императоров Византии, многие из которых вышли из знатного воинства).
Предстоя земному миру как небесный защитник, триумфатор в борьбе со злом, святой воин обозначает свою неусыпную готовность к отражению всякой напасти, слегка выдвигая меч из ножен. Византийский поэт Мануил Фил (XIII–ХIV вв.
) возвышенно описал такой образ святого Георгия: «Прекратив бой, в котором ты изгнал врага души, вновь ты находишься в раздумье…»
Есть еще редкий тип иконографии, когда святой Георгий представлен в молении и обращен в трехчетвертном развороте ко Христу, являющемуся ему из небесной сферы. В поздневизантийской культуре появились изображения, называемые по-гречески «кефалофорос» (т.е. «несущий главу»), когда святого Георгия писали с собственной усеченной головой в руке.
Св. Георгий Кефалофорос. XVI в. Крит. (ГИМ, Москва)
При этом в свитке, который на некоторых подобных изображениях держал великомученик, было начертано обращение к Спасителю: «Видишь, что сотворили беззаконные, о Слово? Ты видишь главу, ради Тебя отсеченную». В руке Христа, благословляющего святого воина, также был свиток с начертанием: «Вижу тебя, мученик, и даю тебе венец».
Но самым известным, излюбленным образом святого Георгия стало так называемое «Чудо Георгия о змие», схватку с чудовищем стали изображать с конца IX века (когда сложилось повествование о победе над змеем).
Чудо св. Георгия о змие, с житием Георгия. Перв. половина XIV в. Русский музей, Спб.
Самое прославленное чудо святого Георгия свершилось уже после его казни. (Хотя ряд византийских источников считает это чудо прижизненным). По преданию, близ Бейрута (в легенде — это город Ласия) поселился в озере огромный змей-людоед, отравлявший округу своим ядовитым дыханием.
Каждый день он требовал себе пищу, и жители города вынуждены были отправлять к нему на съедение все новые жертвы. (Иногда на иконах встречалась жутковатая подробность: во мраке пещеры змея виднелись черепа погубленных им людей). Однажды жребий пал на царскую дочь, царевну Елисаву (Елизавету).
Плача, она отправилась к озеру и ждала гибели, как вдруг увидела юношу-воина верхом на коне. «Не бойся, — сказал он царевне, — я силой Бога моего спасу тебя». Когда чудовище появилось из воды, святой Георгий лишь коснулся его копьем, произнеся молитву, и страшный змей сделался кротким, как домашнее животное.
Уже без всякого страха царевна привязала к его шее свой поясок и повела в город, где пораженные чудом люди прославляли христианского Бога и многие затем приняли крещение. Каким бы зловещим не выглядел змей на иконах, эту подробность — поясок царевны — писали всегда, если изображали Елисаву рядом с чудищем.
Укрощенный зверь словно напоминал, что зло побеждается не силой оружия, а могуществом веры и доброты.
Существовало два варианта изображения этого сюжета — краткий и развернутый. В кратком варианте (изводе) не изображалась царевна и город, а в развернутом, в зависимости от времени и особенностей иконописной школы, появлялись разнообразные детали.
Святой Георгий с отроком и победой над змием. Греция. Афон Великая Лавра XVII в.
Кроме спасенной девушки, причудливых архитектурных форм города, людей, выглядывающих из башен и ворот, а иногда и самого царя, приветствующего героя (и даже протягивающего ему ключи от города), встречаются очень редкие подробности — например, отрок с кувшином, сидящий на коне позади святого Георгия.
Как рассказывает легенда, мальчик был похищен с одного из греческих островов арабами и увезен на Крит. Там пленный отрок стал виночерпием и прислуживал на пирах. Его охваченные горем родители молили небеса о помощи, и в день памяти святого Георгия мальчика прямо от пиршественного стола забрал некий величественный воин на коне и чудесным образом перенес в родительский дом.
Иконы, где была показана и победа над змием, и спасение отрока из стали именовать «двойным чудом святого Георгия».
Для русской иконописи стало очень характерным изображение в средниках (центре) житийных икон не традиционной фигуры святого (в рост, или по пояс), а столь полюбившегося Чуда о змие, утверждавшего несомненную победу добра над злом.
Чудо Георгия о змие с житием. Русский Север. Конец XVII — начало XVIII века (источник)
В западноевропейской живописи сюжет, посвященный поединку святого Георгия с чудовищем, был очень популярен, но, в отличие от иконописцев, европейские художники старались показать не возвышенно-светлый образ, а грозную и таинственную атмосферу битвы с воплощением зла — драконом.
Паоло Уччелло. Битва св. Георгия с драконом. Ок. 1456 г. Раннее Возрождение. Национальная галерея, Лондон
Большое внимание уделялось мрачному пейзажу, стремительным движениям схватки и подчеркнуто рыцарскому облику святого Георгия, облаченного в сверкающие латы (еще со времен Средневековья в Европе Георгия Победоносца считали небесным покровителем рыцарей).
Питер Пауль Рубенс. Св. Георгий, побеждающий дракона. 1607-1610 г. Музей Прадо, Мадрид
На Руси день памяти святого Георгия отмечался особо, считаясь началом полевых работ. Даже если на полях еще лежал снег, стада обязательно выгоняли на пастбище — считалось, что в этот день Егорий на белом коне объезжает стадо, беря его под покровительство и охраняя от волков и змей.
Если для князей святой Георгий был доблестным воином, то для крестьян он был носителем имени «Георгий», что значит в переводе «земледелец». Святого просили «открыть землю», пролить на поля первый дождь, дающий плодородие.
Весенний день памяти святого Георгия вошел в поговорки: «На Егория роса — будут добрые проса», «Егорий на порог весну приволок». День Егория Зимнего («Юрия Холодного») — 26 ноября/9 декабря — закрывал крестьянский год, все хозяйственные работы на полях заканчивались.
Так, незримо сопровождая людей в их земных чаяниях и заботах, святой Георгий продолжал, как и прежде, хранить мир от опасностей и зла.
Михаил Васильевич Нестеров. Георгий Победоносец, 1900. Эскиз росписи стены церкви Святого Александра Невского в Абастумане, Грузия
***
Источник
Источник: http://rossiyanavsegda.ru/read/1957/
Свободные мазки Валентина Серова
Один из самых даровитых и известных художников – Валентин Александрович Серов – родился в Санкт-Петербурге в 1865 году. Его дарование было заметно с детства, и, будучи еще мальчиком, Серов брал уроки живописи у мастера исторической и портретной живописи Ильи Репина.
В 1880 году Валентин Серов начал учиться в Императорской Академии Художеств, в которой в разные годы преподавали такие выдающиеся художники, как Франц Рубо, Альберт Бенуа, Николай Смокиш и многие другие, обучались такие художники, как Виктор Васнецов, Михаил Врубель, Василий Суриков, всех не перечислить. В 1884 году Серов заканчивает обучение в Академии, и после этого создает свои первые знаменитые картины: «Девочка с персиками», «Девушка, освещенная солнцем».
Но вернемся немного назад, чтобы посмотреть, какие люди окружали будущего художника, в каких условиях, в каком обществе он жил и взрослел. Его родители были настоящими аристократами.
Отец – Серов Александр Николаевич – водил дружбу с Тургеневым, среди его хороших знакомых надо назвать, к примеру, художника Николая Николаевича Ге (который учился в Императорской Академии Художеств и кисти которого принадлежит всем известный портрет Льва Толстого), скульптора Мордуха Матысовича Антокольского, известного больше под более привычными для слуха именем и отчеством – Марк Матвеевич. Таково было окружение отца будущего художника, отца, который и сам был человеком одаренным и творческим – известным в свое время композитором.
А что касается матери Валентина Серова, то она была человеком очень своеобразным, достаточно сказать, что она была по своему общественному мировоззрению нигилистом.
Но, пожалуй, самое необычное, о чем можно говорить про эту женщину, – это ее профессия: она была, несмотря на свой пол, композитором, как и муж, и для того времени этот факт не мог не бросаться в глаза – женщина-композитор в XIX веке была как белая ворона в стае угрюмых, темных и одинаковых птиц.
Таким образом, люди, окружавшие будущего мастера, были творческими и нестандартно мыслящими, поэтому Валентин Серов уже с детства находился в своеобычной атмосфере культуры и искусства.
Хотя, по свидетельству его современников, будучи взрослым, состоявшимся художником, он был, скорее, человеком мрачным и погруженным в себя, нежели открытым и добродушным.
Но тому есть свое объяснение: его окружение было аристократическим, при этом не располагало к развлечениям и беззаботности.
Люди, окружавшие его, были целеустремленными творческими личностями, однако они не были ему сверстниками и свойственное почти каждому мальчишке озорство не могло проявиться и стать ему отдушиной. У него было рисование. И это рисование поощрялось. Мать его – Валентина Семеновна – сделала все возможное, чтобы талант ее сына не пропал даром.
И он не пропал! Илья Репин помог маленькому Валентину развить свои способности, а затем была уже упоминавшаяся Академия Художеств, в которой преподавателем Валентина был профессор Павел Чистяков, человек, не терпящий неточностей и привыкший общаться с учениками строго и жестко. Но эти строгость и жесткость очень даже дали свои плоды: Валентин Серов за время обучения в Академии расширил свой кругозор, став художником многоплановым и в то же время цельным.
Павел Чистяков, хотя был строг, но хвалил своего ученика, у которого все было «в превосходной степени».
Уже упоминавшаяся картина «Девочка с персиками» была написана Серовым в Абрамцеве, а девочкой была маленькая Вера Мамонтова.
В Абрамцеве было свое общество, у Мамонтовых проходили театральные постановки, в которых участвовал и Валентин. Позже, в конце 1880-х, в этот абрамцевский кружок был введен тогда еще почти никому неизвестный Михаил Врубель.
Картина Валентина Серова «Девочка с персиками» была написана с натуры в 1887 году. Как признавался потом сам художник, «мучил» он Веру Мамонтову больше месяца – так хотелось ему достигнуть в своей картине необычайной свежести и в то же время законченности.
Произведение Серова написано, скорее, в импрессионистическом жанре, нежели в жанре строгого реализма.
Довольно грубые, толстые мазки здесь соседствуют с некой пространственной подвижностью, впечатление создается, что картина как будто схватила определенный момент времени и уже начала переходить к другому, но – это не кинофильм, а картина, и поэтому движение лишь намечено, оно предполагается, оно вот-вот свершится, но все же пока оно не произошло, и мы можем поразиться, как художник смог передать это движение в законченном произведении, как при помощи свободного и грубого мазка создал впечатление момента времени, которое никогда не останавливается.
В 1888 году Серов пишет еще один портрет – «Девушка, освещенная солнцем». На этот раз ему позировала двоюродная сестра – Мария Симонович.
Российский меценат и коллекционер искусства Павел Третьяков не преминул возможностью приобрести эту картину молодого художника, что говорит, безусловно, о ее значительности и оригинальности.
Оригинальность картины выразилась в том же самом импрессионистическом налете, в свободном и не стесненном условностями реализма мазке – как будто бесшабашном и не подверженном академичности и сухости, которые обычно присущи таким картинам.
Но тут нет «заморочек»: деревья на заднем плане – это не какие-то скопированные постаменты, в которых нет жизни, сама девушка сидит, упершись спиной в одно из деревьев, и кажется, как будто она сейчас встанет и пойдет по своим делам – кажется, что ее держит только взгляд художника, который уже сейчас закончит и скажет ей: «Ну все, готово!»
Вернемся к биографии художника, к его окружению. В 1887 году случилось важное событие в жизни художника: он поженился. Его избранницей оказалась Ольга Федоровна Трубникова.
И уже вскоре после женитьбы у супружеской пары появились дети, — Серов, конечно, напишет их на картине, которая так и будет называться: «Дети». С семьей, судя по всему, художнику повезло – семья была большая и гармоничная, крепкая.
Но художник не ушел с головой в семейные дела, он продолжал писать свои мастерские, высокохудожественные картины, и работал по-настоящему, увлеченно – благо, он был востребован, к нему обращались с просьбами «написать портрет» высокопоставленные лица.
И он писал их, писал князя Юсупова, банкира Гиршмана, мать миллионера Морозова. А также портреты царей – Петра I, Николая II, — правда, здесь мы забежали немного вперед, так как портреты царей были созданы художником уже в XX веке.
А в конце XIX века Валентин Серов как исключительно талантливый и амбициозный художник превратился в одного из самых замечательных и востребованных портретистов своего времени.
И действительно, мы не можем не заметить стиль, свойственный художнику в его работах, их притягательность, оригинальность и даже глубокомысленность. В качестве примера рассмотрим картину под длинным названием «Портрет графа Ф.Ф.
Сумарокова-Эльстон, впоследствии князя Юсупова, с собакой».
Эта картина была написана художником в 1903 году, и на ней мы видим довольно молодого человека со своей собачкой – бульдогом. Взгляд будущего князя Юсупова остр и холоден – перед нами настоящий офицер из военной семьи.
Впоследствии князь Юсупов станет генерал-адъютаном (очень почетное звание), но после убийства Григория Распутина, которое произойдет вследствие заговора, и в котором деятельное участие примет сын Юсупова, князь станет «персоной нон грата» для двора, правда, совсем ненадолго – вскоре случится Октябрьская революция, а во время гражданской войны князь эмигрирует за границу, как и многие тысячи его соотечественников. Потомки князя будут жить за границей, ассимилируются, и русский род Юсуповых сойдет на нет. Кажется, это написано на лице будущего князя с картины? Но, конечно, это можно сказать уже после… На картине будущий князь держит за лапу своего бульдога, и кажется, что бульдог этот – очень старый и мудрый, а юноша только начинает свою жизнь… Одежда графа написана художником своими грубыми, привычными мазками, а вот черты лица и мордочка собаки выведены почти идеально точно – перед нами портрет одновременно и импрессионистический, и реалистический, и эта двойственность придает произведению некую неоднозначность и взаимодополняемость – и она же придает интерес.
Валентин Серов писал не только высокопоставленных лиц, государственных лиц, он вращался, конечно, в творческой среде, и не мог не писать этих людей, с которыми проводил время или которые были ему небезразличны: Федора Шаляпина, Илью Репина, Максима Горького, Исаака Левитана, Антона Чехова, Константина Станиславского и других артистов, художников, писателей.
Портрет Шаляпина выполнен художником в графике, он не цветной, но насколько же Серову удалось передать само выражение лица, настроение, весь пафос личности великого оперного певца! Портрет Шаляпина был написан в 1905 году, и, безусловно, портрет этот стоит особняком в творчестве русского портретиста.
Но, конечно же, Серов – не только портретист, он еще и мастер исторических мотивов, иначе – живописи, посвященной историческим событиям и личностям. Пример тому – картина «Петр I».
Хотя в каком-то – широком – смысле это и портрет, все же больше здесь исторических деталей, есть окружение, есть множество вещей, на которые невольно обращаешь внимание, когда смотришь на картину.
Поистине, «Петр I» Серова – лучшая картина, изобразившая Петра, поскольку передает наиболее важное качество – атмосферу личности, ее глубину, ее детали.
Ведь, несомненно, все эти детали, которые мы видим вокруг шагающего Петра – не что иное, как визуальные воплощения внутреннего мира российского самодержца: мрачность, строгость, порой жестокость, целеустремленность, доходящая до самых крайних мер, выражены здесь тусклым, мрачным небом, холодным морем, шагающими за императором согнутыми людьми, какой-то неустроенностью вокруг и шпилями города на заднем плане. Таков Петр, такова его личность!
Картина «Петр I» была написана художником в 1907 году. Кроме нее стоит сказать о таких картинах, посвященных истории, как «Георгий Победоносец» (1885 года), «Выезд императора Петра II и царевны Елизаветы Петровны на охоту» (1900 года), «Выезд Екатерины II на соколиную охоту» и «Петр I на псовой охоте» (1902 года).
Кроме портретов и исторических картин Валентин Серов писал много русскую деревню, простых русских мужиков и баб, русские просторы и природу.
Все эти картины по-своему интересны и открывают перед нами душу художника, его настроения и чувства. Стоит сказать отдельно и о таком особенном направлении в творчестве Серова, как картины, написанные им на античные темы.
Здесь выделяются такие произведения, как «Похищение Европы» и «Одиссей и Навзикая».
Когда смотришь на картины Валентина Серова, возникает ощущение, что художник не особенно старался их выписывать. Почему-то они получались у него сами собой.
Взять, к примеру, его «Купание лошади» (1905 года), где изображены человек и лошадь у моря, человек берет в пригоршню воды, лошадь спокойно стоит, и видно, что сильный ветер, что сдувает хвост лошади… Серов удивительно намазал лошадь, намазал море, намазал картину так, что кажется, это было все просто, так просто и непритязательно.
И получилось творение, на которое хочется смотреть и думать о чем-то своем – она так гармонична и, наверное, способна снимать напряжение. Возможно, это качество многих картин Валентина Серова так не хватало картинам других известных художников.
Но Серов передал свое видение жизни – и живописи – своим ученикам. С конца XIX века – он преподаватель МУЖВЗ (Московское училище живописи, ваяния и зодчества), в котором на художника обучались восемь лет и по окончании училища получали высшее художественное образование.
Валентин Серов обучал живописи Кузьму Петрова-Водкина, будущего театрального художника Николая Сапунова, будущего лауреата Сталинской премии Константина Юона (который после окончания училища остался на продолжительное время в мастерской Валентина Серова), многих других, ставших впоследствии известными, художников.
Много успел сделать за свою не такую долгую жизнь даровитый русский художник Валентин Серов, его наследие хранится в крупных и небольших музеях, порой собирается вместе и выставляется для показа ценителям искусства, и до сих пор к нему не ослабевает интерес. Умер художник в Москве в 1911 году.
Его именем была названа улица… Но он продолжает жить в сердцах людей, потому что живы его картины.
______________________________________________________________________
Сергей Никифоров
СВОБОДНЫЕ МАЗКИ ВАЛЕНТИНА СЕРОВА
Любое копирование или использование материала допустимо лишь при одобрении автора материала. Цитирование допускается при указании источника и размещении открытой ссылки на страницу, откуда взята цитата.
«Авторский сайт Сергея Никифорова», 2013 г.
Источник: http://nikiforovsergey.com/?page_id=3308
Серов Валентин Александрович (1865 –1911) (презентация)
Серов Валентин Александрович (1865 –1911)
К 150 летнему юбилею художника
Портрет композитора А.Н.Серова (отец художника ) Надежда Ильинична Серова (мать художника )
Валентин Серов в восьмилетнем возрасте
Валентин Серов. В Абрамцеве.
В первом ряду слева направо
В.Поленов, В.Серов, С.Мамонтов.
1880-е годы.
Валентин Серов. В Абрамцеве. Слева направо В.А. Серов, С.С. Мамонтов, И.С. Остороухов, М.А. Мамонтов, Ю.А. Мамонтов. 1888 год
В портрете Левитана ничто не указывает на то, что изображен именно художник (хотя известно, что Левитан также позировал в своей мастерской). Серов здесь выбирает манеру письма, напоминающую портреты Крамского: сумрачный фон, коричневые тона, суховатая живопись.
«Левитан был разочарованный человек, всегда грустный. Он жил как-то не совсем на земле, всегда поглощенный тайной поэзией русской природы», — пишет о своем друге Коровин. «Смуглое лицо с глубокими впадинами задумчивых, с тихой печалью глаз… Грусть его изящна.
Каждый мазок на его этюде говорит о красоте души художника-поэта».
Это не сочиненный романтический «образ» разочарованного художника-мечтателя, а честно переданный характер конкретного человека, словно невзначай, помимо воли портретиста, совпавший с фигурой героя романтической эпохи.
Портрет художника Исаака Левитана (стиль письма Крамского)
Дети
Мика Морозов
На картине изображен сын предпринимателя, мецената и коллекционера Михаила Морозова и одной из крупнейших представительниц религиозно-философского и культурного просвещения России начала ХХ века Маргариты Мамонтовой. Серов рисовал Мику, когда ему было 4 года. Из-за подвижности ребенка картину пришлось писать короткими сеансами, длившимися по 30 минут.
Мика Морозов с 2 лет обучался английскому языку. Впоследствии он уехал учиться в Великобританию, затем вернулся в Россию и окончил филологический факультет МГУ. Михаил Морозов стал знаменитым литературоведом, театроведом, педагогом, переводчиком и одним из основателей советского научного шекспироведения. Его портрет висит на кафедре шекспироведения МГУ.
Баба с лошадью
Октябрь. Домотканово
Анна Павлова
Эскиз декорации к опере А.Н.Серова Юдифь
Всадники. Эскиз-вариант занавеса для постановки балета Шахерезада
Девочка с персиками (фр. импрессионизм — стремились разрабатывать методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. )
Это портрет Веры Мамонтовой, старшей дочери знаменитого предпринимателя и мецената Саввы Мамонтова. Портрет был написан в столовой усадьбы Мамонтовых в Абрамцево. Августовским днем 1887 года 11-летняя Вера Мамонтова, отвлекшись от уличных игр, вбежала в дом и присела за стол, схватив персик, выращенный в оранжерее.
Ее жизнерадостный вид так впечатлил Валентина Серова, что он предложил девочке позировать. Художник знал модель с младенчества. Он часто бывал и даже подолгу жил в имении Мамонтовых Абрамцево. Валентин Серов подарил картину матери Веры Елизавете Мамонтовой, и долгое время портрет находился в Абрамцево, в той же комнате, где был написан.
Теперь там висит копия, а оригинал выставлен в Третьяковской галерее.
(постимпрессионизм — отказывались изображать только зримую действительность (как реалисты), или сиюминутное впечатление (как импрессионисты), а стремились изображать ее основные, закономерные элементы, длительные состояния окружающего мира, сущностные состояния жизни, при этом подчас прибегая к декоративной стилизации)
Девушка освещенная солнцем
Серов написал этот портрет, когда ему было 23 года. Моделью стала двоюродная сестра художника, скульптор Мария Симонович.
Позже она вспоминала: «Мы работали запоем, оба одинаково увлекаясь, он — удачным писанием, а я — важностью своего назначения. Он всё писал, а я все сидела. Часы, дни, недели летели, вот уже начался третий месяц позирования.
.. Да, я просидела три месяца…». Художник считал эту картину самой значительной своей работой.
В скором времени после создания портрета Мария Симонович уехала в Париж учиться скульптуре и там вышла замуж за политического эмигранта, психиатра Соломона Львова. Их сын — известный молекулярный биолог, лауреат Нобелевской премии Андре Львов. В 1895 году, когда Симонович приехала в Россию, Серов написал еще один ее портрет.
Заросший пруд. Домотканово (манера живописи французских барбизонцев — создание этюда на пленэре с последующим окончательным завершением работы в ателье)
Портрет итальянского певца Франческо Таманьо (венецианский колорит худ-ки: Веласкес, Рубенс)
«Этого человека мог бы написать Веласкес — я напишу его, как Веласкес».
Портрет знаменитого тенора, Франческо Таманьо, где певец изображен в берете (артистический аксессуар), с гордо поднятой головой, вдохновенным взглядом, устремленным вдаль, мимо зрителя, выглядит этюдом для парадного портрета.
Серов пишет голову Таманьо чуть снизу, как если бы он наблюдал певца, стоя у подножия cцены, на которой прославленный артист принимает аплодисменты публики.
«А заметно, что у него золотое горло?» — спрашивал Серов демонстрируя портрет (по свидетельствам современников, Таманьо обладал столь сильным голосом, что выступал, затянутый в корсет, чтобы не петь чересчур громко, а на его спектаклях дамы часто падали в обморок). Живопись портрета, горячая, золотисто-перламутровая, на просвечивающем красном подмалевке, оживляет воспоминание о колорите Рубенса и Ван Дейка.
Портрет художника Константина Коровина (Импрессиони́зм – впечатление , представители данного стиля стремились разрабатывать методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления)
(
Портрет Генриетты Гиршман
ГРОТЕСК
в искусстве: причудливость украшений, фантастичность рисунка; в речи — напыщенность, смешное величие, вычурность и т. п.
Генриетта Гиршман — коллекционер русской живописи, мебели работы русских мастеров, предметов декоративно-прикладного искусства. Она была супругой известного русского предпринимателя, мецената и коллекционера Владимира Гиршмана.
Дружеские отношения связывали семью с Сергеем Дягилевым, которому Генриетта Гиршман помогала организовывать выставку русского искусства в Париже в 1906 году.
В их доме бывали также многие знаменитые художники — Александр Бенуа, Константин Сомов, Борис Кустодиев, Мстислав Добужинский и Валентин Серов.
С Серовым она познакомилась в 1903 году. В течение следующих 7 лет, с 1904 по 1911 год, Генриетта Гиршман заказала художнику пять портретов. В 1911 году Серов также написал портрет Владимира Гиршмана. После 1922 года Гиршманы эмигрировали во Францию.
Они занимались торговлей антиквариатом, но из-за кризиса начала 1930-х прекратили дело. В связи с болезнью мужа Генриетта Гиршман была вынуждена устроиться на работу в книжный магазин, а затем — в женскую гимназию в одном из предместий Парижа.
Последние годы Генриетты Гиршман провела в Нью-Йорке, где она умерла в 1970 году.
Портрет княгини О.К.Орловой
Похищение Европы (мифологический жанр)
Случайная цитата о Серове: «Проницательный и строгий к людям, Серов во время своих наблюдений всегда ставил людям отметки: одному тройку, другому двойку, редко кому четыре с минусом и очень часто единицы.» ( Грабарь И.Э.)
- «Серов часто, уже сочинив композицию и даже почти закончив портрет, на взгляд заказчика удачный, мог вдруг ни с того ни с сего стереть живопись или порвать рисунок и начать все сначала. Об этом свидетельствуют столь многие мемуаристы, что такой образ действий Серова трудно назвать случайным. «Вдруг приходит Серов (ему оставалось доделать что-то в фоне), берет портрет и все счищает и стирает» (Олсуфьева). «Серов посмотрел на меня, на рисунок, потом спросил: «Вам нравится?», а когда я ответил: «Да, очень», он вдруг разорвал его на мелкие кусочки. Я ахнул. Мне было жалко рисунка, потому что он показался мне очень верным» (Василий Качалов).
- «В нынешнем веке пишут все тяжелое, ничего отрадного. Я хочу, хочу отрадного и буду писать только отрадное.» (Серов В.А.)
- «Баба в телеге» прошла на выставке незамеченной, и, правда же, нельзя винить публику за то, что она проглядела этот шедевр, так как трудно найти что-либо более скромное, тихое и незатейливое по эффекту. Однако ж недаром любители считают эту картину одним из лучших созданий мастера. Если бы у нас к живописи было бы столько же любви, как к музыке или к литературе, то эта скромная, маленькая картинка Серова сделалась бы классической, так как в ней, наверное, больше России, больше самой сути России, нежели во всем Крамском или Шишкине.
Памятник художнику Валентину Александровичу Серову на Новодевичьем кладбище
- Скончался Серов 22 ноября (5 декабря) 1911 года в Москве (умер от приступа стенокардии).
- Похоронен на Донском кладбище в Москве. Позднее останки перенесены на Новодевичье кладбище.
Волы
Портрет А.С. Пушкина
Портрет писателя Николая Лескова
Выезд императора Петра II и царевны Елизаветы Петровны на охоту
Петр I (Исторический жанр)
Портрет великого князя Павла Александровича
Георгий Победоносец
Портрет артиста Ф.И. Шаляпина
Портрет художника Валентина Серова
Рисунки карандашом Девочки Н.А. и Т.А. Касьяновы
Рисунки и наброски Дети художника
Источник: https://videouroki.net/razrabotki/serov-valentin-aleksandrovich-1865-1911-prezentatsiya.html
Загрузка...
