Сколько лошадей на этой картине? Загадка сложнее, чем кажется!
Наверное, не стоит даже говорить о том, что лошади – одни из самых прекрасных и волшебных животных на свете.
Увлекаетесь ли вы верховой ездой или просто любите наблюдать за лошадьми издалека, всегда интересно видеть, как лошади соприкасаются в нашем представлении с искусством.
И это понятно. Не так много животных обладают такой грацией и идеальными формами, как эти изысканные существа.
На данный момент мы абсолютно поражены этими двумя загадочными картинами. Они невероятны. Но они взорвали Интернет по другой причине: пользователи пытаются понять, сколько же коней на них изображено.
Мы очень долго пытались определиться с правильным ответом, так что нам очень интересно услышать ваши варианты! Обязательно напишите нам, сколько коней насчитаете вы! И обязательно поделитесь с друзьями, узнать их вариант!
Art USA/Bev Doolittle
Это работа Бев Дулиттл «Пегая Лошадь», написанная в 1975 г.
Она с мужем путешествовала по Юго-Западной Америке, где они наткнулись на небольшое лошадиное стадо, внимательно за ними наблюдающее.
Этот момент: когда они и лошади пристально друг друга разглядывали, нечто затронули в художнице, и она решила написать эту работу, где они создала мир, в котором пегие лошади были фактически незаметны на фоне припорошенных снегом холмов.
Картина изумительна, но сложно сказать точно, сколько лошадей на ней изображено.
После того, как попробуете сосчитать, нажмите ниже, чтоб узнать правильный ответ!
Art USA/Bev Doolittle
Если присмотреться поближе, можно увидеть 5 отлично подтянутых лошадок.
Дулиттл сделала все, чтобы спрятать тесно прижимающихся друг другу троих коней по центру на фоне контрастного пейзажа.
Слева можно разглядеть еще одну лошадь, смотрящую в другую сторону от своего стада, и легко сразу не заметить маленького жеребца справа.
Art USA/Bev Doolittle
Благодаря нарочитым нюансам композиции, созданной художницей, можно ошибочно предположить, что на картине, на самом деле, больше 5 лошадей. Например, некоторые люди утверждают, что еще одна лошадь стоит отвернутой от своих соплеменников сзади.
Чаще всего, люди говорят, что они видят более абстрактные очертания лошади в скалистом выступе позади стада.
Ну, а если сейчас коней вам еще недостаточно, посмотрите на еще одну загадочную оптическую иллюзию
Jim Warren
Это картина Джима Уоррена и называется она «Семь лошадей».
Это потрясающая красочная картина, действие которой происходит на фантастическом пляже, среди бушующей зелени и бирюзовых волн.
Благодаря названию картины мы уже знаем, сколько лошадей на ней изображено.
Задача здесь обратная – найти все семь. А это не так просто
Jim Warren
Первые четыре, скорее всего, вы обнаружите достаточно скоро. Они просто выглядывают на нас с картины.
Во-первых, конечно, лошадь, бегущая по пляжу.
Затем, скорее всего, вы увидели лошадь, созданную морскими волнами, образ жеребца в облаках и властную рожу, уставившуюся на вас из зелени с левой стороны.
А вот потом становится сложнее
Jim Warren
Пятую лошадь можно распознать в узоре, созданном на небе вырезом кустов в правом верхнем углу.
Шестая лошадь еще более абстрактная – расположенная вверх ногами в гуще фиолетовых цветов справа. Нам пришлось перевернуть картину, чтоб найти ее!
А где же 7-ая лошадь? Что ж, это самая коварная шутка художника.
Источник: http://lifter.com.ua/post/3219
Презентация по ИЗО, МХК на тему: «Художники-импрессионисты. Творчество Жоржа Сёра»
Жорж-Пьер Сёра́ (1859 — 1891) — французский художник-постимпрессионист, основатель неоимпрессионизма, создатель оригинального метода живописи под названием «пуантилизм». В своей короткой жизни Сёра создал только семь больших полотен, так трудоемка и сложна была им же созданная техника рисования.
Жорж Сёра родился 2 декабря 1859 года в Париже в богатой семье. Учился в Школе изящных искусств в 1878—1879 годах у ученика Энгра Анри Лемана. Большое влияние на становление молодого художника оказало творчество Рембрандта и Франсиско де Гойя.
После учебы в школе, художник служил в армии в Бресте. В 1880 году вернулся в Париж. Сперва Сёра работал в студии вместе с двумя друзьями студенческого периода, а затем обустроил собственную мастерскую.
В поиске своего стиля в искусстве Сёра изобрёл так называемый пуантилизм — художественный приём передачи оттенков и цвета с помощью отдельных цветовых точек. Приём используется в расчёте на оптический эффект слияния мелких деталей при разглядывании изображения на расстоянии.
Работая с натуры, Сёра любил писать на небольших дощечках.
Твердая, не поддающаяся давлению кисти поверхность дерева, в отличие от вибрирующей натянутой плоскости холста, подчеркивала направленность каждого мазка, занимающего четко определённое место в красочной композиционной структуре этюда. Сёра обратился к отброшенному импрессионистами методу работы: на основе этюдов и эскизов, написанных на пленэре, создавать в мастерской картину большого формата.
Сёра тяготел к строго научному методу дивизионизма (теории разложения цветов). В течение следующих двух лет художник осваивал искусство черно-белого рисунка. Он много читал, живо интересуясь научными открытиями в области оптики и цвета. Как утверждали его друзья, настольной книгой Сёра была «Грамматика искусства рисунка» Шарля Блана.
В 1883 году Сёра создает свою первую выдающуюся работу — огромный живописный холст «Купальщики в Аньере». Представленная на суд жюри Салона картина была отвергнута. Сёра показал её на первой выставке Группы независимых художников в 1884 году в павильоне Тюильри.
После того, как его живопись была отклонена Парижским салоном, Сёра предпочел индивидуальное творчество и союзы с независимыми художниками Парижа. В 1884 он и другие художники сформировали творческое общество «Сосьете де Артиста Индепендэнтса».
Там он знакомится с художником Полем Синьяком, который впоследствии также будет использовать метод пуантилизма. Летом 1884 года Сёра начал работу над своей самой знаменитой работой — «Воскресный день на острове Гранд-Жатт». Картина была завершена через два года.
Сёра сделал множество рисунков для неё и несколько пейзажей с видами Сены.
Далеко не все импрессионисты приняли неоимпрессионистическое творчество Сёра. Так Дега в ответ на слова Камиля Писсарро, также увлёкшегося пуантилизмом, о том, что «Гран-Жатт» очень интересная картина, едко заметил: «Я заметил бы это, но уж очень она велика», намекая на оптические свойства пуантилизма, от которых вблизи картина кажется цветовым месивом.
Характерной особенностью стиля Сёра был его ни на кого не похожий подход к изображению фигур. Враждебные критики непременно заостряли внимание на этом элементе картин Сёра, называя его персонажей «картонными куклами» или «безжизненными карикатурами». Сёра шёл на упрощение формы, разумеется, совершенно осознанно.
Сохранившиеся этюды показывают, что он, когда это требовалось, умел писать вполне «живых» людей. Но художник стремился достичь эффекта вневременности и намеренно стилизовал фигуры в духе плоских древнегреческих фресок или египетских иероглифов.
Однажды он написал своему другу: «Я хочу свести фигуры современных людей к их сути, заставить их двигаться так же, как на фресках Фидия, и расположить на полотне в хроматической гармонии».
В работе «Пудрящаяся женщина» (1888—1889) Сёра изображает модель Маделин Ноблох. Эта женщина представлена в плане той же отрешенности и созерцательности, как и персонажи других его картин. Влияние распространенного в те годы «японизма», вероятно, сказалось в изображении туалета Мадлен.
Так же как «Парад» и «Канкан», к миру зрелищ и представлений по своему сюжету относится и последняя, незаконченная картина Сёра — «Цирк» (1890—1891). Но если в первых двух дана точка зрения из зала на сцену, то в последней акробаты и публика показаны глазами того, кто выступает на арене, — клоуна, который изображен со спины на первом плане картины.
Умер художник в Париже 29 марта 1891. Ему было всего 32 года. Причиной смерти была тяжелая инфекция, от которой также спустя две недели умер его маленький сын.
Сёра не получил официального признания при жизни. Когда он умер, многие критики утверждали, что он не успел реализовать свои возможности. Но его друг Синьяк был уверен, что Сёра «писал всего семь лет, а его творчество охватило все: черное и белое, цвета, линии, даже рамы; он все изучил и все довел до полного успеха».
ОПИСАНИЕ КАРТИН ЖОРЖА СЁРА
«БЕРЕГ РЕКИ»
Картина написана маслом в 1884 году. Сёра написал данное полотно во Франции. Работать над ним он начал еще в 1883 году. Стиль полотна –импрессионизм.
Сёра один из художников, который обожал природу, что можно увидеть в его работах. Он много рисовал пейзажей, простую жизнь людей, животных. Его полотна наполнены легкостью и светом.
Еще одной особенностью Жоржа Сёра было, то, что некоторые свои работы он рисовал не на холстах, а на деревянных дощечках. Но и это не все умения художника.
Сёра искал и мечтал создать свой индивидуальный стиль и это ему удалось. Он стал рисовать при помощи передачи цвета точками. Данный стиль он назвал пуантилизм.
Отдельно стоящие цветовые точки, играли каждая свою роль, но не были видны при общем обзоре.
Берег реки выполнен во Франции в технике темпера. Картина написана мазками, которые ложатся один на другой. Художник всегда говорил, что цветами можно управлять.
И это ему удавалось, Сёра умело передал световые эффекты, грамотно сочетал цвета, что дает картине неповторимый колорит. Хотя полотно и выполнено мазками, но все равно оно выглядит реалистично.
Художник смог изобразить водную гладь, и отражающиеся в ней тени и солнечные блики очень натурально.
Небольшие волны создаются легким ветерком от стоящих деревьев на берегу. Бело-голубой цвет небосклона говорит нам об облаках на небе, но они были в тот день незначительными, и не мешали солнцу переливаться бликами в воде. Желто-зеленые деревья говорят нам о приближающейся осени.
Яркие и сочные тона на воде точно объясняют то, что день, когда художник создавал это полотно, был очень солнечным. На картине изображена река Сена. Еще одной особенностью данного художника было, то, что он писал только то, что видел, прописывая все детали с особой тщательностью.
Картина находится на хранении в музее Нью-Йорка. США.
«ЛОШАДЬ»
Создав такую оригинальную технику письма, Сёра сам и страдал от этого, так как она была очень сложной и трудоёмкой. В связи с этим, художник за всю свою короткую жизнь сотворил всего лишь семь крупных полотен, на многих из которых были изображены лошади – они были его самым любимым животным.
Так, на этом полотне изображена одинокая лошадь, запряжённая, возможно, телегой, которую зритель не видит. И это не случайность. У Сёра не было случайностей, всё несло свой смысл.
На картине одинокое животное отображает внутреннюю сущность автора, его переживания и одиночество, несмотря на то, что у художника была семья и маленький ребёнок. Но внутренние комплексы, которые зародились в нём, были не беспочвенны.
Его угнетало тривиальное отношение к его картинам, непонимание экспертами в области живописи нововведённой им техники письма.
«РЫБАК»
Круг сюжетов, связанных с водой – один из любимейших в небогатом творчестве Сёра. Причём небогатом по количеству работ, но не по их значению и содержанию. Необычная техника написания картины «Рыбак» выделяет её из целого ряда работа как в целом импрессионистов, так и самого Сёра.
Работа относится к тем произведениям искусства, чья уникальная эстетическая составляющая видна лишь на расстоянии. Лишь сделав с десяток шагов от картины, перед зрителем чудодейственным образом раскрывается весь сюжет, написанный «раздробленными» мазками. Можно только удивляться, как автору удалось создать такой эффект, работая в непосредственной близости с картиной.
Создатель дивизионизма, Сёра в этой работе использовал более крупные мазки, в отличие от привычных микродвижений.
Возможно, это было вызвано специфическими материалами – шедевр написан маслом на дереве, а может техника пережила метаморфозу ввиду эстетических требований отображения воды. Действительно, водная гладь на картине создана филигранно.
Мерцающие частые волны, выполненные уверенными мелкими тесными мазками, близкое сочетание контрастных цветов – всё это создаёт неповторимый легко узнаваемый колорит.
Как и остальные работы Сёра, картина восхищает цветовым сочетанием, создание которого предвосхищал тщательный оптический анализ, и композиционным построением. Очень жаль, что молодой, полный творческих сил, художник оставил не такое уж большое наследие, но и этих работ хватило, чтобы навеки вписать себя в историю искусства.
Источник: https://multiurok.ru/files/prezentatsiia-po-izo-mkhk-na-temu-khudozhniki-impr.html
Теодор Жерико
Новый адрес страницы:
https://tannarh.wordpress.com/2014/10/08/теодор-жерико/
Автопортрет (1823)
Жерико был негативным духовидцем; ибо, несмотря на то, что его искусство маниакально следовало природе, оно следовало природе, которая была магически преобразована к худшему (в его восприятии и передаче)… Его шедевр, изумительный «Плот “Медузы”», писался не с жизни, а с распада и разложения — с кусков мертвецов, поставлявшихся эму студентами-медиками, с изнуренного туловища и желтушного лица друга, страдавшего заболеванием печени. Даже волны, по которым плывет плот, даже нависающее аркой небо — трупного цвета. Словно вся вселенная целиком стала анатомическим театром…
«Лошадь, испугавшаяся молнии» в Национальной Галерее — это явление в одно замершее мгновение чуждости, зловещей и даже инфернальной инаковости, прячущейся в знакомых вещах. В Метрополитэн-Музее есть портрет ребенка.
И какого ребенка! В своей устрашающе яркой курточке милая крошка — то, что Бодлер любил называть «Сатана в бутоне», un Satan en herbe. А этюд обнаженного человека (тоже в Метрополитэне) — не что иное как проросший бутон Сатаны.
Жан Луи Андре Теодор Жерико родился в Руане 26 сентября 1791 года. Его отец был состоятельным человеком: имел собственные угодья и занимался торговлей табаком. Мать будущего художника, Луиза Карюэль, была родом из Нормандии, из семьи богатого промышленника.
В 1796 году семейство Жерико переезжает в столицу. 10 лет спустя Теодор поступает в престижный парижский Императорский лицей. У юноши две страсти: живопись и лошади.
Молодой человек отлично ездит верхом, обожает длительные конные прогулки, для которых выбирает самых норовистых лошадей.
Не считаясь с мнением отца, Жерико бросает учёбу в лицее. Он твёрдо решает стать художником, для чего поступает в мастерскую Карла Верне, модного в то время живописца, прославившегося тем, что он прекрасно изображал лошадей.
С 1810 года он решает брать уроки у Пьера Нарсиса Герена, который передаёт своим ученикам секреты мастерства великого Давида, у которого, в своё время, учился он сам.
Через какое-то время Жерико осознаёт, что принципы неоклассицизма не соответствуют его творческим устремлениям и противоречат его темпераменту.
Портрет Делакруа (1818-19)
В 1816 году Жерико принимает участие в конкурсе молодых живописцев, главным призом которого было бесплатное обучение в Италии.
Престижный «При де Ром» получает другой художник, а упрямый Жерико, уверенный в том, что самым достойным кандидатом всё равно был он, решает ехать в Италию за свои деньги. В этом путешествии он видит прекрасную возможность расширить свой кругозор художника и получить массу новых впечатлений.
В Риме художник проводит целый год. В римских соборах он восхищается работами Караваджо, а фрески Микеланджело в Сикстинской капелле вызывают у него состояние, близкое к экстазу.
После путешествия в Италию он заканчивает большую и сложную картину «Плот “Медузы”». Новизна сюжета, глубокий драматизм композиции и жизненная правда этого мастерски написанного произведения не были сразу оценены по достоинству, но вскоре оно получает признание даже со стороны приверженцев академического стиля и приносит художнику славу талантливого и смелого новатора.
Наслаждаться этой славой ему пришлось недолго: едва успев возвратиться в Париж из Англии, где главным предметом его занятий было изучение лошадей, он умирает в результате несчастного случая — падения с лошади. Преждевременная кончина помешала ему написать уже задуманную большую картину «Отступление французов из России в 1812».
Плот «Медузы» (1818-1819)
Плот «Медузы» (1818-19)
Эта картина стала событием парижского Салона 1819 года. Художник запечатлел здесь событие, которое было еще свежо в памяти французов, — гибель фрегата «Медуза». Корабль затонул во время шторма близ островов Зеленого мыса в 1816 году.
Неопытный и трусливый капитан (получивший должность по протекции) посадил судно на мель и вместе со своими приближенными спасся в шлюпках, бросив на произвол судьбы сто пятьдесят пассажиров и матросов. Спустя тринадцать дней плот с оставшимися в живых пятнадцатью матросами спасло судно «Аргус».
История гибели «Медузы» получила широкую огласку. Каждый выпуск газет рисовал все новые и новые душераздирающие подробности. Жерико, обладая пылким воображением, живо представлял себе муки людей, у которых почти не осталось надежды на спасение.
Для своей картины он выбрал, пожалуй, самый драматичный момент: измученные люди увидели на горизонте судно и еще не знают, заметят их с него или нет.
Жерико нашел себе новую мастерскую неподалеку от госпиталя, в которую ему приносили трупы и отсеченные части человеческих тел.
Его биограф впоследствии писал, что мастерская Жерико превратилась в своего рода морг, где он сохранял трупы до полного их разложения. Случайно встретив своего друга Лебрена, заболевшего желтухой, Жерико пришел в восторг.
Сам Лебрен потом вспоминал: «Я внушал страх, дети убегали от меня, но я был прекрасен для живописца, искавшего всюду цвет, свойственный умирающему».
В ноябре 1818 года Жерико уединился в своей мастерской, обрил голову, чтобы не было соблазна выходить на светские вечера и развлечения, и всецело отдался работе над огромным полотном (7 на 5 метров) — с утра до вечера, в течение восьми месяцев.
Анатомические фрагменты (1818-19)Этюд с отрубленными головами (ок. 1819)
Композиция работы построена по принципу сдвоенной пирамиды и сама по себе может считаться шедевром.
Главным символом надежды на спасение выступает фигура стоящего спиной к зрителю чернокожего матроса, отчаянно размахивающего обрывком полотна, чтобы плот заметили на проходящем мимо судне.
Фигура матроса кажется не нарисованной, а вылепленной, и в ней отчетливо заметно влияние Микеланджело, творения которого произвели большое впечатление на Жерико.
Что касается драматизма, переданного мастером с помощью нагромождений и переплетений человеческих тел (живых и мертвых), то здесь очевидно влияние другого великого живописца — Рубенса. Искусно работая с освещением, Жерико добился весьма интересного эффекта — потоки света как бы выхватывают из тьмы наиболее выразительные лица и позы людей.
«Плот “Медузы”» воспринимается не как эпизод, а как эпос; картина явно перерастает свой сюжет, она становится символом трагической борьбы человека с враждебной стихией, олицетворением безмерного страдания, героических напряжений и порыва.
Отсюда и обобщенный стиль Жерико — лаконичный, избегающий второстепенных эффектов, сосредотачивающий внимание на целом. Несмотря на богатство разноречивых эпизодов, из которых слагается композиция, все они воспринимаются не как нечто самодовлеющее, а как подчиненная целому часть.
«Плот “Медузы”» — со всем кипением человеческих страданий — вырастает как некий монолит, как некая единая изваянная группа.
Многообразие изображенных положений и переживаний не приводит к раздробленности композиции, но сведено к единству, создающему ясный, запоминающийся образ событий, причем это единство достигается не механическими приемами равновесия, как это было в школе Давида.
Жерико воспринимает действительность прежде всего объемно-пластически.
Чтобы усилить пространственный эффект сцены, он располагает диагонально переполненный людьми плот, выбирает высокую точку зрения: это дает ему возможность с наибольшей естественностью показать противоречивое многообразие происходящего, выразить весь спектр чувств — от пассивного отчаяния отца, оцепеневшего над трупом сына, до активной борьбы со стихией и недоверчивой и робкой надежды на спасение… Романтическое звучание полотна достигается благодаря цвету, а также игре светотени.
Жерико выставляет это мощное семиметровое полотно на Салоне 1819 года, и оно сразу же оказывается в центре внимания общественности. Реакция современников была неожиданной для самого автора. Правительственные круги Франции и официальная пресса окрестили живописца «опасным бунтарем», а историк Мишле пояснил почему: «Это сама Франция, это наше общество погружено на плот “Медузы”…»
Сумасшедшие (1822)
Серия портретов душевнобольных, написанная Жерико незадолго до смерти, сегодня считается одной из вершин французской живописи XIX века. Эти портреты художник написал для доктора Жорже, директора одной из главных парижских психиатрических лечебниц. Всего Жерико создал десять портретов. В 1828 году их разделили поровну.
Пять портретов были отосланы в Бретань некоему врачу по имени Марешаль, и с тех пор о них ничего не известно. А пять остались в Париже, у доктора Лашеза… Теперь эти портреты разбросаны по разным музеям. Каждый из них иллюстрирует определенную «мономанию» (одержимость).
Жерико написал самых разных сумасшедших — страдающих клептоманией, страстью к азартным играм и прочими психическими расстройствами…
Картины из этой серии не были предназначены для продажи. Их не предполагалось показывать широкой публике, и этим объясняется их искренность и безыскусная простота. Фон и одежду Жерико лишь намечает, сосредоточивая внимание на лице душевнобольного.
При этом художник не драматизирует болезнь, но подчеркивает ее признаки, а лишь честно констатирует то, что видит. Обстоятельства, при которых мастер получил заказ на портреты, загадочны.
Принято считать, что их заказал Жерико директор парижской психиатрической клиники, предполагавший использовать их в качестве учебных пособий.
Однако душевное состояние Жерико в последние годы жизни было весьма неустойчивым, и это дает основание предполагать, что художник сам наблюдался у доктора Жорже. Серию портретов, в таком случае, уместно рассматривать как плату за лечение или же как своеобразную форму психотерапии.
«То, что другие художники выражают только во взгляде персонажа, в картинах Жерико передано в самом методе изложения темы — от общего колорита до мельчайшего мазка», — комментирует серию «Сумасшедших» писатель Бернар Ноэль.
Жерико проникновенно и сочувственно показывает душу каждого персонажа — душу мятущуюся, не знающую покоя… «Сумасшедшие» сыграют немаловажную роль в истории живописи: их отголоски можно будет найти в работах Делакруа и Сезанна, Курбе и Мане.
Печь для обжига гипса (1822-1823)
Печь для обжига гипса (1822-1823)
Считается, что на этой картине изображена печь для обжига извести. Однако это может быть и небольшая мастерская, которой владел сам Жерико.
В конце жизни он, стремясь обрести финансовую независимость, вложил свои деньги в эту крошечную фабрику на Монмартре. Предприятие оказалось убыточным, и образовавшиеся долги художник так и не смог выплатить.
Более того, именно посещение этой мастерской стало причиной смерти Жерико.
Обыкновенно он приезжал на Монмартр верхом, и в одно из своих посещений он неудачно упал с лошади. Вскоре на месте ушиба образовался нарыв.
Художник вскрыл его нестерильным ножом, и через некоторое время у него началось заражение крови, от которого он и умер.
Сам Жерико так описал один из своих приездов в мастерскую: «Я подъехал и увидел перед собою полуразвалившуюся хижину, сиротливо притулившуюся под серым небом, возле которой уныло паслись несколько распряженных лошадей».
На первый взгляд, картина лишена привлекательности. Более того, она поражает современников Жерико «откровенной банальностью» представленной сцены.
Ничто здесь не притягивает взгляд зрителя: ни распряженные лошади, ни разбитая дорога, ни деревенская печь, которая укрыта облаком белой пыли. Причем происхождение этого белого пятна не совсем понятно и совсем не правдоподобно.
Тем не менее, без этого белого облака атмосфера картины была бы совсем другой.
Ари Шеффер. Смерть Жерико (1824)
Клубы пыли придают композиции ауру таинственности и даже какой-то сонной мечтательности.
Облако можно воспринимать по-разному, особенно если учитывать, что оно происходит совсем не из этой печи — может быть, это та самая загадочная дымка, характерная для картин мастеров стиля барокко, а, может быть, это дым кадил в храмах из полотен на религиозную тему, которыми в своем время так восхищался Жерико…
Однако, в отличие от этих произведений, в которых дым был второстепенным элементом композиции, в «Печи…» он является главным мотивом, символизирующим непостоянство и быстротечность жизни и ассоциирующимся со стихией воздуха.
Все остальное в картине как бы контрастирует по смыслу с дымом, символизируя земное, массивное и вечное.
Кроме того, облако дыма является единственным светлым пятном на полотне, которое зрительно «прорывает» монотонно темный колорит.
В то время, как вся сцена кажется неподвижно застывшей, дым придает ей динамизм и, направляясь вверх, создает мощный композиционный контрапункт. Облако дыма быстро рассеивается… «Печь для обжига гипса» — одна из последних картин художника. Вскоре после окончания работы над ней болезнь приковывает Жерико к постели, с которой он уже больше никогда не поднимется.
Источники:
Хаксли О. Рай и ад
Дюпети М. Теодор Жерико
Панфилов А. Жерико
Барнс Дж. История мира в 10 1/2 главах
Ионина Н.А. Сто великих картин
Под редакцией Tannarh’a, 2014 г.
Живопись2014-10-08154730
Источник: http://tannarh.narod.ru/publ/iskusstvo/zhivopis/teodor_zheriko_biografija_i_kartiny/25-1-0-326