Описание картины джемса уистлера «портрет матери»

«Аранжировка в сером и черном» Джеймса Уистлера

ЦРБ им. А.П. Чехова приглашает всех желающих 27 июля в 15.00 на медиалекторий «Аранжировка в сером и черном» Джеймса Уистлера.

Джеймс Эббот Макнил Уистлер (1834 – 1903).

Почти всю свою жизнь Уистлер был окружен атмосферой скандала.

Невысокий, с громким резким голосом и вечным моноклем в глазу, одетый скрупулезно аккуратно, экстравагантно и с безукоризненным вкусом; блестящий спорщик, умевший молниеносно парировать остроты собеседника; его выходки, словечки, жесты были предметом разговоров на светских обедах; но «…в этом щеголе, шествующем по набережной Челси, никто не узнал бы молчаливого, серьезного труженика в огромных очках, которые он только что сбросил в своей мастерской».

Он был одержим отчаянным стремлением к совершенству, его требовательность к себе не знала границ, все, что казалось ему неудачным, подлежало немедленному уничтожению.

Никто не трудился над своими холстами больше него, он «замучивал» модели бесконечными сеансами, и тем не менее его произведения оставляют впечатление артистичности и непринужденности исполнения. Публике же работы Уистлера казались эскизными и незаконченными.

И чем ближе был художник к достижению цели, тем теснее смыкалось вокруг него кольцо насмешек и недоброжелательства. Однако он ни разу не уступил, продолжая идти своим собственным путем, «он только выше поднимал голову.

У него был характер бойца, он не сдавался ни в чем и начал форменную войну, длившуюся около двадцати лет, против своих врагов-художников, против критики, против печати, против публики».

Уистлер родился в маленьком американском городке Лоуэлл, однако своей родиной считал Петербург. Отец Уисглера, инженер-путеец, строил знаменитую железную дорогу Петербург—Москва. С 1844 по 1849 год вся семья жила в Петербурге. Уистлера привезли туда девятилетним мальчиком.

Единственное, что интересовало не очень прилежного и нетерпеливого ребенка,— рисование. В качестве исключения он был зачислен в «головной» класс петербургской Академии художеств, где был самым младшим.

В Академии Уистлер учился у малоизвестных преподавателей, зато часто бродил по залам Эрмитажа, именно там зародилась его любовь к малым голландцам. Одно из наиболее ярких впечатлений детства— гравюры Хогарта, которые он рассматривал во время своих частых болезней.

«Я бы хотел скорее поправиться, чтобы показать эти гравюры моему учителю рисования. Ведь не каждый день представляется возможность просмотреть гравюры Хогарта в подлинниках» — отрывок взят из дневника матери Уистлера, который она аккуратно вела во время своего пребывания в России.

Позднее Уистлер напишет «Портрет матери» — самый известный из его портретов. Он так точно воплотит образ истой американки, упрямой, властолюбивой пуританки, носительницы высоких принципов американской морали, что его начнут воспроизводить в США даже на марках.

Весной 1849 года умирает отец Уистлера и семья возвращается на родину в США.

Единственным отрадным моментом жизни Уистлера в Америке была его работа в Геодезическом управлении, где он гравировал топографические карты, а заодно покрывал своими рисунками свободные поля медных досок. Именно там он познакомился с техникой травленой гравюры, занявшей впоследствии такое большое место в его творчестве.

В 1855 году Уистлер уезжает в Париж и поступает в студию Глейра. Глейр преподавал ученикам собственные теории, шедшие вразрез с приемами академической живописи.

Так он советовал заранее смешивать на палитре краски, и только после того как колорит картины будет найден, приступать к работе. Этому принципу Уистлер следовал всю жизнь.

Бывали случаи, когда он несколько дней тратил на составление красок, с тем чтобы потом за час написать один из своих «ноктюрнов».

Уистлер попал во Францию в период становления новой европейской реалистической живописи. Он с увлечением и энтузиазмом пишет окружающую его жизнь.

В 1858 году Уистлер создает свою первую «Французскую сюиту офортов», куда входят разнообразные парижские сценки и, зарисовки его путешествия по северной Франции.

Позднее к ней добавятся тонкие и лиричные офорты с видами Темзы, великолепная серия венецианских лагун и ночных дворцов, голландская серия офортов. Современники считали Уистлера одним из лучших офортистов Европы.

Блестяще владея техникой офор­та, он рисовал прямо на меди без предварительного наброска, сам печатал свои доски, разыскивал для них старую датскую бумагу, постоянно роясь у букинистов. Офорты Уистлера отличают непогрешимое чувство композиции, точность рисун­ка и чисто уистлеровский своеобразный подход к природе.

Последние парижские месяцы Уистлер работал в мастерской Бонвена, неофициальным руководителем которой был Курбе — у этого мастера он научился относиться к искусству всерьез.

В 1859 году художник переезжает в Лондон.

Первая картина Уистлера, показанная на Лондонской акаде­мической выставке, «У рояля» была принята на удивление хорошо, ее даже купили за 30 фунтов. Но уже следующее выступление Уистлера сопровождается скандалом.

Вместе с такими художниками, как Курбе, Мане, Фантен-Латур, Писсарро, он выставляет свою «Белую девушку» в знаменитом парижском «Салоне отверженных», имевшем огромный и скандальный успех.

Самая же неистовая ругань досталась на долю «Завтрака на траве» Мане и «Девушки в белом» («Симфония в белом № 2», 1864) Уистлера. Сейчас эта работа хранится в Национальной галерее в Вашингтоне.

В жанре однофигурного портрета и пейзажа-ноктюрна созда­но подавляющее большинство живописных работ Уистлера. Он с одинаковым вниманием вглядывался в природу и человека, пытаясь найти в них неповторимые индивидуальные черты.

Человека он любил изображать в рост на нейтральном фоне чтобы ничто не отвлекало и не мешало сосредоточиться на его характере. Таков его замечательный портрет двенадцатилет­ней мисс Сесили Александер, которую он замучил семьюде­сятью сеансами, портрет красавицы мисс Лейланд, портрет французского критика Т. Дюре и многие другие.

Но прежде всего имя Уистлера связано с его ночными пейзажами. Непре­менным участником уистлеровских ноктюрнов была вода, в которой отражались холодные краски неба. В Лондоне Уистлер старался жить поближе к Темзе. В сумерки или ранним утром с двумя своими учениками, сыновьями лодочника, он отправ­лялся в лодке по Темзе. Иногда они всю ночь проводили на реке.

Неутомимый наблюдатель, Уистлер всматривался в природу с любовью и пониманием, для него она была живым существом, источником столь яростно искомой им гармонии и совершенства. Тонкие, изысканные ноктюрны Уистлера натал­кивались на самое безнадежное непонимание публики.

Один из них был выставлен, в качестве доказательства несосто­ятельности художника, на его знаменитом судебном процессе с маститым критиком Рёскином. Рёскин напечатал в прессе уничтожающий отзыв о произведениях Уистлера, после этого никто не хотел покупать его работ. Обращение в суд было вынужденной мерой. И хотя Уистлер выиграл процесс, судеб­ные издержки вконец разорили художника.

Именно с этого момента Уистлер объявил войну всем — изменившим друзьям, художественным критикам, невежественной критике. В ре­зультате появилась его известная книга «Изящное искусство создавать себе врагов» — попытка художника защитить свое искусство от пошлой викторианской критики. К созданию книги Уистлер отнесся со свойственной ему тщательностью и изобретательностью.

Это была первая книга, от начала до конца оформленная художником. Он продумал все дета­ли — формат, шрифт, обложку, бумагу, создав гармони­ческое единство содержания и художественного решения книги.

Принципы современной музейной и выставочной экспози­ции надо также возводить к Уистлеру. Он досконально разрабатывал экспозиционный план каждой своей выставки; картины и офорты развешивал на специально окрашенных фонах и каждую экспозицию решал в определенной тональной гамме.

Его выставку 1883 года вспоминает в своем письме Писсарро.

Она была решена в блекло-желтых тонах: стены — белые; занавески и мебель — бледно-желтые; пол покрыт жел­тыми циновками; желтые цветы в желтых горшках; служите­ли — в бело-желтых ливреях; почитатели — в желтых галсту­ках; сам Уистлер — в желтых носках.

Много работал Уистлер и в области оформления интерьеров, в этом отношении его можно считать предшественником современного дизайна.

В противовес тесному викторианскому уюту он любил заполнять комнаты светом и воздухом, окраши­вал стены в светлые тона, предпочитал легкую простую мебель и был очень скуп на украшения.

К сожалению, из оформлен­ных им интерьеров, прежде всего его собственного «Белого дома», а также домов некоторых его друзей — Оскара Уайльда, Сарасате и др., сохранилась только наименее удачная «Пав­линья столовая» из дома богача Лейланда.

В последнее десятилетие жизни Уистлера к нему, наконец, приходит признание.

Его работы покупают музеи и галереи, он получает орден Почетного легиона, а его персональная выставка 1892 года в галерее Гупиль в Лондоне сопровождает­ся триумфальным успехом.

Он ничем не поступился ради этого. Его строгое искусство и разящее остроумие бичевало тех, кто в конце концов признал его неопровержимое превос­ходство.

В последние годы жизни он преимущественно писал неболь­шие этюды с натуры. Три из них хранятся в Эрмитаже, а один такой этюд — в Москве, в Музее изобразительных искусств.

Источник: http://rusmuseumvrm.ru/data/events/2017/07/aranzhirovka_v_serom_i_chernom_dzheymsa_uistlera/index.php

Портрет Матери

«портрет матери» является одной из самых узнаваемых работ Уистлера. «портрет матери» — одно из самых известных работ Уистлера. Сонник Портрет матери приснилось, к чему снится во сне Портрет матери.

Портреты матерей знаменитых художников

Штопала, вышивала, чинила белье, читала, раскладывала пасьянсы. Мама очень много значит для каждого человека на Земле.

Одной из известных работ Александра Дейнеки стала картина «Мать» 1932 года. Дюрер работает стремительно, торопливыми резкими штрихами. Он каким-то образом пробрался в дом, быстро прошёлся по комнатам, заглянул на кухню. Портретное сходство полностью отсутствует. Лица людей и их выражение не меняются.

Описание картины Джемса Уистлера «Портрет матери»

Этот и множество других подобных ему случаев описаны в книге Л. Васильевой «Внушение на расстоянии». Такие заказчики часто выступали в роли донаторов (дарителей), так как обычно делали пожертвования церкви.

Вальбурга слышала, как он расспрашивает домовика, но Кикимер упорно молчал. Но старик словно и не торопился, обратно по коридору шёл спокойно, без спешки. Что ж, она сама хотела портрет в полный рост и без особых «украшательств».

Написал и не такой, какую запомнил в детстве: молодую, красивую, окруженную дружной семьей, в которой росло шестеро сыновей.

Вот таким образом сложно сказать наверняка, насколько популярен был тогда портретный жанр. Думаем, она будет приятно удивлена и растрогана. Это абсолютно невозможно. То, что не укладывалось в эти строгие нормы, считалось недостойным «портретного» изображения.

Даже в самом незначительном лице есть жизнь, а жизнь неисчерпаемый материал для искусства. В чертах лица портретист должен искать прежде всего душевное сходство – в этом вся суть.

Мать и дитя на ней изображены грубо, почти плакатно. Толстую книгу мать знала наизусть. От Регулуса и Ориона она слышала о легилименции. Надо ли говорить о том, какой шок я пережил, увидев долгожданный портрет.

Была создана математическая теория пропроций идеальной женщины.

Полотно Джеймса Уистлера сегодня много лоббируется кино, анимационными фильмами, мюзиклами — достаточно вспомнить «Мистера Бина», вторую часть комедийного фильма «Голый пистолет» и легендарных «Симпсонов».

Портрет это всегда двойной образ: образ модели и образ художника. Упивающийся вышел и через некоторое время вернулся с парочкой друзей. Это было изображение-идеал: художник показывал согражданам, какой должна быть женщина. Можно к любому празднику сделать это, а можно и без повода – просто так.

А здесь был случай с собственной матерью. Когда я был маленьким, пятым в семье ребенком, я представлял себе странную картину: идет обедня и кто-то за стеной нарочно дергает за хвост кошку, чтобы не дали маме большого банта на платье (так представлялся мне шифр). Рисуем портрет вашей мамочки карандашом поэтапно.

Когда она выложила эту фотографию в Сеть, она очень точно написала: «Я чувствую себя первобытно. Я не узнал на картине любимого человека. Когда один мальчишка, оставленный на попечение бабушки, стал тонуть на речке, его мать, находясь за тысячи километров, чётко увидела своего ребёнка, отчаянно бултыхавшегося в воде. Оставив несколько следящих заклинаний, ушли и больше не появлялись.

Особенности стиля характерного для каждого исторического периода, позволяет определить в какое время жил портретируемый и к какому сословию принадлежал. Главные персонажи полотен Александра Дейнеки — граждане молодого Советского государства.

«Портрет матери» художник предоставил на суд английской художественной Академии и та была решительно отвергнута.

Когда (очень редко в глухой провинции) ей приходилось говорить с французом, англичанином или немцем, она их поражала своим языком: они объяснялись попросту, разговорно, она же подавала реплики на языке изысканном изощренном, старинном, на каком не только говорить, а и писать уже перестали. Прошёл месяц.

Портрет матери в послеродовых трусах

Дюрер знает: мать непременно захочет посмотреть на рисунок. Все пять биографий начинались одинаково: кормление, скарлатина, гимназия.

Его выловили и было решено ничего не сообщать матери, чтобы зря ее не беспокоить. Даже Цезаря немножко разбирал. Смягчить то, что прорисовано на этом лице резцом времени и болезней. Зубы стали плохи. Некоторые первобытные традиции в изображении женщины наследуют искусство древних государств. Когда он рисует, он не умеет кривить душой. Каждый ребенок любит свою маму и уважает ее.

Мистер Бин Портрет матери Уистлера

Из них наиболее известны помпейские росписи и погребальные дощечки. Мужа постоянно отправляли в далекие походы, а Татьяна Степановна, живя с детьми в военном поселении, чтобы прокормить семью, была вынуждена много трудиться на самых тяжелых и грязных работах. По коридору в сторону кухни, не смотря по сторонам, стремительно прошёл Альбус Дамблдор.

Благодаря ей, мы приходим в этот мир. И когда начали мы читать в классе: Callia est divisa in partes tres (Галлия разделена на три части (лат. ). ), — заботами матери моей я уже давно знал, что это значит. Когда я родился, матери не было еще тридцати лет. Дети всё приготовили с вечера и уже утром покинули приютивший их дом. Прошло несколько минут, хлопнула входная дверь.

Читайте также:  Описание картины архипа куинджи «север»

Тайна «Портрета матери художника» кисти Пабло Пикассо

Черты лица должны быть выразительны, то есть раскрывать душу модели. Так, как, наверное, чувствует себя разверзшаяся земля». Так часто при изображении женщины художник совмещал вместе идеальные, по его мнению, части различных моделей: грудь ионийки, руки афинянки и т. д.

В 1967 году гостям Всесоюзной выставки в Москве была представлена картина «Партизанская Мадонна», которую создал художник Михаил Савицкий. Не сегодня, как-нибудь попозже, она сходит в гости ко всем своим родственникам, ко всем, кроме мужа изображение которого висит напротив. На ней послеродовые трусы с впитывающей одноразовой пеленкой.

Заставить уголь солгать. Можно маме спеть песенку. В перерывах брала из коробочки кедровый орешек, разбивала камушком и ела. Судя по большинству работ, в основном художники писали погребальные портреты.

Пабло Пикассо «Портрет матери художника»

События стали развиваться слишком быстро. Вальбурга слышала, как директор разговаривает с её домовым эльфом.

И Вальбурга вопила, ей вторили другие портреты, помогал, чем мог Кикимер. Татьяна Степановна разбиралась в живописи и воспитала в сыне любовь к искусству. Она смотрела прямо, будто всматривалась в вас. Вероятно, это было для девочки большим огорчением, — мать вспоминала об этом всю жизнь.

Регулус верно служит Тёмному Лорду. Было у институтки пятеро детей (да еще один умер маленьким): пять биографий произвела на свет.

Мама дает нам саму жизнь. Она знает: ему труднее, чем ей. Рисунок закончен. Более того, портретное сходство с моделью считалось святотатством. Чтобы сберечь глаза – разнообразила работу: штопка, газета, чулок, книжка, вышиванье, пасьянс. На холсте Вальбурга была одна: никаких дорогих интерьеров, драконов и единорогов.

Но, несмотря на тяжелую жизнь, мать и. Е. Репина, будучи образованной женщиной, смогла приобщить детей к книгам. Окончив утренние хлопоты, она за ним проводила весь день.

Можно просто сказать маме: «Я очень люблю тебя. ». Он писал: «Коричневый загар крепкого молодого тела способен вызвать положительные эмоции».

На фотографии, которая стала предметом яростных споров в материнском сегменте Рунета (на Западе настроения комментаторов были куда более добрыми – все восхищались смелостью и чувством юмора пары и желали новорожденному здоровья), Аманда стоит к нам спиной в довольно нелепой позе человека, который только что вытужил из себя ребенка. Но все её планы были нарушены вторжением Упивающегося.

Её сын считал, что и Дамблдор и Том владеют ею. Вальбурга радостно встрепенулась, но улыбка на её лице быстро погасла. Когда я надел фуражку гимназиста (с большой тульей и гербом), мать все еще казалась молоденькой, только начала полнеть.

Многие портреты постимпрессионистов Ренуара, Мане и Дега, отличающиеся реализмом и простотой, по праву принадлежат к величайшим произведениям этого жанра. Мама очень многое умеет и всегда все успевает.

Она тщательно осматривала каждого входящего, ждала Регулуса, но он не приходил. Для его работ характерен синтез реализма и конструктивных методов Ренессанса и барокко. В те времена доля солдатской жены была нелегкой.

Дети разработали окончательный план операции, обговорили все возможные детали.

Они надеялись вернуться, но не смогли. Это не легко дается.

Мать не только всех нас подготовила к гимназии, не только помогала нам готовить уроки, но и лечила всех сама простыми и испытанными средствами: липовым цветом, сухой малиной, касторкой, компрессами, клюквой в уши – при головной боли (это после пирамидон выдумали), паутиной – при порезах, теплым деревенским маслом – если стреляло в ухе. И уж точно не принято выставлять их напоказ. Чтобы как-то заглушить, унять боль, Вальбурга кричала и оскорбляла неизвестных ей людей.

Михаил Андреевич Осоргин «Портрет матери»

Сделать это можно по-разному. Он не смотрел по сторонам и прямиком направился на кухню. Старый дом противостоял чужакам, но победить их не мог.

Изображая женщину по такой схеме египетские художники старались более наглядно показать ее тело: ведь глаза и плечи «виднее» в фас, а ноги, наоборот «виднее» в профиль. Рисунок сохранился.

Мало оставалось у матери свободного от забот времени. И вокруг ласковых голубых глаз появились тонкие морщинки. Мать молча протягивает за ним руку, смотрит на него, молча обнимает сына.

Источник: http://aquareller.com/wdr/201809/portret-materi/

Моя мама — муза или мамы великих художников

Джеймс Эббот Макнил Уистлер «Композиция в сером и черном, № 1 (Портрет матери художника)»,  1871 г.

Мы видим Анну Макнейл Уистлер, которая изображена  словно икона  благочестивого пуританского материнства.

  Так вышло, что замысел этого художественного произведения идет вразрез с намерением самого автора, который предполагал  создать картину в первую очередь  о цвете и композиции. Легенда гласит, что присутствие матери художника на  этой картине просто счастливая случайность.

 Когда модель Уистлера не пришла, его мать решительно настояла, чтобы самой позировать для сына.

 «Для меня это оказалось интересным опытом, словно фотография моей матери»  — говорит позже Уинслер, —  «Но станет ли  общественность волновать личность на  портрете?»  Общественность, увы, это не заботило и вскоре картину переименовали  из оригинального названия   «Портрет матери художника» в привычную уже для нас с вами   «Композицию в сером и черном , № 1».

Мэри Кассат  «Портрет матери художницы», около 1889 г.

Художник импрессионист  Мэри Кассат известна полотнами с изображением  заботливых и ласковых матерей, счастливых и любимых детей.

 Надо сказать, что эти сюжеты отнюдь не автобиографические, поскольку сама Кассат никогда не была замужем  и не имела детей. «Я независима,  могу жить в одиночестве и люблю работать » – говорила она.

  Этот портрет один из последних изображений матери художницы   Кэтрин Кассат.

Рембрандт ван Рейн, » Мать художника»,  1631 г.

Рембрандт ван Рейн «Мать художника в восточном уборе» , 1631 г.

Рембрандт ван Рейн «Мать художника с рукой на  груди», 1631 г.

Не смотря на то, что  Рембрандт известный голландский художник своего времени, он имел большие финансовые проблемы и члены его семьи становились  для художника  доступными натурщиками. В 1631 году после смерти отца Рембрандт  создает два офорта  своей овдовевшей матери.

Сальвадор Дали «Загадка желания: моя мать, моя мать, моя мать», 1929 г.

В 1929 году через восемь лет после того, как умерла мать, Сальвадор Дали,  очарованный  фрейдистской  теорией бессознательного,  присоединился к движению сюрреалистов. В том же году он  пишет картину, где изображает себя спящим (профиль можно увидеть  в нижнем левом углу картины) с бесформенным коричневым телом, олицетворяющим мать художника.

Художник не скрывает тоску по матери, в то время как отец художника быстро смирился с этой утратой (отец Дали вскоре женился на сестре своей жены —  тете  художника).

Интересен тот факт, что эта картина   36 лет висела  над диваном в кабинете одного психоаналитика из Цюриха,  а  позже продана на аукционе за $ 807 408, установив рекорд в 1982 году как самая дорогая  картина  когда — либо проданная  при жизни  художника.

По материалам artsy.net

Источник: http://lukasgallery.ru/bez-rubriki/moya-mama-muza-ili-mamy-velikix-xudozhnikov

Янус-квиз, ответы и ответчики

[I] Жены художников в красных платьях и в студии

1. Константин Маковский, Портрет жены художника Ю.П. Маковской. 1881|V«Современники в один голос восхищались красотой Юлии Павловны. Репин называл ее «ангелом неизреченной красоты».

По семейной легенде, появление портрета было случайным. Жена поднялась в мастерскую к художнику, нарядившись в темно-красный бархатный капот и голубую ленту.

Константин Егорович, увлеченно работая над каким-то холстом, поначалу не обратил на нее внимания, и она, надувшись, села в кресло и стала рассеянно разрезать страницы книги ножом из слоновой кости.

Художник обернулся, тут же поставил на мольберт первый попавшийся под руку узкий холст и набросал силуэт жены с книгой в руках. В три сеанса портрет был окончен, и о нем заговорил весь город». Отсюда

2. Илья Ефимович Репин, «Отдых» (Портрет жены), 1882 г.|V

Где-то прочла, что портрет жены Репин написал, вдохновленный портретом Юлии Маковской. Это, мне кажется, видно: жена Репина явно позирует, а его правдивая кисть не врет, передавая некоторую искусственность позы.

3. Жорж Антуан Рошгросс (1859-1938) Портрет жены художника в студии

|V

[II] Женщина-осень:

4. Иван Силыч Горюшкин-Сорокопудов, «Листопад»|V

5. Люсьен Леви-Дюрме, «Порыв ветра»

|V

[III] Двухэтажная оборона города:

6. Александр Дейнека, «Оборона Петрограда», 1928 г.

|V

7. Фердинанд Ходлер, «Йенские студенты отправляются на освободительную войну 1913 года», 1908-1909 гг.

|V

[IV] Женщина перед картинкой на стене:

8. Каспар, или Гаспар Нетшер, «Кружевница», 1662 г.|V

9. Джеймс МакНил Уистлер, «Композиция в сером и черном», или Портрет матери художника, 1871 г.

|V

[V] Ранневозрожденческий немецкий аристократ:

10. Валентина Ходасевич, Эскиз костюма австрийского наместника Геслера к опере Россини «Вильгельм Телль».|V

11. Лукас Кранах Старший, Портрет Генриха Саксонского, 1514 г.

|V

[VI] Секс в большом городе Беспорядки в богатом городе:

12. Лукас ван Валькенборх, «Пир Мидаса»|V

13. Карл Брюллов, «Последний день Помпеи»

|V

[VII] Не только волжские бурлаки:

14. Василий Верещагин, Бурлаки, эскиз неосуществленной картины, 1866 г.|V15. Илья Репин, «Бурлаки на Волге», 1870-1973 гг.|V

16. Артур Бриджмен, «»

|V

А есть еще и у Саврасова, спасибо irmy!

[VIII] «Менины» Веласкеса

17. Пабло Пикассо, «Менины»|V

18. Диего Веласкес, «Менины»

|V

Менины перерисовывали много раз, но для испанцев это было что-то сакральное. Например, кусочек с дверью есть еще у Дали:

[IX] Жадные сытые люди не разумеют бедных попрошаек:

19. Джакомо Франческо Чиппер («Иль Тодескини»), «Крестьянская трапеза с малолетним попрошайкой», 1725-1730 гг.|V

20. Василий Перов, «Чаепитие в Мытищах», 1862 г.

|V

[X] Рогатая монгольская девушка, или прообраз принцессы Амидалы, как метко сформулировала odalizka

21. Илья Глазунов, «Монгольская девушка», 1979 г.|V

22. Михаил Будкеев, «Дочь Монголии», 1983 г.

|V

[XI] Уроки гражданской обороны в древности и раннем средневековье:

23. Лоуренс Альма-Тадема, «Обучение детей Хлодвига», 1861 г.|VАльма-Тадема написал еще одну картину на тот же сюжет:

Королева Клотильда Бургундская на обеих картинах одинаковая, только сын изображен по-разному.

24. Генрих Семирадский (1843-1902), «Опасный урок»

|V

[XII] Обнаженные мальчики купают жеребцов

25. Кузьма Петров-Водкин, «Купание красного коня», 1912 г.|V

26. Хоакин Соролья-и-Бастида, «Купание коня», 1909 г.

|V

[XIII] Гуси-лебеди

27. Сергей Соломко (1867-1928) «Мария Лебедь Белая»|V

28. Михаил Врубель (1856-1910), «Царевна-Лебедь», 1900 г.

|V

[XIV] Саваоф летит к Адаму

29. Микеланджело Буонаротти, «Сотворение Адама», ок. 1511 г.|V

30. Доменико Зампьери, или Доменикино (1581-1641), «Господь укоряет Адама и Еву», 1623-1625 гг.

|V

odalizka обнаружила, что Доменикино сделал еще один вариант своего сюжета; у Саваофа тут не столь обсценный жест, а Адам еще смешнее оправдывается, сваливая все на женщину:

[XV] Художник весь в бэлом, окруженный добрыми людьми, медленно сжимающими кольцо:

31. Джеймс Энсор, Автопортрет с масками, 1899 г.|V

32. Джеймс Кристенсен, «Слушатель»

|V

И еще подарок от odalizka, рожи от Нольде:

[XVI] НЛХ пишет смерть:

33. Борис Кустодиев, «Вступление. 1905 год. Москва»|V

34. Борис Кустодиев, «Большевик», 1920 г.

|V

Источник: https://distan.livejournal.com/314307.html

Символ Великой депрессии — жена строителя российской жд

prmarina

В список картин, излюбленных художниками-пародистами и любителями фотожаб входит картина Джеймса Уистлера «Портрет матери».

Конечно в популярности она уступает Моне Лизе или Венере Ботичелли, однако этот образ неизменно всплывает при описании тягот, которые легли на женские плечи во времена американской Великой депрессии.

Грусть и одновременно уверенность в том, что при любых обстоятельствах необходимо делать, что «дОлжно», струится в серых матовых тонах картины. Контрастность лица в обрамлении белого кружевного чепца и руки, сжимающие кружевной платок образуют линию притяжения картины.

Интересна судьба родителей художника. Анна Матильда Макнейл Уистлер, родилась в г. Уилмингтон, штат Северная Каролина, в 1804 году, и была хорошо образованной женщиной. В 1831 году она вышла замуж за выдающегося железнодорожного инженера Джорджа Ва́шингтона Уистлера, который на тот момент был вдовцом.

Джордж Вашингтон УистлерВ 1842 году отец художника был приглашен Николаем Первым в Сант-Петербург для строительства Николаевской, двухпутной железной дороги, которая должна была связать столицу с Москвой, предложив ему оклад в 12 тыс. долларов.

Джордж Вашингтон Уистлер согласился и в летом того же года вместе с семьей прибыл в Россию. За заслуги в области строительства дороги и мостов в 1847 году был награжден орденом Святой Анны второй степени.

В ноябре 1948 Уистлер заболел холерой, и хотя оправился от болезни, но здоровье его было подорвано.

9 апреля 1849 года выдающийся инженер умер от сердечного приступа. При поддержке императора тело Уистлера было перевезено на барже в Кронштадт, и оттуда на американском судне отправлено в Бостон.

Прах американского инженера, связавшего две российские столицы железной магистралью покоится на кладбище Гринвуд в Бруклине (Нью-Йорк) рядом с захоронением его первой жены Мэри. После смерти мужа, Анна Макнейл Уистлер носила черныую одежду всю оставшуюся жизнь.

Сын Уистлера от первого брака, Джордж Уильям, продолжил дело отца, жил и работал в России до своей смерти в 1869 году. А величайший англо-американский художник своего времени Джеймс Уистлер некоторое время учился в Петербургской Академии художеств за казённый счёт.  В 21 год он переехал в Париже, чтобы продолжить обучение, а затем в Лондон, куда в 1863 году к нему приехала мать.

Читайте также:  Описание картины пабло пикассо «купальщица открывающая кабинку»

Там он начал работать над ее знаменитым портретом, который первоначально должен был быть в полный рост.

Реконструкция головного убора:Постепенно превращаться в символ картина стала после своего турне по США в 1934 году, где ее осмотрел президент США Франклин Рузвельт и его мать.Вскоре Рузвельт предложил использовать портрет в качестве почтовой марки ко Дню матери и даже набросал ее эскиз, что придало ей культовый статус.

Правда дизайнер марки изменил изображение так, что мать смотрела теперь на горшок с цветами, а не в пустое пространство.На произведение сделано множество пародий.Автор же картины навряд ли мог предвидеть судьбу своего творения, ведь он отдавался поискам нового в изобразительной технике и манере.Фотография художника, 1860.

Источник

Источник: https://prmarina.livejournal.com/379302.html

Джеймс Эббот Макнил Уистлер: жизнь и творчество художника

Джеймс Эббот Макнил Уистлер (англ. James Abbot McNeill Whistler, 1834—1903) — англо-американский художник, мастер живописного портрета в полный рост, а также офорта и литографии. Один из ключевых тоналистов — предшественников импрессионизма и символизма.

СОДЕРЖАНИЕ

Родился 10 июля 1834 в Лоуэлле (шт. Массачусетс).

В 1850-е годы Уистлер начал делать офорты, первая серия которых была опубликована в 1858.

В 1855 он уехал в Париж, где учился живописи у Шарля Глейра. Среди живописных произведений раннего периода творчества Уистлера – У фортепиано; Побережье Бретани; Голубая волна. В 1860 он закончил вторую серию офортов – Темза, за которую получил премию Бодлера.

С конца 1850-х годов Уистлер жил главным образом в Англии; принимал участие в революционных событиях в Чили (в период Тихоокеанской войны 1864–1866 против Испании) и в 1866 в Вальпараисо написал свое первое произведение Ноктюрн.

После этого в жизни художника наступило самое продуктивное время (1862–1878), он исполнил несколько прекрасных портретов, включая знаменитый Портрет матери (1872, Париж, Музей Д’Орсе), а также портреты Томаса Карлейля (1872–1873, Глазго, Городской музей и картинная галерея) и Розы Кордер (1872–1877).

Лишившись средств после судебного процесса против критика Джона Рёскина, Уистлер отправился в Венецию, где сделал серию изысканных и тонких офортов.

Отчасти поправив материальное положение и утвердив свою репутацию, он стал в 1886 президентом Общества английских художников, но постоянное стремление к полемике и новациям привело к тому, что он был вынужден уйти с этого поста.

Картины, выполненные маслом, которые Уистлер начал писать с конца 1870-х годов, не принесли ему признания. Он разводил краску до очень жидкой консистенции, пытаясь следовать рецептам японских живописцев, и его полотна темнели.

В офортах Голландской серии, выполненной в 1890-х годах, Уистлер вновь продемонстрировал свое поэтическое видение мира. Он совершил несколько путешествий за границу, а также преподавал в академии Кармен в Париже.

Был другом французского художника Альфонса Легро и склонил его к переезду в Англию.

В конце жизни Уистлер — один из «светских львов» лондонского общества, вращался в одном кругу с Оскаром Уайльдом и Обри Бердслеем.

В оправдание своего искусства написал трактат «Изящное искусство создавать себе врагов» (1890). Художник скончался 17 июля 1903 г. в Лондоне. Похоронен на лондонском кладбище при церкви св. Николая в Чизуике.

ТВОРЧЕСТВО

В начале своей карьеры Уистлер удивлял современников плоскостностью и орнаментальностью изображений — в этом отразилось его раннее увлечение японским искусством.

С импрессионизмом его сближало стремление запечатлеть первое поэтическое, музыкальное впечатление от предмета, будь то пейзаж или человеческая фигура.

Разделяя бодлеровское учение о синестезии, Уистлер по аналогии с музыкой называл свои портреты «симфониями» и «импровизациями». В то же время Уистлер по многим вопросам расходился с импрессионистами.

At the Piano 1859Harmony in Green and Rose: The Music Room 1861Symphony in White no 1 (The White Girl) 1862

Ключом к живописному эффекту полотна Уистлер считал его цветовую тональность, которую подолгу обдумывал заранее, старательно смешивая краски для достижения желаемого эффекта.

Созвучия тонов, по его мнению, должны соответствовать ритмам линий.

В поздних произведениях, особенно «ноктюрнах» с видами Лондона, Уистлер использует крайне разведённые, по-акварельному прозрачные краски, которые передают ощущение зыбкой подвижности атмосферной среды.

Nocturne in Grey and Gold: Chelsea Snow 1876Nocturne Grey and Gold — Canal 1884Nocturne Trafalgar Square Chelsea Snow 1877

Мать уистлера

«аранжировка в сером и чёрном. мать художника» (англ. arrangement in grey and black: the artist’s mother) — наиболее известная из работ джеймса уистлера. картина в настоящее время находится в музее орсе в париже, иногда «делая туры» по всему миру.

для картины позировала мать художника анна макнейл уистлер (anna mcneill whistler), жившая в лондоне с сыном. есть несколько версий создания картины, по одной из них анна уистлер послужила в качестве замены для другой модели, в последний момент.

по другой версии предполагалось, что первоначально модель уистлера должна была позировать стоя, но, для пожилой матери долгое позирование стоя было очень обременительно.

впервые картина была представлена на 104-й выставке королевской академии искусств в лондоне (1872), но была отклонена академией.

то, что эта картина стала известна, как символ «культа матери», получившего распространение уже в наше время, расстроило бы уистлера — художник всегда хотел, чтобы его картины ценили только за их формальные достоинства. «аранжировку в сером и чёрном» можно увидеть в фильмах, сериалах и даже мультфильмах, недаром уистлер считал свои картины аналогами музыкальных пьес и называл их «симфониями» или «ноктюрнами».

интересные факты из жизни

Его произведения вызывали одобрение Курбе и Бодлера, но самый крупный художественный авторитет викторианской Англии, Джон Рёскин, продолжал вышучивать их в печати.

В 1878 Уистлер предъявил иск в 1000 фунтов стерлингов знаменитому критику, допустившему оскорбительное высказывание о его творчестве. Судебный процесс разорил художника, в качестве компенсации он получил всего лишь один фартинг.

Этот случай Уистлер описал в своей книге «Изящное искусство создавать себе врагов (The Gentle Art of Making Enemies, 1890)».

Картина «Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника, 1871» широко используется в современной поп-культуре. Картина появляется в нескольких эпизодах Симпсонов: «Rosebud», «Проблемы с Триллионами», «Бёрнс и пчёлы». Вокруг этой картины был построен сюжет фильма «Мистер Бин».

В фильме мистер Бин, куратор «Лондонской Национальной галереи», был послан в Америку, чтобы проконтролировать передачу картины «Мать художника» в художественную галерею Лос-Анджелеса за $ 50 млн (USD). В этой истории, мистер Бин портит картину растворителем и незаметно заменяет её репродукцией. Песня «Mother» Джона Леннона посвящена матери Уистлера.

В мюзикле Anything Goes Кола Портера. В фильме «Голый пистолет 2½» у одного из героев родимое пятно в форме Матери Уистлера.

Цитаты художника

  • Вы спрашиваете, милостивый государь, в каком учреждении было бы наиболее уместно поместить написанные вами картины. Могу ли я предложить вам приют для слепых?
  • Если о картине говорят: «Видно, что над ней хорошо поработали», — значит, она не закончена.
  • Когда другие включаются в мой разговор, разговор становится невозможным.
  • Природа содержит — в цвете и формах — элементы всех картин, подобно тому, как клавиатура содержит звуки всякой музыки. Но художник рождён для того, чтобы выбрать, отобрать и сгруппировать со знанием дела эти элементы так, чтобы достичь прекрасного результата, так же как музыкант выбирает свои звуки и образует аккорды, пока не добудет из хаоса великолепную гармонию. Сказать художнику, что природу следует брать такой, как она есть — всё равно что предложить пианисту сесть на рояль. (из книги художника «Изящное искусство создавать себе врагов» (The Gentle Art of Making Enemies, 1890))

БИБЛИОГРАФИЯ

  • Вуд М. Уистлер. М., 1910
  • Уистлер Д. Изящное искусство создавать себе врагов. М., 1970
  • Whistler’s Mother: An American Icon edited by Margaret F. MacDonald.

При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: , krugosvet.ru, youfrase.ru, livelib.ru

Джеймс Эббот Макнил Уистлер: картины художника

Джеймс Эббот Макнил Уистлер — все картины
Творчество. Свобода. Живопись.

Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!

Джеймс Эббот Макнил Уистлер: жизнь и творчество художника

2 (40%) 1 голос(ов)

Источник: http://allpainters.ru/uistler-dzhejms-jebbot-maknil.html

Уистлер Джеймс Эббот Мак-НейлТворчество, картины и биография

Уистлер Джеймс Эббот Мак-Нейл (Whistler James Abbot McNeill) (1834–1903), американский художник, выдающийся мастер живописного портрета в полный рост, литографии и офорта.

Если художники Хомер и Икинс вели борьбу за идейное реалистическое искусство на родине, то их соотечественник, третий выдающийся художник США – Джеймс Эббот Мак-Нейл Уистлер, в отличие от Хомера и Икинса, недолго жил в Америке.

Леди Мокс. Аранжировка в черном

1881, Академия искусства, Гонолулу

Зелено-розовый ноктюрн, 1861

Галерея искусства Фрир, Вашингтон

Уистлер родился в штате Массачусетс, но детство и отрочество его прошли в России, в Петербурге, куда его отец, инженер, был приглашен на строительство железной дороги. Есть данные, что юный Уистлер посещал классы Петербургской Академии художеств. После смерти отца Уистлер некоторое время жил на родине.

В 1855 году Уистлер навсегда уехал из Америки, сначала в Париж, затем в Лондон.

Его расхождение с господствующим салонным искусством проявилось и во Франции, где он, сблизившись сначала с Гюставом Курбе, а затем с Эдуаром Мане, выставил в «Салоне отверженных» поэтическую, изысканную по колориту «Девушку в белом» (1862, Вашингтон, Национальная галерея). В Лондоне его искусство подвергалось долгое время еще более резким нападкам официальной критики.

Джордж Вандербильт, 1897–1903

Национальная галерея, Вашингтон

Девушка в белом Джоан Хифернан

1864, Галерея Тейт, Лондон

Картина Уистлера «Симфония в белом № 2. Девушка в белом». Исполненный тайной и сдержанной страсти портрет прекрасной возлюбленной Уистлера Джоанны Хифернан представляет собой этюд в сгармонированных оттенках белого цвета.

Асимметричная композиция, в которой фигура сдвинута в сторону от центра и срезана рамой, прямой свет, превращающий тональный колорит в узор плоских цветовых пятен — все это говорит об интересе художника к японской живописи.

Ее влияние заметно даже в деталях: веер в руках модели, фарфоровая ваза на камине и веточка цветущей вишни — прямые цитаты из искусства Японии, открытого европейскими художниками в 1860-е годы. В портретной живописи Уистлер часто использовал прием помещения силуэта фигуры на почти пустом фоне.

В стремлении противопоставить свое творчество живописи викторианской Англии с ее литературными сюжетами он подчеркивал чисто эстетическое начало своих произведений, называя их ноктюрнами и симфониями.

Однако художественное дарование Уистлера ослабевало по мере того, как росла его слава острослова и эксцентричного светского льва.

Проникнутые глубоким уважением к человеку, его нравственной и интеллектуальной жизни, произведения Уистлера отличаются продуманной простотой, ясностью художественной формы, чудесными колористическими гармониями.

В традициях прогрессивного американского искусства исполнен «Портрет матери» (1871, Париж, Лувр), выдержанный в благородной гамме серебристо-серых и черных оттенков. Необычайно композиционное построение портрета на холсте удлиненного но горизонтали формата.

Строгость композиции, отбора деталей и, главное, острота характеристики модели сообщают особую демократичность и достоверность правдивому образу немолодой американской женщины.

Изысканность цветовых решений, строгая построенность композиций сочетаются с глубиной психологических характеристик в «Портрете мисс Сайсли Александер. Гармония серого с зеленым» (1872–1874, Лондон, Национальная галерея). Поразительно тонко чувствовал Уистлер и передавал природу, пространство и воздушную среду в пейзажах «Старый мост в Бэттерси» (около 1865, Лондон, галерея Тейт), «Темза у Бэттерси» (1863, Чикаго, Институт искусств).

Реакционная обстановка художественной жизни Англии 1870-х годов была глубоко чужда Уистлеру, вызывая в нем противодействие, которое со временем приобрело характер демонстративного эстетства и выразилось в усилении самодовлеющих исканий в области формы.

В поздний период творчества художника сказались его разрыв с родиной, а также отсутствие крепких связей с английской действительностью. И все же отдельные произведения Уистлера, и прежде всего его пейзажи и графические работы, полны поэтического чувства.

Развитие американского искусства, в первую очередь живописи, совершилось стремительно и концентрированно на небольшом отрезке времени.

Этому способствовал тот факт, что Америка переплавляла в нечто единое – американскую нацию – различные нации и народности. Одновременно она ассимилировала их художественную культуру, их искусство, обогащая национальную школу.

За короткий срок в Америку проникает из Англии барочный портрет, из Франции импрессионистический пейзаж, из Германии стиль модерн.

Все самое лучшее из того, что дало американское искусство, возникло на пересечении двух линий – профессионального творчества и непрофессионального, создаваемого множеством любителей – «художниками воскресного дня», т. е.

фермерами, торговцами, лодочниками, домашними хозяйками и т.д. Их деятельность определила особенности американского искусства.

Она проявляется в ограниченности тем, простоте и незамысловатости приемов и вместе с тем мужественной силе, спокойной серьезности, волевом отношении к миру, умении трезво оценивать его.

История зарубежного искусства →

Источник: http://smallbay.ru/article/uistler_creativity.html

Джеймс Уистлер. Долгая дорога к признанию

Композиция в чёрном.

У Джеймса Уистлера, как и у многих других предшественников импрессионизма, были натянутые отношения с критикой. Например, «Аранжировка в сером и чёрном.

Мать художника» стала последней картиной Уистлера, которую согласились разместить на выставке Королевской Академии. Одним из его непримиримых критиков стал искусствовед Джон Рёскин (Раскин).

Рёскин был борцом с академизмом и ниспровергателем «незыблемых» ценностей классической живописи.

 В 1859 г., после неудачной попытки выставиться в Салоне, Уистлер уезжает в Лондон, где живет до 1894 г., впрочем, довольно часто выезжая за границу. Поначалу лондонская публика отнеслась к Уистлеру довольно благосклонно. На выставке Королевской академии искусств было показано его полотно «За роялем», отвергнутое в Париже. Однако в последующие годы реакция публики резко меняется.

Читайте также:  Описание картины константина васильева «князь игорь»

В Париже он учился в художнических классах, копировал картины в Лувре, подружился со своими французскими собратьями (наиболее близким ему стал Гюстав Курбе, рисовавший крестьян, «как крестьян», а не как розовощеких пастушков).

У него постепенно стал вырабатываться свой стиль: без выписывания деталей — «каждый листик на дереве, каждый волосок в прическе», без морализаторства. Ему важно было передать «впечатление», «музыку», изображаемого, недаром позже он давал своим картинам «звучащие» названия: «Симфония в белом», «Ноктюрн, холод и серое: снег в Челси».

Иногда ему удавалось выставляться в парижском Салоне, но вот его «Девушка в белом» подверглась такой же ожесточенной критике, как и висевший неподалеку «Завтрак на траве» Эдуарда Мане.

Harmony in Grey and Green: Miss Cicely Alexander

Во Франции (и еще в большей степени в Англии) царил тогда академизм, «гладкопись», а только нарождавшийся — в картинах Сезанна, Писарро, Мане и Уистлера — импрессионизм понимания не встречал.

Уистлер пережил период увлечения японским искусством, что отразилось в ряде его картин, и особенно в росписи «Комнаты павлинов»; от японцев он взял туманные, расплывчатые контуры и «немногословность» рисунка.

Некоторое время он жил в Лондоне, где подружился с художниками Данте Габриелем Росетти и Бери-Джонсом.

Картины Уистлера не раз отвергались не только парижским Салоном, но и Лондонской Королевской академией, но он участвовал зато в выставках «отвергнутых», их общая слава была еще впереди.

Жил он небогато, непризнание официальных кругов сужало круг покупателей; за эти годы были написаны многие его лучшие картины — и уже упоминавшийся «Портрет матери», и портрет историка Карлейля, и «Принцесса фарфорового царства», и множество «городских» альбомов, а также гравюр.

Джеймс Уистлер. Симфония в белом №2: девушка в белом. 1864 г.

Но вот в 1877 году на лондонскую Гросвенорскую выставку, где были представлены картины Милле, прерафаэлиты Росетти, Бери-Джонса и других, приняли десять работ Уистлера, среди которых был «Ноктюрн: Падающие огни».

Этот ноктюрн представлял вечер, берег и рассыпающиеся в темноте золотые и разноцветные огни ракеты фейерверка. Известный английский теоретик искусства (в дальнейшем прославившийся своими работами по истории и философии) Джон Рескин выступил со статьей — анализом выставки.

Он высоко оценил картины Милле и Бери-Джонса, но «Падающие огни» в его глазах были «мазками краски, непонятно разбросанными по полотну».

Он гремел: «М-р Уистлер должен знать, что пишу я это, чтобы предупредить возможных покупателей.

Сэр Линдсей не должен был принимать для выставки эту картину, которой самодовольный и малообразованный художник решил ввести в заблуждение уважаемых посетителей», — и далее — «Мне приходилось встречаться с бесстыдством «кокни» (лондонский простолюдин), но я никогда не предполагал увидеть, как некий тщеславец осмелится запросить двести гиней за то, что он брызнул краской из горшка в лицо публике».

Рескин был тогда крупной фигурой (скажем, как Стасов в России), и его слово имело большое значение. Прочтя это, Уистлер сначала оскорбился, а затем обратил внимание на обвинение, что он «не работает», ленится и «ведет праздную жизнь» — это он-то, который столько раз переделывал работы, чтобы достичь искомой гармонии («Портрет матери», например, потребовал почти 70-ти сеансов).

Уистлер обратился в суд. В качестве моральной компенсации он требовал от ответчика тысячу фунтов стерлингов.

(В английском законодательстве имелась статья, наказывавшая за клевету — «опубликованное утверждение чего-то, не соответствующее действительности и вызывающее публичное осуждение».) Суд состоялся в ноябре 1878 года.

Рескин был тогда болен и не мог явиться, но представил авторитетных свидетелей, утверждавших, что работы Уистлера — «только претензия на искусство».

На стороне Уистлера выступили три его единомышленника, другие художники были согласны с Рескиным (или просто опасались за свое материальное положение — после выступления против такого значительного лица как смогут они продать свои картины?). На суде адвокат Рескина задал вопрос: сколько времени художник рисовал «Падающие огни», и получил ответ — два дня.

— И за двухдневную работу вы хотите получить двести гиней?

— Нет, — отвечал Уистлер, — я прошу эту плату за знания и умение, которому я учился всю жизнь.

Джон Рёскин (Раскин).

При этих словах в зале раздались аплодисменты.

Нo на суде Уистлера ожидал удар: свидетель противоположной стороны, человек, которого он считал своим другом, художник Бери-Джонс, сказал, что считает поведение Уистлера саморекламой, и что эта его картина — «просто набросок»; а другой свидетель, художник Фриш, вообще сравнил ее с рисунком на обоях… Суд все же постановил, что Рескин в клевете виновен. Но постановление это было странно половинчатым, если не хуже: в качестве моральной компенсации Уистлеру присудили четверть пенса, самую мелкую английскую монету…

Джеймс Уистлер. Rotherhithe, 1860 г.

Это был не выигрыш, а полный разгром. Уистлер остался должен и суду, и своему домовладельцу, и доходов не предвиделось; его любимая коллекция предметов восточного искусства пошла с молотка, собственные картины были конфискованы, а тут еще родилась дочь…

Хорошо, что от одной коммерческой фирмы пришло предложение сделать несколько картин в Венеции, это позволяло как-то выжить. К счастью, работа его увлекла, и венецианский альбом получился хорошим. Отрицательное же отношение к нему со стороны английских академических кругов не проходило.

Когда в 1882 году Уистлер предложил Национальной портретной галерее Лондона свой портрет Карлейля, он получил глумливый ответ: «И это называется искусством?»

Портрет Карлейля

Но обстановка постепенно менялась. Во Франции стали понемногу понимать и ценить новое направление — импрессионизм. Уистлер, уже живя во Франции, успешно участвовал в выставках во Франции, Германии, Бельгии и США.

В 1891 году портрет Карлейля приобрел музей Глазго, а «Портрет матери» — Лувр, что считалось высшим признанием художника.

Коллекционеры бросились к Уистлеру с предложениями, а «Падающие огни», предмет судебного разбирательства, были проданы в Америку за сумму в четыре раза большую, чем за них было прошено на злополучной Гросвенорской выставке (Уистлер очень хотел, чтобы об этом сообщили Рескину).

Следуя заветам Глейра и передавая их затем своим ученикам, Уистлер сначала тщательно подбирал основные тона для лица, волос, одежды, фона – в свету, полутени и тени. Полученные смеси он хранил в баночках, заливая сверху водой.

Добиваясь единства и свежести исполнения, мастер работал одновременно над всей поверхностью холста, а не заканчивал произведение по частям.

При нарушении правильного соотношения тонов в своих «симфониях» и «аранжировках» он не довольствовался частичными исправлениями, а уничтожал все написанное, иногда не один раз.

Д. Уистлер. «Принцесса страны
фарфора». Масло. 1863.

Творчество декоратора Д. Уистлер ценил не меньше своих картин. Он одним из первых понял значение света и пространства в современном интерьере и отказался от темных обоев, пышных драпировок, перегруженности мебелью. При оформлении выставок Уистлер вводит принцип разреженного развешивания картин.

Единственным сохранившимся интерьером стала знаменитая «Павлинья комната» – столовая в доме Лейландов. Там должна была висеть картина Уистлера «Принцесса страны фарфора», и он, работая почти без эскизов, с двумя помощниками исполнил роспись, желая создать нечто «совершенно новое, очень пышное, хотя и изысканное».

Роспись «Павлиньей комнаты» предвещает панно стиля модерн конца XIX – начала XX века.

В мотиве золотых птиц, раскинувших пышные хвосты с сотнями «глазков», в насыщенном синем цвете фона можно увидеть переосмысленные в сказочном ключе темы фейерверков в ночном небе над Темзой, которые Уистлер так любил воспроизводить в своих пейзажах-ноктюрнах».

Harmony in Green and Rose: The Music Room. 1860-61. Oil on canvas. Freer Gallery of Art, Washington, DC, USA.

At The Piano,1858-59. Oil on canvas 67 x 91.6 cm .
The Taft Museum, Cincinnati, Ohio

Полотно «У рояля» 1859 года получило одобрение Курбе. На нем изображены близкие Уистлеру люди – сестра Дебора и ее дочь Анни.

Wapping. 1860-4. Oil on canvas.71.1 x 101.6 cm. National Gallery of Art, Washington.

В 1899 году работы Уистлера, вместе с работами Сезанна, Мане, Тулуз-Лотрека выставлялись в картинных галереях Лондона, который 25 лет тому назад отказывал им всем в признании.

Казалось бы, пришел успех, но Уистлер так и не мог забыть о суде, он даже написал и издал книгу, очень остроумную и иллюстрированную им самим, под названием «Тонкое искусство создавать врагов», где, среди прочего, рассказывал и о своей тяжбе с Рескиным.

Свою известную серию картин, решённых, в необычных для тех лет, осветлённой гамме—  «Симфония в белом», художник создаёт, будучи влюблённым в модель Джоанну Хифферхан. Сейчас нам трудно поверить, что холст,»Симфония в белом №1″, выставленный вместе с «Завтраком на траве» Э. Мане в «Салоне отверженных», вызывал смех у зрителей, приученных к поверхностной литературности в живописи.

Симфония в белом

Уистлер умер в 1903 году и был похоронен на Чизвикском кладбище, расположенном недалеко от любимой им Темзы. Его могила находится вблизи от могилы Уильяма Хогарта, мастера гравюры, которого он так полюбил еще в далеком детстве в Санкт-Петербурге.

В мае 1879 года Уистлер был объявлен банкротом, и все его имущество ушло с молотка. От полного разорения Уистлера спасла поездка в Венецию (1879—80 гг.), где он написал несколько работ маслом («Ноктюрн в синем и золотом. Собор Св.

Марка в Венеции»), серию офортов — так называемый «Венецианский цикл» («Нищие», «Площадь Св. Марка в Венеции») и около ста пастелей («Нищие. Зима», «Ступеньки»). Эти работы вызвали благосклонную реакцию критики и отчасти восстановили репутацию художника.

 Между тем обстановка постепенно меняется.

Критики и публика начинают понемногу понимать и ценить новое направление — импрессионизм. Уистлер успешно участвует в выставках во Франции, Германии, Бельгии и США. В 1884 г. художника приглашают стать членом «Общества английских художников», а через два года избирают его президентом.

В 1891 году портрет Карлейля приобрел музей Глазго, а «Портрет матери» — Лувр, что считалось высшим признанием художника.

Коллекционеры бросились к Уистлеру с предложениями, а картина «Ноктюрн: Падающие огни», предмет судебного разбирательства, была продана в Америку за сумму в четыре раза большую, чем за нее было прошено на злополучной Гросвенорской выставке (Уистлер очень хотел, чтобы об этом сообщили Рескину).

Первым среди европейских художников Д. Уистлер испытал увлечение искусством Японии и Китая. В цветных японских гравюрах на дереве его привлекала неожиданность и острота композиционного решения, выразительность ракурсов, радостные краски.

Увлечение экзотическим Востоком он стремится передать в своих произведениях «Принцесса страны фарфора», «Каприз в пурпурном и золотом. Золотая ширма», «Пурпур и розовое. Ланге Лизен шести марок». Завершает эти картины «Симфония в белом № 2.

Девочка в белом», созданная в 1864 году.

Purple and Rose: The Lange Lijzen of the Six Marks. 1864. Oil on canvas. Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, PA, USA.

Rose and Silver: The Princess from the Land of Porcelain. 1864. Oil on canvas. Freer Gallery of Art, Washington, DC, USA

Variations in Flesh Color and Green: The Balcony. 1864-70. Oil on wood. Freer Gallery of Art, Washington, DC, USA.

Caprice in Purple and Gold No 2 — The Golden Screen. 1864. Oil on wood. Freer Gallery of Art, Washington, DC, USA.

Художник без устали интерпретировал ночные сюжеты, показывая публике все новые и новые импрессионистические работы, в которых растворяющиеся в густых тенях предметы обзаводились новым смыслом.
Мастер утверждал, что подобные сцены нужно писать очень жидкой краской.

Такую, смешанную по собственному рецепту, краску он называл «соусом». Уистлеровский «соус» был столь текучим, что художнику приходилось работать, расстилая холст на полу (иначе краска просто стекала с него).

Обозначенные этим «со усом» детали расплывались, превращаясь в плоские, с неровными краями, цветовые пятна, медленно плывущие и исчезающие в непроглядной

Ноктюрн в черном и золотом. Падающая ракета.

В 1877 г. десять работ Уистлера были приняты на Гросвенорскую выставку в Лондоне. Среди них была «Падающая ракета».

Cremorne Gardens, No. 2.1872-77.Oil on canvas,68.5 x 134.9 cm.
The Metropolitan Museum of Art, New York

 В 1899 году работы Уистлера, вместе с работами Сезанна, Мане, Тулуз-Лотрека выставлялись в картинных галереях Лондона, который 25 лет тому назад отказывал им всем в признании. Казалось бы, пришел успех, но Уистлер так и не мог забыть об обиде, нанесенной Рескиным.

Он даже написал и издал в 1890 году книгу, очень остроумную и иллюстрированную им самим, под названием 'Изящное искусство создавать себе врагов', где собраны материалы судебного разбирательства 1878 года, рецензии и отзывы на произведения Уистлера, а также его ответы на критику и размышления об искусстве.

Как когда-то в юности, на склоне лет в жизнь Уистлера еще раз вошла Россия. В январе 1899 года художница А. Остроумова, ученица Репина по Академии художеств, пришла в живописную мастерскую Уистлера в Париже. На ее вопрос, у кого ей учиться искусству гравюры, престарелый художник сказал: «…Я не могу научить вас искусству, его постигают наедине или совсем не постигают».

 Уистлер умер 17 июля 1903 года и был похоронен на Чизвикском кладбище, расположенном недалеко от любимой им Темзы.

Источник: https://alindomik.livejournal.com/752827.html

Ссылка на основную публикацию