Граненые стаканы Петрова-Водкина и Ко
Петров-Водкин восхищает меня не «Купанием красного коня» из школьного учебника, а натюрмортами. А главный герой его натюрмортов — граненый стакан!
Именно этот пролетарский предмет из прочного стекла вновь и вновь появляется в центре композиции и буквально магнитом притягивает ваше внимание. Художник любовно преломляет в его гранях окружающие предметы (особенно убедительно преломляются чайные ложки) и легко создает иллюзию трехмерности и наполненности.
Розовый натюрморт. Ветка яблони. 1918. Государственная Третьяковская Галерея. Фрагмент
Утренний натюрморт. 1918. Государственный Русский Музей. Фрагмент
Натюрморт с розами. 1922. Киевская Картинная Галерея, Украина. Фрагмент
Натюрморт на зеленом фоне. 1924. Севастопольский художественный музей
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин (1878—1939) был известным символистом и любил всяческие многослойные намеки и аллюзии в своих работах.
Вот и его граненый стакан: с одной стороны отсылает нас к веселой и необычной фамилии самого художника (разумеется, исходя из популярного предназначения этого стеклянного сосуда на Руси), а с другой — символизирует незаурядную «многогранность» творчества Петрова-Водкина: художника и писателя, самоучки и теоретика, иконописца и модерниста.
Натюрморт со стаканом, фруктом и фотографией. 1924. Частная коллекция
Натюрморт с письмами. 1925. Частная коллекция. Фрагмент
За самоваром. 1926. Государственный Русский Музей. Фрагмент
Черемуха в стакане. 1932. Государственный Русский Музей. Фрагмент
Наконец, художник оставил российским зрителям немой и закономерный вопрос, что же было налито в его — вода или все-таки крепкий пролетарский напиток? Жаль, что мы уже не узнаем.
Фрукты. 1934. Симферопольский Художественный Музей. Фрагмент
Натюрморт с чернильницей. 1934. Государственный Русский Музей. Фрагмент
Виноград. 1938. Государственный Русский Музей. Фрагмент
Многогранные натюрморты Петрова-Водкина
.
Художник обратился к жанру натюрморта с началом революции. «Розовый натюрморт. Ветка яблони» — это первый натюрморт с граненым стаканом, который художник написал в 1918 году в период военного коммунизма, когда голод и разруха отодвинули в живописи привычные социальные мотивы.
Розовый натюрморт. Ветка яблони. 1918. Государственная Третьяковская Галерея
Скорее всего, художник обратился к жанру натюрморта от безысходности. Выходить лишний раз из дома на пленэр опасно — за окном диктатура пролетариата. Заплатить натурщице нечем — вокруг голод и нищета. Что ждет от искусства новая власть рабочих и крестьян — тоже не понятно.
Вот и остается рисовать стол с граненым стаканом, скудным пайком и яблоками, которые присылает мама из далекого Хвалынска.
Постепенно Петров-Водкин «втянулся» и стал (по-моему мнению) не только одним из величайших мастеров натюрморта за всю историю российской живописи, но и прочно занял свою почетную нишу в мировой табели этого жанра.
И если в яблоках он вплотную приблизился к мастерству Сезанна (пожалуй, об этом заочном яблочном соревновании двух талантов стоит написать отдельный пост) …
Яблоко и вишня. 1917
Яблоки на красной ткани. 1917
Виноград и яблоко. 1921
Яблоко и лимон. 1930
… то в граненых стаканах он безусловный №1 в мире.
Утренний натюрморт. 1918. Государственный Русский Музей
Скромный завтрак эпохи военного коммунизма — два яйца и чай. В этой работе граненый стакан соревнуется в искривлении пространства с граненым же никелированным чайником, который при внимательном рассмотрении оказывается изящным, настольным самоваром (снятая труба лежит на столе слева).
И если стакан классически преломляет чайную ложечку, то самовар отражает несколько загадок. Там, где отражается яйцо, по идее, должны были бы отражаться цветы.
Отражение второго яйца вообще пропало (наверное, это символ того, что оно уже съедено и поэтому не отражается?).
Кажется, что голодный пес смотрит на вас, но скорее всего он завидует домашнему коту, отражение которого угадывается в верхней части чайника. Зависть пса можно понять, ведь кот находится гораздо ближе к заветному яйцу.
Утренний натюрморт. 1918. Государственный Русский Музей. Фрагмент
Во время первых экспериментов Петрова-Водкина со стаканом вождь мирового пролетариата также не оставлял этот предмет без внимания. Правда, он использовал его для каких-то заумных политических споров с троцкистами.
«Стакан есть, бесспорно, и стеклянный цилиндр и инструмент для питья. Но стакан имеет не только эти два свойства или качества или стороны, а бесконечное количество других свойств, качеств, сторон, взаимоотношений и «опосредствовании» со всем остальным миром. Стакан есть тяжелый предмет, который может быть инструментом для бросания» — писал В.И.Ленин в 1924 году.
Черемуха в стакане. 1932. Государственный Русский Музей
Петров-Водкин умело располагает блестящий стакан в «центре гравитации» картины и применяет свой фирменный прием «сферической перспективы», заставляя нас рассматривать натюрморт с разных сторон: сверху, сбоку, справа и слева.
Дальние предметы изображены, как ближние и наоборот. Все основные линии на холсте не вертикальные и горизонтальные, а наклонные, веером сходящиеся к центру. Мы как-будто парим над столом, находясь внутри сферы картины.
Петров-Водкин часто использовал этот любимый прием русских иконописцев.
«Я ищу живую видимость. Мне важно двуглазье, которое уширяет пространство. У меня нет механического, фронтального смотрения, которого требует итальянская перспектива. Сферичность я не строю. Я работаю… над живым смотрением» — писал художник в своей книге «Пространство Эвклида».
Натюрморт с розами. 1922. Киевская Картинная Галерея, Украина
Натюрморт с письмами. 1925. Частная коллекция
Видно, что вначале художник изобразил на столе два буржуазных бокала с вином. Потом вовремя вспомнил, какие времена на дворе и заменил их на скромный пролетарский стакан с непонятной жидкостью самогонного цвета.
.
За самоваром. 1926. Государственный Русский Музей
Натюрморт с чернильницей. 1934. Государственный Русский Музей
Фрукты. 1934. Симферопольский Художественный Музей
Стакан у Петрова-Водкина играет важную роль и живет на холсте самостоятельной жизнью. Наполненный наполовину или же наполовину пустой (это зависит от вашего настроения), он придает текучесть застывшему натюрморту и усиливает матовые цвета твердых предметов блеском прозрачной жидкости.
«Натюрморты — это скрипичные этюды, которые я должен делать раньше, чем приступлю к концерту. Натюрморт – это одна из острых бесед живописца с натурой… В нем сюжет и психологизм не загораживают определения предмета в пространстве. Каков есть предмет, где он и где я, воспринимающий этот предмет, – в этом основное требование натюрморта».
К.Петров-Водкин. («Пространство Эвклида»).
Натюрморт на зеленом фоне. 1924. Севастопольский художественный музей
Натюрморт с самоваром. 1932. Саратовский Художественный Музей им. Радищева
Этот натюрморт с самоваром недавно обнаружили в запасниках Саратовского музея и до сих пор искусствоведы спорят о подлинности работы. Не знаю, как самовар, но граненый стакан написан с фирменным почерком художника.
.
Виноград. 1938. Государственный Русский Музей
Граненый стакан отражает блики далекого солнца за окном и таким образом является дополнительным источником света на столе.
Стакан превращает натюрморты Петрова-Водкина из «мертвой природы» (nature morte) в «застывшую жизнь» … (still life). А какое прекрасное яблоко! Безупречное творение природы на фоне грубого изделия человеческих рук.
.
Краткая история эволюции граненого стакана в живописи
.
Петров-Водкин, конечно, не первый мастер «стаканного» жанра.
Различные сосуды из стекла (вазы, кубки, рюмки, бокалы, стаканы) всегда были и остаются популярными элементами композиции в натюрморте.
Начало положили «великие фламандцы» 17 века, которые любили изображать античный «рёмер» (что означает «римский») — кубок на высокой ножке, который вмещает ровно 250 мл вина. Тщательно прорисованный рёмер Виллема Класа Хеда поражает идеальной гладкостью и прозрачностью.
Виллем Клас Хеда (Willem Claeszoon Heda) — Натюрморт с устрицами, рёмером и лимоном. 1634. Музей Бойманс, Роттердам. Фрагмент
Виллем Клас Хеда (Willem Claeszoon Heda) — Натюрморт с устрицами, рёмером и лимоном. 1634
Виллем Клас Хеда (Willem Claeszoon Heda) — Натюрморт. Частная коллекция
В 18 веке французский реалист Жан Шарден уже изображал полноценные стаканы с легким намеком на их огранку.
Говорят, что первые граненые стаканы появились при Петре Первом, который наладил их производство для флота (гранёный стакан якобы не скатывался со стола при качке).
Жан Шарден (Jean Baptiste Simeon Chardin) — Стакан с водой и кувшин. 1760. Музей искусств, Институт Карнеги, Питтсбург
Жан Шарден (Jean Baptiste Simeon Chardin) — Корзина с земляникой. 1761. Частная коллекция
До настоящей живописи на Руси в петровские времена было еще далеко и граненые стаканы вначале попали на холсты импрессионистов Анри Фантен-Латура и Эдуарда Мане. Если стакан Фантен-Латура достаточно убедителен, то Мане изобразил какой-то стеклянный сосуд непонятного предназначения.
Анри Фантен-Латур (Henri Fantin-Latour) — Натюрморт со стеклянным кувшином, фруктами и цветами. 1861. Лондон, Национальная галерея
Эдуард Мане (Edouard Manet) — Натюрморт с фруктами на столе. 1864. Фрагмент
Затем подключились постимпрессионисты Поль Сезанн и Винсент Ван Гог.
У Сезанна граненый стакан все еще скромно прячется за яблоками. Но зато какие у Сезанна яблоки! За эти яблоки сейчас платят по сто миллионов долларов на аукционах.
А вот Петров-Водкин рисовал яблоки, которые ему присылала посылками мама из родного Хвалынска Саратовской губернии в голодные годы военного коммунизма.
И в отличие от состоятельного Сезанна, голодный Кузьма Сергеевич с удовольствием съедал яблоки сразу после окончания работы над картиной.
Поль Сезанн (Paul Сezanne) — Натюрморт с яблоками и бокалом вина. 1877-79
Поль Сезанн (Paul Сezanne) — Натюрморт с открытым ящиком. 1877-79
Винсент Ван Гог мог бы достойно поспорить с Петровым-Водкиным за лидерство в стаканной живописи! Во-первых, жил всю жизнь в пролетарской нищете и от безысходности тоже часто рисовал самую дешевую натуру — свой стол с со скромной утварью и скудными продуктами. Во-вторых, часто и много пил абсент.
Винсент Ван Гог — Цветущая ветка миндаля в стакане и книга. 1888. Частная коллекция
Винсент Ван Гог — Веточка цветущего миндаля в стакане. 1888. Музей Ван Гога, Амстердам
Винсент Ван Гог — Стакан с розами. 1886. Музей Ван Гога, Амстердам
Винсент Ван Гог — Натюрморт со стаканом с абсентом и кувшином. 1887. Музей Ван Гога, Амстердам
Только в 1905 году первый полноценный отечественный граненый стакан решился изобразить импрессионист Игорь Грабарь. Он состоит из одних бликов и буквально растворен в воздухе. А вот зеленый стакан Константина Коровина ничем не примечателен — второстепенная деталь натюрморта.
Игорь Грабарь — Хризантемы. 1905. Третьяковская Галерея
Константин Коровин — Сирень. 1915
И вот, наконец, Кузьма Петров-Водкин потеснил всех, выдав целую серию тяжелых и грубых пролетарских стаканов. Настоящий «стакановец» 20-го века!
Почин подхватил фовист Анри Матисс. Он упростил форму стакана донельзя превратив его во что-то бесформенное и передал эстафету кубисту Жоржу Браку, который восстановил форму стакана, но не смог решиться на грани.
Анри Матисс (Henri Matisse) — Натюрморт. 1917. Частная коллекция
Жорж Брак (Georges Braque) — Натюрморт с лимонами. 1960
Больше граненый стакан в натюрмортах великих замечен не был. Эволюция завершилась.
Источник
Источник: https://obiskusstve.com/1412545142743108468/granenye-stakany-petrova-vodkina-i-ko/
5 картин Петрова-Водкина в приложении Artefact
В Русском музее проходит масштабная ретроспективная выставка Кузьмы Петрова-Водкина. Произведения живописи и графики для нее предоставили разные музеи страны, а также коллекционеры из Петербурга и Москвы.
В приложении дополненной реальности Artefact появились картины, рисунки и наброски художника. Портал «Культура.РФ» выбрал пять известных работ Петрова-Водкина и показал все возможности приложения.
Слушайте аудиогиды, нажимайте на «точки интереса» или скачивайте приложение и наводите камеру гаджета на любую из картин. Подробная инструкция — над каждым произведением искусства.
Посильное искусство
Кузьма Петров-Водкин во время преподавания в Петрограде. 1910–20-е годы. Фотография: wikipedia.org
Кузьма Петров-Водкин родился в небольшом городке Хвалынске. Первые уроки живописи он брал у местных иконописцев и живописцев-вывесочников. Позже в его картинах проявились иконописные мотивы.
В 1897 году Петров-Водкин поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Там его преподавателем стал Валентин Серов, который оказал большое влияние на молодого художника.
В 1909 году состоялась первая персональная выставка Петрова-Водкина — на ней он представил живописные этюды и рисунки, которые привез из заграничных путешествий.
Через год он стал членом художественного объединения «Мир искусства».
«Играющие мальчики»
Произведение «Играющие мальчики» Кузьма Петров-Водкин написал в 1911 году. В октябре 1910 года он работал над росписями одной из лестничных башен храма Василия Златоверхого в городе Овруче. Он воссоздавал в соборе библейские образы сыновей Адама и Евы — Каина и Авеля. Их же фигуры изображены на картине «Играющие мальчики».
За несколько лет до написания полотна Петров-Водкин побывал в Париже: познакомился с европейской живописью, увидел картины Матисса. Художник не отрицал, что «Играющие мальчики» появились под влиянием произведения «Танец» французского живописца. Работа стала программным произведением Петрова-Водкина. А через год художник написал «Купание красного коня» — главную картину тех лет.
«Мать»
Материнство — одна из любимых тем Петрова-Водкина. К образу матери он впервые обратился в 1913 году. Через два года появилась другая версия картины. На ней художник изобразил женщину-крестьянку с ребенком — фигуры на переднем плане заметно больше предметов в комнате. Так подчеркивается значимость происходящего на полотне.
Интерьер на картине Петров-Водкин написал наклонными линиями: такой прием он использовал также в картинах «Утро в детской», «За самоваром», «Скрипка». В этой работе мастер воплотил теорию трехцветия: художник считал, что все цветовое богатство состоит из красного, синего и желтого.
Их сочетания достаточно для того, чтобы воплотить художественный замысел.
«Полдень. Лето»
Философскую работу «Полдень. Лето» Петров-Водкин написал в 1917 году. За год до этого умер его отец, в письме к матери художник писал: «И Солнце, все время Солнце до самой могилы. Его опустили в землю ровно в полдень».
В картине Петров-Водкин изобразил панораму жизни — любовь, рождение, материнство, труд, смерть. В этой работе художник снова использовал теорию трехцветия, а также изобретенный им прием сферической перспективы.
В книге «Пространство Эвклида» он писал: «…когда падал я наземь, предо мной мелькнуло совершенно новое впечатление от пейзажа, какого я еще никогда, кажется, не получал. Решив, что впечатление, вероятно, случайно, я попробовал снова проделать это же движение падения к земле.
Впечатление оставалось действительным: я увидел землю, как планету».
«1918 год в Петрограде»
Петров-Водкин поддержал революцию одним из первых в художественной среде.
С 1918 года он преподавал в Петроградской академии художеств и разрабатывал новые теоретические принципы в изобразительном искусстве, рисовал агитационные плакаты, делал иллюстрации и оформлял журналы. В 1920 году появилась картина «1918 год в Петрограде» («Петроградская Мадонна»). В ней художник объединил сразу две темы — материнства и революции.
«Смерть комиссара»
Петров-Водкин неоднократно обращался к теме Гражданской войны («После боя», «1919 год. Тревога»). Картина «Смерть комиссара» занимает центральное место в советском периоде его творчества — она была написана к десятилетию Красной армии.
Художник приступил к работе над полотном в 1927 году — сохранился карандашный эскиз и большой эскиз маслом. В окончательном варианте картины художник изменил облик комиссара — профиль Петров-Водкин списал с поэта Сергея Спасского.
Он рассказывал об образе главного персонажа: «Кто он? Что он? Он — типографский рабочий (так я решил где-то внутри) в Питере, он с Волги, а раз это так, то в нем должно быть что-то татарское или мордовское. Он — нацмен.
Такие мысли, конечно, раньше в голову не приходили, и здесь самое трудное найти типаж. Возьмем мои работы: комиссар — это, в сущности, просто красивый милый юноша, который умирает».
В этой работе художник снова отказался от линейной перспективы в пользу сферической, а также воплотил идею трехцветия.
Источник: https://www.culture.ru/materials/253560/5-kartin-petrova-vodkina-v-prilozhenii-artefact
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин: картины, биография
Творчество Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина (1878-1939)
Без творчества Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина трудно представить историю русского изобразительного искусства. В работах мастера своеобразно преломились многие принципиально важные черты нашей культуры, они оказывают несомненное влияние и на современных художников.
В своих автобиографических книгах «Хлыновск» и «Пространство Эвклида» Кузьма Петров-Водкнн рассказал о своем детстве и юности. Отец его был сапожником в приволжском городке Хвалынске, мать была родом из деревни.
Впечатления юности, любовь к безграничным волжским просторам 258 впоследствии не раз послужили для него источником творческого вдохновения. Но прежде чем стать художником, Кузьме Петрову-Водкину пришлось преодолеть барьер предрассудков. В среде, в которой он вырос, искусство считалось «баловством».
Сам он писал об этом так: «Мне казалось, что я становлюсь барчуком, Ухожу от живого труда в какую-то эмпирею, откуда выхода к здоровой жизни нет…»
После недолгого пребывания в Самаре, он уехал в Петербург в училище Штиглица, а затем перебрался в Москву в Училище живописи, ваяния и зодчества. Там среди его профессоров был и В. А. Серов, произведения которого очень нравились молодому художнику. В Училище Петров-Водкин подружился с П. В. Кузнецовым и М. С. Сарьяном.
Как и его друзьям, большую пользу ему принесли поездки за границу. В 1001 году он работал в одной из лучших мастерских Мюнхена у А. Ашбе. В Мюнхене он впервые хорошо познакомился с произведениями французских импрессионистов и постимпрессионистов, картинами Г. фон Маре и Ф. Ходлера.
В 1005 году, окончив Училище, Кузьма Петров-Водкин решает пройти еще одну «академию» и отправляется на три года в путешествие. Он побывал в Греции, Италии, совершил поездку по Северной Африке, долго жил в Париже и показывал там свои работы на выставках. Его интересует в это время очень многое.
Впоследствии все эти увлечения «переплавятся» и помогут рождению собственного стиля, но в ранних произведениях еще есть несомненные следы увлечений Пювисом де Шаванном и Гогеном, Матиссом и старыми мастерами Италии.
В 1000 году, по возвращении на Родину, Петров-Водкнн устроил выставку своих работ в редакции журнала «Аполлон». Огромнейшее впечатление на него в этот период производит древнерусское искусство.
В знаменитой картине «Купание красного коня» (1012) уже ясны принципы его живописи. Кузьма Петров-Водкин идет от традиций русской фрески. Он сторонник картины как произведения, выражающего большие идеи своего времени.
И не удивительно, что «Купание красного коня» трактуют очень широко, символически, как блоковский образ России, «степной кобылицы».
В предреволюционные годы начинается и работа Петрова-Водкина над темой «Материнства», проходящей через всю его жизнь. В таких его полотнах, как «Мать» (1913), «Утро» (1917), «Матери» (1925) мастер поэтически показывает нам величие и чистоту русской женщины-матери.
Остро чувствуя ограниченность выразительных возможностей традиционной итальянской перспективы, Петров-Водкин разрабатывает свою теорию, которую несколько приблизительно называют сферической перспективой.
В основе ее лежит желание увидеть землю как планету, добиться того, чтобы человек почувствовал себя частью мира. Это был отнюдь не только технический прием, «погоня» за современными достижениями науки. «Сферическая перспектива» художника играет значительную идейную роль.
Она помогает ему передать величие человека, его «масштаб», дает новый необычный угол зрения. Очень интересно Петров-Водкин трактует и цвет как выразительное и идейное средство живописи. Нередко у него только три цвета — красный, синий, зеленый. Каждый из них несет определенные и вполне конкретные чувства.
Это понимание роли цвета сходно с пониманием цвета в древнерусском искусстве и в устном народном творчестве, где солнышко всегда красное, луг — зеленый, небо — синее.
В первые революционные годы Петров-Водкин работает очень напряженно. Он преподает в Академии художеств, оформляет улицы и площади Петрограда к революционным праздникам, делает обложку первомайского номера журнала «Пламя». Лучшее его полотно этого периода — «Петроград в 1918 году», которое порой называют «Петроградская мадонна» .
В нем обычный для тех дней эпизод — переселение бедноты в новые квартиры, — напряженная и суровая атмосфера эпохи показаны во всей своей значительности и красоте. Художник хочет, чтобы искусство его служило всем людям и упорно ищет новых путей.
«Я почувствовал, как и многие в то время, всю огромную ответственность моего дела, моего искусства перед этими двинувшимися к жизни массами».
После революции по-настоящему развернулось и дарование Петрова-Водкина как портретиста. Особенно известен его строгий по форме «чеканный» портрет поэтессы Анны Ахматовой (1922), ряд портретов жены, «Желтое лицо» (1921) и другие.
С огромной настойчивостью пишет мастер свои полотна о революции: «После боя» (1923) и «Смерть комиссара» (1927), которые стали заметным событием в культурной жизни Советской страны. В «Смерти комиссара» показана красота подвига, чувствуется величие идеи, во имя которой отдает свою жизнь герой. Здесь нет и тени «смакования» физических страданий.
Все — лозы людей, характер их взаимоотношений, странный «планетарный» пейзаж — говорит о важности и возвышенности подвига…
Петров-Водкин в разные годы изредка оформлял театральные постановки, книги, но сам он не придавал решающего значения этой своей деятельности. Многое для понимания особенностей творчества и личности художника дает знакомство с его теоретическими статьями.
Галерея картин Петрова-Водкина
На заметку: На сайте vsefilmi.net, где можно смотреть фильмы и сериалы онлайн, смотрите передачу: Пусть говорят (эфир 08.08.2013) смотреть онлайн. Ведущий Андрей Малахов приглашает в телестудию гостей, которые рассказывают реальные истории из жизни.
Источник: http://www.artcontext.info/pictures-of-great-artists/55-2010-12-14-08-01-06/1161-petrov-vodkin.html
Урок по русскому языку на тему «Развитие речи с элементами культуры речи. Работа с картиной. К. Петрова- Водкин » Утренний натюрморт»
Урок 117. Типы текстов: описание и повествование. Работа с картиной К.С. Петрова-Водкина «Утренний натюрморт»
Цели: познакомить детей с понятием «натюрморт»; обратить внимание учащихся на то, какими средствами достигается ощущение присутствия людей в картине К.С. Петрова-Водкина «Утренний натюрморт».
Ход урока
Давайте улыбнемся друг другу. Я рада вас видеть. Думаю, что сегодняшний урок принесет нам радость общения друг с другом. Успехов вам и удачи!
- Сообщение темы и целей урока
Сегодня на уроке мы познакомимся с натюрмортом и узнаем о творчестве художника Кузьмы Петрова-Водкина.
- Как вы думаете, можно ли передать присутствие людей в картине, если на ней нарисованы только предметы?
- Найдите и рассмотрите в учебнике «Литературное чтение» картину Кузьмы Петрова-Водкина «Утренний натюрморт».
- Выясните в Толковом словаре учебника, что такое натюрморт.
Дополнительный материал
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин (1878-1939) родился на Волге н небольшом городке Хвалынске Самарской губернии в семье сапожника. Учился в школах живописи в Петербурге и в Москве. Наибольшее влияние на него оказал художник и преподаватель В.А. Серов, о котором он с любовью и уважением вспоминал всю жизнь. С 1901 по 1908 г.
Петров-Водкин много путешествовал за границей, был в Италии, Германии, Греции, Турции, Алжире и возвратился оттуда с большим багажом картин, этюдов, набросков. С 1918 г.
он преподавал в петроградской Академии художеств, создал много живописных полотен: «Купание красного коня», «Мать», «Девушки на Волге», «Петроград», «За самоваром» и др.
В 1918—1919 гг. К.С. Петров-Водкин много и напряженно работал и создал целую серию великолепных натюрмортов, достигнув в них большой философской и художественной глубины.
В его натюрмортах поражают предельная достоверность отдельных деталей, точная очерченность форм, насыщенность цвета.
Одной из лучших работ художника является картина «Утренний натюрморт», которая вызывает у зрителя радостное и взволнованное чувство.
Учебник: № 42 (ч. 2, с. 66).
- Чувствуется ли, что люди где-то рядом? (Примерный ответ. Да. Стакан с чаем еще полный: такое впечатление, что в нем только что размешивали ложечкой сахар. Спичечный коробок как будто кто-то небрежно бросил на стол. На столе также лежат яйцо и картофелина: похоже, люди еще не позавтракали.)
- На кого смотрит собака? (В зеркальной грани самовара можно рассмотреть отражение рыжей кошки. Судя по этому отражению, сама кошка сидит как раз там, куда направлен взгляд собаки.)
- Кого ждет собака? (Собака, скорее всего, дожидается, когда люди сядут завтракать, и надеется, что ее тоже чем-нибудь угостят.)
- Цветы в баночке на столе полевые или садовые? (Это синие лесные колокольчики и желтые полевые цветы, похожие на ромашки.)
- Когда был собран букет: накануне вечером или утром перед завтраком? (Баночка только наполовину заполнена водой: цветы, наверное, уже выпили часть воды. Значит, они, скорее всего, были сорваны накануне, вчера.)
- Видно ли, что о самоваре заботятся, следят за его состоянием? (Примерный ответ. Да, самовар тщательно начищен, его грани блестят, словно зеркало. Это особый самовар в форме чайника: вместо краника у него чайный носик, есть ножки, труба открыта и лежит на столе, как и крышечка от трубы.)
- Стол находится в городской квартире, или это дачный стол? (Стол, скорее всего, дачный: с глубокой трещиной и мелкими трещинками и царапинами, с вытершейся (от старости или от дождя) краской.)
- Где он стоит: в комнате или на веранде, на открытом воздухе? (Возможно, стол стоит на открытой веранде. Картина передает ощущение мягкого утреннего освещения и свежего воздуха.)
- Люди еще вернутся к столу? (Конечно, ведь они еще не позавтракали, да и собака с кошкой, наверное, знают привычки своих хозяев и ждут у стола не напрасно.)
IV. Физкультминутка
Ѵ.Закрепление изученного материала
А теперь послушайте, как описал этот натюрморт писатель В. Порудоминский.
Свою работу Петров-Водкин назвал «Утренним натюрмортом». На простом деревянном столе, не покрытом скатертью, стоит в стеклянной банке с водой букет полевых цветов.
Цветы свежие; наверно, только что сорваны во время ранней прогулки. В стакан налит чай. На блюдце лежит серебряная ложечка. Мы видим ее сквозь стеклянные грани стакана. Приготовлены для завтрака два куриных яйца.
Яйцо отражается, как в зеркале, на стенке никелированного чайника.
Мы разглядываем простые предметы, словно видим их в первый раз. Даже спичечный коробок кажется красивой и серьезной вещью. Это оттого, что и художник писал все предметы удивленно и радостно. (Порудоминский В. Счастливые встречи. М., 1989.)
- Соответствует ли этот текст тому, что изображено на картине? (Да, соответствует, в нем описывается натюрморт Петрова — Водкин а.)
- Как вы думаете, для кого написан этот текст? Он вам понятен или нет? (Для детей. Он очень простой и нам хорошо понятен.)
- А с какой целью создан этот текст? (Описать натюрморт, помочь детям лучше понять изображенное на картине, создать приятное впечатление.)
- К какому же типу речи можно отнести этот текст и почему? (Текст представляет собой описание, в нем говорится о признаках предметов, которые мы рассматриваем, преобладают имена существительные и прилагательные.)
- В каком абзаце автор текста особенно ярко выразил свое отношение к натюрморту? (В третьем, в заключительной части, где он говорит о том, что художник писал все предметы удивленно и радостно.)
- Сочинение — описание натюрморта К.С. Петрова-Водкина
- Попробуйте написать сочинение по картине К.С. Петрова- Водкина, используя текст-образец.
(Зачитывание нескольких работ учащихся. Проверка в парах.)
- С творчеством какого художника мы познакомились на уроке?
- Что такое натюрморт?
- Какие трудности были?
- Кто доволен своей работой на уроке?
Источник: https://videouroki.net/razrabotki/urok-po-russkomu-iazyku-na-tiemu-razvitiie-riechi-s-eliemientami-kul-tury-riec-1.html
А. Бондарева. «Петров-Водкин — художник-педагог». «Юный художник» №11-12 1995 год
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин, замечательный русский художник и педагог, всю жизнь пытался осмыслить важные проблемы изобразительного искусства. Он сам говорил, что его поиски в области творческой деятельности не могли не отразиться и на педагогической работе.
Родился Петров-Водкин в 1878 году на Волге в Хвалынске в семье горожанина-мещанина. С детских лет его увлечением были книги церковного характера, украшенные орнаментами. А первые творческие опыты связаны не с изобразительным искусством, а с литературой.
И в дальнейшем он не сразу решил, чему отдать предпочтение: живописи или писательству. Все же победила страсть к живописи.
Тем не менее он стал автором ряда пьес, рассказов, интереснейших автобиографических повестей «Хлыновск», «Пространство Эвклида», «Самаркандия».
Первое серьезное знакомство с искусством произошло у Петрова-Водкина при встрече с местным иконописцем, что повлияло на его дальнейшую творческую жизнь.
После четырех классов школы 15-летним мальчиком Кузьма обучается в Самаре в школе живописи, а затем два года в Петербургском училище барона Штиглица.
Уже в эти годы Петрова-Водкина заинтересовала проблема внутреннего объема объектов изображения, которой в академической системе уделялось недостаточно внимания.
«Под соусом анатомии достигалось впечатление о школе предмета, а не внутреннего объема, который у меня замаячил в голове», — вспоминал он об этих годах. Научное обоснование проблем изобразительного искусства становится характерным для его творческой и педагогической работы.
В 1897 году К. Петров-Водкин переезжает в Москву.
На «закваску изобразительности» формирующегося художника повлияло не только обучение в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, куда он поступил в том же году, но и знакомство с творчеством таких живописцев, как К. Коровин, В. Серов, В. Поленов, М. Врубель, И. Левитан, В. Васнецов, М. Нестеров, оказавших огромное влияние на молодежь и начинающих художников.
Надо отметить, что время формирования художественных взглядов Петрова-Водкина проходило в условиях резких изменений в русском и европейском искусстве.
Наряду с идеями критического реализма появляется стремление к символической и ассоциативной образности. Большую популярность приобретает стиль модерн, характерный ритмической декоративностью, стилизацией и обращением к прошлому.
Объединение «Мир искусства», следовавшее этим тенденциям, также оказало на развивающегося художника определенное воздействие.
В 1904 году, после окончания Московского училища, Петров-Водкин отправляется в заграничную командировку. Он посещает Италию, Францию, Африку. Незадолго до этого состоялась также поездка в Мюнхен.
В «немецких Афинах» художник с большим интересом изучает творчество художников Германии.
После четырехмесячной поездки в Италию в 1905 году он много рисует, изучает произведения великих мастеров Проторенессанса и раннего Возрождения, отличающихся выразительностью и в то же время лаконичностью в трактовке образа.
Цельности и обобщенности в изображении объемной формы молодой художник учился еще в Москве, знакомясь с подготовительными рисунками и этюдами к картине Александра Иванова «Явление Христа народу», благодаря чему появились на свет полотна Петрова-Водкина, выполненные с обнаженных натурщиц.
Трехмесячная поездка в Африку в 1907 году, отразившаяся в двухстах рисунках, небольших этюдах и акварелях, по сути, открыла дорогу известности художнику.
Портрет М. Ф. Петровой-Водкиной, жены художника.
1907.
Масло.
Возвращаясь на родину в Хвалынск, он смотрел на родную природу уже глазами профессионала, путь которого был тем не менее очень сложным, в постоянных поисках.
Объясняется это тем состоянием, в котором находилась русская живопись и художественная жизнь России в десятые годы.
Как раз на это время приходится расцвет крайне левых течений и групп типа «Ослиный хвост», «Мишень» и других, отрицавших традиции реалистического и классического искусства.
Среди разных художественных направлений отмечались реалистические тенденции у представителей «Мира искусства» и «Союза русских художников». Ближе всего Петрову-Водкину было творчество В. Серова, М. Врубеля, В. Борисова-Мусатова.
В то же время он ищет пути своего индивидуального стиля в живописи, все больше понимая свою способность к монументальному обобщению в создаваемых произведениях, что отразилось в росписи церквей, написании картин «Играющие мальчики» (1911), «Юность» (1912).
Голова лошади. Этюд.
1912.
Угольный карандаш.
Огромное впечатление на него произвели первые расчищенные в Москве иконы XIV-XV веков, представленные в частных собраниях. Петров-Водкин увидел в них родственный своему духу монументальный стиль, который помог ему найти путь к самовыражению.
Педагогическая деятельность Петрова-Водкина началась еще в Московской школе, где он считался хорошим учителем. В 1910 году он принял преподавание живописи и рисунка в Петербургской художественной школе Е. Званцевой: Л. Бакст, уезжая в Париж, передал эту школу ему в руководство.
Здесь Кузьма Сергеевич постепенно создает свою педагогическую систему. Исследователь и аналитик по натуре, Петров-Водкин вникал в самые существенные вопросы обучения. В это время в живописи он пришел к системе трехцветия.
Она заключалась в том, что колорит живописной композиции должен опираться на три основных цвета – красный, желтый и синий, как наиболее сильные и чистые гармонии. Ведь от них образуется все многообразие цвета и колорита – смешанные цвета. Сочетание устойчивых цветов дает основу любому колориту.
И в этом есть уже определенная закономерность и простота. Отказ от сложного цвета и сложной гармонии определял декоративность исполнения, сочетавшуюся с монументальностью образов и обобщением формы.
Петров-Водкин считал, что сложные цветовые гармонии следует упрощать и обобщать до основных цветов: красного, желтого и синего.
Женская голова. Этюд.
1912.
Угольный карандаш.
В процессе обучения профессиональному восприятию цветового колорита, гармонии и живописной передачи окружающего мира Кузьма Сергеевич предлагал постепенное «вживание» в каждый основной цвет, чтобы обучающийся мог вначале ощутить все оттенки, светотеневые градации синего, затем желтого и, наконец, красного.
В первую очередь основные цвета изображались на примере самой простой постановки. На неокрашенный картон прикреплялся лист бумаги вначале синего цвета, что давало гармоническое сочетание предельного обобщения формы и цвета. В изучении формы Петров-Водкин идет от плоскости листа бумаги, которая от задания к заданию постепенно сгибается, сворачивается, усложняя форму до полуцилиндра.
Синий цвет заменяется на желтый, а потом – красный. Усложнение формы плоского листа затем сменяется изображением окрашенной в основной цвет простейшей (для изучения закономерностей перспективы) объемной геометрической формы куба.
Дидактическая постепенность усложнения материала при изучении объемной фигуры и цвета предметов в методике Петрова-Водкина безукоризненно последовательна и научно обоснованна.
Мать.
1913.
Масло.
После «вживания» в каждый основной цвет в постановки вводились двойные основные цвета: синий куб и красные листы или синий куб и красный шар – два простейших объемных геометрических тела (куб – для перспективного построения, шар – для светотеневой лепки формы). В композиционном решении сине-красной постановки юные художники должны были найти гармоническое равновесие холодного и теплого цветов, колористическое единство и законченность в передаче формы и цвета.
Продолжается изучение двойного сочетания основных цветов на примере постановок, включающих синий шар и желтые листы бумаги или пирамиду синего цвета и желтый цилиндр.
Как и в предыдущем задании, художник-педагог опирается на контрастное соотношение холодного и теплого обобщенных цветов.
Но если сочетание красного и синего ближе к декоративному, то сине-желтый натюрморт богаче цветовыми рефлексами и тяготеет к живописно-реалистическому исполнению.
И, наконец, последнее сочетание двойных цветов «красный – желтый» давали в постановках: красный куб и желтый шар или конус и ромб. В этих натюрмортах два теплых цвета.
Поэтому для цветового тепло-холодного равновесия нужно было учитывать нюансы и оттенки: красный цвет, как и желтый, может быть более холодным или горячим.
Поэтому гармоническое единство возможно при отношениях «теплый желтый – холодный красный» и наоборот.
Жаждущий воин.
1915.
Масло.
Продуманность в постановках на двойные сочетания основных цветов позволяет даже в таких промежуточных учебных заданиях постепенно познавать особенности цветосочетаний в живописи.
Трехцветный натюрморт включал три основных цвета. Только после изучения обобщенных, то есть основных цветов каждого в отдельности и в разных их сочетаниях, Петров-Водкин давал своим ученикам задания, связанные с составлением смешанных, сложных цветов.
Обучение цветовосприятию, как и другим важным вопросам изобразительной деятельности, опиралось на научное исследование в этой области. Прежде всего изучался цветовой спектр, для чего использовалась камера, концентрирующая спектр и основные цвета.
В цветовом спектре градации между красным, синим и желтым дают совершенно правильные интервалы, или, как принято говорить, образуют правильный треугольник, объединяющий наиболее гармоничное сочетание цвета. К этому открытию Петров-Водкин подошел опытным путем.
Само понятие цвета Кузьма Сергеевич определял таким образом: «Свойство предмета реагировать на солнечный луч есть цвет, его воля в принятии всего луча либо части спектра. Предметы заполняются цветом и упорно охраняют предпочтения к тем или иным колебаниям цветовой волны…».
Степан Разин. Эскиз панно.
1918.
Графитный карандаш, акварель.
Октябрьскую революцию Петров-Водкин принял одним из первых среди петроградских художников. И после ликвидации Академии художеств летом 1918 года во вновь созданном Высшем художественном училище он берет на себя обязанности профессора живописи.
Художник-педагог продолжает разрабатывать педагогическую систему изобразительной деятельности, затрагивает вопросы композиции, движения, пространственного взаиморасположения предметов и в связи с этим – обоснование сферической перспективы.
Розовый натюрморт. Ветка яблони.
1918.
Масло.
Для усвоения этого материала в первый год обучения рисунку и живописи в высших художественных школах Петров-Водкин предлагал студентам натюрморты на наклонных основаниях, ставя задачу осевого восприятия с учетом особенностей наклонных осей предметов.
Взаимодействие предмета и фона в рисунке изучалось на примере композиционных схем, представляющих вариации белых геометрических фигур на черном фоне и черных – на белом.
Они включали: горизонтальную, диагональную, центральную, симметричную (декоративную), дисгармоничную, сложную схемы композиций.
Причем взаимодействие белого и черного изучалось постепенно, начиная с теневых изменений листов белой бумаги, затем в различных сочетаниях исследовались отношения листов на белом и черном фоне, действие на листе темного и действие белого.
При изучении этого вопроса использовалась физическая камера дня и ночи, позволяющая наблюдать постепенные и резкие переходы от света к тьме, моменты контраста белого и черного, изучать рельефы, определять стороны света и времени дня и ночи на основании предметных взаимоотношений теней.
Мать.
Рисунок для журнала «Пламя».
1919.
Тушь, перо.
Изучение композиционных схем и осевых «вхождений» предметов в картинную плоскость помогало студентам приобрести профессиональное отношение к изобразительной деятельности, развивало аналитические способности в работе и художественном восприятии.
Серьезную роль в композиционном решении изобразительного произведения Кузьма Сергеевич отводил движению, понимая его как ряд чередующихся статических и динамических моментов положения предмета.
Автопортрет.
1921.
Акварель, тушь, перо.
Петров-Водкин обращается не только к теории, но и физическим опытам, включая их в учебную программу. Сюда входят физическое ощущение движения в подвижной вращающейся камере с находящимся в покое наблюдателем.
При этом анализировалось влияние движения на изменение светотени предмета, силуэты. Проводились игры с оптическими странностями.
Педагогом рассматривались различные виды движений: падение, полет, сложное движение, движение рисующего при неподвижной натуре и – наоборот – движение предмета по окружности, вертикальные и горизонтальные вращения, вращения наблюдателя и комнаты, бег на движущихся плоскостях, прыжки на встречно движущихся плоскостях.
Поразительна детальность изучения каждого вопроса, всесторонняя его основательность, позволяющая чувствовать себя свободным в исследуемой области.
За самоваром.
1926.
Масло.
Разработанная Петровым-Водкиным «сферическая перспектива» использовалась им как в творческих полотнах («На линии огня», 1916; «Смерть комиссара», 1928), так и в процессе обучения студентов. Связана она была с его собственным ощущением планетарности Земли.
Считая, что человек от природы наделен всеми необходимыми качествами для ощущения себя органичной частицей природы родной планеты, художник с болью восклицает о потере людьми связи с землей, отчуждении от нее, утрате природных свойств и восприятии и ориентировании, взаимоотношении с природой.
«Происходят поразительные недоразумения разлада с природой, которых люди не замечают».
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин оставил после себя не только замечательные живописные полотна, литературные произведения, но и педагогическую систему, воззрения художника и педагога, гражданина своей планеты.
КУЗЬМА СЕРГЕЕВИЧ ПЕТРОВ-ВОДКИН (1878-1939)
Источник: http://aria-art.ru/0/B/Bondareva%20A.%20Petrov-Vodkin%20-%20hudozhnik-pedagog/1.html
Петров — Водкин — ART ~ От Ван Гога до Зверева (從梵高到列娃, From Van Gogh to Zvereva) ~ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО — Каталог статей — Shinkarchuk Anatoly
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин – великий русский художник. Родился в Хвалынске, что на Волге в 1878 году. К первому творчеству его подтолкнули два иконописца, за работой которых он следил ещё в училище.
Скоро Петров-Водкин станет известным художником, карьера которого будет стремительно расти.
Его картины станут настолько востребованы в мире, где постоянный дефицит талантов, что из своего Хвалынска он переберётся в такие центры мирового искусства, как Москва, Петербург, Мюнхен, Рим, Париж.
До конца жизни Петров-Водкин был благодарен своему учителю Ф. Е. Бурову, который и научил его рисовать по-настоящему. Кроме того, художник учился в училище технического рисования, что в Петербурге, а так же в Московском училище живописи, в последнем он рисовал свои картины в мастерской Серова.
Самые известные картины этого живописца — это Играющие мальчики и Купание красного коня, но мало кто знает, что первая картина, которая поразила общественность, была — Сон. На создание этих работ повлияло творчество Михаила Врубеля, Виктора Борисова-Мусатова.
Сталинское время навязало русскому народу свои принципы, в которых не было места символизму великого русского художника Петрова-Водкина. Поэтому на некоторое время его картины были позабыты миром искусства. Заново открывать работы мастера стали только к середине 1960-х.
Картины Петрова-Водкина
Африканский мальчик
Берег
Бокал и лимон
Цыганки
Девочка с куклой
Девочка в лесу
Девочка за партой
Девушка в саду
Девушка в сарафане
Девушки на Волге
Дочь художника
Дочь рыбака
Две девушки
Фантазия
Голова юноши
Жаждущий воин
Женский портрет
Кадуша
Кафе
Купание красного коня
Мальчики
Мать
Материнство
Негритянка
Париж
Первая демонстрация
Первые шаги
Поцелуй
Портрет Ахматовой
Портрет жены
Портрет Ленина
Портрет Мстиславского
После боя
Пушкин в Петербурге
Рабочие
Работница
Самарканд
Скрипка
Смерть комиссара
Сон
Тревога
У окна
Вакханка
Вася
В детской
Весна
Весна в деревне
Виноград
В Петрограде
В Шувалове
За самоваром
Землетрясение в Крыму
Источник: http://shinkarchuk.ucoz.com/publ/izobrazitelnoe_iskusstvo/petrov_vodkin/2-1-0-155
Загрузка...
