Семья комедиантов
Описание картины Пабло Пикассо «Семья комедиантов»
В почти разрушенном, старом общежитии Бато-Лавуар в Париже в 1904 году Пабло Пикассо находит своё новое место обитание около берегов реки Сены.
На полотнах возникает воздушный розовый “период”. Появляются новые пространства большего размера, неподвижность меняется на движение.
Художник увлёкся цирком, в который его привели его ближайшие приятели Сальмон и Аполлинер. Начинает активно придумывать и создавать новые эскизы из жизни цирка и театральных представлений. Картина “Семья комедиантов” 1905 года создавалась в «розовый» период. Написание произведения происходило на стыке двух направлений в творчестве.
Картину четыре раза переписывали. Изображенные 6 персонажей смотрятся сплоченно, но при этом как бы врозь, есть что-то общее в их лицах, выражениях глаз, фигурах.
Коллективная изолированность передаёт печальную грусть и настроение героев. Доминирующий цвет указывает на оптимистическое начало, а не на пессимистическое окончание. Манера письма, колорит оттенков дают почувствовать меланхолическое настроение.
При детальном анализе можно выделить женщину с бледноватым цветом лица, отдалённую от группы на переднем плане. Пятеро людей, стоящие на втором плане, не смотрят друг на друга, их глаза находятся в тени дерева. Потерянные, грустные комедианты уходят за зелёные холмы. Настроение персонажей передают опустошенность бытия и настрой непредвиденного ожидания.
Можно проследить за развитием каждого комедианта по эскизам. Сидящая женщина в шляпке, а маленькая девочка держит корзину цветов, стареющий муж в красных лосинах, Арлекино держащий руку девочки.
В данный момент картина находится в Вашингтоне в национальной художественной галерее.
Пабло Пикассо «Семья комедиантов» (1905).
Холст, масло. 212.8 x 229.6 см
Национальная художественная галерея, Вашингтон
Одним из центральных произведений «розового» периода является картина «Семья комедиантов» 1905 года, символизирующая перемещение Пикассо от одной фазы творчества к следующему.
Значительные размеры полотна свидетельствуют о немалых инвестициях художника и это объясняет, почему он многократно использовал материал.
Пикассо изменял ее 4 раза — добавлял персонажей, варьировал состав, внося некоторые дополнения, в том числе плечи женщины и ее шляпка, цвет балетных тапочек ребенка, появились как призрачные очертания только на финальной стадии работы.
Обычно Пикассо датировал свои работы, но редко их называл. «Семья комедиантов» первоначально являлась безымянной, а уже потом название было дано исходя из содержания.
В этой работе Пикассо собрал воедино многочисленные этюды, изображавшие его цирковых друзей, и сгруппировал их всех вместе под голубым небом, использовав в качестве задника пустынный, бесконечный пейзаж.
Шесть персонажей, которые на первый взгляд выглядят отчужденными и держатся порознь, на деле связаны между собой единством предназначения.
Художник изобразил не только образ жизни реальных комедиантов, но и очевидное печальное настроение героев, коллективную изолированность. Картина не отражает социального пессимизма, ее доминирующий цвет указывает на лирическую, личную печаль, а не пессимистическое отчаяние.
Персонажи изображают совместную жизнь, хотя психологические отношения до конца не ясны. Цветовые эффекты сводятся к сдержанной, ненавязчивой гармонии, манера письма и колорит придают этой картине тихое меланхоличное очарование. Цветовая гамма картины остается в холодном стиле, только расплывчатые ноты теплой палитры размывают его.
«Семья комедиантов» изображает бесправных, отрешенных людей, которые живут в центре общества.
Художник изображает группу артистов как бродяг с простым реквизитом в бессодержательном, подобном пустыне, призрачном пейзаже. Работа представляет собой мост между меланхолией «голубого» и «розового» периода.
Предположительно «Семья комедиантов» является автобиографической работой Пикассо с представлением его дружеского окружения. При анализе живописи на переднем плане можно выделить сидящую бледную молодую женщину, отдаленную от остальной группы, взгляд ее устремлен вправо вдаль и, похоже, что она ищет уединения и отстранения.
Можно предположить, что она немного не вписывается в общий колорит картины, возможно она не является членом цирковой группы.
На втором плане стоит пятеро, они не смотрят друг от друга, их глаза в тени. Те, кто должны быть счастливо живущей труппой, выглядят потерянными и грустными. Комедианты уходят, чтобы исчезнуть за грядою песчаных холмов, затеряться во вселенной.
Артисты без зрителей: Пикассо заполнил печальными комедиантами большую часть холста, и пустое пространство вокруг них создает впечатление, что они находятся в бесконечных просторах пустыни. Тут и там, художник смешал цвет неба с землей.
Облака сделаны в той же манере, в отличии от детальной прорисовки персонажей.
Результатом является то, что небо и земля контрастируют с фигурами, и комедианты совершенно не вписываются в ландшафт, кажется, что они сейчас уплывут, если бы не тени, удерживающие их на земле. Окружающая пустота отражает настроения персонажей.
В раннем наброске «Семьи комедиантов» фоном служила сцена, разыгрывающаяся на ипподроме, причем один из наездников падал с лошади. В окончательном варианте все это было устранено, и в результате появилось ощущение разрозненности фигур, стоящих в отстраненных позах, явно дожидаясь какой-то команды.
Неустойчивое равновесие композиции с пятью фигурами, сгруппированными в левой половине полотна, и одинокой фигурой девушки, сидящей в правом углу, создает дополнительный настрой и ожидание какого-то непредвиденного происшествия. Процесс развития и становления каждого из персонажей можно проследить по этюдам.
Сидящая женщина прежде уже появлялась в качестве основной темы одной из картин Пикассо, где на ней надета остроконечная шляпа, окутанная вуалью.
Маленькая девочка возникла в первом эскизе без корзины цветов — вместо этого она ласкала собаку. Стареющий шут с изрядным брюшком, растягивающим его красное трико судя по всему отец-основатель труппы или же ее «звезда» — имеет обширную предысторию, воплотившуюся в целом ряде его предшественников.
Но наиболее узнаваема тут высокая фигура Арлекина — на картине она крайняя слева. Этот привычный персонаж стоит, держа за руку маленькую девочку, и глядит в лицо старому шуту. В последний момент Пикассо наделил его собственным профилем, еще больше отождествляя себя со своими бродячими сотоварищами.
Есть предположения, что картина была написана в результате определенных событий, которые произошли между Пикассо и Фернандой Оливье. Нет полной уверенности в том, что следующий эпизод происходил в эти года, но все же.
В 1904 году в Пикассо встретил модель Фернанду Оливье, которая вдохновила его на создание многих значительных работ этого периода. Эти несколько лет были счастливыми в их отношениях. Фернанда Оливье, которая сама не могла родить ребенка, пошла в один сиротский приют на улице Коленкур.
Там она удочерила девочку восьми или десяти лет и привела в Бато-Лавуар. Какое-то время маленькую девочку закармливали сладостями, покупали ей кукол и игрушки.
Пикассо и все в Бато-Лавуар были добры к ней, особенно друг художника Макс Жакоб. Внезапно Фернанда устала от всего этого и решила, что не создана для материнства. Было принято решение вернуть ребенка обратно и этот жребий выпал Максу Жакобу.
Когда он привел ее в приют, оказалось, что по существующему положению взятого из приюта ребенка обратно вернуть нельзя. Девочка расплакалась, стала умолять не бросать ее. В конце концов он устроил ребенка у консьержки. Возможно эта история является замаскированной сюжетной линией картины.
Изучение контекста показывает нам, что работа изображает Пикассо, его друзей, Фернанду и ребенка: Пикассо в образе арлекина, красный клоун — Гийом Аполлинер, высокий акробат — Андре Салмон, молодой мальчик — Макс Жакоб, сама Фернанда и та девочка, стоящая спиной к зрителю. Хотя ни одна из фигур не является точным портретом.
Эмоциональное напряжение и переживания за судьбу ребенка выражено у всех персонажей картины, читается в их глазах.
Источник: https://8-poster.ru/pictures/Semya_komediantov/
Эволюция гения. Краткий гид по жизни и творчеству Пабло Пикассо
25 октября 1881 года в шумной испанской Малаге врач принимал сложные роды. Когда родившийся ребенок не закричал, акушер спокойно закурил гаванскую сигару, а едкий дым выпустил в бесчувственное лицо новорождённого: от ужаса вскрикнули все, в том числе едва появившийся на свет малыш Пабло.
С этого занимательного эпизода началась долгая и совершенно безумная биография испанского художника. Он прожил 92 года и до конца своих дней был неутомим в своём творческом поиске.
Он менял стили и техники чаще, чем женщин: Пикассо безжалостно расчленял предмет исканий в кубизме, вновь собирал его, обратившись к неоклассицизму, пробовал себя в сюрреализме, расписывал стены борделей, занимался скульптурой и керамикой.
Он познавал мир через холст и не мыслил себя вне палитры.
Ранние годы
Несмотря на то что Хосе Руис был посредственным художником, он не мог не заметить талант первенца. «Дома в коридоре стояла статуя. Геркулес с дубиной, — рассказывал Пикассо, — вот я сел и нарисовал этого Геркулеса. И это не было детским рисунком, это было вполне реалистично». Ему едва исполнилось шесть, когда отец начал обучать его основам рисунка и живописи.
Семья Пикассо переехала из шумной Малаги в не менее шумную Ла-Корунью, где в возрасте девяти лет Пабло стал посещать курсы живописи. Так как учился юноша из рук вон плохо, а его романы с молодыми преподавательницами регулярно заставляли краснеть родителей, они не протестовали, когда тот решился оставить школу и отправиться в Барселону.
В 14 лет Пабло Пикассо на общих основаниях поступил в Барселонскую школу искусств и ремёсел. Живопись вундеркинда существенно выделялась на фоне старших сверстников, его первые большие работы маслом «Первое причастие» и «Знание и милосердие» заслужили множество наград и медалей на художественных выставках в Барселоне и Малаге.
Проучившись в Барселоне всего год, он без особого труда поступает в самое престижное художественное заведение страны: Мадридскую академию художеств. Однако и здесь он задержался всего лишь на семь месяцев. От нравоучений преподавателей Пикассо впадал в ярость, а в рамках нудного академизма было тесно и скучно.
Занятиям юноша предпочитал посещение музея Прадо и написание копий с полотен Веласкеса и Эль Греко.
Оставив учёбу, Пабло Пикассо отправился в Париж.
Голубой и розовый период
Франция не оказывается гостеприимной к молодому художнику: критики упрекают его в отсутствии индивидуального стиля. Пикассо с жаром принимает вызов: уверенный в собственной уникальности, он начинает бесконечный поиск себя.
Этот период жизни стал одним из самых тяжёлых для него. Оставаться во Франции он не мог: денег на жильё и пропитание не было, а работы явно не пользовались спросом.
Пикассо метался между Барселоной и Парижем, писал полные меланхолии полотна, изображающие падших женщин и пьяниц.
Все оттенки голубого и серого — главные отличительные черты этого периода творчества Пикассо — навсегда останутся для него символами нищеты и печали.
Четвёртая попытка завоевать Париж случилась удачнее предыдущих: ему удалось снять небольшую квартирку в ветхом общежитии на Монмартре. Здесь он обзавелся музой Фернандой Оливье и множеством знакомств в среде циркачей и второсортных актёров.
Пикассо по-прежнему нищ, но его жизнь постепенно начинает становиться ярче. Наиболее характерным произведением этого периода стала «Девочка на шаре».
Новые герои полотен — арлекины и акробаты — ещё полны печали, но уже выглядят значительно свежее предшественников за счёт розовато-коралловой цветовой гаммы.
Девочка на шаре. 1905 год.
Кубизм
Кубизму предшествовал так называемый «африканский период» или «протокубизм».
На этнографической выставке в музее Трокадеро весной 1907 года Пикассо открывает для себя мистицизм деревянных идолов, под влиянием которого постепенно избавляется от перспективы и упрощает формы.
В это время на свет появляются «Авиньонские девицы». Картина, изображающая падших женщин в африканских масках, повергла общественность в шок и ознаменовала переход Пикассо к новому этапу творчества.
Авиньонские девицы, 1907 год.
Он разбирает изображение на части, анализирует его и пропускает через себя, стремится показать не видимое, а сущее. Фернанда Оливье не понимает замысла Пикассо, а потому художник решает расстаться с музой.
Пикассо рассекает формы на плоскости и грани, гипертрофирует объёмы, вводит в картины типографский шрифт, обрывки журналов и спичечные коробки, превращая полотна в ребусы. Он начинает с портретов, но постепенно приходит к натюрмортам.
На этих композициях в трубках и нотах он изображает уже не лица людей, а души. Пикассо создаёт целую серию картин «Я люблю Еву», где его новая возлюбленная Ева Гуэль предстаёт перед нами в образах музыкальных инструментов.
С кубизмом Пикассо расстаётся вскоре после начала Первой мировой войны, однако элементы стиля остаются с ним до конца жизни.
Обнажённая, Я люблю Еву, 1912 год.
Классицизм
Ева, сменившая Фернанду на посту музы, спустя несколько лет после встречи с Пикассо умерла от туберкулеза. Он тяжело переживал смерть возлюбленной: стал завсегдатаем борделей, беспробудно пил, курил опиум, перестал следить за собой.
История любви: Пабло Пикассо и Ольга ХохловаСпасением для него стало сотрудничество с «Русским балетом» Сергея Дягилева. Первый совместный спектакль «Парад» на музыку Эрика Сати готовится в Риме. Здесь Пикассо знакомится со своей будущей женой, русской балериной Ольгой Хохловой.
Брак с девушкой из хорошей семьи, атмосфера русского балета и очарование античного Рима в корне изменили стилистику его работ. Он ударился в классицизм.
Однако и в классицизме Пикассо сложно не узнать: лишь чуть более реалистичны персонажи его полотен (в сравнении с предыдущим периодом).
Символом этой вехи его творчества является множество портретных зарисовок жены и друзей.
Вскоре классика надоела художнику. От развода его удержал лишь брачный контракт.
Сюрреализм
Пикассо бежал от прекрасно меблированного богатого дома и фигуративной живописи в ирреальный мир галлюцинаций.
На протяжении нескольких лет он рисует исключительно монстров, а потом встречает шестнадцатилетнюю Марию-Терез Вольтер.
Вдохновлённый её простой красотой, Пикассо рисует серию ярких и чувственных портретов, в том числе «Обнаженную, зеленые листья и бюст»: одну из самых дорогих картин в истории человечества.
Обнажённая, зелёные листья и бюст, 1932 год.
«Герника» и пацифизм
В апреле 1937 года фашистский самолет сбросил бомбу на Гернику, центр культурной жизни басков. Пикассо 55, он болезненно переживает трагедию и пишет своё самое значительное произведение: знаменитую «Гернику».
В монохромных цветах на громадном полотне изображён павший воин, оплакивающая его женщина и раненая лошадь, фоном для этой сцены служат мать с мёртвым ребенком, бык — символ Испании — и охваченная пламенем фигура девушки. Существует фотохроника создания Герники, её сделала Дора Маар, фотограф, художник-сюрреалист и новая спутница Пикассо.
Именно её образ мастер использовал для изображения войны: он создаёт множество портретов Доры, в том числе серию работ, известных как «Плачущая женщина». Знаковыми для этого периода являются натюрморты с черепами, передающие весь ужас оккупированного Парижа.
Ужас войны, охвативший художника, сделал его работы мрачными, наполнил необычайной горечью и болезненным сарказмом. Особенно не повезло женским портретам: всю свою обиду на происходящее в мире он изображал, уродуя лица и фигуры своих любовниц.
Герника, 1937 год. Сталин, 1953 год.
Послевоенное творчество
На исходе Второй мировой войны Пикассо вступает в Коммунистическую партию Франции. По просьбе товарища Луи Арагона, возглавлявшего еженедельник компартии Lettres françaises, Пикассо даже нарисовал портрет Сталина для передовицы номера, посвящённого смерти Вождя народов.
Угольная зарисовка, выполненная в характерной манере художника, вызвала огромный скандал среди французских коммунистов. Они обвинили Пикассо в том, что тот посмел исказить черты «Великого Сталина», и возмущённо требовали напечатать опровержение.
Потом художник говорил, оправдываясь перед однопартийцами, что даже задумывался на тем, чтобы изобразить Сталина в героической позе в виде обнаженной античной статуи. «Да, думал я, это здорово. Но как быть с его мужскими причиндалами? В классических скульптурах члены всегда маленькие.
Но ведь речь идёт о Сталине, мощном мужике, настоящем боевом быке», — именно эта неловкая подробность остановила художника от весьма экстравагантного портрета Отца народов.
В это время художник встречает свою новую музу — юную художницу Франсуазу Жило. Ему — 61, ей — 21, но разница в возрасте не смущает влюблённых. Семейство перебирается на юг Франции, а в работах Пикассо появляется мир и покой.
В пятидесятых была создана серия работ «Голуби мира» и написана знаменитая «Радость жизни», наполненная светом и цветом.
Кажется, художник абсолютно счастлив, однако мудрая Франсуаза вовремя сбегает с двумя детьми от бесконечных измен Пикассо: участь оставленных женщин художника её не прельщает.
Радость жизни, 1946 год.
Он болезненно переживает расставание, рисуя серию зарисовок уродливого старика-карлика с юной красавицей.
Анализируя собственное творчество, обращается к полотнам других великих художников и в характерной манере пишет «Портрет художника. В подражание Эль Греко», «Девушки на берегу Сены. По Курбе», «Завтрак на траве.
По Мане» и многое другое. Он постепенно стареет, но не теряет способности творить и мыслить
Успокоения семидесятилетний герой-любовник искал в объятиях своей новой фаворитки Жаклин Рок. Она боготворила Пикассо, следила за его диетой и стойко переносила приступы депрессии.
Последняя муза ни с кем не хотела делить своего гения, да и и сам он не стремился заботиться о собственном потомстве: пока Пикассо работал, его внуки падали в обморок от истощения, а бывшие женщины и дети жили в нищете, умирали от рака и спивались.
Анастасия ПОНОМАРЁВА
Источник: http://www.AiF.by/timefree/culture-news/evolyuciya_geniya_kratkiy_gid_po_zhizni_i_tvorchestvu_pablo_pikasso
Биография Пабло Пикассо
Опубликовано: 11.12.2016 — 13:57
Пикассо Пабло (25.10.1881-08.04.1973) – испанский художник, график, скульптор, керамист. Внес серьезный вклад в развитие изобразительного искусства, один из основоположников кубизма. Является автором неподдающегося счету работ, которые лидируют по своей стоимости и чаще других подвергаются похищению.
Юные годы
Пабло родился в провинциальном испанском городе Малага, позже семья перебралась в Барселону. Он взял фамилию матери, потому что отцовская ему казалась слишком простой. Пикассо был убежден, что стремление творить передала ему мать, рассказывавшая ему сказки, основываясь на пережитых за прошедший день впечатлениях.
Мальчик пошел по стопам отца Хосе Руиса, который был художником, и с семилетнего возраста стал осваивать технику рисования, дописывая картины Хосе.
Первая собственная работа «Пикадор», написанная в 8 лет, которую он бережно хранил всю жизнь. Когда Пабло было тринадцать, ему доверили дорисовать большую часть натюрморта.
Существует версия, что отец мальчика, увидев результат, бросил изобразительное искусство.
За неделю Пикассо подготовился к вступительным экзаменам в Академию художеств в Барселоне и с легкостью прошел их, несмотря на слишком малый возраст.
В те времена лучшая школа искусств находилась в Мадриде, и Хосе мечтал, чтобы сын учился именно там. В 1897 году Пабло перебрался в столицу.
Его больше интересовал опыт художников, а не классические лекции, которые навевали на юношу тоску. Он изучал работы в музеях, впервые посетил Париж.
Спустя год Пикассо вернулся в Барселону, где стал членом сообщества художников Els Quatre Gats. В одноименном кафе в 1900 году состоялись его первые выставки. Здесь же он познакомился со своими приятелями Х. Сабартесом и К. Касахемасом, ставшими впоследствии героями его работ.
Творчество художника было продуктивным и всегда находилось в состоянии развития. Поэтому его творческую жизнь принято рассматривать по периодам.
Голубой и розовый периоды (1901-1906)
Художник стал совершать поездки в Париж, где изучал импрессионизм. В те годы он сталкивался с трудностями. Покончил с собой его друг Карлос Касахемас, из-за чего Пикассо сильно переживал. Работы до 1904 года относят к «голубому периоду».
Тогда стиль художника характеризовался печальными образами, тематикой нищеты и смерти. Его персонажами были алкоголики, падшие женщины, слепцы и нищие. В цветовой палитре преобладали голубые оттенки.
К работам того времени относятся «Женщина с шиньоном», «Любительница абсента», «Свидание», «Трагедия» и др.
ТЕСТ: Сможете ли вы добиться успеха?
Пройдите этот тест и узнайте сможете ли вы добиться успеха.
Начать тест
С 1904 года, когда Пикассо переезжает в Париж, где поселяется в бедняцком общежитии для художников, здесь и берет начало «розовый период». Известную во всем мире «Девочку на шаре» относят к переходному времени.
Краски на полотнах художника оживляются, появляются розовые и золотистые тона. Тематика сменяется на театрально-цирковую, а героями картин становятся странствующие артисты. В жизни Пабло появляется модель Фернанда Ольвье, которая стала его вдохновителем.
Тогда были написаны: «Шут», «Сидящий арлекин», «Девочка с козлом» и др.
«Семья комедиантов» (1905) – существует предположение, что на полотне изображены люди из окружения художника
Переход к кубизму
Если на ранних этапах Пикассо экспериментировал с цветами, передачей на холст эмоций, то после 1906 года он стал изучать форму, интересоваться скульптурой, африканской культурой, коллекционировать ритуальные маски.
Ему стало неинтересно рисовать конкретного человека, Пабло привлекали формы и структура, их искажения. Первая работа нового стиля ¬– «Авиньонские девицы» – повергла в настоящий шок друзей художника.
В 1907 году он познакомился с Жоржем Браком, вместе с которым они становятся авторами совершенно нового направления – кубизма.
Поначалу работы Пикассо нового периода были в коричнево-зеленоватых тонах, несколько размытыми, изображение состояла из простых форм («Три женщины», «Женщина с веером», «Бидон и миски»).
В 1909-1910 годах предмет изображается состоящим из более мелких частей с четким разделением («Портрет Фернанды Оливье», «Портрет Канвейлера»).
Далее на картинах появляются конкретные предметы, натюрморты, стиль коллажа («Бутылка перно», «Скрипка и гитара»).
«Портрет Воллара» (1910) автор считал лучшим кубистическим портретом. Картины Пикассо начинают неплохо продаваться, несмотря на отрицание кубизма большинством. К 1909 году материальное положение Пабло улучшается, и он перебирается в большую мастерскую.
Период кубизма заканчивается с наступлением Первой мировой войны, когда ему пришлось расстаться со многими единомышленниками, в том числе с Ж. Браком. Но отдельные приемы кубистического стиля Пикассо еще долго будет использовать в своих работах.
Русский балет и сюрреализм
В 1916 году Пикассо предложили принять участие в постановке русского балета С. Дягилева. Эта идея увлекла художника, вместе с балетной труппой он едет в Рим, где занимается декорациями и эскизами костюмов.
Там он встречает балерину Ольгу Хохлову, на которой женится в Париже в 1918 году. В 1921 году появляется на свет их сын.
В то же время художник несколько меняет стиль, в работах появляются светлые тона («Купальщицы», «Портрет Ольги в кресле»).
С 1925 года в семейной жизни и творческой деятельности художника начинается сложный период, сочетающийся с влиянием сюрреалистических настроений.
В его картинах прослеживаются признаки агрессии, абсурда, истерии, рваные образы («Женщина в кресле», «Сидящая купальщица»). В 1932 году он встречает Марию-Терезу Вальтер, которая становится его моделью, рожает ему дочь.
Пикассо создает скульптуры («Лежащая женщина», «Конструкция» и др.).
Война и послевоенное время
В 30-х годах на полотнах художника появляется образ быка, несущего с собой агрессию и смерть. Во время войны в 1937 году был разрушен испанский город «Герника».
Пикассо на фоне этих событий создает свою «Гернику» – большое полотно длиной 8 метров и шириной 3,5 метра в черно-белых тонах. Картина передает боль и ужас людей, пострадавших от немецких налетчиков.
Война сильно повлияла на работы художника, которые стали мрачными и тревожными («Бойня», «Плачущая женщина»).
В 1945 году Пабло встречает Франсуазу Жило, будущую мать его двоих детей. Эта женщина вдохновляет художника на создание полотен с семейными образами.
После переезда на средиземноморский юг Франции он увлекается керамикой, его работы становятся более гармоничными и ироничными. Среди них много блюд, тарелок, скульптур. В 1949 году художник создает всем известного «Голубя мира».
В 1953 году Франсуаза уходит от Пабло из-за его непростого характера и измен.
Пикассо снова женится в 1958 году, его избранницей становится Жаклин Рок, которая в два раза младше него, для жены он написал более 400 портретов. Среди картин 50-х годов наиболее известны вариации работ по Мане, Гойя, Делакруа и др.
Пикассо с супругой Ж. Рок – фото, представленное на выставке «Пикассо и Жаклин» в Нью-Йорке
Последние годы художника
На закате жизни для Пикассо были характерны разноплановые работы, однако, как и всегда, лидировали женские образы. Его последней музой была до конца верная художнику жена. Жаклин ухаживала за ним до последних дней, когда он ослеп, почти не слышал и был очень болен. Умер Пикассо во французском городе Мужене, похоронен у своего замка Вовенарг.
Еще при жизни художника его другом в 1963 году был создан музей с работами Пикассо в Барселоне, теперь он занимает пять особняков и насчитывает более 3,5 тысячи экспонатов. В 1985 году начал работу парижский музей Пикассо, в 2003 – музей в Малаге. Художник оказал сильнейшее влияние на культуру своего времени.
Любопытные факты
- Начиная свое творчество в нищенстве, великий художник умер мультимиллионером.
- Работа «Алжирские женщины» ушла с нью-йоркского аукциона за 179 миллионов долларов в 2015 году. Более дорогой картины не было еще продано ни на одном аукционе мира.
- По оценкам экспертов Пикассо создал более двадцати тысяч работ.
- Автомобильная компания Citroen назвала именем художника несколько моделей машин.
- Младшая дочь Пикассо Палома является дизайнером в транснациональной ювелирной компании Tiffany.
- После смерти Пабло Пикассо ушли из жизни и несколько его близких: внук от первой жены в день похорон художника выпил хлорку из-за запрета присутствовать на церемонии; в 1975 году умер сын Поль от цирроза; в 1977 году покончила с собой Мария-Тереза Вальтер; в 1986 году – вдова Пикассо Жаклин.
Источник: http://stories-of-success.ru/pablo-pikasso
Как устроены Пабло Пикассо «Девочка на шаре»
?Вадим Алешин (vakin) wrote,
2017-10-14 12:48:00Вадим Алешин
vakin
2017-10-14 12:48:00
Пабло Пикассо. Девочка на шаре. 1905
Холст, Масло. 147 × 95 см.
Пушкинский музей, Москва, Россия
Руки эквилибристкиТонкий стан эквилибристки — очевидный контраст с массивной фигурой силача на переднем плане — венчают руки, устремленные к небу. Так героиня пытается обрести равновесие на неустойчивом шаре.
Сам образ не уникален: розовый период Пикассо (около 1904–1906 годов) часто еще называют цирковым; цирковые артисты, в том числе акробаты и эквилибристы, населяют множество его работ того времени.
Тем не менее в «Девочке на шаре» художнику удалось нащупать интересное композиционное решение: жест главной героини как бы связывает ее фигуру с небосклоном — нетрудно заметить, что и цвет ее трико ближе всего к голубоватому оттенку неба.
Пабло Пикассо. Семейство комедиантов. 1905 годNational Gallery of Art, WashingtonПабло Пикассо. Актер. 1904–1905 годыWikimedia CommonsПабло Пикассо. Акробат и молодой арлекин. 1905 год
Wikimedia Commons
Спина атлета
В отличие от тонкой, бестелесной фигуры девочки, монументальная спина атлета, занимающая добрую половину переднего плана картины, решена в охристо-розовых, «чахоточных», по выражению Аполлинера, тонах, которые эхом отзываются в землистых холмах фонового пейзажа.
Таким образом, центральное для «Девочки на шаре» противопоставление акцентируется сразу на множестве уровней: не только «женское — мужское», не только «молодость — зрелость», не только «хрупкость — устойчивость», но и «небо — земля», «дух — материя».
Шар и куб
По мнению некоторых исследователей, образ девочки на шаре восходит к ренессансной иконографии богини судьбы, Фортуны, — тогда как устойчивый куб, на котором сидит атлет, ассоциируется с понятием Доблести. Латинская поговорка гласит: «Sedes Fortunae rotunda, sedes Virtutis quadrata» (дословно «Сиденье Фортуны круглое, сиденье Доблести квадратное»).
Неизвестно, подразумевал ли Пикассо подобное толкование образов на картине, но это кажется вполне возможным, учитывая его любовь к художественным аллегориям, а также то обстоятельство, что к 1905 году он уже несколько лет вращался в парижских интеллектуальных кругах и ходил на лекции поэта Мореаса, провозглашавшего возвращение к идеалам греко-латинской литературы.
Следы второй ступни и правого колена
Несмотря на то что атлет показан художником со спины и мы видим лишь одну его ногу, если присмотреться, можно различить на картине вторую ступню и правое колено: сначала поза силача была несколько иной, но затем Пикассо изменил композицию.
По одной из гипотез, это было связано с тем, что живописца волновала тема поддержки — как в моральном смысле (циркачи, как, собственно, и художники-авангардисты, считались в обществе изгоями и могли уповать лишь друг на друга), так и в материально-физическом.
В финальном варианте «Девочки на шаре» получается, что эквилибристка отчасти опирается на атлета: если мысленно убрать его фигуру из картины, хрупкое равновесие будет разрушено и девочка упадет. По-видимому, вторая нога ослабляла этот эффект, и потому от нее было решено отказаться.
Мотив поддержки ярко воплощен и в других произведениях Пикассо, например в «Старом еврее с мальчиком». С другой стороны, с человеческими конечностями в своих работах он порой обращался достаточно вольно: на более позднем «Портрете Поля в костюме Арлекина» у сына художника, похоже, вырастает лишняя нога.
Фигуры на заднем плане
Цирковые артисты у Пикассо никогда не показаны на рабочем месте — сцены с их участием переносятся в пространство некоего условного пустынного ландшафта.
Именно это происходит и с «Девочкой на шаре»: пейзаж за спинами главных героев решен в виде последовательности горизонтальных планов разного цвета — на этом фоне вертикальная динамика атлета и эквилибристки воспринимается особенно ярко.
Человеческие фигуры на заднем плане — типичный стаффаж [cтаффаж — фигуры людей и животных, изображаемые в произведениях пейзажной живописи для оживления вида и имеющие второстепенное значение]: живописцы XVI–XVII веков взяли за правило изображать их на своих полотнах для оживления пейзажа.
Характерно, что эти фигуры развернуты спиной к основной сцене картины и явно удаляются прочь, равнодушные к трюкам, которые репетируют силач и эквилибристка. По одной из версий, это высказывание художника на тему невостребованности их искусства, которое он в значительной степени уподоблял своему.
Лошадь
«Девочка на шаре» — редкий у Пикассо пример композиции с последовательно открывающимися перед зрителем пространственными планами: на первом — атлет; на втором — эквилибристка; на третьем — фигура матери с детьми и собачкой; наконец, на последнем, четвертом, — пасущаяся в пейзаже белая лошадь. Лошадь — сквозной образ на картинах художника этого периода: она появляется также в «Мальчике, ведущем лошадь» и на большом количестве эскизов — например, это «Арлекин на лошади» и «Семья комедиантов».
Источник — arzamas.academy
Источник: https://vakin.livejournal.com/2028211.html
Пабло Пикассо — явление в искусстве
Пабло Пикассо пришел в этот мир 25 октября 1881 года в испанском городе Малага. Его отец – художник и учитель рисования – дал ему первые уроки мастерства в раннем возрасте. А мать, наделенная богатым творческим воображением, рассказывала ему сказки собственного сочинения. По признанию Пикассо, именно эти истории стали для него толчком к творчеству.
По легенде, Пикассо научился рисовать раньше, чем говорить, и первое произнесенное им слово было «карандаш».
Родители любили мальчика, баловали его. С детства ему очень нравились голуби (у семьи была домашняя голубятня), и иногда ему даже разрешали взять птицу с собой в школу, иначе он отказывался туда идти.
В 13 лет Пабло блестяще сдал вступительные экзамены в Барселонскую академию художеств, причем на подготовку у него ушла всего неделя, тогда как другим абитуриентам требовался минимум месяц. Его приняли, даже несмотря на слишком юный возраст – для него было сделано исключение с учетом огромного таланта Пабло, проявившегося уже так рано.
В 1897 году отец решил отправить его на обучение в Мадрид, в самую передовую на тот момент школу искусств в Европе – Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо.
Но изучать преподаваемые там классические традиции юному Пабло было скучно, и свое время пребывания в Мадриде он тратил главным образом на изучение коллекции музея Прадо, а в 1898 году вернулся в Барселону. Здесь началось его становление уже как зрелого мастера.
Несмотря на свою юность, он на полном основании входит в художественную элиту Барселоны. А настоящий всплеск творчества случился после поездки в Париж в 1900 году, где Пикассо познакомился с творчеством импрессионистов.
Родители собрали последние деньги, только чтобы сын смог посетить Париж, этот город художников и поэтов. Жизнь его там была несладкой, он болел, пребывал в депрессии. Его полотна приобрели в это время драматичный оттенок, их героями стали нищие, больные, старики, представители низов общества, и просто люди, пребывающие в печали. Картины
выдержаны в холодных тонах, а потому этот период в творчестве Пикассо называется голубым.
Пикассо уезжает в Барселону, но снова и снова возвращается в Париж, а в 1904 году решает остаться там навсегда. В Париже он встречает модель Фернанду Оливье, вместе с которой селится на Монмартре, в старом полуразрушенном здании, ставшем чем-то вроде приюта для бедных художников.
Интерес к жизни богемы, театру и цирку, постепенно позволяет ему преодолеть меланхолию голубого периода и перейти к следующей стадии своего творчества – розовому периоду. Картины теперь выдержаны в розово-золотистых, розово-серых тонах, образы стали лиричными и романтичными, хотя тема обездоленности и не ушла совсем.
Пикассо не боялся меняться, экспериментировать, пробовать новые формы и стили живописи.
Начиная с 1907 года он интересуется африканской скульптурой, масками. Его завораживала их грубоватая красота, четкие очертания, искажающие черты лица, но, тем не менее, каким-то особым образом отражающие реальность.
Пикассо начал экспериментировать с искажением форм и даже деструкцией натуры. Это привело художника к кубизму – новому, революционному направлению в живописи, основоположником которого он стал.
На картинах в стиле кубизма трехмерный мир словно расслаивается, становится многомерным, предметы теряют свою форму и приобретают завораживающую таинственность. Далеко не все приняли это новое направление в живописи Пикассо, но его картины начали хорошо покупаться. Наконец они с Фернандой смогли покончить с нищенским существованием и перебраться в просторную и светлую мастерскую.
В 1911 году Пикассо расстался с Фернандой, потому что встретил другую женщину – Еву, ставшую его музой.
Он написал не одну работу, вдохновленную ею, хотя это были вовсе не портреты! Его творчество опять претерпевает изменения, хоть он и не отказывается от кубизма.
Но его картины становятся ярче, в них появляется разнообразие цветов… Постепенно у него возникает желание вернуться к реализму. К этому времени Пикассо уже очень известный художник и богатый человек.
Началась Первая мировая война, и мир для Пикассо словно бы рухнул: многие друзья призваны на фронт, рвутся давние связи, и жизнь перестает быть прежней. В 1916 году умерла Ева – любимая женщина.
После ее смерти Пикассо решил покинуть Париж. Он оставляет большую квартиру на Монпарнасе, и селится в небольшом городке Монруже, в маленьком домике.
В 1917 году драматург Жак Кокто предложил Пикассо поработать над эскизами костюмов и декораций для русского балета Сергея Дягилева. Пикассо увлекается балетом, влюбляется в балерину Ольгу Хохлову, которая становится его женой.
Стиль его работ снова меняется – теперь это неоклассицизм. Его картины теперь как никогда реалистичны. Этот период длился около восьми лет, а затем художник увлекся сюрреализмом. Мир его работ становится ирреальным.
В конце 20-х – 30-е годы он активно занимается и скульптурой.
Брак с Ольгой Хохловой не был долгим, они расстались, но Пикассо не оформил развода, потому до конца дней она оставалась его официальной женой.
В 1936 году началась гражданская война в Испании. Был разрушен город Герника. Тогда Пикассо создал одну из самых известных своих работ – огромное полотно «Герника», отражающее ужасы войны. Антивоенная тематика стала одной из главных в его творчестве. Его знаменитый голубь мира, созданный в 1949 году, известен всем.
https://www.youtube.com/watch?v=JiMfn7n_65U
Произведения Пикассо послевоенных лет очень разнообразны: он создает не только картины, рисунки и скульптуры, но и декоративные тарелки, вазы, кувшины.
Работы становятся солнечными и радостными. И снова его вдохновляет женщина – Франсуаза Жило, подарившая художнику двоих детей. С ней у Пикассо была настоящая семейная идиллия, но и этот брак распался.
Начиная с 50-х годов уже трудно проследить какой-то единый стиль в произведениях художника – он пишет в разных стилях, жанрах и техниках.
Последней музой художника стала 34-летняя Жаклин Рок, с которой 79-летний мастер связал свою жизнь в 1961 году, и с этого момента рисовал только ее.
Очень знаменитый, мультимиллионер, Пикассо дожил до 92 лет, и умер 8 апреля 1973 года в городе Мужене во Франции.
Он стал уникальным явлением в искусстве: соединил в себе не только разные стили и направления, но как будто разные эпохи. Такая разносторонняя одаренность и многомерное видение мира – редкость, невозможная для других.
Но для Пикассо и невозможное было возможным. Он всегда был разным. Можно сказать, что он изменил искусство, определил направления его развития в XX веке.
Его картины и по сей день лидируют на рынке искусства, побивая все рекорды цен.
Важнейшие достижения
Наследие художника – около двух тысяч картин, более двенадцати тысяч рисунков, более тысячи скульптур, множество керамических изделий. Это говорит о поистине колоссальной работоспособности.
Самые известные его работы: «Девочка на шаре», «Любительница абсента», «Арлекин и его подружка», «Семья комедиантов», «Две сестры», «Авиньонские девицы», «Две женщины, бегущие по пляжу», «Герника», и многие другие, все просто невозможно перечислить.
Пикассо стал основоположником кубизма и реформировал искусство XX века, внеся в него особый взгляд и особую манеру, где высокий профессионализм и мастерство сочетаются с непосредственным восприятием ребенка.
Основы мировоззрения
О том, как менялось мировоззрение и мировосприятие Пикассо, можно судить по его работам, которые менялись от периода к периоду. Сам Пикассо не любил теоретизировать, избегал лишних слов, считая, что за него говорят его работы. Он отражал реальность так, как воспринимал ее, стремился постичь самую суть бытия, будто вывернув его на изнанку, изучив до самых глубин.
Познание мира посредством живописи – вот его философия. Он не считал нужным придерживаться раз и навсегда обретенного стиля, потому что считал: каждую вещь нужно отражать на холсте так, как потребует она сама.
«Я горжусь тем, что могу сказать: я никогда не считал живопись чистым искусством, развлечением, я хотел посредством моих рисунков и картин – ведь это и есть мое оружие – продвинуться вперед в познании мира и людей», – говорил он. Он не боялся меняться, экспериментировать, познавать, искать и находить что-то новое, – и в этом, пожалуй, состоит его жизненное кредо.
По своим политическим взглядам Пикассо был коммунистом, членом французской коммунистической партии, утверждая: «Коммунизм для меня тесно связан со всей моей жизнью как художника».
Источник: http://www.100glaz.ru/2016/05/pikasso.html
Национальная галерея искусства в Вашингтоне. — презентация, доклад, проект
Слайд 1
Описание слайда:
Национальная галерея искусства в Вашингтоне.
Слайд 2
Описание слайда:
Содержание Национальная галерея искусства в Вашингтоне. Национальная галерея искусства в Вашингтоне. Восточное здание. Арх. И.М.Пей. 1976 Джотто ди Бондоне. Мадонна с младенцем. Между 1320 и 1330 гг. Дерево. Темпера. Фра Беато Анджелико и фра Филиппо Липпи. Поклонение волхвов. 1445. Дерево. Темпера. Рафаэль Санти.
Святой Георгий и дракон. 1504-1506. Дерево. Темпера. Рафаэль Санти. Мадонна Альба. 1510. Холст. Масло. Тициан Вечеллио. Венера с зеркалом. 1555. Холст. Масло. Ян Ван Эйк. Благовещение. 1425-1430. Холст. Масло. Рембрандт Харменс Ван Рейн. Мельница. 1650. Холст. Масло. Франсиско Гойя. Портрет маркизы Понтехос. 1786. Холст. Масло.
Эдуард Моне. Вокзал Сен-Лазар. 1879. Холст. Масло. Клод Моне. Дама под деревьями. 1880. Холст. Масло. Анри де Тулуз-Лотрек. Уголок в Мулен де ла Галет. 1892. Пабло Пикассо. Семья странствующих комедиантов. 1905. Холст. Масло. Тициан Вачелло. Портрет венецианского дожа. Жан-Оноре Фрагонар. Девушка за чтением. Жак Луи Давид.
Портрет Наполеона за работой.
Слайд 3
Описание слайда:
Национальная галерея искусства в Вашингтоне Галерея основана в 1937 году Конгрессом США на основе крупных частных коллекций Эндрю Уильяма Меллона (также выделил 10 млн.
долларов США на строительство здания), Лессинга Дж.
Розенвальда, Сэмуэла Генри Кресса и более чем 2000 скульптур, картин, предметов декоративного искусства и фарфоровых изделий из коллекции Джозефа Уайденера, а также других коллекционеров.
Слайд 4
Описание слайда:
Национальная галерея искусств, Вашингтон. Западное здание. Арх. Д.Р.Поуп. 1941 Архитектурно-художественная среда центров большинства городов сложилась под влиянием историзма, объединяющего несколько направлений — «стилизации», эклектики, соответствующих ветвей модерна и др. различающихся глубиной и последовательностью в привлечении художественного наследия прежних веков.
Слайд 5
Описание слайда:
Национальная галерея искусства в Вашингтоне. Восточное здание. Арх. И.М.Пей. 1976
Слайд 6
Описание слайда:
Клод Моне. Дама в саду. 1880 Когда Клод Моне писал картину, известную теперь под названием «Дама в саду», он уже заявил о себе как о новаторе в пейзажной живописи, восставшем против правил и рецептов старого искусства. Изображение природы приобрело особую свежесть и конкретность. Однако новый метод привел к несколько неожиданным результатам и заставил художника сделать далеко идущие выводы.
Слайд 7
Описание слайда:
Анри де Тулуз-Лотрек «Мулен Руж» 1892 Слева написаны художественный критик Эдуард Дюжарден и испанская танцовщица Ла Макарона. Темный профиль мужчины резко контрастирует с бледным, сильно загримированным лицом женщины.
На ихлицах написано пресыщение жизнью. Справа за столиком Лотрек изобразил своих приятелей Мориса Гибера и Поля Сеско. Самого себя и своего кузена Лотрек изображает в профиль, словно они рассматривают собственное отражение в зеркале.
На заднем плане мы видим двух известных танцовщиц
Слайд 8
Описание слайда:
Пабло Пикассо. Семья комедиантов. 1905.
Слайд 9
Описание слайда:
Рафаэль Санти «Святой Георгий и дракон» Георгий происходил из знатного рода, осевшего в Каппадокии (Ближний Восток). Благодаря выдающимся способностям он уже в 20 лет стал крупным военачальником.
Во время гонений на христиан при императоре Диоклетиане сложил с себя высокий сан и стал горячим проповедником христианства. Брошенный в темницу, он претерпел жесточайшие пытки и 23 апреля 303 года был обезглавлен в Никомедии (ныне город Измит в Турции).
Церковь причислила его к лику святых. На Руси культ св. Георгия утвердился вместе с принятием христианства.
Слайд 10
Описание слайда:
Тициан Вечеллио «Венера с зеркалом» Венера (Venus) · богиня садов, имя ее употреблялось как синоним плодов. По некоторым предположениям, первоначально она являлась персонификацией абстрактного понятия «милости богов» (venia).
Слайд 11
Описание слайда:
Ян Ван Эйк «Благовещение»
Слайд 12
Описание слайда:
Рембрандт Харменс Ван Рейн «Мельница»
Слайд 13
Описание слайда:
Франсиско Гойя «Портрет маркизы Понтехос»
Слайд 14
Описание слайда:
Эдуард Моне «Вокзал Сен-Лазар»
Слайд 15
Описание слайда:
Клод Моне «Дама под деревьями»
Слайд 16
Описание слайда:
Анри де Тулуз-Лотрек «Уголок в Мулен де ла Галет»
Слайд 17
Описание слайда:
Пабло Пикассо «Семья странствующих комедиантов»
Слайд 18
Описание слайда:
Тициан Вачелло «Портрет венецианского дожа»
Слайд 19
Описание слайда:
Жан-Оноре Фрагонар «Девушка за чтением»
Слайд 20
Описание слайда:
Жак Луи Давид «Портрет Наполеона за работой»
Источник: https://presentacii.ru/presentation/nacionalnaya-galereya-iskusstva-v-vashingtone
Нарисуйте мне дом
Нарисуйте очаг, хоть на грубом холсте, на кирпичной стене —
только так, чтоб тянуло…
Набросать на бумаге уютное, «каминное» удается русскому художнику Владимиру Любарову, знакомому летописцу деревени Перемилово. Его бытовым сценкам веришь и сопереживаешь. Его семьей упиваешься до дна.
Радуешься мелочам: посудке горкой и чайничку с подертой эмалью, который вот-вот закипит на маленькой кухоньке два на два. И неважно, что прогорклого сахара осталось совсем на дне; неважно, что дымом из духовки, выедающим глаза, полнится все видимое и невидимое пространство…
ты просто веришь этим людям, сидящим на кухоньке два на два со скатеркой в клеточку. На картинах Володи Любарова веришь каждой выпитой чашке чая, способной рассказать о ее владельце больше, чем сотни ненужных социальных критериев. Такие зарисовочки дел житейских – родные нашему времени.
А раньше-то семейный круг подавали совсем иначе… И семейные психотипы были совершенно другими…
Есть такое учение, как психософия (создатель – педагог психологии Православного института им. А. Меня Александр Афанасьев). Психософия рассматривает различные модели человеческого сосуществования, в том числе и семьи. Занятно изучать модели семьи применительно к живописи. Давайте попробуем. Сперва поглядим, как психологи интерпретируют разное поведение в семье.
Эрос – тип «любовь-страсть»: супруги то надышаться не могут друг другом, то временами просто не выносят мучительную близость.
Агапэ – любовь искренняя, полная самопожертвования, где женщина неприкосновенна, а мужчина всячески почитаем.
Полуагапэ – в этом психотипе члены семьи полезны друг для друга и тем самым лечат себя от одиночества; это скорее взаимопомощь для самоуспокоения.
Тождество – муж и жена — близнецы по духу, в паре усиливают друг друга.
Зеркало – в паре один ведет, а другой повторяет его поведение; уживаются как плюс и минус.
Соседи или «параллельные миры» – нейтральны. Не враги, но совершенно нелепо смотрятся вместе.
К каждому семейному портрету – классическому или современному – можно подобрать свой психотип. Картина – или венец радости, или итог душевных страданий, о коих узнаём из биографии художника.
У Любарова на картинках (как он их сам называет) – эрос. То есть главные персонажи скандалят; переживают накал страстей; гомерически смеются и ревут как белуги; жутко ненавидят и до жути любят.
Темпераментные господа – вот уж действительно, где правда глаз колет.
| Владимир Любаров | Владимир Любаров |
Однако меняются семьи – меняется и семейный портрет. То ли дело Возрождение. Одно «Святое семейство» севильской школы Мурильо чего стоило – поистине благость склоняет нам свое чело с картины. Вот любовь в оригинале – то, что в психософии зовется агапэ.
Как был положен почин семейному портрету? Вообще первым замахнулся на изображение лица анфас дерзновенный Альбрехт Дюрер. Он предал бумаге самого себя и тем самым вызвал бурю негодования. Дальше – больше. Полетели жизнеописания в полотнах: и порядочные семьянины не преминули запечатлеть свою родню. Как Рубенс.
| Э. Мурильо. Святое семейство с маленькой птицей, 1650 | Питер Пауль Рубенс. Автопортрет с женой Изабеллой Брандт | Портрет супругов Рубенс (с молодой женой) , 1631 |
Раз уж мы взялись переводить картины на язык психософии, то у Питера Пауля Рубенса видим на холсте – полуагапэ. Благоверные нужны были этому фламандцу, дабы не страдать от одиночества и ощущать себя необходимым кому-то.
Художник беззастенчиво вписал в историю не только себя со своей первой аристократичной женой, но и впоследствии со своей второй 16-летней супругой (когда ему было ни дать ни взять 53 года). Его холст – сплошное откровение, неумышленная, вполне естественная демонстрация миру дорогих сердцу людей.
Как если бы мы сейчас собирали альбом с фотокарточками. Но, на мой взгляд, уж лучше эти подлинные живые чувства, нежели парадно-выходные заказухи Франса Халса.
…В целом портрет – это всегда или фрустрация, или какая-то доведенная до пика экзальтация. У всех по-разному. Случается, что за внешним психотипом агапэ на самом деле сосредоточены боль, надорванность и мука.
К примеру, у Рембрандта за его семейной идиллией открывается пустота собственного дома, который был лишен женского и детского тепла, череда смертей подкосила гения на закате лет. И становится жутко, когда обманываешься голландским мастером.
Его мира, в который поверил, оказывается, вовсе нет.
| Рембрандт Харменс ван Рейн. Семейный портрет, 1666-68 | Антонис ван Дейк Семейный портрет. Между 1618 и 1621 |
Психологи отмечают также еще один удивительный стиль взаимоотношений в семейной паре – тождество. Оно, как ни странно, наиболее соответствует мрачным сагам Ван Дейка.
Таинственный покров его красок исполнен силой притяжения двух любящих людей.
Вот глядишь на известное полотно 1620 года и понимаешь, что между мужчиной и женщиной пролегает бездонное согласное молчание: ни слова о чувствах, ведь они так сильны. Это и есть тождество духовных близнецов.
Аналогично многим позже семья Репиных станет еще одним воплощением психотипического тождества. Тождество характеров угадывается на портрете Репина, приведенном ниже.
Наталья Нордман-Северова была буквальным продолжением своего мужа: так же своенравна, как и он, так же умна. Не боялась рисковать, стирала грань сословий, была необычна даже в своей тяге к вегетарианству.
Подобные дуэты – редкость. И отсылают нас к былой чете Романовых, Голицыных, Шуваловых, Куракиных, которые всегда поражали своим достоинством. Которые знали, что значит держать голову высоко поднятой.
Достоинство подобного рода редко где сыщешь сегодня.
Особняком поставим работу Пикассо. Согласитесь, тут есть над чем голову поломать. Он показал совсем иное измерение социальных отношений. Свободных скитальцев. В «Семье комедиантов» все фигуры выглядят отчужденно.
Почему Арлекин на холсте стоит спиной к зрителю? Поговаривают, что художник зашифровал в циркаче себя.
Но почему все-таки спиной?? Кто эта женщина в шляпе и растерянный ребенок? Фернанда Оливье и ее приемная дочь?
| Репин. Автопортрет с Натальей Борисовной Нордман, 1903 | Пабло Пикассо. Семья комедиантов, 1905 |
К этой картине, скорее, подходит психотип «эрос»: Пикассо то боготворит свою спутницу Фернанду Оливье, то испытывает к ней безграничное отчуждение… По одной из версий, богемная пара на период создания картины не вынесла проверку материнством. Фернанда удочерила одну девочку-подростка.
А затем усомнилась в своей способности воспитать ребенка и пожелала вернуть дитя в приют, что, конечно, уже нельзя было сделать. Девочку пристроили к консьержке. А взбалмошная Фернанада Оливье стала бесконечно далекой для Пикассо… и вновь трагедия находит отклик в семейном портрете.
Таком многоликом и непредсказуемом.
В основном на портретах проступают психотипы эроса и агапэ. А где же у зодчих найти семейную модель, названную психологами моделью соседей? Удачным будет поиск в 18-м веке, где встречались весьма холодные парочки, которых отдавали во взаимный плен не по любви. Холодок проскальзывал, когда мужа и жену мастера писали отдельно.
А на исходе 19-го столетья красками на бумагу стали выплескивать даже личные сцены и ссоры – русский критический реализм рассорил. Совместное житье-бытье превратилось в психософские «параллельные миры». Женщины перевоплотились в Петроградских мадонн Петрова-Водкина с волосами, убранными в косынки и на фоне трудового люда.
А мужчины заламывали набекрень пролетарские кепки.
Семейные коллизии – безусловная радость или безусловное отчаяние – конечно, находят выход в искусстве. Но всяк по-своему. Кому подавай туманного Пикассо, а кому привычнее массовый Петров-Водкин. … Знаете, как по мне, так уж лучше Любаров. С его семейным счастьем вдрызг и в дымину 🙂
Мария Сопкалова
Источник: https://www.kultoboz.ru/narisuite-mne-dom
Загрузка...
