Описание картины кузьмы петрова-водкина «весна»

Весна — Петров-Водкин К. С. :: Артпоиск — русские художники

В одной из своих бесед Петров-Водкин так ответил на упреки в том, что он возвращается «к космическому представлению о земле»: «Совершенно верно, об этом сейчас и нужно говорить.

Сейчас у нас люди летают на парашютах, поднимаются на 15 верст вверх, а мы, видите ли, будем думать, не качается ли у нас стол и т. д.

Объявляю во всеуслышание — мыслите о земле, как о планете, и никогда не ошибетесь, ребята!».

Обращаясь к темам современной действительности и отказываясь от символических иллюзий, Петров-Водкин вовсе не отказывается от идеала, от мечты. Он не становится рабом вещей и фактов. Для него реально не только видимое, но и чувствуемое, переживаемое. Признавая ценность мира предметного, художник ни на секунду не забывает о ценности мира духовного.

Именно поэтому любое изображение он не мыслит вне преображения. Таким образом, мечта художника перестает быть «небылицей», иллюзией, а становится той призмой, сквозь которую он воспринимает действительность. Жажда идеального направляет воображение художника, и оно видоизменяет формы предметного мира.

Настраиваясь «на волну» настроения своих героев, Петров-Водкин как бы ставит сам себя на их место. Он считает возможным в ряде случаев изображать то, что кажется его героям, то, что видится им. В некоторых произведениях Петрова-Водкина, например в картине «После боя», между реальным планом и воображаемым существует резкий разрыв.

Полного «совмещения» этих планов нет и в одной из поздних работ художника — «Весна» (1935).

На картине изображены влюбленные — парень и девушка. Их образы прекрасны своей чистотой. В фигуре юноши ощущается какая-то неловкость, скованность, выдающая робость первого чувства. Кажется, так трудно преодолима узенькая полоска пространства, разделяющая молодых людей! У них все еще должно свершиться, все полно ожиданием чуда…

Юноша и девушка словно бы вознесены великим чувством любви на вершину мира. Художнику важно выразить ощущение душевной высоты своих героев, которым все обыденное кажется безмерно далеким. И он изображает под обрывом — в самом низу картины — крохотные деревья и домики, ютящиеся у ног влюбленных.

При всей точности бытовой характеристики, образы юноши и девушки становятся приподнятыми над бытом, над повседневностью. По сути дела, Петров-Водкин поступает, как дети, изображающие то, что важно для них, например цветы, больше неважного, например — дома.

Детски-наивны в своей чистоте и откровенности краски картины: желтая (майка юноши), синяя (платье девушки), ярко-пунцовая (ее берет), нежно-бирюзовая (земля).

Нарушение перспективы — несомненная вольность художника, с которой отнюдь не каждый может согласиться. Но также несомненно и то, что вольность эта — поэтическая. Она отвечает общечеловеческим, вполне понятным чувствам, и в этом одно из веских оправдании живописца.

Многие картины Петрова-Водкина, порой несколько «странные» на первый взгляд, становятся понятными и внутренне мотивированными, когда мы уясняем образ мышления художника, его философию. Условность водкинских произведений рождена потребностью выразить значительные идеи. Она является средством обобщения.

Оперируя наиболее общими категориями, Петров-Водкин ищет изобразительных «формул», он всегда синтетичен. Выросший на Волге, соединяющей отдаленные концы земли русской, живописец стремится в создаваемых образах слить воедино черты, характерные для облика своей родины в целом. У Нестерова Россия — это наш север или средняя полоса.

У Кустодиевf — приволжская провинция — Кострома, Кинешма, Ярославль. Россия Петрова-Водкина — это Россия вообще, вне ее местных проявлений и особенностей.

Источник: http://ArtPoisk.info/artist/petrov-vodkin_kuz_ma_sergeevich_1878/vesna_071/

Петров-Водкин Кузьма Сергеевич. Российский и советский живописец-символист

        29 октября 2010 года

Автопортрет 1926-1927

Кол-во 229 | Формат JPG | Разрешение 1000х800 | Размер 32 Mб

Есть художники, занимающие в искусстве особое место. Их работы резко отличаются от произведений современников, но вместе с тем не являются чем-то чуждым общему процессу художественного развития, а, скорее, дополняют и обогащают его.

Именно такой своеобразной и крупной личностью был в русском и советском искусстве первой трети нашего века Кузьма Сергеевич Петров-Водкин (1878 — 1939).

Черемуха в стакане 1932

Годы его художественного формирования проходили в условиях решительных перемен в русском и европейском искусстве.

На фоне продолжающейся деятельности художников критического реализма появились новые направления, отражающие эстетические идеалы современного общества.

В среде молодых художников начала века возобладало стремление к символической и ассоциативной образности, интерес к проблемам формы и специфики языка, к подражанию стилистике прошлых эпох.

Берег 1908

Все эти далеко не однородные, но характерные художественные явления сказались на ранних произведениях Петрова-Водкина, созданных еще в годы пребывания его в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Речь идет о таких его работах, как «Эгитаф», «Каменный остров», «Прометей» (все 1904 года), а затем и о первых больших композициях — «Берег» (1908), «Сон» (1910).

Сон 1910

Приехав в Париж в 1906 году после окончания Московского училища живописи, ваяния и зодчества, молодой художник первое время еще пытался сочетать литературную работу (закончил пьесу «Жертвенные») с занятиями рисунком, но вскоре задачи, которые он себе поставил в овладении классически строгим и выразительным рисунком, настолько увлекли его, что не оставалось ни времени, ни сил, чтобы продолжать писать повести и рассказы. Только через двадцать пять лет он снова обратится к литературе и напишет две свои замечательные книги — «Хлыновск» и «Пространство Эвклида».

Портрет жены художника 1906

Неожиданно почти полностью академическое направление работы было «поколеблено» придуманной самим художником в 1907 году трехмесячной поездкой в Африку.

Он получил от знакомства с экзотическими странами массу неожиданных впечатлений, которые отразил в двухстах рисунках, акварелях и небольших этюдах маслом, колористически довольно скромных, но верных в передаче облика людей и среды, их окружающей.

Эта поездка сыграла заметную роль в его творческой судьбе, ибо когда он приехал в конце 1908 года в Петербург, именно его этюды привлекли внимание известного критика и редактора организованного в 1909 году журнала «Аполлон» Сергея Маковского, который и выставил их вместе с парижскими работами в помещении редакции журнала.

Африканский мальчик 1907

Играющие мальчики 1911

В первые три года после возвращения в Россию Петров-Водкин ищет пути создания своего индивидуального стиля в живописи. Он все более ясно стал понимать свою способность к монументальному обобщению всех отдельных частей в создаваемых им произведениях.

Недаром критики того времени пророчили ему успех именно в монументальной настенной живописи. Поэтому Петров-Водкин охотно берется за выполнение заказов по росписи новых церквей.

В это же время он пишет картины «Юность» (1912) и «Играющие мальчики» (1911), целиком построенные на ритмическом движении фигур.

Юность 1912

И все же все эти работы еще не были вполне самостоятельными, напоминая то один, то другой образец символико-аллегорической живописи тех лет. Но в 1911-1912 годах произошла встреча Петрова-Водкина с искусством, которое не только произвело на него сильнейшее впечатление.

Именно в это время он увидел в Москве в частных собраниях первые расчищенные иконы XIV-XV веков, произведшие на него огромное впечатление.

Истинно монументальный высокий стиль этих произведений был творчески воспринят художником и помог ему найти путь к выражению в монументальной форме идей и чувств, волновавших многих людей того времени.

Купание красного коня 1912

Одновременное открытие красоты и величия древнерусской живописи и красоты родной земли оказалось решающим в новых творческих исканиях художника.

Первой картиной на этом пути стало его знаменитое «Купание красного коня» (1912). Вначале он задумал написать жанровую сценку купания коней на Волге при закате солнца, которую однажды увидел около Хвалынска.

Встреча с древнерусскими иконами была для него озарением, заставившим изменить первоначальный замысел полотна и его композицию. Центром ее стал пылающий, огнеподобный конь, вызывающий в памяти образы Георгия Победоносца на многих древнерусских иконах.

В картине он прозвучал как символ могучей воли, благородства и энергии. В образах картины многие зрители увидели предзнаменование грядущих перемен в жизни общества.

Недаром устроители выставки «Мир искусства» сразу поняли ее значение и поместили как знамя над входом своей выставки 1912 года.

Мать 1911-1913

Вслед за «Купанием красного коня» появилась картина «Мать», начатая еще в 1911 году и впервые показанная на выставке в 1913 году.

Так же как и предыдущая работа, первоначально она была решена в бытовом плане, но после посещения первой большой выставки расчищенных икон, предоставленных частными собирателями в 1913 году, художник решительно перестроил и композицию и колорит картины.

Прекрасный образ женщины, простой русской крестьянки, представлен как обобщенный образ материнской любви и человеческого счастья.

Девушки на Волге 1915

Еще более важной в творческом росте художника и в окончательном формировании его своеобразного индивидуального стиля стала картина «Девушки на Волге» (1915).

Ее замысел возник, так же как в картинах «Купание красного коня» и «Мать», из непосредственного наблюдения жизни волжан и на основе конкретных впечатлений, полученных во время длительных поездок в родной Хвалынск.

При работе над картиной он вспомнил также итальянские фрески эпохи Возрождения, где часто изображались тонкие и изящные фигуры итальянок.

Написанная в том же декоративно-монументальном плане, что и лучшие предшествующие работы, колористически построенная на гармонии трех звучных, почти открытых основных цветов спектра — красного, синего и желтого, — эта картина представляла идеальный тип русской женщины, покоряющей скромностью, чистотой души и изяществом натуры.

Утро. Купальщицы 1917

В условиях сложных противоречивых движений в художественной среде и социально-политической жизни общества в канун пролетарской революции Петров-Водкин проявил огромную волю и способность глубоко анализировать и состояние искусства вообще, и свой собственный творческий метод.

Именно в эти годы Кузьма Сергеевич пришел в своей живописи к системе трехцветия.

Он считал, что все колористическое богатство мира основано на трех главных цветах спектра — красном, синем, желтом, и композиции из этих цветов разной тональности позволяют создавать наиболее сильные и чистые гармонии.

В качестве примера можно привести две его картины: «Утро. Купальщицы» и «Полдень. Лето» (обе — 1917).

Полдень. Лето 1917

Поэтична и содержательна вторая картина — «Полдень. Лето». На ней изображены огромные приволжские пространства, на которых раскинулись деревеньки, поля, сады, перелески.

Мы обозреваем эти дали как бы с птичьего полета и обнаруживаем сцены из жизни крестьян; однако сцены не случайны, а значительны, и передают они жизнь людей в самые важные моменты их существования от рождения и до смерти.

Важно в этой композиции, помимо колористического трехцветия, то, что содержание выражено при помощи такого художественного решения, которое передает ощущение земли как планеты с бесконечно уходящими вдаль волжскими просторами. Автор вполне оправданно и органично мог применить здесь свой метод изображения пространства на плоскости холста, названный им сферической перспективой.

Селедка 1918

Практическое применение и разработка метода уже приходятся на следующий период его творческой жизни.

Октябрьскую революцию К.С.Петров-Водкин принял, как и Александр Блок, одним из первых в художественной среде Петрограда и сразу включился в решение задач, вставших перед мастерами искусств после победы пролетариата.

В частности, он взял на себя обязанности профессора живописи Высшего художественного училища, только что созданного после ликвидации Академии художеств летом 1918 года. Кузьма Сергеевич полностью включился в бурную, горячую борьбу передовых сил за создание нового общества, новой культуры и искусства. Одновременно художник выполнял плакаты, оформлял журналы, делал иллюстрации.

В эти годы он выполнил серию натюрмортов, в которых отыскивал художественные средства, способные с наибольшей полнотой передавать суть вещей.

1918 год в Петрограде 1920

Символические элементы, столь важные в ранних картинах, не исчезли совсем, но приобрели живую связь с конкретными явлениями революционной действительности. Первым таким произведением стала картина «1918 год в Петрограде» (1920).

Женщина с ребенком, стоящая на балконе дома, изображена на фоне улицы со взбудораженными группами людей. Сама мать, охраняющая своего ребенка, еще более раскрывает тревожное настроение сцены.

Читайте также:  Описание картины николая рериха «весть шамбалы»

Однако совершенно очевидный историко-бытовой характер картины автор сумел расширить, создав не просто образ матери-пролетарки, а образ матери — хранительницы судьбы и счастья детей, в духе традиционных изображений на ранних итальянских фресках или на древнерусских иконах. Недаром картина имеет и второе название — «Петроградская мадонна».

После боя 1923

Еще более прямым откликом художника на реальные революционные события стала картина «После боя» (1923). Взволнованное чувство любви художника к героям революции проявилось в полотне «Смерть комиссара» (1928), написанном к десятилетию Красной Армии.

В картине Петров-Водкин наиболее убедительно передал свое ощущение земли как планеты, построив композицию по принципу разработанной им «сферической перспективы».

Он считал, что наше восприятие пространства неизменно связано с тем, что мы находимся на шарообразной планете, и поэтому в произведениях искусства это должно найти вполне определенное отражение.

В частности, художник в поисках средств передачи некоей планетарности прибегал к наклонному изображению фигур на картинной плоскости, считая, что все вертикали на земле в конечном счете должны находиться в наклонном положении друг к другу.

Поэтому художник называл свою «сферическую перспективу» также и «наклонной». Хотя эту наклонность реально увидеть невозможно, но тем не менее Петров-Водкин настойчиво утверждал право художника прибегать к ней, поскольку она всегда усиливала динамику в композиционном построении холста.

Смерть комиссара 1928

Одновременно с большими композиционными произведениями в течение всех 20-х и 30-х годов Петров-Водкин работал над портретами. В основном это были образы советской женщины тех лет. Еще в 1922 году Петров-Водкин написал портрет Анны Ахматовой.

В отличие от тех, кто обычно подчеркивал эффектный и красивый облик поэтессы, Кузьма Сергеевич оттенил в ее лице строгую сосредоточенность, серьезную работу мысли.

Она как бы прислушивается к своей музе-вдохновительнице, зримый облик которой тоже изображен художником за головой поэтессы.

Портрет Анны Ахматовой 1922

После того как удалось притушить болезнь легких, Кузьма Сергеевич, начиная с 1934 года, снова принялся за работу, и в первую очередь за новые историко-революционные композиции, которые он считал главнейшими в своем творчестве.

На этот раз он вспомнил тревожные дни 1919 года, время гражданской войны. Взяв за основу свой ранний рисунок 20-х годов, воскрешающий эти тревожные ночи, художник сделал еще несколько эскизов, пока, наконец, не нашел наиболее верное решение картины «1919 год. Тревога» (1934).

Оно заключалось прежде всего в образно-колористическом звучании.

1919 год. Тревога 1934

Принцип сферической перспективы наиболее ярко проявился в композиции «Весна» (1935).

Весна 1935

Последней большой картиной мастера стало полотно «Новоселье» (1937), выполненное по заказу выставкома выставки «Индустрия социализма». Писал он его несколько лет и представил жюри выставки в 1938 году. Но жюри отказалось экспонировать полотно на выставке, и, получив договорную сумму, автор передал его в запасник Третьяковской галереи.

Новоселье 1937

В целом творчество Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина предстает перед нами как искусство большого масштаба, идущее от традиций древнерусской живописи, классического искусства, а также от традиций Александра Иванова, Венецианова и Врубеля. Он владел своеобразным, только ему присущим художественным языком, неожиданным и прекрасным. Он умел видеть дорогу к будущему искусству и открывал новые его дали.

Художник скончался 15 февраля 1939 года в Ленинграде.

Фантазия 1925

Кол-во 229 | Формат JPG | Разрешение 1000х800 | Размер 32 Mб

Скачать архив с работами художника можно по ссылке DepositFiles

Источник: http://www.arteveryday.org/petrov-vodkin/

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин: картины, биография

Творчество Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина (1878-1939)

Без творчества Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина трудно представить историю русского изобразительного искусства. В работах мастера своеобразно преломились многие принципиально важные черты нашей культуры, они оказывают несомненное влияние и на современных художников.

В своих автобиографических книгах «Хлыновск» и «Пространство Эвклида» Кузьма Петров-Водкнн рассказал о своем детстве и юности. Отец его был сапожником в приволжском городке Хвалынске, мать была родом из деревни.

Впечатления юности, любовь к безграничным волжским просторам 258 впоследствии не раз послужили для него источником творческого вдохновения. Но прежде чем стать художником, Кузьме Петрову-Водкину пришлось преодолеть барьер предрассудков. В среде, в которой он вырос, искусство считалось «баловством».

Сам он писал об этом так: «Мне казалось, что я становлюсь барчуком, Ухожу от живого труда в какую-то эмпирею, откуда выхода к здоровой жизни нет…»

После недолгого пребывания в Самаре, он уехал в Петербург в училище Штиглица, а затем перебрался в Москву в Училище живописи, ваяния и зодчества. Там среди его профессоров был и В. А. Серов, произведения которого очень нравились молодому художнику. В Училище Петров-Водкин подружился с П. В. Кузнецовым и М. С. Сарьяном.

Как и его друзьям, большую пользу ему принесли поездки за границу. В 1001 году он работал в одной из лучших мастерских Мюнхена у А. Ашбе. В Мюнхене он впервые хорошо познакомился с произведениями французских импрессионистов и постимпрессионистов, картинами Г. фон Маре и Ф. Ходлера.

В 1005 году, окончив Училище, Кузьма Петров-Водкин решает пройти еще одну «академию» и отправляется на три года в путешествие. Он побывал в Греции, Италии, совершил поездку по Северной Африке, долго жил в Париже и показывал там свои работы на выставках. Его интересует в это время очень многое.

Впоследствии все эти увлечения «переплавятся» и помогут рождению собственного стиля, но в ранних произведениях еще есть несомненные следы увлечений Пювисом де Шаванном и Гогеном, Матиссом и ста­рыми мастерами Италии.

В 1000 году, по возвращении на Родину, Петров-Водкнн устроил выставку своих работ в редакции журнала «Аполлон». Огромнейшее впечатление на него в этот период производит древнерусское искусство.

В знаменитой картине «Купание красного коня» (1012) уже ясны принципы его живописи. Кузьма Петров-Водкин идет от традиций русской фрески. Он сторонник картины как произведения, выражающего большие идеи своего времени.

И не удивительно, что «Купание красного коня» трактуют очень широко, символически, как блоковский образ России, «степной кобылицы».

В предреволюционные годы начинается и работа Петрова-Водкина над темой «Материнства», проходящей через всю его жизнь. В таких его полотнах, как «Мать» (1913), «Утро» (1917), «Матери» (1925) мастер поэтически показывает нам величие и чистоту русской женщины-матери.

Остро чувствуя ограниченность выразительных возможностей традиционной итальянской перспективы, Петров-Водкин разрабатывает свою теорию, которую несколько приблизительно называют сферической перспективой.

В основе ее лежит желание увидеть землю как планету, добиться того, чтобы человек почувствовал себя частью мира. Это был отнюдь не только технический прием, «погоня» за современными достижениями науки. «Сферическая перспек­тива» художника играет значительную идейную роль.

Она помогает ему передать величие человека, его «масштаб», дает новый необычный угол зрения. Очень интересно Петров-Водкин трактует и цвет как выразительное и идейное средство живописи. Нередко у него только три цвета — красный, синий, зеленый. Каждый из них несет определенные и вполне конкретные чувства.

Это понимание роли цвета сходно с пониманием цвета в древнерусском искусстве и в устном народном творчестве, где солнышко всегда красное, луг — зеленый, небо — синее.

В первые революционные годы Петров-Водкин работает очень напряженно. Он преподает в Академии художеств, оформляет улицы и площади Петрограда к революционным праздникам, делает обложку первомайского номера журнала «Пламя». Лучшее его полотно этого периода — «Петроград в 1918 году», которое порой называют «Петроградская мадонна» .

В нем обычный для тех дней эпизод — переселение бедноты в новые квартиры, — напряженная и суровая атмосфера эпохи показаны во всей своей значительности и красоте. Художник хочет, чтобы искусство его служило всем людям и упорно ищет новых путей.

«Я почувствовал, как и многие в то время, всю огромную ответственность моего дела, моего искусства перед этими двинувшимися к жизни массами».

После революции по-настоящему развернулось и дарование Петрова-Водкина как портретиста. Особенно известен его строгий по форме «чеканный» портрет поэтессы Анны Ахматовой (1922), ряд портретов жены, «Желтое лицо» (1921) и другие.

С огромной настойчивостью пишет мастер свои полотна о революции: «После боя» (1923) и «Смерть комиссара» (1927), которые стали заметным событием в культурной жизни Советской страны. В «Смерти комиссара» показана красота подвига, чувствуется величие идеи, во имя которой отдает свою жизнь герой. Здесь нет и тени «смакования» физических страданий.

Все — лозы людей, характер их взаимоотношений, странный «планетарный» пейзаж — говорит о важности и возвышенности подвига…

Петров-Водкин в разные годы изредка оформлял театральные постановки, книги, но сам он не придавал решающего значения этой своей деятельности. Многое для понимания особенностей творчества и личности художника дает знакомство с его теоретическими статьями.­

Галерея картин Петрова-Водкина

На заметку: На сайте vsefilmi.net, где можно смотреть фильмы и сериалы онлайн, смотрите передачу: Пусть говорят (эфир 08.08.2013) смотреть онлайн. Ведущий Андрей Малахов приглашает в телестудию гостей, которые рассказывают реальные истории из жизни.

Источник: http://www.artcontext.info/pictures-of-great-artists/55-2010-12-14-08-01-06/1161-petrov-vodkin.html

Сочинение по картине Утренний натюрморт Петрова-Водкина (2, 5, 6 класс)

Эту небольшую картину известного художника начала ХХ века Кузьмы Петрова-Водкина сегодня можно увидеть в Русском музее Санкт-Петербурга. В «Утреннем натюрморте» сразу привлекает внимание позитивный настрой, который художник сумел передать при помощи радостной игры цвета.

Казалось бы, ничего особенного в этой картине нет. Утреннее солнце освещает первыми теплыми лучами деревянный стол на веранде. Видны перила и зеленая трава. Очевидно, это дачный дом. Однако художник изображает на полотне плоскость стола под наклоном, так, что зрителю хорошо виден каждый находящийся там предмет.

Видимо, человек, отдыхающий на даче, только что вернулся с утренней прогулки со своей собакой.

В прозрачной баночке стоит букет недавно собранных полевых цветов – чудесных синих колокольчиков и ярких желтых одуванчиков, на которых застыли капельки росы. Вероятно, собрал букет тот, кто обладает романтичной душой.

Это явно интеллигентный и хорошо воспитанный человек.
На столе сияет начищенный никелированный самовар, видимо, он недавно закипел.

Рядом лежит крышечка от самовара, ее хозяин дачного дома еще не успел вернуть на место. Рядом с букетом можно увидеть никелированную трубку от самовара, она создает тягу, и коробок спичек, которым воспользовался дачник для растопки, а щепочки и шишки для этого он мог собрать во время прогулки.

Несмотря на то, что стол без скатерти, чувствуется, что сидящий за ним человек очень аккуратен и даже в условиях дачной жизни не отступает от правил хорошего тона. Граненый стакан с только что заваренным чаем он вместо блюдца поставил в небольшую металлическую мисочку.

Наверное, размешал сахар и рядом положил чайную ложку, которая необычно преломляется сквозь грани стакана. Завтрак дачного жителя очень скромный, к стакану чая есть всего два яйца.

Это не удивляет, ведь картина написана в 1918 году, когда в стране происходят тревожные события, люди не могут позволить себе ничего лишнего.

Но как удивительно Петров-Водкин написал этот скудный завтрак! Яйца жемчужного цвета, они, как и самовар, чайная ложечка, стеклянная баночка и металлические предметы на столе отражают солнечный свет. Даже розоватые от солнечных лучей доски стола выглядят нарядно.

И хотя художник не показал зрителю главного героя этой картины, зато передал отношение к нему его четвероногого друга.

Рыжий пес явно смотрит на своего хозяина умными и добрыми карими глазами, он терпеливо ждет, что после прогулки хозяин угостит его чем-то вкусным. Выражение собачьей мордочки говорит о преданности и любви к человеку.

Пес не единственное животное, изображенное в натюрморте. В блестящем самоваре отражается яйцо, а за ним можно рассмотреть силуэт рыжего кота, который уютно примостился напротив.

«Утренний натюрморт» вызывает чувство покоя и радости от того, что начался новый день. Художник тонко передает гармонию единения человека с природой. А это делает мир добрее и прекраснее.

2, 4, 5, 6 класс

Петров-Водкин — Утренний натюрморт

  • Мцыри – любимый идеал Лермонтова сочинениеТяжелая судьба свободолюбивого монаха была рассказана юным Лермонтовым в поэме «Исповедь», однако данное произведение по каким-то причинам не удовлетворяло самого поэта. Это была незамысловатая история о трагической любви юноши, поддавшегося искушению.
  • Сочинение Детство образ бабушки по повести Максима Горького 7 классСобытия, происходящие в повести Горького «Детство», а также характеры и образы людей, описаны через призму детского восприятия автора, ведь рассказ ведется от лица Алеши Пешкова, впоследствии ставшим известным писателем Максимом Горьким.
  • Образ отца Базарова сочинениеВ знаменитом произведении «Отцы и Дети» помимо главных героев, есть так называемые лица первого плана в список которых, безусловно, входят родители Базарова. Но, к сожалению, образ и жизнь героев раскрыты не одинаково, а именно образ матери Базарова
  • Сочинение на тему Какие качества раскрывает в человеке дружбаУмение дружить – это огромный дар. Дружба наделяет человека определенными качествами, дружба раскрывает в человеке определенные качества. Дружба всегда помогала людям, ведь не всегда близкие родственники могут прийти на помощь.
  • Сочинение на тему Конь с розовой гривой по рассказу Астафьева 6 классАстафьев, является непревзойденным мастером своего стиля, которому удается в очень сжатых рассказах, передать очень огромный смысл, который понятен всем: детям и взрослым, а это свидетельствует
  • Сочинение на тему Прогулка по весеннему лесуВесной лес выгладить волшебно, а прогулка по нему способна доставить удовольствие любому человеку. Весна – это золотая серединка между холодной и мрачной зимой и теплым, ласковым летом.
Читайте также:  Описание картины ореста кипренского «портрет а. к. швальбе» (1804)

Источник: https://uchim-klass.ru/sochineniya/po-kartinam/kartine-utrennij-natyurmort-petrova-vodkina-2-5-6-klass

Петров-Водкин Кузьма Сергеевич

Другие известные живописцы

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин родился на Волге в небольшом городке Хвалынске 5 ноября 1878 года. Он был первенцем в семье сапожника Сергея Федоровича Подкина и его жены Анны Пантелеевны, урожденной Петровой.

Когда мальчику шел третий год, отца забрали в солдаты и послали служить в Петербург, на Охту. Вскоре туда же перебралась и Анна Пантелеевна вместе с маленьким сыном.

Через два с половиной года произошло возвращение в Хвалынск, где мать поступила в услужение в дом местных богачей. Кузьма жил при ней во флигеле. 

Еще учась в четырехклассном городском училище, Кузьма познакомился с двумя местными иконописцами, у которых мог наблюдать за всеми этапами создания иконы. Под впечатлением увиденного мальчик сделал первые самостоятельные пробы — иконы и пейзажи масляными красками. 

В 1893 году Петров-Водкин окончил училище. Поработав летом в судоремонтных мастерских, юноша к осени отправился в Самару поступать в железнодорожное училище. Однако он провалился. В итоге Петров-Водкин оказался в классах живописи и рисования Ф.Е.

Бурова. Здесь Кузьма получил азы живописного искусства. «До окончания нашего пребывания у Бурова, — вспоминал Петров-Водкин, — мы ни разу не попытались подойти к натуре, благодаря чему не получали настоящей ценности знаний». Через год Буров скончался.

 

Кузьма вернулся на родину. А далее ему помог случай. Молодым художником заинтересовался заехавший на время из Петербурга в Хвалынск архитектор Р.Ф. Мельцер. Его пригласила Ю.И. Казарина для постройки дачи. Мать же Кузьмы по-прежнему работала горничной у ее сестры.

Мельцеру показали работы юноши, выросшего на глазах хозяев дома. Пораженный архитектор вызвался помочь одаренному мальчику поступить учиться в Петербурге. Казарина, со своей стороны, обещала материальную поддержку.

И, действительно, долгие годы она присылала небольшие суммы Петрову-Водкину. 

Богородица с младенцем

В июле 1895 года Кузьма приехал в Петербург, а в конце августа выдержал экзамен в Центральное училище технического рисования барона Штиглица «в числе первых учеников».

Однако не удовлетворенный направлением этой школы Петров-Водкин в 1897 году перешел в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где учился в течение семи лет до 1905 года. Из всех преподавателей наибольшее влияние оказал на него В.А. Серов, о котором художник с любовью и уважением вспоминал всю жизнь.

В училище завязалась творческая дружба художника с будущими единомышленниками в искусстве — П. Кузнецовым, П. Уткиным, М. Сарьяном. 

Еще в годы пребывания в училище Петров-Водкин весной 1901 года на велосипеде вместе с товарищем совершает поездку за границу. Он достигает Мюнхена, где берет уроки в знаменитой школе.

Затянувшаяся учеба в училище объяснялась разными причинами отчасти необходимостью заработка, но больше страстным увлечением Петрова-Водкина литературой, отнимавшей много сил и времени.

И после окончания училища он на первых порах настолько захвачен литературным творчеством, что не сразу делает выбор в пользу живописи. Решающей оказывается встреча с В.Э.

Борисовым-Мусатовым, следуя совету которого Петров-Водкин едет осенью 1905 года для дальнейшего совершенствования в Италию и Францию. Кроме того, художник побывал в Алжире и во Франции (Париж, Бретань, Пиренеи). 

Петров-Водкин, Автопортрет, 1918

Путешествуя, он много наблюдает, много работает, изучает великих мастеров прошлого и современное искусство. Появляются тысячи рисунков, сотни этюдов и несколько картин. Петров-Водкин возвращается на родину в 1908 году обогащенный яркими впечатлениями. За границей он женится и привозит в Россию Марию Иованович. Художник познакомился с ней в 1906 году.

Мария была дочерью хозяйки пансиона в Фонтенэ-о-Роз под Парижем, где жил художник. С тех пор они были неразлучны. Мария Федоровна выказала необыкновенную преданность мужу. После смерти мужа она сберегла и затем передала в музеи и архивы большую часть его художественного и литературного наследия.

Они поселяются в Петербурге, где проходит отныне вся дальнейшая жизнь художника. 

«Ученик великого Серова, он относился к своей деятельности традиционно для русских художников, как к высокой миссии, видя в искусстве одну из форм познания мира и мечту о красоте — вечный поиск гармонии. Ранний Петров-Водкин в своих первых пробах обращается к воображаемым, навеянным фантазией образам («Элегия», 1906; «Берег», 1908; «Сон», 1910).

Они еще малосамостоятельны, носят подражательный характер, в своей отвлеченной отрешенности и аллегоризме соприкасаясь с искусством символистов, с творчеством Пюви де Шаванна, а также с декоративизмом Матисса («Портрет жены», 1907; «Играющие мальчики», 1911) и отчасти с гротесково-заостренной образностью искусства Тулуз-Лотрека («Театр. Драма», «Театр.

Фарс», обе 1907).

«1918 год в Петрограде» («Петроградская мадонна»), 1920, ГТГ

Но эти мимолетные влияния вскоре художником будут преодолены. Его искусство, все больше уходя корнями в родную почву, ощущая свою органическую связь с ней, откроет красоту земли русской, ее народа, с его культурой, и вместе с тем все пристальнее будет изучаться Петровым-Водкиным и творчески ассимилироваться великое наследие мировой культуры», — пишет В.А. Тамручи. 

В 1912 году Петров-Водкин написал картину «Купанье красного коня», принесшую ему громкую известность и вызвавшую много споров вокруг его имени.

Следующая картина, «Мать» (1913), напоминает об увлечении Петрова-Водкина иконой. Об этом говорит лепка лиц, система пробелов на локальных цветовых пятнах одежды.

Широкая картина родной земли, пространство, окружающее фигуру, навевают мысль о близости, о единстве человека с природой. 

История жизни Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина

В «Девушках на Волге» (1915) получило последующее развитие то, что было начато в полотнах, посвященных теме материнства, — поиски этического идеала, характерных черт духовной и физической красоты русской женщины. В 1917 году Петров-Водкин создает три картины на крестьянские темы, подводящие некоторые итоги его поискам последних лет.

Одна из них — «Семья» — развивает линию, начатую картинами «Мать» 1913 и 1915 годов. Необходимо отметить особое умение художника монументализировать простейшую жанровую сцену, превратить ее в устойчивый, словно высеченный в камне образ традиционной, дружной крестьянской семьи, собравшейся возле обедающего отца, чтящей в нем своего кормильца.

 

«Купание красного коня», 1912, ГТГ

Другая картина — «Утро. Купальщицы» — сюжетно продолжает «Девушек на Волге»; это как бы иная интерпретация, иной поворот той же темы… 

В своеобразный цикл входит и одна из самых поэтичных и философских картин Петрова-Водкина — «Полдень» (1917), в которой он, следуя традиции раннеренессансных мастеров, в чуть наивной, трогательной и вместе с тем глубоко продуманной форме дал панораму жизни русского крестьянина. 

Петров-Водкин приветствовал Октябрьскую революцию. С 1918 года он преподает в Петроградской академии художеств, неоднократно оформляет театральные постановки, создает много живописных полотен, графических листов. В 1920 году по живым впечатлениям событий того времени художник пишет картину «Петроград, 1918 год». 

«Театр. Фарс», 1907

В 1918-1919 годах Петров-Водкин много и напряженно работал и создал целую серию великолепных натюрмортов «Селедка» (1918), «Розовый натюрморт.

Ветка яблони» (1918), «Утренний натюрморт» (1918), «Скрипка» (1918), «Натюрморт с зеркалом» (1919), «Натюрморте самоваром» (1920), «Натюрморте пепельницей на зеркале» (1920), «Натюрморт.

Бокал и лимон» (1922), «Черемуха в стакане» (1932). 

Человек с самого начала был главной темой искусства Петрова-Водкина. Очень рано начинает складываться в его творчестве и определенный тип портрета. Индивидуальные черты каждого человека, его характерность как бы отступают на второй план, но не исчезают.

В портрете жены, исполненном в 1913 году, очень характерном для живописи Петрова-Водкина той поры, человек предстает как спокойный, вдумчивый наблюдатель, гармонически принимающий окружающий мир.

Эта же выразительность взгляда есть и в собирательных портретных образах Петрова-Водкина («Казачка», «Желтое лицо», «Работница», 1925), но, конечно, большую глубину и внутреннюю одухотворенность она получает в индивидуальных портретах с их более сложной и тонкой духовностью, интеллектуальностью.

«Жаждущий воин», 1915, ГРМ

Такова сдержанно-возвышенная и строгая «Анна Ахматова» (1922, Государственный Русский музей) — одна из вершин портретного искусства Петрова-Водкина. В синеве умных, влекущих своей загадочностью глаз Ахматовой, в ее задумчиво-печальном самоуглубленном взгляде раскрыта духовная красота человека и поэта.

 
Особое место занимают портреты дочери художника — Ленушки, появившейся на свет осенью 1922 года. В течение многих лет Петров-Водкин писал ее портреты и сцены в детской.

Такие картины он написал и во Франции — «Спящий ребенок» (1924) и «Утро в детской» (1924-1925), куда художник был командирован для ознакомления с художественным образованием и учебными пособиями в Западной Европе. 

Неоднократно возвращаясь к теме Гражданской войны, Петров-Водкин стремился к тому, чтобы запечатлеть события в их историческом значении. Он создает картины «После боя» (1923), «Смерть комиссара» (1927-1928), «1919 год. Тревога» (1934).

В эти последние годы в творчестве Петрова-Водкина ясно различаются два направления поисков.

Одна линия — поиски экспрессии, психологической напряженности, динамика характеров и композиций, другая — светлая линия гармоничных женских портретов и некоторых картин.

«Смерть комиссара», 1928

Акварельный лист «Весна в деревне» (1928) представляет вторую линию. Художник верен своей мечте о совершенных человеческих отношениях.

Верен он основным принципам своего искусства — убеждать не рассказом, а эмоциональными средствами самой живописи.

В небольшом акварельном листе он не строит сложной «планетарной» композиции, но образы любящих приподняты над прозой будней сочными красками, совершенством и законченностью линейно-пластического изображения». 

Во второй половине двадцатых годов у Петрова-Водкина неожиданно открылся туберкулезный процесс. В 1928-1929 годах болезнь принимает угрожающе тяжелую форму. Лечение в санаториях под Ленинградом, в Крыму и на Кавказе реальной пользы не приносит.

В течение нескольких лет Петров-Водкин не мог из-за болезненной реакции легких на запах масляной краски заниматься живописью. В эти годы он возвращается к давно заброшенной литературной работе.

Он пишет увлекательные автобиографические повести «Хлыновск», «Пространство Эвкпида», «Самаркандия». 

Могила К. С. Петрова-Водкина на Литераторских мостках Волкова кладбища в Санкт-Петербурге

Умер Петров-Водкин 15 февраля 1939 года. 

Источник: http://tunnel.ru/post-petrov-vodkin-kuzma-sergeevich

Описание картины Кузьмы Петрова-Водкина «Весна». Весна описание картины

ГлавнаяКартиныВесна описание картины

В 1921 году русский художник Кустодиев был уже прикован к постели из-за тяжелого заболевания. Но написанное им в этот период полотно «Весна» выглядит настоящим гимном жизнерадостности. Светлые, пастельные, будто сладкие и припудренные сахаром домики, небо и земля, люди и животные, – все на картине является олицетворением некой сладостной детской мечты.

Художник писал «Весну» как символ нового рождения, пробуждения и воскресения природы и всей жизни. Сюжет картины наполнен событиями. По нежно-голубому небосклону плывут ватные облака, отражаясь в движимом потоке талой воды. Мужчина на деревянной перекладине предлагает помощь двум растерянным дамам посреди затопленного участка улицы.

Читайте также:  Описание картины микалоюса чюрлениса «рекс»

В правой части картины кипит крестьянская повседневность: баба катит бочонок, парень пасет гусей, в отворенных воротах двора заметны клюющие курицы, еще двое мужчин работают на крыше, резвятся дети, пожилой человек с собакой направляется по своим делам.

Слева кипит торговля, ямщик перевозит пассажира через образованную мелководную речушку. На фоне всей этой деятельности будто в туманной дымке просматриваются купола церквей. Царство растений на всей картине разбавлено животным миром. Даже на ветвь высокой березки Кустодиев не забыл усадить одинокую птичку.

В «Весне» все движется, цветет и поет. Глядишь на нее, и чувствуешь свежий морозный весенний ветерок, слышишь людской гомон и голоса животных. И все это так гармонично, слаженно, будто описана здесь одна большая русская душа.

«Весна» рождает у зрителя ощущение радостного пробуждения. Художник работал над полотном по памяти, и глядя на результат кропотливого труда, понимаешь насколько впечатлили его когда-то первые весенние паводки, природа и славянский народ, что с такой любовью и точностью передана действительность.

opisanie-kartin.com

Описание картины Константина Сомова «Весна»

На данной работе Сомова Константина Андреевича, которая была представлена публике в 1905 году, представлен весенний пейзаж. Картина входит в серию из четырех работ, посвященных четырем временам года. Работа написана в стиле модерн.

На картине изображен солнечный весенний день. Работа буквально «дышит воздухом». Сомова Константина Андреевича по праву считают мастером пленэра.

Линия горизонта проведена очень низко, поэтому большую часть занимает небо. Кажется, будто художник изобразил не раннее утро, а день, который медленно тянется к закату.

Об этом нам говорят воздушные облака, на которых виднеются отблески заходящего солнца.

Нижнюю часть картины занимает трава. Мы видим, что растительность невысокая, ранняя, поэтому при написании работы художник выбрал светлые оттенки зеленого. Кое-где виднеются мелкие белые цветочки, которые кажутся узорчатым вкраплением на зеленом полотне. Задний план совершенно пуст – ничего не отвлекает внимания.

В центре полотна изображена пара людей – мужчина и женщина. Их стройные фигуры облачены в яркую, нарядную одежду. На женщину надето розово-пурпурное платье, немного ниже колен; на голове шляпка. Мужчина вышел на прогулку в пиджаке темно-зеленого цвета.

Молодая пара идет по аккуратной тропинке, которая разветвляется и ведет вглубь работы. Вдалеке виднеется небольшой лесок. Художник намеренно не прорисовывает лес, а изображает лишь его силуэт. Слева от гуляющей пары изображен небольшой каменный памятник. Форма монумента необычная, напоминает небольшой шпиль.

На переднем плане изображены деревья. Художник уделил этим растениям больше всего внимания. Прорисована каждая веточка и листик. Можно разглядеть, что в правой стороне работы располагаются небольшие, аккуратные березки, которые слегка колышет ветерок, отчего тонкие веточки склонились влево. На центральных деревьях, на самом верху работы, Сомов изобразил три птички.

opisanie-kartin.com

Описание картины Ивана Куликова «Весна»

Художник Иван Куликов всегда восхищался просторами нашей страны. Русь, славящаяся своими природными богатствами, также была родиной для народа, обладающего гордым и несгибаемым нравом. Традиции русских людей, а также их простая повседневная жизнь были неиссякаемым вдохновляющим источником творческих фантазий знаменитого живописца.

В 1812 году автор пишет одну из лучших своих работ — картину под названием «Весна». Он считал это время года самым чудесным. Потому что природа вновь обретает яркие краски и расцветает после коротких холодных и пасмурных дней именно весной.

На этой картине изображена красивая молодая женщина. Она стоит, облокотившись на перекладину деревянной ограды, и задумчиво смотрит вдаль. Ее лицо свежее и румяное, а густые каштановые волосы уложены на голове замысловатой косой.

Нежный и свежий образ дамы прекрасно гармонирует с цветущим зеленым фоном позади нее. Одежда ее изыскана и красива по тем временам. Верх ее костюма состоит из бледно-розовой кофточки с мелкой вышивкой, а низ из приталенной юбки густого сиреневого цвета. В руке женщина держит тонкую веточку черемухи, усыпанную мелкими белыми цветами.

На заднем плане картины растут стройные деревья, крона которых распустилась во всей своей красе. Только в один месяц года черемуха зацветает — это теплый и душистый май. А это означает, что на полотне изображен чудесный солнечный день, выпавший на середину этого месяца.

Своей картиной Иван Куликов смог передать зрителю чувства, которые наполняют душу в созерцании природного великолепия. Мягкие постельные тона на полотне прекрасно сочетаются с яркими цветами, а темная гамма создает выгодный контраст. Автор мастерски изобразил весеннюю атмосферу, преображающую все вокруг. Смотря на это полотно, настроение зрителя невольно настраивается на позитивный лад.

opisanie-kartin.com

Описание картины Кузьмы Петрова-Водкина «Весна»

К.С.Петров-Водкин – самобытный русский художник, вышедший из обычной семьи прислуги и просто чудом получивший возможность учиться. Его техника живописи оригинальна, а работы узнаваемы. Герои картин обычные люди, из народа. Они так понятны и близки художнику.

На картине изображены парень и девушка. Вдалеке виднеется деревня, разбросанная по холму. Девушка мечтательно сидит, поджав ноги. Она скромная и деревенская, лицо выражает умиротворение и покой. Парень с любовью смотрит на девушку.

Очевидно, что у молодых людей свидание, они влюблены. Парень ждет от девушки взаимности, а девушка скромно и отрешенно погружена в свои мысли. Такой сюжет типичный для летних вечеров в деревне. И пейзаж и обстановка располагает к романтизму. Художник реалистично изобразил образы героев. Художник сам жил просто и понимал душевность русского народа.

Картина выполнена плавными линиями, это особенность индивидуальной техники художника. Автор предпочитал округлые формы, его рисунки обтекаемые и гармоничные. Изображение смотрится по-детски, даже сказочно. Дома в деревне неестественно свисают с холма, но деревья и образы героев вполне реалистичны.

Художник воспринимал реальность через призму своего творческого мироощущения. Возможно, в душе он таки и остался ребенком, который бродил по деревне, что казалась ему сказочной. Именно в своей фантазии автор и черпал вдохновение. Полотно отображает роль человека в мире. Фигуры людей на первом плане. Девушка с парнем сидит на холме, выше всех.

Таким образом, художник преподносит человека, воздвигая его на пьедестал. Тем не менее, пара смотрится гармонично на фоне великолепного пейзажа. К.С.Петров-Водкин показывает, что жить в гармонии с природой необходимо и возможно, ведь человек так же является частью окружающего мира.

opisanie-kartin.com

Описание картины Константина Коровина «Весна»

Константин Коровин – это русский художник, который считается одним из отцов импрессионизма в России. Он, как и Нестеров и Левитан, создавали яркие, красочные пейзажи, которые легко составляли конкуренцию обыденным бытовым сценам и мрачным портретам. Его работы и до сих пор считаются шедеврами. Ведь не зря в Училище живописи он был любимчиком Саврасова.

Его работы всегда напоминали о том, что черная полоса когда-то закончится. И все дело не только в совершенном подборе цветовой гаммы и теней, но и в самой энергетике пейзажа. Картина «Весна», написанная в 1917 году, не стала исключением.

Впервые понятие импрессионизма появилось во Франции в конце 19 века. Именно французскую технику, но с использованием российской манеры, Коровин хотел использовать в своих картинах.

Только ему удалось идеально совместить современность и спокойствие природы, тепло и холод, гармонию и буйство эмоций. Он не просто рисует, а ведет повествование, рассказывает историю, что и видно на картине. Помимо березовой рощи, здесь изображены люди, сидящие за столом, и их дом.

По мнению художника, без этих образов пейзаж был бы неполным, пустым, лишенным всякого смысла.

В картине «Весна» нет четких линий или резких переходов. Таким образом, художник хотел передать невидимую и бесцветную магию природы, возрождение всего живого после зимней спячки. Цвета предметов, а также их насыщенность, полностью соответствует эмоциональной тональности автора.

Писал Константин Коровин только с натуры, на открытом воздухе. Отсюда и наблюдается чистота цвета и острота понимания обычной жизни, которых лишены музейные экспонаты, написанные без души.

Картина «Весна» – не первая работа Коровина в жанре импрессионизма. До нее, в 1883 году, была написана картина «Портрет хористки», которая стала для художника дебютной в данном стиле. Кроме того, она считается первым достойным произведением в русском импрессионизме.

opisanie-kartin.com

Мунк «Весна» описание картины, анализ

1889 год стал трудным для художника, он тяжело болел, но после болезни, во время выздоровления, написал очень автобиографичное плотно «Весна».

В нем сочетаются воспоминания и о собственной болезни, и о болезни сестры, унесшей её в могилу.

В этой работе проявилось зрелое художественное мастерство Эдварда Мунка, за которую художнику присудили государственную стипендию, благодаря чему он смог поехать в Париж.

Картина заполнена большим количеством предметов интерьера, приближающих работу к реализму. Как и на картине «Больная девочка» главным художественным образом является больная девушка.

Ее очень бледное лицо, которое не может оттенить даже белоснежная подушка, контрастирует со здоровым румянцем сидящей рядом женщины, ее матери.

Свидетельства болезни молодой девушки — флакон с микстурой и круглый графин с водой противопоставляются солнечному свету, в избытке льющемуся из окна. Свежий ветерок, раздувающий лёгкие занавески, контрастирует с мрачной, тяжёлой обстановкой в комнате.

«Весна» является самым значительным произведением Мунка того периода его творчества. На этом полотне лёгкость и свежесть импрессионизма встречается с точностью и детальностью натурализма. Тёмные, тяжелые тона левой части картины, олицетворяющие страх, болезнь, отчаяние, сосуществуют со светлыми, лёгкими в правой, которые дарят надежду и веру в хорошее.

Год написания картины: 1889.

Размеры картины: 169 x 263,5 см.

Материал: холст.

Техника написания: масло.

Жанр: жанровая живопись.

Стиль: экспрессионизм.

Галерея: Национальный музей искусства, архитектуры и дизайна, Осло, Норвегия.

Другие картины художника:

opisanie-kartin.ru

Описание картины Михаила Клодта «Последняя весна» (1861)

В картине художника в сентиментальном ключе затронут мотив сочувствия к человеческой трагедии. За это полотно Клодтом была получена большая золотая медаль.

Господствующая на холсте атмосфера неподдельной заботливости, печали и привязанности к угасающей девушке изображена без театральности, хотя и с налетом чувствительности. Образный язык картины включает массу традиционных элементов, характерных для 40-50-х годов.

Однако явственно проскальзывают новые качества, осязаемые в тяготении живописца воссоздать осеняющий обстановку помещения солнечный блеск.

Люди, запечатленные на картине, воспринимаются в качестве кукол либо фантомов, а настоящим выглядит лишь образ больной, освещенной солнцем. Это материально подчеркивается зеленеющей растительностью и теплой погодой за окном.

Обреченная девушка полусидит в кресле, опираясь на подушку под головой, оттеняющей бледность лица и белизну домашней одежды в контрасте с черными волосами. Художнику удалось великолепно передать слабость больной, ее безысходность, выразив это с помощью рук, безвольно вытянутых вдоль тела.

Взгляд грустный, но умиротворенный – она понимает, что в последний раз видит наступление весны.

Рядом с умирающей девушкой сидит, не сводя с нее взора, сестра, лицо которой освещается лучами. Она, вероятно, пытается отвлечь больную от мрачных мыслей.

Вторая сестрица стоит возле окна, вся озаренная ослепительным светом, который помогает скрыть слезы.

Колорит холста достаточно темный, много фиолетового и оливкового цвета, но в центре внимания находятся всего два светлых пятна: окно и кресло с девушкой.

С правого края полотна за перегородкой шепчутся два пожилых человека, вероятно, мать в старомодном чепце, изображенная спиной к зрителю, и доктор, на лице которого видна тревога, а рука взметнулась в жесте, словно говорящем, что ничем не может больше помочь.

На полотне филигранно прорисованы все детали, начиная от элементов одежды персонажей до обстановки комнаты: портрета на стене, корзиночки с рукоделием на столе, брошенного на пол черно-сиреневого коврика, подноса с металлической посудой на стуле рядом с окном.

Автор картины в одном из своих лучших произведений выражает сострадание и участие к человеческому несчастью.

opisanie-kartin.com

Источник: http://evg-crystal.ru/kartiny/vesna-opisanie-kartiny.html

Ссылка на основную публикацию