Описание картины Исаака Ильича Левитана «Тропинка в лиственном лесу. Папоротники». Описание картины левитана тропинка в лиственном лесу папоротники
Главная » Картины левитана » Описание картины левитана тропинка в лиственном лесу папоротники
Временем расцвета Исаака Ефимовича Левитана является 1890 год – период признания художника обществом ценителей живописного искусства. Жизненный путь художника в этот момент был восполнен печалью и трагизмом.
Вероятно, поэтому мы видим оттенок драматических образов, которые присутствуют в его шедеврах. Левитан акцентирует внимание на память о несовершенном реальном мире, его душа становится неспокойной, и выливает все эмоции на полотно.
Пейзажист выполнил множество произведение, не лишённых ярких красок и радостных мотивов. Одной из работ Исаака Левитана является «Тропинка в лиственном лесу. Папоротники» – изображение густого леса, с прореженной от травы тропинкой.
Лесные красоты давно увлекали Левитана, поэтому по возможности, он старался как можно лучше исполнить реалистичные картины с изображением леса. Лиственный лес показан настолько густым, что кажется уже невозможно найти дорогу домой. Художник отразил все трудности в простом образе зелёной чащи.
Левитан увлечённо рисует кистью извилистую тропинку, которая ведёт в невиданную даль. Набор красок зелёного цвета делает лес безукоризненно реальным и живым. Зритель будто оказался наедине с тихой и спокойной природой. Здесь приходят мысли, которые доставляют удовольствие не только художнику, но и другим ценителям живописных пейзажей.
Исаака Левитан – признан всеми художественными деятелями, которые занимали достойное место в обществе. Работы художника несут доверительное и приятное впечатление, где именно человек остаётся наедине с природой.
Чаще всего про Левитана говорили «рисовальщик природы» – автор, который неразлучен с натуральными мотивами окружающего мира. Сложное цветовое решение присуще всем его работам, качество техники придаёт гармонию всем творениям, созданным в эпоху этого времени.
opisanie-kartin.com
Описание картины Исаака Ильича Левитана «Тропинка в лиственном лесу
Временем расцвета Исаака Ефимовича Левитана является 1890 год – период признания художника обществом ценителей живописного искусства. Жизненный путь художника в этот момент был восполнен печалью и трагизмом.
Вероятно, поэтому мы видим оттенок драматических образов, которые присутствуют в его шедеврах. Левитан акцентирует внимание на память о несовершенном реальном мире, его душа становится неспокойной, и выливает все эмоции на полотно.
Пейзажист выполнил множество произведение, не лишённых ярких красок и радостных мотивов. Одной из работ Исаака Левитана является «Тропинка в лиственном лесу. Папоротники» — изображение густого леса, с прореженной от травы тропинкой.
Лесные красоты давно увлекали Левитана, поэтому по возможности, он старался как можно лучше исполнить реалистичные картины с изображением леса. Лиственный лес показан настолько густым, что кажется уже невозможно найти дорогу домой. Художник отразил все трудности в простом образе зелёной чащи.
Левитан увлечённо рисует кистью извилистую тропинку, которая ведёт в невиданную даль. Набор красок зелёного цвета делает лес безукоризненно реальным и живым. Зритель будто оказался наедине с тихой и спокойной природой. Здесь приходят мысли, которые доставляют удовольствие не только художнику, но и другим ценителям живописных пейзажей.
Исаака Левитан – признан всеми художественными деятелями, которые занимали достойное место в обществе. Работы художника несут доверительное и приятное впечатление, где именно человек остаётся наедине с природой.
Чаще всего про Левитана говорили «рисовальщик природы» — автор, который неразлучен с натуральными мотивами окружающего мира. Сложное цветовое решение присуще всем его работам, качество техники придаёт гармонию всем творениям, созданным в эпоху этого времени.
Описание картины Исаака Ильича Левитана «Тропинка в лиственном лесу. Папоротники» | источник
sochinenie-o.ru
Описание картины Исаака Ильича Левитана «Тропинка в лиственном лесу. Папоротники» Картины художников
Временем расцвета Исаака Ефимовича Левитана является 1890 год – период признания художника обществом ценителей живописного искусства. Жизненный путь художника в этот момент был восполнен печалью и трагизмом.
Вероятно, поэтому мы видим оттенок драматических образов, которые присутствуют в его шедеврах. Левитан акцентирует внимание на память о несовершенном реальном мире, его душа становится неспокойной, и выливает все эмоции на полотно.
Пейзажист выполнил множество произведение, не лишённых ярких красок и радостных мотивов. Одной из работ Исаака Левитана является «Тропинка в лиственном лесу. Папоротники» — изображение густого леса, с прореженной от травы тропинкой.
Лесные красоты давно увлекали Левитана, поэтому по возможности, он старался как можно лучше исполнить реалистичные картины с
изображением леса. Лиственный лес показан настолько густым, что кажется уже невозможно найти дорогу домой. Художник отразил все трудности в простом образе зелёной чащи.
Левитан увлечённо рисует кистью извилистую тропинку, которая ведёт в невиданную даль. Набор красок зелёного цвета делает лес безукоризненно реальным и живым. Зритель будто оказался наедине с тихой и спокойной природой. Здесь приходят мысли, которые доставляют удовольствие не только художнику, но и другим ценителям живописных пейзажей.
Исаака Левитан – признан всеми художественными деятелями, которые занимали достойное место в обществе. Работы художника несут доверительное и приятное впечатление, где именно человек остаётся наедине с природой.
Чаще всего про Левитана говорили «рисовальщик природы» — автор, который неразлучен с натуральными мотивами окружающего мира. Сложное цветовое решение присуще всем его работам, качество техники придаёт гармонию всем творениям, созданным в эпоху этого времени.
Прислал: Калинина Инна . 2017-10-08 21:47:06
opisanie-kartin.iusite.ru
Описание картины Ивана Крамского «Лесная тропинка»
Крамской – русский художник, мастер жанровой и исторической живописи, портретист, художественный критик, человек острого ума и больших талантов. Именно он в свое время возглавил «бунт четырнадцати», когда Академия Художеств проводила большой конкурс на лучшего живописца.
Победитель получил бы золотую медаль и полный пансион в Испании, однако Совет оставил за собой право определять для студентов тему. Так всем участника «бунта четырнадцати» досталась тема «Пир в Валгалле», которая не прельщала никого из них. Сначала они подали прошение об изменении, потом, когда просьба не была удовлетворена, покинули стены Академии и ушли в свободное плавание.
Это стремление к свободе сквозит во всех картинах художника, не только жанровых или исторических, но даже и в простых пейзажах. «Лесная тропинка» – не исключение. Легкими взмахами кисти, он словно намечает путь, по которому можно уйти от шумного душного мира к миру природному, тихому и полному покоя.
На картине видна лесная речушка, отражающая ленивое движение облаков. Деревья шепчутся листьями и тянутся к небу, как будто желая пощекотать его. А в чаще леса убегает узкая тропинка, нагретая летним солнцем, и теряется в густой темноте.
Контраст залитого золотом леса с темнотой под сенью дальних деревьев разителен – тропинка словно уводит в подземное царство. Однако там, во влажном сумраке, тоже есть своя свобода – свобода знать, что никто на тебя не смотрит и не стремиться судить тебя, свобода жарить грибы и собирать ягоды, вместо того, чтобы работать и выбиваться из сил на кого-то другого.
Тропинка манит, зовет и притягивает.
Даже просто глядя на картину, хочется войти на холст, ступить на теплую лесную землю, и идти, куда глядят глаза, под небом, полным облаков, в мире, написанном легкой кистью и словно светящимся изнутри.
opisanie-kartin.com
Сочинение-описание картины Левитана «Тропинка в лиственном лесу. Папоротники»
Временем расцвета Исаака Ефимовича Левитана является 1890 год – период признания художника обществом ценителей живописного искусства. Жизненный путь художника в этот момент был восполнен печалью и трагизмом.
Вероятно, поэтому мы видим оттенок драматических образов, которые присутствуют в его шедеврах. Левитан акцентирует внимание на память о несовершенном реальном мире, его душа становится неспокойной, и выливает все эмоции на полотно.
Пейзажист выполнил множество произведение, не лишённых ярких красок и радостных мотивов. Одной из работ Исаака Левитана является «Тропинка в лиственном лесу. Папоротники» — изображение густого леса, с прореженной от травы тропинкой.
Лесные красоты давно увлекали Левитана, поэтому по возможности, он старался как можно лучше исполнить реалистичные картины с изображением леса. Лиственный лес показан настолько густым, что кажется уже невозможно найти дорогу домой. Художник отразил все трудности в простом образе зелёной чащи.
Левитан увлечённо рисует кистью извилистую тропинку, которая ведёт в невиданную даль. Набор красок зелёного цвета делает лес безукоризненно реальным и живым. Зритель будто оказался наедине с тихой и спокойной природой. Здесь приходят мысли, которые доставляют удовольствие не только художнику, но и другим ценителям живописных пейзажей.
Исаака Левитан – признан всеми художественными деятелями, которые занимали достойное место в обществе. Работы художника несут доверительное и приятное впечатление, где именно человек остаётся наедине с природой.
Чаще всего про Левитана говорили «рисовальщик природы» — автор, который неразлучен с натуральными мотивами окружающего мира. Сложное цветовое решение присуще всем его работам, качество техники придаёт гармонию всем творениям, созданным в эпоху этого времени.
Рекомендуем посмотреть:
www.shollklass.ru
Репродукция картины «Тропинка в лиственном лесу. Папоротники» Исаака Левитана
Интернет-магазин BigArtShop представляет большой каталог картин художника Исаака Левитана. Вы можете выбрать и купить понравившиеся репродукции картин Исаака Левитана на натуральном холсте.
Исаак Ильич Левитан родился в интеллигентной еврейской семье. Дед его был раввином.
Отец тоже закончил раввинское училище, но впоследствии стал преподавателем иностранных языков, работал переводчиком, а также кассиром и контролером на железнодорожных станциях.
Своих детей, а кроме Исаака в семье были еще трое, он обучал сам, а в конце 1860-х годов, несмотря на бедность, сумел перевезти семью в Москву, чтобы дать возможность детям получить достойное образование.
В 1873 году в 13-летнем возрасте увлеченный искусством Исаак вслед за своим старшим братом Авелем поступил в Московское Училище живописи, ваяния и зодчества.
В 1875 году в семье Левитанов умерла мать, вслед за нею два года спустя умер отец, и детям пришлось вести почти нищенский образ жизни.
Но любовь к русскому пейзажу, незаурядные способности, искренность и поэтичность натуры помогли преодолеть все трудности.
Большое влияние на формирование Левитана как художника оказал Василий Григорьевич Перов, «тайну мотива» талантливому юноше передал Алексей Кондратьевич Саврасов.
После окончания училища в 1885 году Левитан остался жить в Москве. Работал в различных местах Московской и Тверской областях, в Крыму, на Волге, в 1890-е годы – в Италии, Франции, Швейцарии и Финляндии.
С 1898 года руководил пейзажным классом Московского училища живописи, ваяния и зодчества, проявил себя и как замечательный педагог.
Текстура холста, качественные краски и широкоформатная печать позволяют нашим репродукциям Исаака Левитана не уступать оригиналу. Холст будет натянут на специальный подрамник, после чего картина может быть оправлена в выбранный Вами багет.
bigartshop.ru
Описание картины Исаака Левитана «Саввинская Слобода под Звенигородом»
Левитан – чувственный художественный лирик, прожил короткую, но плодотворную жизнь. Любимый ученик Саврасова в художественном училище, где будущий живописец обучался с тринадцатилетнего возраста. Созданные им полотна, а их более тысячи, до сих пор ценятся по достоинству во всем мире.
Знаменитый живописец, пейзажист, чрезвычайно подверженный своему настроению. Это отражается в его работах, которые он сам называл «полотна настроения».
Первой любовью Левитана была сестра Чехова. Брат уважал живописца, но настоятельно рекомендовал и даже настаивал не связывать с ним свою жизнь, ввиду вечной неопределенности художника. После неудачи у Левитана началась серьезная депрессии, которая отразилась на его картинах.
Художник не может писать просто так, по необходимости. Каждый его пейзаж исполнен на тонких душевных струнах. Иногда Левитан создавал полотна, подобные мажорному аккорду. Иногда, наоборот, тягучая минорность проползала тяжелыми тучами по полотну.
Работа в Саввинской слободе началась в 1884 году, когда Левитан приехал туда вместе со своим давним другом Переплетчиковым. Результатом плодотворной работы художника был целый цикл живописных произведений автора, одним из которых стала картина «Саввинская Слобода под Звенигородом».
«Слобода» выполнена настолько естественно и живо, что создается ощущение легкости и воздушности подмосковного воздуха. Нестеров писал о художнике, что никому не удавалось видеть природу умиротворенной настолько, насколько видел ее Левитан.
Умер художник в самом расцвете творческих сил от продолжительной болезни. Писал постоянно. Последний его сюжет остался незавершенным, но и он, во всей его незавершенности, имеет огромную художественную ценность.
opisanie-kartin.com
Источник: http://evg-crystal.ru/kartiny-levitana/opisanie-kartiny-levitana-tropinka-v-listvennom-lesu-paporotniki.html
Крамской Иван Николаевич
Обладал не дюжими организаторскими способностями. Благодаря Крамскому создавались все художественные образования второй половины XIX века. Крамской являлся главным передвижником и великим теоретиком в искусстве.
Родители художника были мещанами. Отец Крамского состоял в должности писаря городской думы, умер, когда мальчику было 12 лет. В 12 летнем возрасте Иван Крамской окончил Острогожское училище с похвальными листами по всем предметам.
Затем до 16 лет в думе, где работал отец, занимался каллиграфией. В 15 лет он начал обучение у острогожского иконописца, обучался около года. В 16 лет Иван уезжает из Острогожска с харьковским фотографом, выполняя работу ретушера и акварелиста.
Так он путешествовал по России три года.
С 1857 года И.Н. Крамской в Петербурге.
Не имея художественного образования, поступает в Академию художеств, успешно сдав экзамены! Шесть лет юноша проводит в стенах Академии, сталкиваясь с трудностями заработка на пропитание.
Чтобы заработать на жизнь И.Н. Крамской приходит к Деньеру, открывшему собственное «дагерротипное заведение», где художники занимались фотографией. Крамской прослыл «богом ретуши».
В 1863 году молодой живописец уходит из Академии с громким скандалом, сделавшим его известным. Его натура формировалась на писаниях критика и романиста Чернышевского. И.Н. Крамской возглавил знаменитый «бунт 14-ти».
Четырнадцать выпускников отказались писать конкурсную работу по мифологической истории, желая выбрать свободную тему. Так отказавшись бороться за Большую золотую медаль, хлопнули дверью. Организовали «Артель художников», старостой и вдохновителем, которой стал Крамской.
В Артели художников декларировались отчисления в размере 10% частных денежных поступлений и 25% заработка за «артельные» работы, однако некоторые художники скрывали свои доходы.
С ростом популярности «явилась, — по словам Крамского, — у некоторых жажда духа, а у других полное довольство и ожирение». Из-за чего в 1870 году художник покидает артель, которая после его ухода вскоре распалась.
Женился И.Н. Крамской на Софье Николаевне Прохоровой, жившей в гражданском браке с другим художником – неким Поповым. Попов состоял в официальном браке с другой женщиной. Он вскоре уезжает за границу, и молодая женщина остаётся одна.
Спасая её репутацию, Крамской протянул ей руку помощи, взяв на себя все негативные оценки поведения его избранницы. Брак был счастливым, в семье было шестеро детей (два младших сына умерли в детстве).
Софья Николаевна всегда была ангелом-хранителем художника.
После того как Крамской покинул артель, его воодушевила новая идея Г. Мясоедова об организации нового «московско-петербургского» художественного объединения. Это объединение известно нам из истории России под названием «Товарищество передвижных художественных выставок».
Цели Товарищества в соответствии с Уставом гласят: «Устройство во всех городах империи передвижных художественных выставок, в видах: 1) доставления жителям провинций возможности знакомиться с русским искусством и следить за его успехами; 2) развития любви к искусству в обществе; 3) облегчения для художников сбыта их произведений».
И.Н. Крамской крепко подружился с меценатом П.М. Третьяковым, став его советником и исполнителем ряда его заказов. Однако исполнение заказов частенько напоминало «кабалу». В начале 1870-х Крамской познакомился с талантливым художником пейзажистом Фёдором Васильевым, дружба имела трагический конец. Молодой живописец сгорел от чахотки.
Не смотря на то, что Крамской бывал за границей, к исканиям новой живописи он остался равнодушен, считая их «мимолётными». Крамской ощущал себя пророком, бьющим в набат.
Начиная с первой передвижнической выставки (1871) и до 16-й – Крамской один из главных её экспонентов. Не только успех сопровождал Крамского, в последние годы Товарищество подвергает Крамского жёсткой критике.
«От меня почти все отвернулись… Я чувствую себя оскорблённым», — сокрушался Крамской в конце жизни.
В 1884 году, живя в небольшом французском городке, он лечил сердце под наблюдением русских врачей, а в свободное время от лечения давал уроки рисования своей дочери Соне – в будущем, на рубеже веков, достаточно востребованной художнице. Жизнь его окончилась за работой, он тогда писал портрет доктора К. Раухфуса.
Известные произведения Крамского Ивана Николаевича
Картина «Русалки» написана художником в 1871 году, находится в Государственной Третьяковской галерее, в Москве. Эту картину Крамской показал на первой передвижнической выставке, которую сам же организовывал. Картина написана на сюжет повести В.
Гоголя «Майская ночь». Крамской говорил о том, что он хотел изобразить «не что фантастическое», «поймать луну». Сюжет в сравнении с литературным источником вдохновения свободно исполнен.
На картине изображено всё изящество, необъятность, серебристый свет украинской ночи.
Картина «Н.А. Некрасов в период “Последних песен”» (1877-78), Государственная Третьяковская галерея, Москва. Портрет Некрасова, тяжело заболевшего в 1877 году, был заказан П. Третьяковым, который хотел, чтобы остался след поэта и писателя в истории России. П. Третьяков поместил портрет в своей галерее. По первоначальному замыслу Некрасов должен был быть показан в подушках.
Однако современники утверждали, что «великого борца» даже в халате представить невозможно. Таким образом, Крамской написал погрудный портрет Некрасова со скрещёнными руками. Портрет был закончен в марте 1877 года, но через несколько дней художник начал новый портрет, в соответствии с первоначальным замыслом и закончил его уже после смерти поэта в 1878 году.
В процессе работы Крамской увеличивал размеры холста, надшивая его, со всех сторон. Он создавал образ «героя», от чего им были убраны из поля зрения любимая собака Некрасова и его оружейный шкаф, напоминавшие об охотничьей страсти поэта. Картина «Н.А.
Некрасов в период “последних песен”» сочетает в себе камерность изображения и монументальность образа человека с необычайной духовной силой.
В глубине комнаты изображён бюст великого критика Белинского, сыгравшего главную роль в жизни поэта, дав ему мировоззрение. На стене портреты Добролюбова и Мицкевича раскрывают убеждения Некрасова.
На полке у смертной постели героя полотна – журнал «Современник», редактором коего являлся Н.А. Некрасов. Автор поставил ложную датировку картины – 3 марта 1877 года.
В этот день Некрасов прочитал художнику стихотворение «Баюшки-баю», о котором художник говорил как о «величайшем произведении».
«Усни, страдалец терпеливый! Свободной, гордой и счастливой Увидишь родину свою, Баю-баю-баю-баю!»
Картину «Неизвестная» Крамской написал в 1883 году, находится полотно в Государственной Третьяковской галерее, в Москве. Крамской в своих произведениях наделяет героинь образом женственности. Эта картина получила на 11-й выставке ТПХВ широкую огласку, сопровождалась почти скандалом.
Современником не понравилось и название картины, мы её знаем как «Незнакомка». С необычайной страстью публика разгадывала загаданную загадку художника! В конечном итоге её назвали «дамой полусвета» (богатой содержанкой). В. Стасов писал: «Кокотка в коляске».
Подтверждением мнения Стасова послужил, ставший известным, этюд к картине с характерной вульгарностью. Русская приверженность к литературным иллюзиям сделала «Неизвестную» сначала Натальей Филипповной из «Идиота» Достоевского, потом – Анной Карениной – потом блоковской незнакомкой, а потом и вовсе – воплощением женственности.
Эту работу не стал покупать П. Третьяков. А появилась в галерее картина во время национализаций частных коллекций в 1925 году.
Крамской отлично писал свет и воздух и на этой картине он блестяще изобразил морозную розовую дымку, вносящую ощущение холода.
Одежда женщины соответствует моде 1883 года, на героине шляпка «Франциск» со страусовым пером, пальто покроя «Скобелев», шведские перчатки. Фон картины представляет собой Невский проспект в Петербурге.
Несмотря на свою эскизность, здания, изображённые Крамским, вполне узнаваемы. Цыганский типаж лица героини, несколько презрительное выражение, чувственный взгляд. В чём тайна красоты?
Картина «Неутешное горе» (1884), Государственная Третьяковская галерея, Москва. Героиня полотна наделена чертами жены художника, Софьи Николаевны. В картине русский художник отразил личную трагедию – потерю младшего сына. Крамской долго не мог построить композицию картины, написав три полотна.
При этом сама героиня старела и как бы «поднималась» на ноги: сначала она сидела у катафалка; потом – на стуле; и наконец – встала возле гроба. Работа художника была долгой и мучительной. Эта единственная работа 1880-х годов, купленная П. Третьяковым. Однако П.
Третьяков не очень был заинтересован в приобретении картины так как уверен был, что она не найдёт покупателя.
В этой работе «стоит» мёртвая тишина. Всё внутреннее движение сосредоточено в глазах героини, полных неизбывной тоски, и руках, прижимающих к губам платок, — это единственные светлые пятна в композиции, остальное как бы уходит в тень.
На стене картина Айвазовского «Чёрное море». Она сближает жизнь человека с жизнью морской стихии, в которой бури сменяются штилем. Красный цветок символизирует хрупкую человеческую жизнь.
Ярко контрастирует венок, положенный на гроб, с траурным платьем безутешной матери.
Шедевр Крамского И.Н. – картина «Христос в пустыне»
Работа художника исполнена в 1872 году, её можно увидеть в Государственной Третьяковской галерее, в Москве. Первые увлечения Крамского темой искушения Христа относятся ещё к периоду жизни художника, когда он учился в Академии, в 1860-х годах. Тогда и был сделан первый набросок композиции.
Это полотно создавалось в течении десяти лет. 1867 год – первый неудачный вариант картины. Конечный результат отличался своей каменной бескрайной пустыней за спиной Христа.
Для того чтобы найти правильную композицию русский художник в 1869 году ездил за границу, посмотреть полотна других художников, раскрывших эту же тему. За эту картину Академия хотела присвоить Крамскому звание профессора, от которого тот отказался. Эта картина была одной из любимых картин П.
Третьякова, купившего её без торга за 6 000 рублей. Не многие из художников могли рискнуть написать тему искушения Христа. Среди них можно назвать Дуччо, Боттичелли, Рубенса, Блейка. Реализм позволил художнику отойти от академического построения, присущего светской живописи до середины XIX века.
Так Христос был очеловечен, и картина передала его душу в унисон современности. Крамской заново открыл тему Христа, по его следам пошли В. Поленов, В. Васнецов, И. Репин, В. Верещагин.
Розовая заря – символ новой жизни, появления христианства. Сюжет картины – жизнь духа, отображённого в лице Христа. В портретной живописи Крамского акцент делается на лице героя, зеркале души, чего художник достигал приёмом написания одежды, не детализируя её и скрывая.
Интенсивность внутренних борений Христа передана в стиснутых Его руках. Пейзаж, написанный Крамским, настолько пустынен и дик, что кажется, будто здесь никогда не ступала нога человека. Он, погружённый в тяжёлые думы, не замечает этой враждебности. Ноги Христа исчерчены камнями и сочатся кровью.
В воображении зрителя предстаёт долгая дорога, предшествующая утренним раздумьям героя картины.
- Деревенский дом во Франции
- В парке. Портрет жены и дочери
- Н.А. Некрасов в период «последних песен»
- Осмотр старого барского дома
- Портрет Софьи Крамской, дочери художника
- Портрет Николая Крамского, сына художника
- Портрет художника И. Шишкина
- Девушка с бельём на коромысле среди травы
- Крамской, пишущий портрет своей дочери
Источник: http://rus-artist.ru/2013-06-07-14-19-00.html
Крамской И.Н
Для увеличения — нажмите на изображение
Автопортрет. 1867
Русский художник Иван Николаевич Крамской родился в 1837 году в городе Острогожске Воронежской губернии. Отец художника был писарем.
Художественные способности у мальчика открыл один из жителей города ретушер Тулинов, дружба с которым скрашивала его невзрачное детство в провинциальном городке.
Когда Ивану исполнилось пятнадцать лет, мать отдала его в учение к местному иконописцу, а через год юноша нанялся ретушером к харьковскому фотографу, вместе с которым много путешествовал по России. В 1856 году Крамской перебрался в Петербург, где работал у лучших столичных фотографов.
В 1857 году Крамской поступает в Петербургскую Академию художеств. С первого года обучения Иван Николаевич отвергает консервативные устои и каноны, принятые на тот момент в Академии. У Крамского сложились взгляды на искусство, близкие к реалистическим воззрениям Белинского, Чернышевского, Добролюбова.
В 1861 году работая над эскизом программы на Вторую золотую медаль «Поход Олега на Царь-град», художник изучает данную историческую эпоху, пытаясь развить свое творческое воображение. Этот метод работы, основанный на раскрытии выразительности самой жизненной ситуации, Крамской противопоставляет сложившемуся ранее академическому методу — поиску красивых, но условных форм.
Вторую серебряную медаль живописец получает за картину «Смертельно раненный Ленский». В год окончания Академии, в 1863 году, группа выпускников, всего четырнадцать человек, во главе с Иваном Николаевичем Крамским отказалась писать картину на заданную тему — «Пир во Валгалле», взятую из скандинавской мифологии.
Это событие показало рождение нового направления в искусстве, новой силы, способной противостоять косному, оторванному от жизни академическому искусству. Этот скандал получил широкую огласку. За Крамским был установлен полицейский надзор. «Четырнадцать бунтовщиков» были отчислены из Академии. оказавшись в безвыходном положении.
Однако в этой ситуации проявился замечательный организаторский талант Крамского. Изгнанные из Академии художники образовали самостоятельную Артель, которую возглавил Крамской. «Бунтовщики» поселились на одной квартире; каждый член Артели занимался самостоятельной работой.
Вечером художники собирались вместе и проводили время за чтением, рисованием, обменивались творческими планами и идеями. Артель художников была независимой от официальных кругов, ее целью была борьба за реалистические методы в искусстве. В это же период Иван Николаевич преподавал в школе Общества поощрения художников. Здесь среди его учеников был Репин.
Крамской пользовался непререкаемым авторитетом среди молодежи. Он был хорошо осведомлен во многих вопросах, объективен в оценках, обладал великолепным даром рассказчика. В начале самостоятельной творческой деятельности Крамской по большей части писал портреты по заказам частных лиц, общественных деятелей. Также художник рисовал образа для церквей, расписывал храмы.
В 1860-е годы Иван Николаевич разработал новую технику исполнения портретов — мокрым соусом с добавлением белил. В этот период Крамской пишет портреты Кошелева, Мясоедова, Шишкина, многих других товарищей по Артели, своей жены — С.Н. Крамской, автопортрет. Поначалу дела артели шли превосходно.
Однако со временем у некоторых художников-членов артели начинают проявляться личные амбиции, желание установить связь с Академией художеств. Крамской не мог принять этого, хотя и понимал, что самостоятельное существование в те времена подобной организации было утопичным. Вскоре Крамской выходит из артели.
Выход художника из Артели совпал с зарождением другой организации — Товарищества передвижных художественных выставок. Главной целью Товарищества было приблизить искусство к народу посредством передвижений выставок по городам России. Крамской заинтересовался этой идеей и стал председателем и идейным руководителем этой организации, участвовал на выставках Товарищества с 1871 по 1887 год.
В 1872 году Крамской создает большое полотно «Христос в пустыне», первые наброски которого были сделаны еще в 1867 году. Картина была экспонирована на второй выставке Товарищества передвижников. Признание Крамскому-портретисту пришло в 1870-80-е годы. В этот период П.М. Третьяков для своей галереи решил собрать портреты выдающихся представителей русского искусства.
Большинство заказов известный меценат отдал Крамскому. Среди них были портреты Грибоедова, Шевченко, Кольцова, Толстого, Шишкина, Репина, Некрасова, Салтыкова-Щедрина. В 1883 году Иван Николаевич пишет картину «Неизвестная». «Неизвестная» является одним из самых ярких портретов в русской живописи.
Женский образ в этой картине производит впечатление необыкновенного изящества и благородства. Густые ресницы, бархатистая кожа, перелив атласных лент, шелковистого меха – все детали гармонично дополняют друг друга. В 1870-80-х годах кроме большого количества портретов Крамской пишет ряд картин других жанров.
Среди них можно отметить картину «Русалки» (1871), созданную на сюжет Гоголя «Майская ночь»; жанровую картину «Деревенская кузница» (1873); пейзажи «Жуковка. Озеро» (1879), «Сиверская. Река Оредеж» (1883). Последнее большое произведение Крамского — «Неутешное горе», написанное в 1884 году. Эта картина посвящена трагедии человеческой жизни, воплотившаяся в образе безутешной женщины, потерявшей детей. В последние годы жизни здоровье Крамского становилось все хуже, угнетало тяжелое ощущение от жизни. В 1883 году художник писал Третьякову: «Через 20 лет напряженного состояния я сознаюсь, что обстоятельства выше моего характера и воли. Я сломлен жизнью и далеко не сделал того, что хотел и что был должен…» Русский художник Иван Николаевич Крамской умер 25 марта 1887 года.
* * *
Галерея (99 изображений)
* * *
Историко-биографический фильм «Иван Крамской. Выбор пути» (Из коллекции «Тайники русского музея» видеостудии «Кварт»)
Год выпуска: 2006
Продолжительность: 00:26:03
Формат: avi
Размер: 174 Мб
Режиссер: Г. Иванова
Крамской вошел в историю русского искусства как прекрасный портретист, художественный критик, один из идейных вдохновителей и руководителей Товарищества передвижных выставок.
«Не уступать ни шагу злу» — этот выбор он сделал на всю жизнь. Он служил добру и умер с кистью в руках.
Скачать для ознакомления: Иван Крамской. Выбор пути
Источник: http://gorenka.org/index.php/kramskoj-i-n
Мамонтовский художественный кружок
В него вошла младшая сестра Поленова, Елена Дмитриевна (1850−1898). Искусству художника она училась у знаменитого педагога Павла Петровича Чистякова и у Ивана Николаевича Крамского, создавала жанровые картины и пейзажи.
В окрестностях Абрамцева Поленова собирала местный фольклор — записывала сказки и песни, занималась также иллюстрированием детских книг, привнося в них дух фольклора и русской старины, и таким образом воспитывала в детях любовь к родной культуре. Благодаря Василию Дмитриевичу в Абрамцево попали еще два талантливых молодых живописца.
C 1882 он стал преподавать в Училище живописи, ваяния и зодчества, сменив Алексея Константиновича Саврасова. Среди прочих студентов он выделил Исаака Ильича Левитана и Константина Алексеевича Коровина, считая их самыми талантливыми в Училище, и представил юношей Мамонтову в 1884.
Меценат поручил своим новым знакомым написать декорации к спектаклям для его Частной оперы, над созданием которой в то время работал. Левитан оформлял «Жизнь за царя» Глинки, а Коровин — «Снегурочку» Римского-Корсакова. До этого ни один, ни второй не выполняли такого рода заказов, это стало их первым опытом в области сценографии.
Исаак Ильич Левитан (1860−1900) в студенческие годы прошел горький путь гонимого по национальному признаку нищего. Даже дипломная работа в Московском училище живописи, ваяния и зодчества вопреки ходатайству его учителя Саврасова не получила большой серебряной медали, поскольку остальные преподаватели сочли, что русский пейзаж не должен прославляться еврейским художником.
И по иронии судьбы именно еврею Левитану было дано прочувствовать всю прелесть русской природы, передать ее щемящую тоску. В 1885 Исаак Ильич вышел из стен Училища с дипломом преподавателя чистописания (диплома художника его сочли недостойным). В 1884 Левитан впервые посетил Абрамцево, а через два года опять приехал сюда на этюды.
Константин Алексеевич Коровин (1861−1939) родился в купеческой старообрядческой семье и в тринадцать лет поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Его наставниками были те же прекрасные мастера пейзажа, что и у Левитана, — Саврасов и Поленов.
В Училище на Коровина возлагали большие надежды, его работы на библейские и литературные темы получали премии и медали. Но молодой художник выбрал для себя совершенно иное направление: он созревал как живописец-импрессионист, стремился передавать в своих пейзажах легкость и трепетность солнечного света.
Коровин близко сошелся с семьей Поленова, который и ввел его в круг Мамонтова, показав Савве Ивановичу работу Коровина «Портрет хористки» (1883, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург), вызвавшую в Училище скандал.
С этим портретом связан курьезный момент: Мамонтов, предвкушая веселый розыгрыш, показал его Репину, выдав за работу некоего испанского художника. Репин согласился с тем, что холст «по-испански» смел и сочен, после чего Коровин и был представлен мэтру как автор этого «испанского» полотна.
Константин Алексеевич сразу стал любимцем Мамонтова.
Не случайно тот доверил молодому художнику написание портрета певицы его Частной оперы Татьяны Сергеевны Любатович (1880-е, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург), к которой испытывал романтические чувства.
Певица участвовала во всех представлениях мамонтовской оперы, Савва Иванович включал ее в новые постановки, стремясь сделать из нее артистку едва ли не мирового масштаба.
В 1888—1889 меценат приглашал Коровина с собой в заграничные поездки по Италии, Франции и Испании. В 1894 художник по предложению Мамонтова отправился вместе с Серовым в экспедицию на север России. Являя собой по характеру прямую противоположность Серову, Константин Алексеевич очень сильно подружился с ним.
Из поездки друзья привезли многочисленные этюды, на которых были запечатлены величественные красоты суровой северной природы. Живописцы часто работали вместе, ценя самобытность искусства друг друга и взаимно обогащая свое творчество.
На рубеже 1870−1880-х в Абрамцевский кружок вошел Илья Семенович Остроухов (1858−1929), выходец из купеческой семьи. Благодаря знакомству с Мамонтовым и его талантливыми друзьями родился новый художник. Он учился у Чистякова, Репина и Поленова.
Его пейзажи, например «Золотая осень» (1886) и «Первая зелень» (1888, оба — Государственная Третьяковская галерея, Москва), обрели популярность и получили высокие оценки таких авторитетных людей в мире искусства, как Павел Михайлович Третьяков.
Еще в юном возрасте в Абрамцево попал любимый ученик Репина Валентин Александрович Серов (1865−1911). Семья Мамонтова тепло приняла молодое дарование.
Серов появился на свет в семье петербургского композитора, в родительском доме часто бывали Антокольский и Репин. Знаменитый живописец занялся художественным образованием юного Серова, когда тому было всего лишь девять лет.
В 1880 Серов поступил в Академию художеств, а уже в 1885 ушел оттуда, так и не окончив ее.
В Абрамцеве Валентина Александровича окружали знаменитые музыканты, маститые художники, а также их молодые коллеги. Здесь воспитывался художественный вкус юноши, здесь он обрел новых друзей, среди которых близко сошелся с Константином Алексеевичем Коровиным.
Свое, возможно, самое известное полотно — «Девочка с персиками» (1887, Государственная Третьяковская галерея, Москва) — Серов написал в возрасте двадцати двух лет и получил за него первую премию Московского общества любителей художеств.
Запечатленная на нем Веруша, старшая дочь Мамонтовых, в ту пору была двенадцатилетним ребенком, нетерпеливым и слегка капризным. Художник долго писал ее портрет в столовой абрамцевского дома, пытаясь сохранить свежесть впечатления, несмотря на многочисленные сеансы позирования.
И результат не разочаровал его: портрет Веры Мамонтовой получился удивительно светлым, он буквально лучится счастьем, отражая радость детского восприятия мира. Оконченная работа украсила собой стену той самой столовой, в которой и писалась.
Сокурсником Серова в Академии художеств был Михаил Александрович Врубель (1856−1906). В 1884 он по рекомендации своего учителя Чистякова отправился в Киев для росписи Кирилловской церкви.
Там познакомился и сблизился с Коровиным, а в 1889 приехал в Москву и поселился в его мастерской.
Друзья ввели его в круг Мамонтова, и художник обрел не только новых друзей и знакомых, но и личное счастье: в Частной опере Врубель познакомился со своей будущей женой, певицей Надеждой Ивановной Забелой.
Именно в доме у Саввы Ивановича Врубель наконец- то нашел образ Демона, овладевшего всеми его помыслами еще в Киеве, многим членам Мамонтовского кружка непонятный, отталкивающий своей драматичностью. Мамонтов относился к Михаилу Александровичу с большой симпатией.
В начале 1890-х он давал ему возможность путешествовать, а в трудный для художника момент неприятия его творчества публикой и критикой оказал ему неоценимую поддержку.
В 1896 состоялась Всероссийская художественно-промышленная выставка в Нижнем Новгороде, на которой Мамонтов заведовал отделом Крайнего Севера.
Проект и оформление вверенного ему павильона он поручил Коровину. Но два декоративных панно для оформления павильона Савва Иванович предложил выполнить Врубелю.
Художник создал работы «Микула Селянинович» (сохранился только эскиз, Государственная Третьяковская галерея, Москва) и «Принцесса Грёза» (Государственная Третьяковская галерея, Москва), получившие резкие негативные отзывы вплоть до требования удалить их.
И в этой непростой ситуации меценат позволил себе пойти наперекор общественному мнению. Он действительно удалил их из павильона, но выставил в отдельном, специально для них построенном помещении (буквально в нескольких метрах от территории ярмарки). Панно не были завершены Врубелем, и по просьбе Саввы Ивановича их закончили Поленов и Коровин.
В 1888 к Мамонтовскому кружку присоединился Михаил Васильевич Нестеров (1862−1942). Он случайно встретился на этюдах с сестрой своего учителя, Еленой Дмитриевной Поленовой, и супругами Репина и Мамонтова. Новые знакомые пригласили его в Абрамцево.
Попав за ворота усадьбы, Нестеров оказался в царстве подлинно русского искусства, к которому так стремился сам. Ему были близки романтическая «русскость» сказочной живописи Васнецова и особенное трепетно-личное отношение абрамцевских художников к природе, отраженное в их лиричных пейзажах.
Нестеров не участвовал в театральных постановках друзей Мамонтова и не писал к ним декораций. Его творческое развитие шло по иному пути — пути поиска нравственного совершенства. В окрестностях Абрамцева он находил пейзажи для своих картин, вынашивал новые замыслы.
Так появились картины «Пустынник» (1888), «Видение отроку Варфоломею» (1890, обе — Государственная Третьяковская галерея, Москва).
Нестеров родился в уральской патриархальной семье купцов. С детства ему были близки ценности христианской культуры, в доме почитали русских святых, но особое благоговение испытывали перед Сергием Радонежским, которому впоследствии художник посвятит целый цикл своих произведений.
Родители не препятствовали увлечению Михаила рисованием, и в 1877 он поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Там он познакомился со своими будущими друзьями — Левитаном и Коровиным.
Художник не сразу нашел себя в искусстве.
На заре творчества Нестеров участвовал в выставках передвижников, писал жанровые и исторические композиции. И только в конце 1880-х он осознал, каков его истинный путь в живописи. Это обретение оказалось мучительным, поскольку было сопряжено с личной трагедией: смертью любимой жены после рождения дочери Ольги.
Живопись Нестерова уносит его самого (и его зрителя) от «передвижнической» реальности то в прошлое Русской земли, то к духовным идеалам старообрядчества и монашества.
Образ преподобного Сергия интересовал художника с детства. Повзрослев, Нестеров задумал серию работ, посвященных жизни подвижника. Михаил Васильевич хотел показать святого старца реальной исторической личностью и в то же время идеалом в духовной жизни.
Открывало этот цикл знаменитое «Видение отроку Варфоломею», изображающее семилетнего мальчика (будущего Сергия) и встреченного им в поле старца, по молитве которого ребенок уразумел грамоту.
Пейзаж для картины Нестеров увидел в Абрамцеве, там же в окрестностях он встретил и маленькую модель для образа Варфоломея — ею стала больная крестьянская девочка.
Источник: http://art-portal.tilda.ws/page334610.html
Записки о художниках
Аполлинарий Михайлович Васнецов (1856-1933) — русский художник.
Тонкий лирик и своеобразный пейзажист Аполлинарий Васнецов известен и как создатель единственной в своем роде галереи полотен об историческом прошлом Москвы.
Родился художник в селе Рябово. Вятской губернии (ныне Кировская область). Окружающая родное село богатая природа, длинные зимние вечера в обществе странников и бывалых людей, рассказывавших народные легенды и поверья, навсегда оставили глубокий след в душе впечатлительного мальчика. В музее-квартире А. М.
Васнецова по Фурманному переулку (там художник прожил последние тридцать лет жизни) привлекает внимание большой карандашный рисунок —« Идеальная деревня будущего». В центре рисунка —нарядное двухэтажное здание, которое с уверенностью можно назвать нынешним Домом культуры.
Широкая дорога пролегает через село, по обеим ее сторонам—аккуратные домики крестьян, школа, общий хозяйственный двор… Удивительное историческое предвидение современной деревни в весьма важных ее чертах!
В 1883 году 27-летний Аполлинарий Васнецов впервые участвовал в 11-й передвижной выставке. Он представил картину «Серый денек». Хмурый день Косогор с вырубленным лесом. Извилистая тропинка, обегая два пушистых деревца.
устремляется в лес… Простой, незатейливый пейзаж. Но в этой простоте столько искренности и неподдельного чувства любви к родной природе! Картину приобрел П. М. Третьяков, основатель первой российской художественной галереи.
разгадавший в молодом художнике большой талант и поверивший в его будущее.
Внимание старших товарищей—Репина. Поленова. Сурикова. Шишкина, дававших Васнецову уроки мастерства,—воодушевляло художника. Работал он страстно, увлеченно. Путешествовал много и после каждой поездки создавал новые полотна.
Вернувшись с Украины, написал «Днепр перед бурей», удивительно тонко запечатлев тревожное состояние природы. После этой картины он был принят в Товарищество передвижников.
Затем его покорила безграничная ширь и суровая красота пейзажей Сибири, Урала.
Северный край. 1899 год.
Родилось известное полотно «Кама». Любил художник и Подмосковье. Виды Абрамцева—в те годы там собирались выдающиеся деятели русской культуры,—сел Демьянова. Ахтырки полны воздуха, света, поэзии.
Лесная тропинка. 1885 год.
С 1890 года Васнецов жил преимущественно в Москве. Художественные интересы его сосредоточились на истории великого города. Он создал большую серию—сто пятьдесят городских пейзажей, посвященную старой Москве.
Всесвятский каменный мост. Конец 17 века. Фрагмент. 1901 год.
Всесвятский каменный мост. Конец 17 века. Фрагмент. 1901 год.
Московский Кремль при Иване III. 1921 год.
Красная площадь в Москве в 17-м веке.
Скоморохи.
В горнице древне-русского дома московского времени.
В 1902 году, снова обратившись к пейзажу, Васнецов написал «Озеро». Это полотно—одна из вершин русской пейзажной живописи. На берегу лесного озера, словно охраняя его первозданную тишину и чистоту, стоят кряжистые, развесистые ели. Видна одинокая фигура крестьянки, собирающей цветы, и эта одинокость словно бы усиливает безмолвие полусказочного леса…
Озеро. 1802 год.
Родина. 1886 год.
Крымский вид.
Великую Октябрьскую социалистическую революцию Васнецов встретил в шестьдесят лет и с новым подъемом продолжал творить, создавая картины для государственных музеев. Он трудился до последнего часа своей жизни, оставив на походном мольберте незаконченный этюд..
Источник: http://babanata.ru/?p=10033
Лес в живописи Ивана Ивановича Шишкина
Иван Иванович Шишкин.
«Валаам. Лес на камнях».
1859.
Иван Иванович Шишкин.
«Камни в лесу. Валаам».
Между 1858 и 1860.
Иван Иванович Шишкин.
«Буковый лес в Швейцарии».
1863.
Иван Иванович Шишкин.
«Домик в лесу (Пейзаж с фургоном)».
1863.
Иван Иванович Шишкин.
«Лесная тропинка».
1863.
Иван Иванович Шишкин.
«Стадо в лесу».
1864.
Иван Иванович Шишкин.
«Буковый лес в Швейцарии».
1863-1864.
Иван Иванович Шишкин.
«Камни в лесу».
1865.
Иван Иванович Шишкин.
«Лесная чаща».
1867.
Иван Иванович Шишкин.
«Рубка леса».
1867.
Иван Иванович Шишкин.
Этюд к картине «Рубка леса».
1867.
Иван Иванович Шишкин.
«Женщина с мальчиком в лесу».
1868.
Иван Иванович Шишкин.
«Лес вечером».
1868-1869.
Иван Иванович Шишкин.
«Дубовый лес».
1869.
Иван Иванович Шишкин.
«Лес».
1869.
Иван Иванович Шишкин.
«Лес».
1869.
Иван Иванович Шишкин.
«Лес».
1869.
Иван Иванович Шишкин.
«Прогулка в лесу».
1869.
Иван Иванович Шишкин.
«Лесная глушь».
1870.
Иван Иванович Шишкин.
«Берёзовый лес».
1871.
Иван Иванович Шишкин.
«Лесная глушь».
1872.
Иван Иванович Шишкин.
«Лесная околица».
1873.
Иван Иванович Шишкин.
«Лесные цветы».
1873.
Иван Иванович Шишкин.
«Лиственный лес».
1873.
Иван Иванович Шишкин.
«Хвойный лес».
1873.
Иван Иванович Шишкин.
«Лесная чаща».
1874.
Иван Иванович Шишкин.
«Лесная речка. Сиверская».
1876.
Иван Иванович Шишкин.
«Осенний лес».
1876.
… 2 3 4
ИВАН ИВАНОВИЧ ШИШКИН (1832-1898)
ЛЕС
ЖИВОПИСЬ. АЛФАВИТНЫЙ КАТАЛОГ.
СМОТРИТЕ ТАКЖЕ:
Источник: http://aria-art.ru/0/L/Les%20(I.%20Shishkin)/2.html
Художник Иван Крамской: галерея картин, биография Крамского
Автопортрет. 1867
Иван Николаевич Крамской (1837-1887) – выдающийся художник второй половины XIX века, занимает одно из ведущих мест в истории русской художественной кулыуры. Рано повзрослевший, мыслящий и начитанный, он быстро приобрел авторитет среди товарищей и, естественно, стал одним из вожаков «бунта четырнадцати» в .
, когда группа выпускников отказалась писать дипломные картины на заданный мифологический сюжет. После ухода бунтарей из Академии Художеств именно Крамской возглавил созданную по его инициативе Артель художников .
Крамской – один из основных создателей объединения передвижников, тонкий художественный критик, страстно заинтересованный в судьбах русского искусства, он был идеологом целого поколения художников-реалистов.
Он принял участие в разработке устава Товарищества и сразу сделался не только одним из самых деятельных и авторитетных членов правления, но и идеологом Товарищества, защищавшим и обосновывавшим основные позиции. От других предводителей Товарищества его выгодно отличала самостоятельность мировоззрения, редкая широта взглядов, чуткость ко всему новому в художественном процессе и нетерпимость ко всякому догматизму.
Биография Крамского
Творчество Ивана Николаевича Крамского совпало с наиболее ярким периодом в истории русского реалистического искусства, когда критический реализм в живописи, литературе достигает своего наивысшего подъема и приобретает большое значение в мировой культуре XIX века. Однако роль художника в истории русского искусства не ограничивается его личным творчеством: своим даром педагога, идеолога нового направления, всей своей общественной деятельностью Крамской оказал огромное влияние на умы своих современников.
Крамской родился в городе Острогожске Воронежской губернии. Рано возникший интерес будущего художника к искусству с течением времени превратился в настойчивое влечение к творчеству. Молодой Крамской некоторое время работает ретушером у фотографа Данилевского и в качестве помощника бесконечно странствует по провмнциальным городам России.
Наконец, попав в Петербург, он осуществляет свою мечту — поступает в Академию художеств. Однако радужным надеждам приобщения к тайнам великого искусства не суждено было реализоваться, поскольку в это время главными принципами академического преподавания оставались —уже пережившие-себя идеи классицизма, совершенно не отвечавшие новому времени.
Передовые общественные круги ставили перед художниками задачу широкого и правдивого отца жения действительности. Появление в это время диссертации Н. Г. Чернышевского «Эстетическое отношение искусства к действительности» придало особую весомость вопросам искусства. Осенью 1863 года четырнадцати академистам была предложена «программа» на тему из скандинавских саг «Пир в Валгалле».
Молодые художники отказались писать на эту тему и вышли из Академии. Разрыв с Академией возглавил Крамской. Этот решительный шаг угрожал бывшим ученикам политическим недоверием со стороны государства и материальной нуждой и поэтому требовал огромного мужества. Возглавив это движение, Крамской принял на себя ответственность за дальнейшую судьбу русского искусства.
В целях взаимопомощи и материальной поддержки была создана Артель художников, в дальнейшем ставшая базой Товарищества передвижных художественных выставок. Общественный деятель по призванию, Крамской становится одним из активнейших членов этой организации.
Одной из основных целей Товарищества стало развитие искусства демократического не только по форме организации, но и по идейному направлению. В русском передвижничестве демократический реализм как явление мирового искусства достиг высоких вершин. Первая передвижная выставка была открыта 21 ноября 1871 года в здании Академии художеств.
Весной 1872 года она была перевезена в Москву, а затем в Киев. В отличие от академических, передвижные выставки «передвигались» из города в город, всюду возбуждая живой интерес к себе. Так началась деятельность этой общественной организации, которая в течение ряда десятилетий объединяла всех передовых художников России.
На первой передвижной выставке Крамской участвовал большой картиной «Русалки» на сюжет повести Н. В. Гоголя «Майская ночь». Здесь художника привлекла возможность передать языком живописи лунный свет, так поэтически меняющий все вокруг. Крамской писал: «Я рад, что с таким сюжетом окончательно не сломил себе шею, и если не поймал луны, все же нечто фантастическое вышло».
К следующей выставке передвижников Крамской пишет картину «Христос в пустыне» (1872), которая была задумана первой в серии (так и неосуществленной) картин на евангельские сюжеты.
Художник писал о том, что его задачей было показать внутреннюю борьбу человека, погруженного в глубокие раздумья о выборе жизненного пути.
Картина «Христос в пустыне» была воспринята современниками как символ человека высокого гражданского долга.
Летом 1873 года Крамской вместе с семьей поселился в Тульской губернии, недалеко от имения Л. Н. Толстого. Воспользовавшись этим соседством, Крамской пишет портрет Толстого. Сила и монолитность личности, ясный и энергичный ум — таким предстает писатель на этом портрете.
Из целой галереи портретов Л. Н. Толстого, написанных Н. Н. Ге, И. Е. Репиным, Л. О. Пастернаком, портрет Крамского — один из лучших. В свою очередь сам художник послужил прообразом художника Михайлова в романе «Анна Каренина». Почти в то же время были созданы портреты И. И. Шишкина и Н.
А. Некрасова. Портрет «Некрасов периода «Последних песен» (1877) писался в то время, когда Некрасов был уже тяжело болен, поэтому сеансы длились по 10—15 минут.
Самое сильное впечатление от портрета — это контраст между ясностью ума, творческим вдохновением и физической слабостью умирающего поэта.
В числе работ Крамского есть целый ряд поэтических женских образов, таких как «Девушка с распущенной косой» или знаменитая «Незнакомка», о которой говорили, что она прообраз Анны Карениной. Еще в 1874 году художник создал целую серию крестьянских типов, самый сильный по характеру среди них — «Полесовщик» (1874).
В 80-е годы Крамской пишет картину «Неутешное горе», которая во многом автобиографична: художник пережил смерть двоих детей. Кая и во «Вдовушке» Федотова, здесь скорбно звучит тема человеческого горя. Поразительны лицо и сам образ матери, потерявшей ребенка.
Эта женщина, убитая непоправимым несчастьем, существует как бы вне времени, оно кажется остановившимся. С 1883 года здоровье художника ухудшилось, и последние годы Крамского были крайне трудными.
Постоянные домашние заботы и работа над заказами не позволяют ему закончить работу над картиной «Хохот» («Христос перед народом»), замысел которой предполагал развитие темы «Христос в пустыне», тему жертвенной судьбы человека.
25 марта 1887 года во время работы над портретом доктора Раухфуса Крамской неожиданно умирает.
Трудно переоценить значение художественного и литературного наследия Крамского для русской культуры.
Основная идейная направленность его художественной деятельности — это глубокий интерес к познанию человека своей эпохи, изображал ли его художник в облике евангельского сказания или в облике своего современника.
Общественная деятельность Крамского, его творчество стали школой для целого поколения русских художников.
Неизвестная. 1883
Лунная ночь. 1880
Автопортрет. 1874.
Портрет Александра III. 1886
Полесовщик. 1874
Христос в пустыне.180 x 210 см. 1872
Русалки. 1871
Пасечник. 1872
Оскорбленный еврейский мальчик. 1874
Н.А. Некрасов в период Последних песен. 1877–1878
Молитва Моисея после перехода израильтян через Черное море. 1861
Лесная тропинка. Начало 1870-х
Крестьянин с уздечкой. Мина Моисеев. 1883
Крамской, пишущий портрет своей дочери, Софьи Ивановны Крамской, в замужестве Юнкер. 1884
Иродиада. 1884–1886
За чтением. Портрет Софьи Николаевны Крамской, жены художника. 1866–1869
Женский портрет. 1884
Женский портрет. 1867
Девушка с распущенной косой. 1873
Девочка с бельем на коромысле среди травы. 1874
Голова крестьянина. 1874
Выздоравливающая. 1885
Букет цветов. Флоксы. 1884
Актер Александр Павлович Ленский в роли Петруччио в комедии Шекспира Укрощение строптивой. 1883
Портрет доктора Сергея Петровича Боткина. 1880
Портрет Веры Николаевны Третьяковой. 1879
Портрет Веры Николаевны Третьяковой. 1876
Портрет Анатолия Ивановича Крамского, сына художника. 1882
Портрет актера Василия Васильевича Самойлова. 1881
Портрет Адриана Викторовича Прахова, историка искусств и художественного критика. 1879
Портрет А.И.Куинджи. 1872
Портрет художника Павла Петровича Чистякова. 1860
Портрет художника Михаила Клодта. 1872
Портрет художника Константина Савицкого.
Портрет художника Ивана Айвазовского
Портрет художника И. Е. Репина
Портрет художника Григория Мясоедова
Портрет художника Алексея Боголюбова. 1869
Портрет философа Владимира Сергеевича Соловьёва. 1885
Портрет Софьи Ивановны Крамской, дочери художника. 1882
Портрет скульптора Марка Матвеевича Антокольского. 1876
Портрет поэта Якова Петровича Полонского. 1875
Портрет поэта Николая Алексеевича Некрасова. 1877
Портрет поэта и художника Тараса Григорьевича Шевченко. 1871
Портрет писателя Сергея Тимофеевича Аксакова. 1878
Портрет писателя Михаила Евграфовича Салтыкова (Н. Щедрина). 1879
Портрет писателя Льва Николаевича Толстого. 1873
Портрет писателя Ивана Александровича Гончарова. 1874
Портрет писателя Дмитрия Васильевича Григоровича. 1876
Портрет певицы Елизаветы Андреевны Лавровской, на эстраде в Дворянском собрании. 1879
Портрет Павла Михайловича Третьякова. 1876
Портрет Николая Ивановича Крамского, сына художника. 1882
Портрет императрицы Марии Фёдоровны
Портрет издателя и публициста Алексея Сергеевича Суворина. 1881
Портрет И.И.Шишкина. 1880
Портрет художника Ивана Шишкина. 1873
Хохот (Радуйся, царю иудейский). Конец 1870-х — 1880-е
Поэт Аполлон Николаевич Майков. 1883
Портрет художника Ф.А.Васильева. 1871
Источник: http://www.artcontext.info/pictures-of-great-artists/55-2010-12-14-08-01-06/574-kramskoy.html
Загрузка...
