Василий Кандинский: картины, биография, разбор работ, личная жизнь художника
«Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу».
Художник на фоне картины «Маленькие радости».
1913 год
16 декабря (4-го по старому стилю) 1866 года родился Василий Кандинский — художник, теоретик искусства, основоположник абстракционизма, человек, перевернувший привычные представления о живописи, который вписал свое имя в мировую историю искусства. Его картины находятся в музеях по всему миру, а его творческое наследие стоит на аукционах миллионы долларов…
Начало пути. От науки — к живописи. 1866–1895
Кандинский родился в Москве, в семье успешного коммерсанта. Когда мальчику было пять лет, семья переехала в Одессу. Здесь Василий получил не только классическое гимназическое образование, но и частным образом обучался музыке и живописи.
Родители видели сына юристом, и он не ослушался их. Более того, он поступил и блестяще закончил юридический факультет МГУ. Женился, остепенился, занимался наукой.
В 1893 году стал преподавателем родного факультета, а три года спустя 30-летнему Кандинскому Дерптский университет в Тарту предложил место профессора юриспруденции, но молодой ученый отказался.
Он уже решил оставить науку ради живописи…
Становление художника. 1896–1911
К тому времени Василий Кандинский окончательно разочаровался в науке: «Я решил оставить свои занятия наукой. .
Кандинский продолжал рисовать, будучи ученым, а все свободное время отдавал искусству, музеям, театру… В 1895 году картина «Стога» Клода Моне и опера Рихарда Вагнера «Лоэнгрин» потрясли Кандинского.
И в 1896-м он отправляется в Германию, в Мюнхен, в частную школу художника Антона Ажбе.
Там кроме него учились Алексей Явленский, Марианна Веревкина, Мстислав Добужинский, Кузьма Петров-Водкин, Игорь Грабарь.
В 1900-м Кандинский поступил в Мюнхенскую академию живописи, в класс Франца фон Штука, одного из лучших немецких рисовальщиков. Учитель был доволен учеником, хотя и находил его палитру слишком яркой.
Активный, бьющий энергией Василий Кандинский как магнит притягивал к себе людей и как вирус заражал их своими идеями. Он организовал группировку «Фаланга», в которой сам устраивал выставки и сам преподавал. На одном из таких уроков и произошла встреча художника с ученицей Габриеле Мюнтер, его второй женой.
С ней Кандинский путешествовал по Европе, посещал Америку и Россию. Затем вернулся в Баварию, поселился в Мурнау и продолжил эксперименты — писал экспрессионистские пейзажи окрестностей, пробовал себя в фовизме и абстракции.
«Синий всадник». 1911–1914
Так называлась картина, написанная Кандинским в 1903 году, альманах и художественное объединение, которые появились в 1911-м. Его вдохновители — друзья-художники Василий Кандинский и Франц Марк.
Теперь «акцент делался на выявлении ассоциативных свойств цвета, линии и композиции, а привлекались при этом столь различные источники, как романтическая теория цвета Гете и Филиппа Рунге, югендстиль и теософия Рудольфа Штайнера», — писал живописец.
Мастерская художника стала научной лабораторией, в которой ставились опыты, ради получения нового знания. Не будем забывать, что Кандинский был ученым и поиск истины, взаимосвязь современных теорий и современного искусства были очень важны для него. Эти опыты вылились в книгу Кандинского «О духовном в искусстве» — первый труд художника, посвященный абстракции.
Кандинский и революция. 1914–1921
С началом Первой мировой войны Кандинский расстается с Габриэлой Мюнтер и переезжает в Москву. Здесь в 1916 году он встречает Нину Андреевскую, свою третью жену. В послереволюционной России у Кандинского много дел: он сотрудничал с ИЗО Наркомпроса, создавал музеи современного искусства в 22 городах провинции, преподавал в «Свободных мастерских» и ВХУТЕМАСе.
Однако учение Кандинского в штыки восприняли конструктивисты Варвара Степанова, Александр Родченко и Любовь Попова, ставившие во главу угла рациональный подход. Живописец критиковал их в ответ: «Если художник использует абстрактные средства выражения, это еще не означает, что он абстрактный художник. Это даже не означает, что он художник. .
Проникновение социалистической идеологии в искусство Кандинскому не по душе. В декабре 1921 года он отбыл с женой в Берлин для организации там отделения Российской академии художественных наук. И больше в Россию не возвращался.
Баухаус. 1922–1932
Вальтер Гропиус, основатель Высшей школы строительства и художественного конструирования (Баухаус), пригласил Кандинского возглавить мастерскую настенной живописи. Одновременно с преподаванием Василий Васильевич выпускает книгу «Точка и линия на плоскости», участвует в выставках в США и там же читает лекции.
В его живописи появляется больше геометрии, особенно кругов: «Круг, который я использую в последнее время столь часто, можно назвать не иначе как романтическим. И нынешняя романтика существенно глубже, прекраснее, содержательнее и благотворнее: она — кусок льда, в котором пылает огонь. И если люди чувствуют только холод и не чувствуют огня — тем хуже для них…»
В 1932 году пришедшие к власти в Германии национал-социалисты закрыли Баухаус — и чета Кандинских переехала во Францию.
Парижские годы. 1933–1944
Парижские мастера живописи восприняли приезд Кандинского весьма прохладно, поскольку не любили, во-первых, иностранцев, а во-вторых, абстракционизм. Поэтому художник общается только с друзьями и продолжает экспериментировать с кистью в руках. Краски на его картинах бледнеют, а формы становятся биоморфнее.
Публика и коллеги по цеху не понимали и не принимали его искусство, но Кандинский оставался верен себе: «Абстрактное искусство создает рядом с «реальным» новый мир, с виду ничего общего не имеющий с «действительностью». Внутри он подчиняется общим законам «космического мира». Так, рядом с «миром природы» появляется новый «мир искусства» — очень реальный, конкретный мир.
Поэтому я предпочитаю так называемое «абстрактное искусство» называть конкретным искусством».
Кандинский и музыка
Василий Кандинский был сторонником теории взаимодействия и объединения различных видов искусства. Он играл на фортепиано и виолончели, обожал театр и мечтал соединить цвет, музыку и сцену. Даже названия его работ звучали по-музыкальному — «композиции» и «импровизации».
Еще в 1910-е годы Кандинский создал четыре сценические композиции: «Зеленый звук», «Фиолетовый занавес», «Черный и белый» и «Желтый звук». Последняя считалась самой значительной и интересной. Ее либретто было опубликовано в альманахе «Синий всадник» в 1912 году.
В 1914-м Кандинский вместе с композитором Фомой Гартманом занимался подготовкой постановки «Желтого звука» в Мюнхене. По его замыслу, композиция гармонично соединяла музыку, цвет, пластику и слово, то есть оркестр, цветные проекторы, пантомиму и певцов. Но Первая мировая война нарушила планы Кандинского. Впервые это произведение было поставлено лишь 12 мая 1972 года в Музее Гуггенхайма.
Источник: https://www.culture.ru/materials/74060/konkretnoe-iskusstvo-kandinskogo
Василий Кандинский — по стопам «Синего всадника»
С Мюнхеном у Кандинского связаны два события, самым значительным образом изменивших, даже можно сказать перевернувших, его творческую и личную жизнь.
Осуществляя постепенный переход в живописных полотнах от экспрессионизма к абстракционизму, он увлёк многих немецких и русских художников, которые и объединились со временем в единую творческую группу «Синий всадник».
Ведущую роль, помимо Кандинского, в группе играли его соотечественники Алексей Явленский и Марианна Верёвкина, а среди немцев знаменитые в будущем художники Франц Марк, Пауль Клее, Август Макке и Габриэла Мюнтер. Последняя стала и возлюбленной художника, они прожили вместе несколько лет в городке Мурнау (Murnau) под Мюнхеном.
Небольшой дом, в котором знаменитые художники жили и работали, сегодня стал домом-музеем, в обиходе же называют его просто «русским домом», Недалеко от Мурнау, в городке Кохель ам Зе (Kochel am See) находится и дом-музей Франца Марка, где собрана коллекция картин «Синего всадника».
В целом, вместе с мюнхенской галереей Ленбаххаус, эти музеи составляют творческое наследие Василия Кандинского и «Синего всадника».
Чтобы побольше узнать об этом ярком и насыщенном периоде жизни Кандинского и его сподвижников, мы отправились с небольшой однодневной экскурсией по вышеупомянутым местам Верхней Баварии.
Дом-музей Франца Марка
Первой остановкой стал городок Кохель ам Зее, от Мюнхена — 70 км и меньше часа езды по 95-му автобану.
В этом местечке Франц Марк часто проводил летние месяцы и написал свои знаменитые пейзажи, вдохновлённый потрясающими ландшафтами местной природы.
Здание музея представляет собой архитектурное смешение стилей: к небольшой вилле начала 20 века сделан современный пристрой, в стиле «Баухауз», прямоугольных форм и светлых тонов.
Большая часть картин постоянной галереи принадлежат кисти самого Франца Марка, но много работ и его соратников — экспрессионистов.
Помимо основной галереи в музее постоянно проводятся тематические выставки, например, с 22 марта по 19 июля 2015 года выставляются работы Кандинского и его друзей по «Синему всаднику», написанные ими ещё до объединения в творческий союз.
Неподготовленному посетителю непросто будет разобраться с ретроспективой работ великих художников, поэтому перед поездкой лучше познакомиться хотя бы с вводной информацией по направлениям искусства постимпрессионизм, экспрессионизм и абстракционизм. Кандинский и его последователи именно в таком порядке развития прошли свой творческий путь в живописи.
При музее работает ресторан «Blauer Reiter» («Синий всадник»), всем рекомендуем, хорошее меню в атмосфере уютного творческого клуба.
Музей Франца Марка (Franz-Marc-Museum) открыт для посещения ежедневно, кроме понедельника, с 10.00 до 17.00, в летнее время до 18.00.
Мюнтер-хаус или «Русский дом» в Мурнау
От Кохель ам Зе до Мурнау всего минут двадцать езды на машине. Типичный небольшой баварский городок с уютными домиками, украшенными росписными фасадами с отделкой из дерева.
Тем удивительнее было обнаружить в этих краях «русский дом», история которого тесно связана с нашим великим соотечественником. В утопающем в зелени небольшом доме действительно угадывались русские мотивы, возможно поэтому Габриэла Мюнтер и приобрела его для совместного проживания.
Они провели здесь с Кандинским 5 счастливых лет, вплоть до начала Первой Мировой войны в 1914 году.
Из окон дома открываются прекрасные виды на окружающие ландшафты, особенно на церковь и замок в горах. Это служило для художников важным источником вдохновения.
Дом-музей официально носит название Мюнтер-хаус (Münter-Haus) и сегодня он восстановлен в своём первоначальном состоянии начала 20 века. Сохранена росписанная самим Кандинским мебель, стены украшены небольшими картинами и гравюрами обоих живописцев.
В интерьере преобладает характер дачного домика, где самими художниками собранны предметы народного искусства.
Мюнтер-хаус служил постоянным местом встреч авангарда «Синего всадника», здесь бывали Франц Марк, Явленский, Верёвкина, Август Макке и многие другие знаменитые экспрессионисты того времени. Словом, на протяжении 5 лет Мюнтер-хаус был центром передовой художественной мысли, своеобразной творческой лабораторией новых направлений в живописи.
С началом Первой Мировой войны этот романтический период закончился, жизнь и война разбросала художников по разным странам Европы. Русский Кандинский вынужден был бежать в Швейцарию, с ним уехала и Мюнтер, а затем их дороги разошлись.
Кандинский на время (до 1921 года) вернулся в Россию, а Мюнтер в Скандинавию, где художникам удаётся ещё раз коротко встретиться в 1915 году. Но затем их отношения окончательно прервались. Вернувшись в Германию, Мюнтер вскоре опять поселилась в своём доме в Мурнау и прожила там вплоть до своей смерти в 1962 году.
Здесь в подвале дома в годы нацизма она сумела сохранить уникальную коллекцию картин Кандинского, которую передала затем мюнхенской галереи Ленбаххаус.
Дом-музей Мюнтер-хаус (Das Münter-Haus in Murnau) открыт для посещения ежедневно, кроме понедельника, с 14.00 до 17.00.
Источник: http://www.munich-insider.ru/kandinsky.html
Василий Кандинский: реальная жизнь великого абстракциониста
16 декабря 1866 года родился Василий Кандинский – всемирно известный русский художник и сильнейший теоретик абстракционизма.
К 30-ти годам он отказался от перспективной карьеры юриста и начал брать уроки рисунка и живописи, чтобы потом возглавить авангард Европейского абстракционизма.
Был гоним как в России, так и в Германии, но продолжал развивать своё видение абстракционизма как «конкретного искусства».
Василий Кандинский. От юриста к художнику
Василий Кандинский родился 16 декабря 1866 года в Москве в семье успешного коммерсанта. Когда Василию было пять, семья переехала в Одессу. Мальчик хорошо учился, посещал уроки музыки и живописи.
В 1886 году по воле родителей Василий поступил в Московский университет на юридический факультет и блестяще его окончил. В 1893-м стал доцентом и начал преподавать.
Но, однажды посетив выставку французских импрессионистов в Москве, его так потрясла работа Клода Моне «Стога сена», что перспективный в 1996-м Василий Кандинский отказался от места профессора юриспруденции Дерптсокого университета и отправился в Мюнхен – эпицентр европейского искусства.
Василий Кандинский. Мюнхен – становление и творческие поиски
Прибыв в Мюнхен, 30-летний Кандинский опять приступил к учёбе – брал уроки у югославского художника Антона Ажбе.
В 1900-м году – со второй попытки поступил в Мюнхенскую академию художеств.
Студент делал успехи, и даже опережал учителя по смелости использования цвета, за что тот «наказывал» его годом чёрно-белой гаммы, дабы цвета не отвлекали молодого художника от изучения формы как таковой.
Василий Кандинский. «Ахтырка. Тёмное озеро». 1901
Перемены коснулись и личной жизни художника. Он расстался с первой женой Анной Чемякиной и завязал отношения с молодой художницей Габриэль Мюнтер, с которой они вместе путешествовали по Европе, занимались живописью, участвовали в выставках.
Василий Кандинский. «Фаланга», «Синий всадник» и другие творческие объединения
Будучи личностью гиперактивной и находясь в постоянном поиске, Кандинский один за другим создавал художественные объединения. Ещё в 1901-м году он основал в Мюнхене художественное объединение «Фаланга», при котором функционировала Школа, в которой сам же он и преподавал. Выставки участников «Фаланги» проходят трижды в год на протяжении четырёх лет.
В 1909-м Кандинский вместе с коллегами создал «Новое объединение художников». Параллельно сотрудничал с Московским товариществом художников, участвовал в выставках «Бубнового валета». В 1911-м году вместе с художником Францем Марком организовал группу «Синий всадник», акцентом творчества которой было «выявление ассоциативных свойств цвета, линии и композиции».
Василий Кандинский. Обратно в Россию и новая любовь
Начало Первой мировой войны вынудило Кандинского, как гражданина России, вернуться на родину. Подруга Габриэль остаётся в Мюнхене.
Но спустя год с небольшим 50-летний художник знакомится по телефону с 17-летней высокообразованной дочерью русского генерала Ниной Андреевской. Влюбляется сначала в её голос, а после встречи – они уже не могут расстаться, женятся в 1917-м году.
Вопреки осуждению окружения, Нина оставалась верной женой Кандинского почти 30 лет, до самой его смерти. Их единственный сын Всеволод умер ещё в детстве.
Василий Кандинский. «Смутное». 1917
До 1921-го года супруги пытались жить в новой стране.
Кандинский даже работал в Наркомпросе, участвовал в организации двадцати провинциальных музеев, разрабатывает особые учебные планы для Института художественной культуры и Высших художественно-технических мастерских, соответственно со своей теорией живописи. Но давление системы становилось всё сильнее, нападки коллег – всё агрессивнее, и Кандинские решили переехать из Москвы в Берлин.
Василий Кандинский. Берлин и «Баухаус»
После переезда в Германию в 1921 году, Василия Кандинского приглашают преподавать в передовую по тем временам Высшую школу строительства и художественного конструирования – Баухаус, где Кандинский возглавляет мастерскую настенной живописи.
Василий Кандинский. «Секущая линия». 1923
Но усиление правых партий привело к закрытию Баухауса. Повторная попытка открыть его в Дессау натолкнулась на масштабную кампанию национал-социалистов, что привело к окончательному закрытию школы в 1932-м году. Вместе с картинами других художников, работы Кандинского были уничтожены борцами против «дегенеративного искусства».
Василий Кандинский. «Решительный розовый». 1932
Василий Кандинский. Последние годы в Париже
Спасаясь от нацистских гонений, супруги Кандинские переехали во Францию и селятся в новом доме в предместье Парижа – Нейи-сюр-Сен.
Вписаться в парижский культурный контекст оказалось непросто – абстрактная живопись там воспринималась холодно, особенно иностранная.
Поэтому Кандинские уединяются в новом доме, художник много и вдохновенно работает, называя этот период своего творчества «поистине живописной сказкой».
Умер Василий Кандинский в 1944 году, похоронен на кладбище Нейи.
В 2007-м году в России была учреждена ежегодная Премия Кандинского, которую присуждают художникам, которые своими новейшими работами повлиял на ситуацию в современном российском искусстве.
Василий Кандинский. «Три звезды». 1942
По материалам http://www.wassilykandinsky.ru/
Источник: http://2queens.ru/Articles/Dom-Hudozhnikov-Sovremennost/Vasilij-Kandinskij-realnaya-zhizn-velikogo-abstrakcionista.aspx?ID=3135
Описание картины «Озеро» («Русь») Левитана: анализ, материалы для сочинения
| Картина «Озеро» («Русь»)И. И. Левитана |
Картина «Озеро» («Русь») является одной из последних работ выдающегося русского художника Исаака Левитана.В этой статье представлено описание картины «Озеро» («Русь») Левитана: анализ произведения, материалы для сочинения.
Смотрите: Описание других картин ЛевитанаВ литературе встречаются несколько вариантов названия этой картины: «Озеро», «Озеро. Русь», «Озеро» («Русь»). Левитан работал над картиной «Озеро» («Русь») в 1899-1900 гг. Картина размером 149 × 208 см выполнена маслом на холсте.
Полотно хранится в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге. Эта картина является одним из трёх самых крупных произведений Левитана (в тройку крупнешийх работ также входят полотна «У омута» и «Над вечным покоем»).
Картина впервые была выставлена в Санкт-Петербурге и Москве в 1901 году уже после смерти Левитана.
На картине «Озеро» («Русь») Левитана изображено большое озеро в солнечный день.Озеро занимает практически всю нижнюю половину картины. На дальнем берегу озера видны желтовато-зеленые поля и дервенские постройки.
Над крестьянскими избушками возвышается белая церковь. По голубому небу плывут большие белые облака, обрасывая тень на деревню и отражаясь в озере.
Описание картины «Озеро» из книги В. Петрова «Исаак Левитан»:
«Главным произведением позднего Левитана стала большая картина «Озеро» (1898-1900), или, как художник называл ее для себя, — «Русь».
Начатое живописцем, по некоторым сведениям, под впечатлением от поэзии Пушкина, над иллюстрациями к которой он работал в конце 1890-х годов, и прежде всего от пейзажного мотива стихотворения «Последняя тучка рассеянной бури», это полотно стало «лебединой песнью» Левитана.
Конечно же, художник вкладывал в это полотно свою выстраданную, благословляющую любовь к жизни и стране…
и именно поэтому особенно добивально монументального лиризма образа, соединения в живописной решении почти импрессионистической непосредственности ощущения свежестви и яркости солнечного дня с декоративно-монументальным началом, роднящим «Озеро» с традициями фресковой живописи.»
(из книги В. Петрова «Исаак Левитан», изд-во «Белый город», 2000 г.)
Описание картины «Озеро» из книги С. Пророковой «Левитан»:
«В мастерской осталось недописанным самое большое левитановское полотно. Он работал над ним самозабвенно. Этой яркой, ликующей по краскам картиной художник как бы прощался с жизнью. В ней пылкая привязанность к отчизне, преклонение перед роскошью природы и осуждение нищеты человеческой жизни. В этом полотне — весь Левитан, итог его короткой, мучительной и яркой жизни. Для себя он назвал картину «Русью», для всех подписал: «Озеро». Но мыслилась она именно как «Русь». Когда вы подходите к этой картине в левитановском зале Русского музея, вас ошеломляет волшебство кисти художника. Он писал ее долго, но считал незаконченной. Мы не видим усилий мастера. Ему же она казалась замученной. Он мечтал подняться после болезни и все прописать заново. Облака, словно пена, плывут по небу и таким же легким мерцающим отражением придают воде загадочный оттенок. Если Клода Моне называли «Рафаэлем воды», то Левитана можно было с полным основанием назвать «Рафаэлем неба». Вы ощущаете почти зримо прозрачный осенний день, когда воздух упруг и чист. Вы видите, как быстрая тень чуть касается прибрежного холма.» (из книги С. Пророковой «Левитан»)
Описание картины «Озеро» из книги «Русский пейзаж»:
«В последнем незавершенном полотне Левитана «Озеро. Русь» с очевидностью проявились живописные поиски художника, как бы начинающие в России пластику искусства нового века.
Желание уловить меняющееся состояние атмосферы, переменчивость красок мира, подвижность воздуха, равно как и эскизная манера фиксации чувств и переживаний, явили собой результат иного метода осмысления мира. Былой масштаб мышления заменился зорким восприятием природных явлений, улавливанием их погодных состояний.
В картине «Озеро. Русь» Левитан обогатил живопись взволнованной чувствительностью к меняющимся краскам, к изменчивости освещения, к вибрации цвета, отчего былой покой его картин сменился живым движением. Мазок динамичен. Кажется, он способен зафиксировать ускользающие состояния природы.
Необычная яркость красок наводит на мысль о том, что художник пишет чистым, открытым цветом — по тем временам явное новшество.
В конце жизни Левитан опять писал деревню. Но интерпретация ее совсем иная, чем в деревенских сюжетах начала творчества. В картинах конца 1890-х годов художник вовсе не пытался выразить деревенское бытие. Он использовал его как повод для воплощения своих настроений.»
(В. Манин, книга «Русский пейзаж», изд-во «Белый город», 2004 г. )
Описание картины из книги «История русской живописи в 12 томах»:
«Солнцем пронизана… последняя его картина — «Озеро» («Русь»), которую он начал писать незадолго до смерти. На ней все тот же бескрайний русский простор, но теперь он светел и радостен. Бегут по высокому небу пышные облака, озерная вода под свежим ветром рябит и сверкает на солнце. Хочется дышать этим ветром, смотреть на этот простор и надеяться, что все будет хорошо.»
(Майорова Н., Скоков Г., «История русской живописи в 12 томах. 90-е годы XIX века», том 8, 2006 г.)
Это было описание картины «Озеро» («Русь») Левитана: анализ произведения, материалы для сочинения.
Смотрите: Описание других картин Левитана
Источник: http://www.literaturus.ru/2016/08/ozero-rus-levitan-opisanie.html
La Grola x Кандинский
Легендарное хозяйство Allegrini выпустило вино в честь 150-летия Василия Кандинского
На этой неделе семья Аллегрини, уже несколько лет являющаяся официальным поставщиком красного вина для Государственного Эрмитажа, закрепила сотрудничество с главным музеем Петербурга, подписав соглашение об официальном белом вине.
Еще одним результатом их партнерства стала презентация новой ограниченной серии вина La Grola с картиной Кандинского на этикетке — его, в отличие от «официальных» вин, хотя бы можно приобрести.
Вечером в ресторане Percorso глава компании Марилиза Аллегрини подробно рассказала о всех трех винах (а гости имели довольно редкую возможность их попробовать):
«Allegrini — это хозяйство, которое находится в винодельческом субрегионе Вальполичелла неподалеку от города Верона. Я представляю шестое поколение семьи Аллегрини. У нашей семьи есть три вина, связанных с Эрмитажем.
Первое — это Amarone della Valpolicella Classico, которое было выбрано официальным красным вином Эрмитажа в честь 250-летия музея. Оно производится уникальным способом «подвяливания» (appassimento). После сбора виноград оставляют в небольших ящиках в специальном помещении, где он 4 месяца подсушивается.
Благодаря этому виноград теряет 40–50 процента жидкости и меняются его характеристики. Весь сахар трансформируется в алкоголь, вино получается абсолютно сухое и с явным ароматом изюма. Амароне — одно из самых престижных итальянских вин. Есть много производителей амароне, в данный момент это DOCG-классификация, но амароне от «Аллегрини» знаковое и идеальное.
Особенно приятно, что наше сотрудничество с Эрмитажем началось именно с амароне.
Второе — Solosole Vermentino Bolgheri Poggio al Tesoro, официальное белое вино Эрмитажа, соглашение по которому мы подписали сегодня. Оно не из Венето, а из Тосканы — Allegrini купила хозяйство в 2001 году.
Я горжусь этим вином, потому что развивала это хозяйство своими руками. Оно сделано из сорта «верментино», растущего вдоль средиземноморского побережья, и называется «Только солнце», потому что виноград получает невероятное количество солнца.
Обычно белые вина принято пить молодыми, но это может выдерживаться до 10 лет.
Третье — La Grola Veronese. Каждый год есть La Grola с обычной белой этикеткой и каждый год есть ограниченная серия с работой художника на ней. Три года подряд для этого использовались картины наших современников — мы уже сотрудничали с нью-йоркским и венецианским музеями Гуггенхайма.
В прошлом году Эрмитаж позволил нам использовать одну из самых известных картин Кандинского — «Композицию VI».
Точнее, Эрмитаж предложил несколько картин (включая несколько ренессансных и венецианских), и мы выбрали Кандинского: во первых, из-за 150-летия Кандинского, а во-вторых, из-за цитаты художника, которая отражала чувства моего отца.
В. Кандинский, «О духовном в искусстве»
Когда мой отец растил виноград в La Grola, он не был уверен, что закончит свою работу, потому что это было очень престижное хозяйство, но виноградник был заброшен в течение более сотни лет.
Прекрасно расположение — на вершине холма, с красивейшим видом на озеро, — но он был заброшен, потому что до моего отца продукция была ориентирована не на качество, а на количество.
Когда выращиваешь виноград на вершине, то это дорогостоящий процесс, ты выращиваешь мало винограда, что не очень хорошо для бизнеса, но хорошо для качества. Отец решил, что следует посадить новый виноград.
La Grola купят коллекционеры, которые любят искусство и которые знают это вино. Оно может очень хорошо стареть в течение 20 лет, так что это хорошая инвестиция. Всего будет 2000 бутылок, и некоторое количество получит Россия, ведь это важный рынок для Allegrini.
Мы благодарны Эрмитажу за эту благородную возможность сотрудничества. Рады, что есть столько общего между русским и итальянскими народами: мы ценим искусство, любим кухню и нам нравится наслаждаться жизнью.
Маурицио Чеккони, Директор фонда Villaggio Globale International и официальный партнер Государственного Эрмитажа в Италии
Самое невероятное в ситуации с вином La Grola, даже несмотря на уже существующее партнерство, — то что, Эрмитаж представил свою картину для этикетки бесплатно. Они видят в этом культурную ценность, а не только бизнес.
Началось же все, когда я однажды приехал в Петербург устраивать итальянскую выставку в Эрмитаже, и мне предложили попробовать официальное вино музея. Оно было весьма посредственным. Ну буду конкретизировать, но из Тосканы. И я сказал Пиотровскому: может быть, поменяем вино? Эрмитаж — один из самых важных музеев мира. У вас должно быть подобающее вино.
И он сказал — да, если есть идеи получше, то предлагайте.Вскоре после этого в Вероне проходила выставка «Arte e Vino», которую мы устраивали вместе с Марилизой Аллегрини. Она посвящена «винной» теме в живописи и скульптуре: 180 известнейших работ со всего мира, включая 10 картин из Эрмитажа. Здесь мы и обсудили это с Марилизой.
Символично, что именно тут и началось сотрудничество вина и искусства. Купить официальное вино Эрмитажа нельзя, вы можете его попробовать только на соответствующих мероприятиях
Леонардо Бенчини, Генеральный консул Италии в Санкт-Петербурге
Как и каждый образованный итальянец, я могу отличить хорошее вино от плохого. Сомелье я бы себя не назвал, но хорошее вино я люблю. Что же касается Эрмитажа, то там мне мне приходится быть часто — только за последние две недели там проходили Культурный форум и открытие выставки одного из главных художников Прекрасной эпохи Джованни Больдини.
У меня в Петербурге вообще получается довольно насыщенный график работы. Итальянские архитекторы и художники повлияли на облик Петербурга, а в Эрмитаже выставлено немало итальянского искусства. Так что идея о том, чтобы на мероприятиях Эрмитажа подавали итальянское вино, — она очевидна.
Не говоря уж о том, что итальянское вино самое продаваемое в мире, уже пару лет как опередило Францию. В России оно доминирует с еще более давних пор. Я считаю, что итальянское вино лучшее, не потому, что у меня такая работа. Оно и правда лучшее в плане соотношения цены/качества, это факт.
Я пробовал и русское вино, и оно было на удивление неплохим, но очевидно, что для создания вина нужны традиции и климат, в России же для вина пригоден только Краснодарский край.
Источник: https://itsmywine.ru/2016/12/08/la-grola-x-kandinskijnbsp
Василий Васильевич Кандинский
Одна из ключевых фигур в европейской живописи XX века, один из основоположников абстракционизма и основателей группы «Синий всадник», преподаватель Баухауса, теоретик.
От юриспруденции – к живописи
Василий родился 4 декабря 1866 года в Москве, в пятилетнем возрасте его семья перебралась в Одессу. По наказу родителей мальчик получил юридическое образование, с отличием окончил юридический факультет МГУ. В 1895 году под впечатлением от выставки импрессионистов (и картины Клода Моне «Стог сена» в частности), Кандинский решил круто изменить свою жизнь и стать живописцем.
На следующий год, в возрасте уже 30 лет, он отправился в Мюнхен, считавшийся наряду с Парижем центром европейского искусства, и завязал знакомство с немецкими экспрессионистами, а также выходцами из России – художниками А.Г. Явленским, М.В. Добужинским, И.Я. Билибиным, К.С. Петровым-Водкиным и др.
Кандинский поступил в частную школу Антона Ажбе, чтобы выучиться рисунку и основам композиции. Однако уровень преподавания не устраивал его, поэтому он дважды пытался поступить в Мюнхенскую академию художеств – ему удалось лишь со второй попытки. Кандинский выбрал курс Франца фон Штука, «первого немецкого рисовальщика».
Тот был доволен учеником, но критиковал его за чрезмерно яркую цветовую палитру и в течение года вынуждал использовать только чёрное и белое, дабы изучить форму.
В 1901 году Кандинский, только-только выучившись рисованию, основал собственное художественное общество «Фаланга» (Phalanx) и открыл при нём школу, где выступил в качестве преподавателя.
Он проводил прогрессивную, свободную от академизма выставочную политику: на первой выставке объединения демонстрировались его первые полотна и работы его приятелей из художественного кабаре «Одиннадцать палачей». Представленные художники развивались в двух направлениях: импрессионизм и югендстиль (немецкая разновидность символизма).
В течение трёх лет с момента основания «Фаланга» провела 12 выставок, но ни внимания общественности, ни интереса критики, ни материальной выгоды это не принесло, поэтому объединение было распущено.
В 1903 году Кандинский женился на художнице Габриэле Мюнтер, и следующие пять лет супруги провели в странствиях по Европе.
Вернувшись из путешествия, семья обосновалась у подножия Альп в небольшом живописном городишке Мурнау.
Соседи в скором времени прозвали их дом «Русским домом»: к супругам нередко приезжали гостить видные художники: от Явленского до Верёвкиной. С этого момента начался самый плодотворный этап в карьере художника.
В 1909 году Кандинский совместно с женой и некоторыми другими экспрессионистами основал «Новое художественное объединение Мюнхен» (сокращённо – МКУМ), которое просуществовало всего пару лет. Но это стало своеобразной репетицией перед созданием одного из важнейших творческих объединений в Европе – группы «Синий всадник».
Группа «Синий всадник»
В декабре 1911 года вместе со своим другом Францем Марком Кандинский основал очередную творческую группу – «Синий всадник».
Её целью провозглашался окончательный разрыв с академической традицией; при этом участники – среди которых Алексей Явленский, Август Маке, Пауль Клее, Марианна Верёвкина, Альфред Кубин, Моисей Кубин и Габриэла Мюнтер – проявляли живой интерес к средневековому искусству и примитивизму. Что касается современных течений, «Синий всадник» стал одним из ведущих экспрессионистских объединений, испытавших также влияние фовизма и кубизма.
По словам Кандинского, «акцент делался на выявлении ассоциативных свойств цвета, линии и композиции, а привлекались при этом столь различные источники, как романтическая теория цвета Гёте и Филиппа Рунге, «югендстиль» и теософия Рудольфа Штайнера».
В книге «Текст художника. Ступени» Кандинский пишет, что в раннем детстве – а именно, в возрасте трёх лет – первыми поразившими его цветами стали сочный светло-зелёный, охра, кармин, чёрный и белый. Однако впоследствии он открыл для себя прелесть синего.
Дело в том, что синий обладает крайне слабым эмоциональным воздействием, однако исключительно мощной духовной энергетикой. Программной целью «Синего всадника» стала одухотворённость, поэтому неслучайно синий был вынесен в название группы.
Не только Кандинский, но и Шёнберг, и Марк подчёркивали важность синего цвета, тяготеющего к абстракции.
Но почему всадник? Герберт Рид в «Краткой истории современной живописи» отмечает, что художнику приписывают следующие слова: «Название «Синий всадник» было придумано за чашкой кофе в Зиндельсдорфе; мы оба любили синее, Марк – лошадей, а я – всадников». Как бы то ни было, название «Синий всадник» носила одна из ранних картин Кандинского, представленных им на одной из выставок «Фаланги».
Группа «Синий всадник» выпускала одноимённый альманах, в котором художники публиковали свои многочисленные теоретические наработки.
В 1912 году вышла в свет книга Кандинского «О духовном в искусстве», в которой содержится одно из первых, если не самое первое теоретическое обоснование абстракционизма.
Художник утверждал, что цели и задачи природы и искусства естественным образом различаются, а, следовательно, различны и их средства выражения.
Теоретические искания и вопросы синестезии
Василий Кандинский известен в первую очередь тем, что положил начало абстракционизму. Это течение развивалось по двум основным направлениям. Приверженцы одного занимались созданием геометрических абстракций, приверженцы другого (Кандинский, Купка и др.
) – поиском гармоничных аморфных цветовых сочетаний, освобождение цвета от форм. Беспредметные полотна Кандинский начал создавать в 1908 году.
По его мнению, «каждый цвет обладает присущей ему духовно-выразительной ценностью, что позволяет передавать высшие эмоциональные переживания, не прибегая при этом к изображению реальных предметов».
«Самоценность цвета, музыкальные ассоциации, «синестетические обертона», духовные изыкания, наконец, синтез искусств – вот то, над чем трудился Кандинский и что составляло предмет его исследований. Художник оставил не только живописные полотна и сценические постановки, но и теоретические разработки.
В работе «О духовном в искусстве», которая считается своеобразным Евангелием искусства XX столетия, в главе под названием «Действие цвета» Кандинский описал физиологическое и психологическое воздействие цвета.
Если говорить о первом, то с тех пор так и не было выдвинуто ни одной гипотезы, способной объяснить физиологическое воздействие цветов на организм. С другой стороны, хотя мы не можем объяснить эти явления, мы должны их регистрировать и описывать.
Наблюдения Кандинского в этом смысле чрезвычайно любопытны: при созерцании цветов «Зритель испытывает чувство удовлетворения, радости, подобно гастроному с лакомым куском во рту, — пишет художник, — Или же глаз испытывает раздражение, какое мы ощущаем от острого блюда.
Эти ощущения затем угасают или утихают, как бывает, когда коснешься пальцем куска льда. (…)При прикосновении ко льду можно испытать только ощущение физического холода, и это ощущение забывается при согревании пальца, так забывается и физическое действие цвета, когда от него отвернешься.
Но как физическое ощущение ледяного холода, если оно проникает глубже, вызывает более глубокие чувства и может вызвать целую цепь психических переживаний, так же и поверхностное впечатление от цвета может развиться в переживание».
Что касается психологического воздействия, то здесь Кандинский замечает недостаточность и несостоятельность ассоциативной теории: «Можно было бы, например, предположить, что светло-желтый цвет путем ассоциации с лимоном вызывает впечатление чего-то кислого.
Но подобными объяснениями едва ли можно удовлетвориться». Далее художник переходит к размышлениям о синестезии, а также формулирует основополагающий принцип творчества – принцип внутренней необходимости. «Прекрасно то, что возникает из внутренней душевной необходимости.
Прекрасно то, что прекрасно внутренне. (…) Под этим прекрасным, само собою разумеется, не следует понимать внешнюю или даже внутреннюю общепринятую нравственность, а все то, что даже и в совсем неосязаемой форме совершенствует и обогащает душу.
Поэтому, например, в живописи внутренне прекрасен каждый цвет, ибо каждый цвет вызывает душевную вибрацию, и каждая вибрация обогащает душу».
Будучи основоположником абстракционизма и экспрессионизма и одним из основателей группы «Синий всадник», Кандинский пошёл много дальше своих единомышленников. Период с 1911 по 1920 гг.
ознаменовался полным отказом от принципа мимезиса и освобождением цвета и формы. Кандинский создавал напряжённые и ритмичные цветовые симфонии. В поисках синтетического стиля, художник создал три цикла работ: «Композиции», «Импровизации» и «Импрессии».
Двумя своеобразными вершинами его творчества признаны «Композиция 6» и «Композиция 7».
Композиции с точки зрения автора представляли собой целые миры, «путём катастроф, подобно хаотическому рёву оркестра выливающемуся, в конце концов, в симфонию, имя которой музыка сфер».
Некоторые искусствоведы (в частности, Павел Балека) проводят параллель между творческим методом Кандинского и методом сонористики в музыке – методом, для которого характерно выдвижение тембра в качестве основного фактора.
По аналогии другого искусствоведа, Рудольфа Арнхейма, «мы можем лучше понять природу цвета, если вспомним, что такое тембр в музыке». Видимо, для Кандинского цветовые сочетания звучали подобно сонорным созвучиям.
И видимо неслучайно, одна из позднейших попыток постановки его «Жёлтого звука» была сделана не на музыку Фомы фон Гартмана, а на музыку Альфреда Шнитке, композитора, активно использовавшего метод сонористики.
Кандинский был также поглощён идеей синтеза искусств, и в «О духовном в искусстве» предложил новый жанр – жанр сценической композиции, который был призван объединить музыкальное, живописное движение и движение танца. Главный же компонент синтеза – цвет.
Сценическая композиция «Жёлтый звук» на музыку Гартмана должна была объединить цвет, музыку, художественный танец и слово. Однако из-за начавшейся Первой мировой войны, премьера осенью 1914 года так и не состоялась. Также не была опубликована пьеса «Зелёный звук». В сохранившемся сценарии, напечатанном в альманахе «Синий всадник», осталась подробная световая партитура и указания для оркестра и пантомимы.
Первая мировая война
В 1914 году с наступлением Первой мировой Кандинский был вынужден вернуться в Россию. Он расстался с Габриэлой, и та переехала в Мюнхен, а художник уехал в Москву. Война раскидала участников «Синего всадника» по различным уголкам Европы, и объединение распалось.
Но для Кандинского это означало очередной этап его художественного пути. Чередуя романтические полусимволистские пейзажи с полуабстракциями, художник постепенно приходит к упрощению и геометризации форм. Он начинает вырабатывать уникальную живописную манеру, у него появляется собственный почерк.
После революции Кандинский обнаружил себя в гуще событий: он оказался вовлечённым в общественно-политические события, связанные с музейными реформами и художественным образованием и принял участие в открытии 22 музеев по всей стране.
Художник сотрудничал с ИЗО Наркомпроса вплоть до 1921 года и даже получил должность председателя Государственной закупочной комиссии при Музейном Бюро. Но в большей степени организаторские и преподавательские способности Кандинского раскрылись в Свомасе («Свободных мастерских»), позднее – ВХУТЕМАСе, где он получил пост профессора.
Кандинский учил студентов анализировать форму и цвет, и в основу учебного плана положил свой выдающийся труд «О духовном в искусстве». Он разработал аналогичный план и для Инхука (Институт художественной культуры), но столкнулся с враждебным отношением некоторых художников-конструктивистов, в частности – Поповой, Пунина и Родченко.
Последние решительно отвергали иррациональное. В ответ на нападки Кандинский указывал, что бессодержательное использование абстрактных средств выражения ещё не делает художника абстракционистом. «Существует не меньше мёртвых треугольников (будь они белыми или зелёными), чем мёртвых куриц, мёртвых лошадей и мёртвых гитар.
Стать «реалистическим академиком» можно так же легко, как абстрактным академиком». Форма без содержания не рука, но пустая перчатка, заполненная воздухом».
Уже в начале 20-х годов Кандинский почувствовал серьёзное политическое давление и был вынужден покинуть советскую Россию – на сей раз навсегда. Его картины были изъяты из экспозиций музеев на долгие годы.
Баухаус
В Германии Кандинский получил приглашение от Вальтера Гропиуса, основателя Высшей школы строительства и художественного конструирования Баухаус.
Гропиус предложил ему должность главы мастерской настенной живописи в Веймаре.
На первый взгляд может показаться, что у Кандинского и лидеров школы Баухаус не слишком много общего, но на деле их объединяла идея синтеза искусств (Gesamtkunstwerk).
Кандинский продолжил преподавательскую деятельность; он стал читать сразу три курса – «Аналитический рисунок», «Основы художественного проектирования» и «Цвет». Кроме того, он не оставлял свои теоретические труды.
Цвет по-прежнему занимает Кандинского – и прежде всего, конечно же, синий: в 1924 году вместе с Клее, Явленским и Фейнингером он организует «Синюю четвёрку».
На сей раз, впрочем, цель была весьма прозаична – художники вновь собрались вместе для саморекламы за рубежом, организации выставок и улучшения продаж своих картин. Держаться на плаву в депрессивной Германии становилось трудно.
По счастью, художникам удалось завоевать американский художественный рынок.
В 1925 году из-под пера Кандинского вышла работа «Точка и линия на плоскости». Он также написал две свои наиболее знаковые работы – «В синем» и «Жёлтое – красное – синее». Художник относил свои полотна веймарского периода к холодной романтике.
«Круг, который я использую в последнее время столь часто, можно назвать не иначе, как романтическим. И нынешняя романтика существенно глубже, прекраснее, содержательнее и благотворнее – она – кусок льда, в котором пылает огонь.
И если люди чувствуют только холод и не чувствуют огня – тем хуже для них…»
Примерно в это же время Баухаус вынужденно сменил месторасположение. В результате травли со стороны ультраправых, финансирование школы прекратилось, и она переехала в Дессау, небольшой, но активный городок под Лейпцигом.
Здесь Гропиус спроектировал новое здание, ставшее одним из шедевров функционализма.
Между тем, в преподавательской среде назревает конфликт: Кандинский, Клее и Файнингер подвергаются критике за любовь к эстетике, и те в свою очередь отстраняются от преподавания.
Период с 1926 по 1933 гг. был исключительно плодотворным для Кандинского: за семь лет он создал 159 картин маслом и порядка 300 акварелей. Персональные выставки стали открываться в различных городах Европы одна за другой. В 1928 году Кандинский получил немецкое гражданство.
Но с приходом к власти национал-социалистов пять лет спустя художник был вынужден оставить Германию. Семейство Кандинских осело в парижском предместье Нейи-сюр-Сен.
Нацисты отнесли его работы к так называемому «дегенеративному искусству», наряду с полотнами других выдающихся авангардистов.
Во Франции публика отнеслась к Кандинскому прохладно; его круг общения составили старинные друзья и единомышленники. Здесь начался последний, завершающий этап эволюции художественного метода художника.
Он пришёл к использованию биоморфных элементов, произвольно заполняющих полотна. Биоморфизм был небольшим и не столь заметным течением в авангардизме в 30-е годы; термин был введён британским писателем Джеффри Григсоном.
Биоморфизм обращался к природе и использовал формы и паттерны, аналогичные по структуре живым организмам.
В последние годы жизни Кандинский стал писать холсты, которые по его собственному выражению, явились «поистине живописной сказкой». К таковым относятся «Пёстрый ансамбль» (1938), «Сложное-простое» (1939), «Небесно-голубое» (1940).
Однако французы не оценили творческий гений постаревшего мастера, вдобавок, с началом Второй мировой войны он стал испытывать трудности с материалами и был вынужден обратиться к гуаши и картону.
Его последний цикл был выполнен на неизвестно на какие средства приобретённом немецком картоне среднего формата.
Некоторые критики склонны считать парижский период художника второстепенным, но так или иначе он до сих пор остаётся малоизученным и вызывает массу вопросов.
После художника
Василий Кандинский скончался 13 декабря 1944 от артериосклероза (кровоизлияния в мозг). Он успел увидеть освобождение Франции союзниками в сентябре, а в ноябре была открыта его последняя прижизненная выставка.
Как это часто происходило с художниками, по достоинству он был оценен уже после смерти.
Сегодня его работы можно найти в ведущих музеях мира: в Музее Гуггенхайма, Центре Жоржа Помпиду, Государственной Третьяковской галерее, галерее Lenbachhaus и т.д.
Кандинский входит в десятку самых дорогих художников на планете. В 2006 году его «Озеро Санберг» было продано на аукционе Sotheby’s за 9 миллионов долларов, через год работа «Белый звук» ушла с молотка за 23,3 миллиона.
В честь Кандинского была названа независимая премия, учреждённая Культурным фондом «АртХроника» в 2007 году. Она вручается молодым художникам, занимающимся современным искусством; призовой фонд составляет 57 000 евро. Особенностью премии является принцип самовыдвижения номинантов.
Именем художника был также назван самолёт Аэрофлота Airbus A319 (VP-BUN).
Источник: http://sovremennoe-iskusstvo.ru/hudozhniki/vasilij-kandinskij/
Кандинский на мировых аукционах
Имя Василия Кандинского (1866 — 1944) в историю мировой живописи вошло как основополагающее в абстрактном искусстве. Абстракционизм возник одновременно в разных странах в 1910-1913 годах. В это время в мире бурно начала развиваться фотография. Многие художники изменили свое отношение к классическому искусству.
Василий Кандинский с детства занимался живописью и музыкой, даже начал изучать юриспруденцию и экономику. Однако путь и выбор художественного направления предопределила его встреча с импрессионистами.
На одной такой французской выставке в Москве в 1896 году Кандинского потрясли картины Клода Моне.
Фигура и фон на его картинах представляли единое целое, в то же время создавалась целостность восприятия событий, зритель будто вовлекался в сюжет картины.
Эта «встреча» стала судьбоносной. В тридцать лет Василий Кандинский избирает путь художника. Художника-абстракциониста. Цвет и форма в его картинах возведены в абсолют. Каждую фигуру — куб, квадрат, круг, треугольник, мастер одаривает собственным звучанием. По его мнению, каждая форма имеет право на собственную жизнь.
Любой музей мира почтет за честь иметь в своей коллекции полотна революционера в искусстве Василия Кандинского. Только во Франции за 11 последних лет художник написал 144 картины, 250 акварелей и гуашей.
Сегодня его работы украшают частные коллекции наследников его друзей.
Работы хранятся в Государственном Русском Музее, Государственной Третьяковской Галерее, Музее Гуггенхейма, США, (Нью-Йорк), Центре Жоржа Помпиду во Франции (Париж).
Центру Помпиду основное ядро коллекции картин Василия Кандинского подарила его жена Нина. Она была моложе своего мужа на 30 лет. Трагически закончилась её жизнь в 1981 года, она была убита в Швейцарии.
Коллекцию галереи Lenbachhaus составляют картины Кандинского, подаренные музею другой женщиной его жизни, художницей Габриэль Мюнтер, с которой он был обручен с 1903 по 1916 годы.
Абстрактное искусство живо по сей день. Картины Кандинского на мировых аукционах бьют все рекорды продаваемости. Так, в 1990 году, время бума на авангард, его картина «Фуга» на всемирно известном аукционе Sotheby's была продана за $20,9 миллионов. Картину приобрел Фонд Бейелеров, любой желающий может увидеть это чудо авангардизма в музее фонда в Базеле (Швейцария).
На аукционных торгах Sotheby's в ноябре 2006 года картина Кандинского «Озеро Старнберг» была продана за 9 миллионов долларов.
Картина Василия Кандинского «Вайльхайм-Мариенплац», изображающая рыночную площадь небольшого городка в Верхней Баварии, ушла в частную коллекцию с аукциона Sotheby's в феврале 2007 года за 4,32 миллионов долларов.
А его известная картина «Белый звук», предпродажная оценка которой составляла 6-8 миллионов долларов, была продана на аукционе Sotheby's в 2007 году за рекордную даже для Кандинского сумму — $23,3 миллиона. «Белый звук» был написан Кандинским в 1908 году. Это был период увлечения художника творчеством немецкого поэта Стефана Георге. Белый звук как великое безмолвие…
Мировой финансовый кризис вносит свои коррективы. Инвесторы стараются осторожно вкладывать средства в мировые шедевры.
Картина «Этюд к импровизации №3» (Studie zu Improvisation 3) Василия Кандинского продана осенью 2008 года за 16 миллионов 883 тысячи долларов на аукционе Christie's в Нью-Йорке. Предпродажная оценка полотна была в районе 15-20 миллионов долларов.
Еще до ноября 2008 года полотна Кандинского считались самыми дорогими в мире. Однако аукцион в Нью-Йорке побил рекорд — «Супрематическая композиция» Казимира Малевича ушла за 60 миллионов долларов.
Аукцион Bonhams в Лондоне в рамках «русских недель» в конце ноября 2008 года продал раннюю картину Василия Кандинского «На берегу моря» (Au bord de la mer) за 120 тысяч фунтов стерлингов.
До этого картина, изображающая романтическую барышню, хранилась в частной коллекции. Оценочная стоимость работы была в районе 100-150 тысяч фунтов стерлингов.
По этой же самой на аукционе цене ушла картина морского пейзажа Ивана Айвазовского.
25 июня 2009 года аукционный дом Christie's в Париже проводил аукцион «Ценные старинные книги, книги художников и рукописи».
Среди 276 лотов, представляющих несомненный интерес для коллекционеров всего мира был лот под номером 196 Кандинский В. «Звуки». Мюнхен. [1913].
Книга на бумаге Hollande van Gelder Zonen, подписанная Кандинским в оригинальном переплете. При предпродажной оценочной цене 25 -35 тысяч евро книга была продана за 25 000 евро.
24 сентября 2009 года на аукционе Sotheby's в Лондоне заявлены 8 лотов — ранние акварели и литографии Василия Кандинского. Предпродажные оценки составляют от 7 до 15 тысяч фунтов стерлингов.
В 2007 году в России учредили ежегодную премию Кандинского. Этот русский проект предполагает главный критерий выбора победителя — вклад художника в современное искусство, в его изменения.
Премия Кандинского — независимый национальный проект, миссией которого является продвижение и развитие русского искусства, выявление новых направлений в нем. Не зря именно Василий Кандинский выбран в качестве знаковой фигуры.
Революционер в искусстве, изобретатель абстракционизма, этакого арт-тренда ХХ века, ключевая фигура, посол европейского авангарда в России.
Жанна Пятирикова
Источник: http://www.luxemag.ru/art/6789.html
Загрузка...
