Галерея Art-is-Life
Автор: admin, 23 Июл 2012
ИГОРЬ ГРАБАРЬ Груши на красной скатерти. 1921 Картон, масло. 52 х 68 «Русская эмаль». 9 июня 2012. Лот 47 Эстимейт: 12–18 миллионов рублей Результат: 36 миллионов рублей
В начале июня на торгах аукционного дома «Русская эмаль» был установлен рекорд для произведений Игоря Эммануиловича Грабаря. Натюрморт 1921 года «Груши на красной скатерти», предлагавшийся с эстимейтом 12–18 миллионов рублей, в итоге был куплен за 36 миллионов рублей.
Игорь Грабарь (1871–1960) занимает уникальное место в истории отечественного искусства конца XIX — ХХ века. Вклад его в культурную жизнь России настолько велик, что сложно говорить о нем вскользь, конспективно. И конечно же, недостаточно вести речь только о Грабаре-художнике, ведь талантам этого человека несть числа.
Художник, искусствовед, литератор, государственный деятель, реставратор, архитектор, преподаватель — все это Грабарь. И все эти ипостаси органично сочетались в нем, сплавлялись, как он сам еще в юные годы написал, в «единую целостную, бесконечно увлекательную… жизнь».
Сложно представить более трудолюбивого и целеустремленного человека, и вряд ли есть другой в нашей истории деятель культуры, которому бы удалось столько всего успеть.
Родился Игорь Грабарь в Будапеште в русской семье, активно пропагандировавшей славянофильские идеи. Спасаясь от политических репрессий со стороны австро-венгерского правительства, семья Грабарей бежала в Россию: сначала под конспиративной фамилией Храбров эмигрировал отец (1876), а в 1880 году в городок Егорьевск Рязанской губернии привезла Игоря мать.
Рисовать мальчик начал еще в раннем детстве, его первым наставником на этом поприще стал учитель рисования в местной гимназии И. М. Шевченко. «Не помню себя не рисующим, не представляю себя без карандаша, резинки, без акварельных красок и кистей», — писал позже Грабарь.
Потом была учеба в московским лицее цесаревича Николая, где Игорь с упоением осваивал основы живописи и рисунка. Грабарь с головой окунулся в мир московских музеев и художественных выставок, на которых экспонировались лучшие картины того времени.
После окончания лицея, в 1889 году Грабарь поступил в Петербургский университет на юридический факультет, который с успехом окончил. Параллельно он успел прослушать полный курс лекций на историко-филологическом факультете.
В эти же университетские годы Грабарь занимался живописью в академической мастерской профессора Павла Чистякова, и в 1894 году поступил в Академию художеств в класс Ильи Репина.
В 1896 году Грабарь на пять лет уехал в Мюнхен, где сначала учился в художественной школе Антона Ашбе, а затем преподавал в ней совместно со своим наставником; там же, в Германии, он попробовал свои силы в журналистике.
Круг интересов Грабаря расширялся постоянно и очень быстро, охватывая новые для него виды искусства и деятельности; и в каждом новом увлечении он, как правило, становился не дилетантом, но профессионалом. Так, в подмосковном имении известного врача Григория Захарьина по его проекту была выстроена больница в итальянском стиле.
В 1907–1908 годах увлекся архивной работой, искусствоведческими исследованиями. Сначала писал статьи для журнала «Старые годы», а потом взялся за один из своих самых грандиозных искусствоведческих проектов — многотомную «Историю русского искусства».
С 1909 по 1914 год подготовка этого ученого труда занимала почти все время Грабаря, пришлось выбирать между искусством и наукой об искусстве, и художник сделал выбор в пользу науки. «Я пять лет не дотронулся до кисти, находясь во власти пера», — вспоминал он в своих мемуарах.
До 1914 года были написаны пять томов «Истории русского искусства», но в 1915-м издательство немца Кнебеля было разгромлено, и завершить начатое Грабарю не удалось. Но и увидевшие свет тома — это целая веха в отечественном искусствоведении.
В 1913-м Грабарь стал директором Государственной Третьяковской галереи и состоял в этой должности до 1925 года. Новый руководитель получил в свое распоряжение галерею в почти первозданном виде — со времен Третьякова в ней почти ничего не изменилось.
Несмотря на протесты консерваторов, Грабарь провел в галерее «генеральную уборку» — перевесил все картины по принципам организованного музея европейского типа. Это настолько улучшило восприятие коллекции Третьякова, что многие и прежде висевшие на стенах картины стали восприниматься как новые.
Василий Суриков, говорят, даже отвесил Грабарю земной поклон за новое расположение его «Боярыни Морозовой».
Однако пост директора Третьяковки, как оказалось, был только началом в карьере Грабаря-управленца.
После Октябрьской революции он стал одним из главных деятелей Музейного отдела Наркомпроса; человек высочайшей культуры, Грабарь внес бесценный вклад в спасение художественного наследия нашей страны.
В послереволюционное время многое, если не сказать почти все, он предлагал и делал впервые, не опираясь на опыт предшественников и почти не имея времени.
Он организовал первые в стране реставрационные мастерские; ездил в экспедиции по стране, спасая русские и византийские фрески в монастырях (многие из них во время этих экспедиций впервые были описаны и исследованы); национализировал выдающиеся художественные произведения, не давая мародерам растаскать их из разоренных имений; участвовал в создании государственного музейного фонда и прочее, прочее.
Грабарь и в последующие годы не переставал заниматься общественно-полезной деятельностью, то углубляясь в работу в реставрационных мастерских, то обращаясь к преподаванию в Московском университете и Московском государственном художественном институте (МГАХИ им. Сурикова). За выдающиеся успехи в области административной работы ему первому в СССР было присвоено звание «Заслуженного деятеля искусств» (1928).
Сложно представить, как в условиях такой колоссальной общественной нагрузки Грабарь еще успевал писать картины. Но тем не менее он работал и живопись называл своей «главной страстью». Грабарь, как в жизни, так и в художественном творчестве, никогда не боялся перемен.
Он не был приверженцем какого-то определенного жанра или стиля, а, наоборот, в разные периоды жизни обращался то к пейзажу, то к натюрморту, то к портрету, а в манере письма постепенно переходил от импрессионизма к дивизионизму и от дивизионизма к более реалистичному живописному языку.
Причем в любом из этих направлений Грабарь работал без устали, не давая себе поблажек, замечая допущенные огрехи и отмечая свои достижения.
«Груши на красной скатерти» (1921), проданные за рекордные 36 миллионов рублей, были как раз написаны Грабарем в период его особого увлечения натюрмортами. Художник называл это «натюрмортной зарядкой», «средством поддерживать беглость руки, не давать ей застояться».
Раз за разом он составлял на ярких тканях композиции из фруктов и начинал рисовать их как бы сверху, не оставляя в поле зрения ничего, кроме ритма линий, контраста фактур, пластики объемов, теплого колорита спелых фруктов и холодного или теплого цвета драпировок.
«Меня в то время особенно волновала благородная красота расцветки груш-дюшес — от зеленой через зелено-оранжевую, к темно-красной», — словно бы про это самое полотно с грушами написал Грабарь в мемуарах.
Предыдущий аукционный рекорд для произведений Грабаря относится к
ИГОРЬ ГРАБАРЬ Дельфиниумы Холст, масло. 132.5 x 112 Sotheby’s, Лондон. 30 ноября 2010. Лот 25 Эстимейт: 150–200 тысяч фунтов Результат: 181 250 фунтов
2010 году. Его «Дельфиниумы» (этот прекрасный цветок, кстати, был одним из излюбленных цветочных сюжетов у Грабаря) были проданы за 181,25 тысячи фунтов на лондонских торгах Sotheby’s.
В последние годы работы Грабаря на аукционах стали пусть не исключительной, но редкостью. На рынок выходит 4-5 произведений в год, это мало. Но при этом обращает на себя внимание малое количество «проходных» вещей. Конечно, не каждая работа — шедевр, но большинство — выше среднего, крепкие. И с годами подобных вещей высокого качества на рынке больше не становится.
Рост цен на произведения Грабаря происходил неравномерно, рывками. По повторным продажам отдельных работ можно видеть, что цены с 2009 года увеличились в три раза. Те вещи, которые стоили три года назад 50 тысяч, стали стоить 130 тысяч долларов, потом и под полмиллиона просили.
Такой рост — это не аномалия, а результат дефицита и охоты за шедеврами. Обращает внимание, что «грушевый» результат 1,125 миллиона долларов на внутреннем русском аукционе даже не вызвал удивленного ропота. Да, раньше сопоставимые натюрморты продавались во много раз дешевле.
Сопоставимые, но все же не такие. В целом создается впечатление, что в последние три года рынок «разглядел» инвестиционный потенциал Грабаря и вспомнил о его месте в истории искусства. Диапазон «под миллион» станет теперь, вероятно, основным для его шедевров.
А под такую цифру и вещи достойные могут подтянуться.
Источник:artinvestment.ru
Общайтесь со мной
Источник: http://art-is-life.ru/?p=2781
Художник И. Грабарь. «Февральская лазурь»: описание картины
Искусство и развлечения 15 мая 2015
Художественный стиль – это почерк мастера. Модуляции оттенков картины И. Грабаря завораживают зрителя. Бирюза неба, звенящая тишина морозного воздуха и белоствольные березы создают сказочное настроение.
Снежное покрывало переливается под солнцем разноцветными искрами. Зимний пейзаж словно усыпан драгоценными камнями – такой эффект создал на холсте Игорь Грабарь.
«Февральская лазурь» – описание картины обязательно должно отметить мастерство художника в применении обширного диапазона оттенков, восхищение мастера мощью русской природы.
Художник И. Грабарь
Игорь Грабарь удивительным образом умел передать цветовую гамму. Его пейзажи известны по всему миру непревзойденным стилем, фантастическими оттенками снега. Художник умел найти нужный ракурс для передачи сверкающего инея или глубоких теней пасмурного дня.
Опытный реставратор, критик, историк искусства, музейный деятель – его неутомимая энергия проникала во многие сферы жизни.
Основными жанрами для этого художника являются портрет и пейзаж. Тема русской зимы настолько увлекла Игоря Эммануиловича, что ей он посвятил многие картины. Грабарь стремился передать природу так, чтоб невозможно было отличить – где картина, а где натура.
«Мартовский снег», «Крыша со снегом», «Зимний вечер» – оттенки его полотен настолько естественны, реалистичны, что зритель погружается в волшебный мир картин художника.
В 1904 году на Подмосковной даче создал удивительный шедевр Грабарь. «Февральская лазурь» – описание картины обязательно должно рассказать о том, что на полотне изображены плакучие березы. Эту разновидность больше всего любил Игорь Эммануилович. Во время прогулки он был поражен невероятной красотой неба, гармоничными линиями ветвей и всей композицией березовой рощи.
Работа над картиной
Над картиной «Февральская лазурь» Грабарь работал на свежем воздухе. Он объяснял это тем, что из окна краски смотрятся по-другому. Только на пленере возможно уловить всю палитру природных оттенков.
Художник вырыл траншею в снегу. Рядом он поставил зонт, перекрашенный в голубой цвет. Такие ухищрения создавали многообразие оттенков, которые художник переносил на холст. Саму же картину мастер поворачивал лицевой стороной к небу.
Цветовая насыщенность, плотный слой мазков, объемные стволы деревьев, узоры ветвей, чистая эмаль неба – таково описание картины, которую создал Грабарь.
«Февральская лазурь» передает весь диапазон оттенков голубого цвета. Сапфировые тени, ультрамарин неба, переливы сиреневого цвета на снегу. Репродукция не всегда способна передать невообразимую красоту картины.
Подлинник можно увидеть в Государственной Третьяковской галерее (Москва).
Видео по теме
Грабарь, «Февральская лазурь»: описание картины
Зимний пейзаж застыл в предвкушении скорой весны. Проблески проталин, сине-сиреневые тени берез – у зрителя создается эффект присутствия в этой березовой роще. Лазурное, по-весеннему яркое небо словно слепит глаза. Солнце явно не присутствует на картине, но его свет окутывает верхушки берез. Их узорные ветви кружат в причудливом танце, ожидая первого тепла.
Словно зачарованные, выстроились березы. Кружевной иней фантастическим образом оттеняет ветви и лазурь неба. Морозная прозрачность воздуха создает радостное ощущение. Всю прелесть, изящность русской природы отразил Игорь Грабарь. «Февральская лазурь» – описание картины повествует о потрясающей палитре красок, их созвучии.
Сочинение для 5 класса
Стиль художника настолько необычен, что его картины наполнены вибрацией свежести, прозрачности. Искрящийся снег, бесконечная синева небес побуждают к написанию своего ощущения, видения картины.
Сочинение лучше всего писать, придерживаясь небольшого плана. Тогда общей схеме будет подчинена структура текста и описание картины (Грабарь, «Февральская лазурь»). 5 класс для написания сочинения может придерживаться такого примерного плана:
- краткие сведения об авторе картины;
- жанровая принадлежность картины, время года;
- предметы, изображенные на картине (расписать, что находится на переднем плане, а что – на заднем);
- способы изображения и цветовая палитра, использованная художником;
- с чем связано название картины;
- общее настроение пейзажа.
Источник: fb.ru
Query failed: connection to localhost:9312 failed (errno=111, msg=Connection refused).
Источник: http://monateka.com/article/127864/
И. Грабарь: картина «Иней» и другие :: SYL.ru
Одним из наиболее известных российских живописцев, работавших над пейзажем, был художник И. Э. Грабарь. Картина «Иней» мастера создавалась под сильным влиянием импрессионизма, в стилистику которого, однако, он привнес много нового.
Автор больше всего любил изображать зимние картины природы, которые удавались ему особенно хорошо. В его коллекции сохранилось множество набросков с натуры, которые свидетельствуют о незаурядном таланте живописца в передаче всех оттенков снега и инея.
Кроме того, он работал в жанре портрета и рисовал натюрморты.
Краткая биография
Не только художником, но и искусствоведом, профессором и талантливым педагогом был И. Грабарь. Картина «Березовая роща», а также другие полотна автора принесли ему заслуженную славу.
Он получил звание Народного художника в 1956 году, также ему была вручена Сталинская премия в 1941 году. Этим успехам предшествовал долгий и непростой творческий путь художника. Он учился в Петербургской академии художеств.
Его учителем был сам И. Репин.
Будущий знаменитый живописец обучался мастерству художника за границей, посещая мюнхенскую школу-студию. К началу 20-го века он сформировался как зрелый и самостоятельный художник.
Подражая импрессионистам, он в то же в время создал свой уникальный стиль изображения природы. Особенно хорошо ему удавались картины снега и инея. Художник входил в такие известные организации, как «Мир искусства» и «Союз русских художников».
Его перу принадлежит ряд критических статей, в которых он разрабатывал теорию живописного искусства.
Полотно «Иней»
Больше всего любил изображать зимние картины природы Грабарь. Картина мастера «Иней», написанная в 1905 году, является одной из лучших его ранних работ. В ней в полной мере проявился талант живописца в изображении всех оттенков и цветов зимнего покрова.
Сам художник говорил, что именно иней дает возможность художнику в полной мере использовать всю палитру красок, так как этот снежный покров постоянно меняется, каждый раз давая новую пищу уму и фантазии.
На этой картине изображены березы, покрытые тонким слоем снега.
Следует отметить, что на этом полотне автору удалось не только показать иней во всей его чистоте, но и передать общую гармонию, царившую в природе. Это ему удалось за счет нежно-сиих красок неба и белоснежного цвета берез. Иней рисовал в разное время суток и при любом освещении Грабарь.
Картина с одноименным названием была создана им в 1918 году. Она написана в более сдержанных тонах и уже не производит такого жизнерадостного впечатления, как первая, однако общий тон сохранился: рисунок снова дышит покоем и тишиной, которую автор передал в поэтичной картине лесной дороги.
Зимний пейзаж
Особенно хорошо изображал зиму в преддверии весны И. Э. Грабарь. Картина «Февральская лазурь» показывает природу перед наступлением тепла. Это полотно по праву считается одной из лучших работ автора, потому именно при его написании ему в полной мере удалось передать зимние цвета.
Работая на открытом воздухе, он сумел показать белоснежные оттенки инея, светлую синеву неба. Несмотря на то что на картине показан зимний пейзаж, в ней много ярких весенних красок, что создает у зрителя праздничное настроение.
«Березовая аллея»
Это полотно было написано мастером в 1940 году. На нем снова изображен зимний пейзаж. Однако в этот раз автор показал зиму не в ее расцвете, как на предыдущих полотнах, а в конце.
Рисунок дышит приближением весны. Это чувствуется при взгляде на прогалину, обнажившую свежую землю в лесу. Талант автора в изображении зимнего пейзажа в разные периоды доказывает данная картина. И. Э.
Грабарь прекрасно передавал все оттенки зимы.
Портреты
Другим важным направлением в творчестве художника является портретная живопись.
В ранний период своего увлечения импрессионизмом он создал очень оригинальное по цветовой гамме полотно «Дама у пианино» (1899 год).
Фигура женщины, устало откинувшейся в широком кресле, имеет довольно смутные контуры, которые едва различимы в полутемном помещении. Черты лица угадываются с трудом, хотя видно, что женщина молода и красива.
Описание картин Грабаря показывает его многогранный талант художника, который постоянно искал новые живописные приемы изображения людей и предметов.
Его более поздние портреты совершенно не похожи на указанное полотно. Например, изображение К.
Чуковского, выполненное в 1935 году, отличается прямыми линиями, ровными красками и даже некоторым чувством юмора, которое проглядывается в позе и выражении лица художника.
Натюрморт
Художник также любил рисовать предметы быта и уютные домашние сцены, которые удавались ему не менее хорошо, чем пейзажи и портреты.
Один из лучших натюрмортов живописца – «Яблоки», написанный в 1905 году. Полотно отличается простотой и изысканностью.
Художник не экспериментировал с красками, как при изображении зимних пейзажей, возможно, именно поэтому рисунок получился очень узнаваемым, почти домашним.
Источник: https://www.syl.ru/article/315641/i-grabar-kartina-iney-i-drugie
Натюрморт в России. Начало ХХ века
Натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в России в начале XVIII века. Представление о нем первоначально было связано с изображением даров земли и моря, разнообразного мира вещей, окружающих человека.
Вплоть до конца 19 века натюрморт, в отличии от портрета и исторической картины, рассматривался в качестве «низшего» жанра.
Он существовал главным образом как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.
Иван Хруцкий «Цветы и плоды» 1839
Начало ХХ века ознаменовалось расцветом русской натюрмортной живописи, впервые обретшей равноправие среди прочих жанров. Стремление художников расширить возможности изобразительного языка сопровождалось активными поисками в области цвета, формы, композиции.
Все это особенно ярко проявилось в натюрморте. Обогащенный новыми темами, образами и художественными приемами, русский натюрморт развивался необычайно стремительно: за полтора десятка лет он проходит путь от импрессионизма до абстрактного формотворчества.
Тогда в России было множество художественных объединений.
Николай Сапунов «Цветы и вазы на розовом фоне», 1910 г.
Яркий художник, мастер театральных композиций и экзотических натюрмортов, Н. Сапунов обладал очень своеобразным колористическим талантом. В период написания натюрморта «Цветы и вазы на розовом фоне» Николай Сапунов был членом объединения символистов «Голубая роза». Поэтика символизма влекла художников к романтически-окультным темам.
А. Блок выделял в его творчестве искания цветового ритма, цветовой музыки, цветовой драмы которая отвечала бы драме тех спектаклей, к которым он рисовал декорации.
Склонный к богемной жизни художник как-то плавал с компанией в лодке на Финском заливе, и утонул в возрасте 32 года.
Петр Кончаловский был членом объединения «Бубновый валет».
Для этого объединения характерны поиски новых живописно- пластических решений, деформация и расчленение формы, фактурность живописи, выявление формы и объема цветом, стремление к живописи чувственной, материально-красочной стороны бытия. Идейные истоки — так называемый «русский сезаннизм», русское народное искусство (лубок, икона, изразец, росписи, торговые вывески).
П. Кончаловский «Красный поднос», 1913
Укрупнить, огрубить, но сделать каждую вещь плотной и крепкой — вот задача молодого Кончаловского в его многочисленных натюрмортах, где неслучайно фигурирует часто тот же рыночный поднос как своего рода камертон, задающий живописи необходимый уровень колористического напряжения. Цвет здесь передает не столько поверхностную раскраску, сколько саму форму и массу, материальную плоть вещей.
Илья Машков «Снедь Московская»
Скандальная слава сопутствовала молодому Илье Машкову — азартному и предприимчивому самородку, набравшемуся жизненного опыта «в людях» (работая в лавках у торговцев), прошедшему «университеты» в европейских музеях, но изгнанному в 1909 г.
из стен МУЖВЗ (Моск. Училище Живописи Ваяния и Зодчества).
Впрочем, еще обучаясь, Машков с большим успехом учил сам — его студия (1904-17; в 1925 преобразована в Центральную студию АХРР) была самой дорогой и одновременно самой посещаемой в Москве.
Илья Машков «Натюрморт с лошадиным черепом», 1914 г.
Поразив зрителей и критиков «варварским» напором своей живописи на выставках «Золотого руна» и «Салона Издебского» (1909-10), Машков нашел свое место среди художников, составивших общество «Бубновый валет» (П. П.
Кончаловский, А. В. Лентулов и др.).
«Валеты» утверждали материальность мира и «низкого» предмета; щедрость и мажорность машковской палитры, изобильность его натюрмортных постановок оказались созвучны программе объединения.
В стремлении вернуть искусство «с небес на землю» художники этого круга ориентировались на «ремесло» — уличную вывеску, поднос, лубок. Машкову такое ремесло было родным с детства, и примитивизм его натюрмортов и портретов — самый простодушный и подлинный.
Илья Машков «Натюрморт с фруктами»
Живописец, влюбленный «в яркую плоть и кровь вещей». Эта жизнеутверждающая, реалистическая, оптимистическая установка оказалась как нельзя более подходящей для новых задач искусства.
Ясный взгляд на мир, взгляд трудящегося человека, радующегося самой работе и празднующего ее результаты, характерен для художника в послереволюционные годы.
У Машкова свое, особое понимание соотношения в живописи предметного и пространственного, и пафос его — в утверждении здоровой реальности предмета посредством усиления его пластических и цветовых характеристик.
Обостренное внимание к самоценности предметов позволило живописцу обнаружить в простых, привычных вещах новые выразительные возможности.
Илья Машков «Медная посуда»
В «Натюрморте с самоваром (Медная посуда)» (1919) кухонная утварь — кофейник, молочник, кружка, тарелка, утюг, подносы, — дружно сплотившись и вытеснив пространство на периферию холста, напоминает небольшое, но сильное своим единением и уверенностью войско. Сдержанная, почти монохромная цветовая гамма выделяет чеканные формы предметов, передает их неяркий, но сильный блеск.
Каждая вещь предстает в своем ярко индивидуальном облике, но всех их объединяет какая-то почти «идейная» общность — принадлежность к одному «классу», материалу — меди. Это апофеоз красоты скромного металла, и звучит он звонко, торжественно, мощно.
Суверенные, весомо стоят медные предметы, и зритель, покоренный исходящей от них сдержанной силой, забывает о чисто бытовом их назначении.
Натюрморты Петрова-Водкина непритязательны по набору предметов и несут приметы суровой эпохи, в которую они созданы. В этом смысле классическим стал натюрморт с изображением тощей селедки, куска хлеба и двух картофелин — скудного пайка голодного времени.
Кузьма Петров-Водкин «Селедка», 1918
Художник любит вводить в них зеркала, стеклянные или просто какие-нибудь блестящие предметы (самовар, никелированный чайник), позволяющие ему отдаться анализу сложной игры рефлексов, преломлений падающих и отраженных во внутренних гранях пучков света. В этих исследованиях в духе Врубеля Петров-Водкин заменяет страстность своего гениального предшественника методически-настойчивым стремлением к познанию предмета во всех его аспектах.
Кузьма Петров-Водкин «Натюрморт с чернильницей», 1918
Разложенные и расставленные на столе вещи художник рассматривает сверху, так что расположение их поддается точной фиксации и они видны «как на ладони»; полированные грани чайника или покрытая стеклом поверхность стола удваивают изображение, позволяя взглянуть на него с невидимой художнику стороны. Таким образом, Петров-Водкин преодолевает монокулярную точку зрения, кажущуюся ему недостаточной и не отражающей истинное знание о предмете, который можно обойти вокруг, получив в итоге суммарное и более полное представление о нем.
Кузьма Петров-Водкин «Черемуха в стакане», 1932
Самое поразительное во всех натюрмортах Петрова-Водкина заключается в том, что пристальный, порой скрупулезный анализ предметов и строгая, почти экспериментальная композиционная построенность холста ни в какой мере не лишают их непосредственности художнического восприятия натуры, не говоря уже о богатстве и тонкости цвета. Особая четкость изображения, в котором предметы как бы названы по очереди и не заслоняют друг друга, рождает почти физическое чувство радости от созерцания этих натюрмортов, таких как будто простых и таких, в сущности, непростых, как далеко не просто и не однозначно все искусство Петрова-Водкина.
Александр Куприн, став членом «Бубнового валета», он разделил общее увлечение Сезанном, но в его трактовке сезаннистские композиции обретают усиленную ракурсность, формы — колючесть, цвет — контрастность и напряженность.
Понимая мир как большой натюрморт, как сочетание ощутимо-материальных красочных фактур, он не обращался ни к радикальным формам авангарда – остановившись как бы на пороге кубизма, – ни к лубочно-фольклорному примитиву.
А. Куприн «Натюрморт с синим подносом», 1914
В работах его раннего периода доминируют напряженные красочные контрасты, натура воспринимается как бы осязательно-предметно и в то же время достаточно отчужденно.
Зинаида Серебрякова «Натюрморт с атрибутами искусства»
Эта работа Серебряковой имеет традиционную для художника композицию.
Как это принято на произведениях с подобным названием, здесь изображена античная маска, присутствует ящик с красками, рулон бумаги, напоминающий свиток, на втором плане расположились стеклянные бутылочки с порошками-пигментами для красок и светлая керамическая ступка. Натюрморты на «производственную тему» часто встречаются в творчестве художников.
В 1913 г. .П.Кончаловский написал картину «Сухие краски», в которой явственно виден интерес художника к сочетанию ярких пигментов: оранжевого с кобальтом, охры с алым.
П.Кончаловский «Сухие краски», 1913
Полотно выполнено в грубоватой, упрощенной манере. Живопись Серебряковой мягче, тактичней. В книгах, в кистях, испачканных краской, в листах ватмана, оставленных на столе, живет теплое прикосновение рук художника, трепещет любовь, живой интерес, привязанность к неизменным и разумным помощникам его труда.
И может быть, именно в этом: в человечности предметного мира, в его зримой связи с людьми – всего полнее раскрываются истолкование и оценка, которую Зинаида Евгеньевна дает действительности. Она соединена с миром предметов глубокой внутренней общностью, вещи служат ей как старые добрые слуги, хорошо знакомые в своих неизменных и полезных качествах.
Мир Серебряковой раскрывается перед нами полным ровного, ясного, теплого света и гармонии.
Игорь Грабарь «Натюрморт», 1904
Творчество Грабаря – это нечто иное, чем импрессионизм. Расцвету творчества Грабаря предшествовали долгие годы учения и самых разнообразных опытов. Это, разумеется, не лишало искусство Грабаря ни национального характера, ни самостоятельности и оригинальности, но стимулировало его в своих поисках идти дальше импрессионизма, искать и разрабатывать новую систему живописи.
Игорь Грабарь «Банка с вареньем», 1904
Сам художник считал свои натюрморты 1900-х годов созданными под влиянием импрессионизма. «Сирень и незабудки» он определял как «чистокровный импрессионизм «.
Игорь Грабарь «Сирень и незабудки»
Именно тогда Грабарь увлекался живописным методом Клода Моне. «Хризантемы» в этом отношении чрезвычайно типичны. Цветовой анализ вибрирующей световоздшной среды близок некоторым исканиям французских живописцев этого направления.
Игорь Грабарь «Хризантемы»
Художник ищет выхода в подчинении форм и красок определенному декоративному ритму. Очень скоро это преодоление известной ограниченности импрессионистического метода становиться у Грабаря последовательным. Художник ставит натюрморты с целью специального анализа цвета, формы, материальности предмета.
Натюрморты Грабаря отмечены разнообразием и сложностью поставленных задач, поисками новых художественных приемов. Это не случайно. Все здесь говорит о близости нового этапа в развитии русского натюрморта.
В атмосфере борьбы за новые художественные формы, которой проникнута живопись 1900-х годов, натюрморт становиться одним из ведущих жанров, ареной творческого эксперимента.
В 30-40-е годы ХХ столетия развитие натюрморта приостановилось, но уже с середины 50-х годов этот жанр переживает в советской живописи новый подъем и с этого времени окончательно и твердо встает вровень с другими жанрами.
Источник: http://multi-test-drive.blogspot.com/2014/12/blog-post_39.html
Загрузка...
