Женщина судьбы: Белла Розенфельд в жизни и творчестве Марка Шагала
Марк Шагал и Белла Розенфельд
Марк Шагал – знаменитый российский и французский художник белорусско-еврейского происхождения – вошел в историю живописи XX века как настоящий романтик.
На протяжении всего творчества в его картинах присутствовал образ главной женщины его жизни – супруги Беллы Шагал (в девичестве Розенфельд).
По просьбе Marie Claire Кристина Альтман, основатель и совладелица галереи Аltmans Gallery, рассказала, как складывалась судьба влюбленных, прославившихся своими чувствами на весь мир.
Одна из самых известных работ художника ─ «Над городом» (1918)
Начало
Марк Шагал и Белла Розенфельд впервые встретились в 1909 году в Витебске. Казалось, им не суждено быть вместе: она – дочь богатого ювелира, он – сын простого торговца, ей прочили карьеру актрисы, ему едва хватало денег на жизнь, ему за двадцать, ей всего четырнадцать. Однако с самой первой встречи стало понятно – это судьба.
Марк Шагал
«С ней должен быть я — вдруг озаряет меня! Как будто мы давным-давно знакомы, и она знает обо мне все: мое детство, мою теперешнюю жизнь, и что со мной будет; как будто всегда наблюдала за мной, была где-то рядом, хотя я видел ее в первый раз. И я понял: это моя жена. На бледном лице сияют глаза. Большие, выпуклые, черные! Это мои глаза, моя душа», — напишет Шагал спустя десятилетия в автобиографии.
«Невеста с веером» (1911)
«Мечта» (1945)
За прекрасной внешностью скрывалась огромная душа: интеллигентная Белла оказалась прекрасно образована. Она свободно владела тремя языками (русским, идишем и французским), занималась в студии Станиславского, писала стихи и увлекалась философией.
Несмотря на то, что чувства сразу же оказались взаимными, обрести семейное счастье влюбленным удалось лишь спустя годы. Шагал уехал работать в Париж почти на 4 года, но длительная разлука, давшая толчок карьере, не стала преградой для личной жизни.
Белла была уверена – Марк любит ее и обязательно вернется. И сердце влюбленной женщины не подвело.
Автопортрет (1968)
«Белла в белом воротничке» (1917)
«Любовники»
Вернувшись в Витебск, в 1915 году, Марк и Белла поженились. Интересно, что впервые тема «Любовников» зазвучала в творчестве Марка Шагала именно в этот период – в годы Первой мировой войны во время пребывания в Витебске.
Встреча с Беллой после долгой разлуки, свадьба, моменты, проведенные вместе, вдохновили художника на создание образа влюбленной пары, безмятежно парящей над городом, дарящей чувство трансцендентальной нежности и камерной хрупкости.
«Синие любовники» (1914)
«Розовые любовники» (1916)
«Зеленые любовники» (1915)
Через цвет Шагал сообщал зрителю настроение картины, не ставя цели апеллировать к традиционной трактовке символики цвета. Художник наслаждался цветами, исследуя их и даря свои открытия тем, кто решил узнать его искусство. Так появились знаменитые «Голубые любовники», «Серые любовники», «Зеленые Любовники».
Любовь
Марк Шагал с Беллой (1934)
Марк Шагал воспринимал любовь, как окрыляющее чувство, способное дарить невесомость. Картина «Над городом» — одна из самых ярких иллюстрация мировосприятия художника. Вместе с Беллой Марк буквально парит над городом, не обращая внимания на все, происходящее на земле.
1/2
Сам Шагал не раз отмечал, что в присутствии Беллы испытывает чувство невесомости и покоя. Именно так искусствоведы объясняют образ Беллы и на других картинах Шагала: «День рождения» – Белла вместе с Шагалом возвышаются над мебелью в спальне, «Обнаженная над Витебском» – Белла без одежды вновь парит над улочками родного города.
«Обнаженная над Витебском» (1933)
В 1916 году в семье Шагалов появился единственный ребенок, дочь Ида. Спустя десятилетия именно она поможет справиться отцу с горем утраты Беллы, и убережет его от мыслей покончить с собой. На картинах Шагал изображает дочь в образе ангела, охраняющего семейный союз.
Художник с женой и дочерью Идой (ок.1927 г.)
Один
Марк и Белла прожили вместе 29 лет. Их любовь закончилась так же внезапно, как и началась. В 1944 году, во время пребывания в Нью-Йорке, Белла внезапно заболела. Сепсис унес ее жизнь буквально за несколько дней. Убитый горем Шагал отложил кисти почти на год.
Однако даже после смерти любимой жены художник продолжал воспевать ее в своем творчестве. В искусстве Шагала Белла стала больше, чем персонаж или модель: она стала иконографическим типом.
Образ Беллы проступает в библейских циклах 1960-х годов, в многочисленных изображениях влюбленных 1980-х.
Марк Шагал в мастерской (1957 г.)
«Древо жизни» (1948)
В картине «Художник и его невеста» Шагал раскрывает тему взаимоотношений художника с музой ─ изображение проникнуто настроением тихой печали. Фигура невесты будто застыла, паря, у ног художника ─ так и Белла всегда незримо сопровождала Марка Шагала, глядя на него с его же полотен.
Марк Шагал (1969)
Творческий метод Шагала выстроен на глубоко личных впечатлениях художника: он будто всю жизнь снова и снова, как ценные артефакты, перебирает милые сердцу, важные образы.
Абрис витебских крыш, танцующие акробаты, скрипач на крыше, навеянный рассказами Шолом-Алейхема, библейские цари и пророки, Эйфелева башня, взмывшая над Парижем, животные, птицы и цветы – а над ними, поднявшись в лазурно-фиолетовое марево небес, обняв друг друга, слившись в вихревое облако, парят любовники в вечном полете.
«Весна» (1961)
Самая романтичная выставка осени ─ «Любовники» Марка Шагала ─ пройдет с 27 сентября по 5 ноября в галерее Altmans.
Экспозиция будет включать в себя более двух десятков работ, среди которых цветные и черно-белые литографии художника из собрания галереи.
Название выставки перекликается с основной серией картин художника «Любовники» 1914-1917 гг., раскрывающей суть великого чувства в различных цветовых гаммах.
Адрес: галерея Altmans, Новинский бульвар д.31, ТДЦ «Новинский»
Сайт
Instagram ─ @altmans_gallery
Источник: http://www.marieclaire.ru/psychology/jenschina-sudbyi-bella-rozenfeld-v-jizni-i-tvorchestve-marka-shagala/
Марк Шагал — художественный авангард xx века — интересные факты
Марк Шагал
Marc Chagall
Российский, белорусский и французский художник еврейского происхождения. Помимо графики и живописи занимался также сценографией, писал стихи на идише. Один из самых известных представителей художественного авангарда XX века.
Родился — 7 июля 1887 г., Витебск, Витебская губерния, Российская империя
Умер — 28 марта 1985 г. (97 лет), Сен-Поль-де-Ванс, Прованс, Франция
Один из лидеров мирового авангарда 20 века, Шагал сумел органически соединить древние традиции иудейской культуры с остросовременным новаторством. Родился в Витебске 24 июня (6 июля) 1887. Получил традиционное религиозное образование на дому (древнееврейский язык, чтение Торы и Талмуда).
В 1906 году приехал в Петербург, где в 1906–1909 посещал рисовальную школу при обществе поощрения художеств, студию С.М.Зайденберга и школу Е.Н.Званцевой. Жил в Петербурге-Петрограде, Витебске и Москве, а в 1910–1914 – в Париже.
Все творчество Шагала изначально автобиографично и лирически исповедально.
Уже в ранних его картинах доминируют темы детства, семьи, смерти, глубоко личностные и в то же время «вечные» («Суббота», 1910, Музей Валльраф-Рихарц, Кёльн).
Со временем на первый план выходит тема страстной любви художника к своей первой жене — Белле Розенфельд («Над городом», 1914–1918, Третьяковская галерея, Москва).
Характерны мотивы «местечкового» пейзажа и быта вкупе с символикой иудаизма («Ворота еврейского кладбища», 1917, частное собрание, Париж).
Однако, вглядываясь в архаику, в том числе и в русскую икону и лубок (которые оказали на него большое влияние), Шагал примыкает к футуризму и предугадывает будущие авангардные течения.
Гротескно-алогичные сюжеты, резкие деформации и ирреально-сказочные цветовые контрасты его полотен («Я и деревня», 1911, Музей современного искусства, Нью-Йорк; «Автопортрет с семью пальцами», 1911–1912, Городской музей, Амстердам) оказывают большое влияние на развитие сюрреализма.
После Октябрьской революции в 1918–1919 годах Шагал служил комиссаром ВКП (большевиков) губернского отдела народного образования в Витебске, оформлял город к революционным праздникам. В Москве Шагал написал ряд больших настенных панно для Еврейского Камерного театра, тем самым сделав первый значительный шаг к монументальному искусству.
Выехав в 1922 в Берлин, в дальнейшем с 1923 жил во Франции, в Париже или на юге страны, временно покинув ее в 1941–1947 (эти годы провел в Нью-Йорке). Наезжал в разные страны Европы и Средиземноморья, не раз побывал и в Израиле.
Освоив различные гравюрные техники, по заказу Амбруаза Воллара Шагал создал в 1923–1930 годах островыразительные иллюстрации к «Мертвым душам» Николая Васильевича Гоголя и «Басням» Ж.де Лафонтена.
Русский авангард начала XX века
В начале 10-х годов XX века в русской живописи появляется направление авангарда, которое оказало влияние на всё мировое искусство в целом.
Стремление бороться как за свободу в реальной жизни, так и за право свободно мыслить и чувствовать нашло отражение в этом мощном направлении в живописи. Мы, вслед за А.
Глезером, предполагаем, что явление русского авангардизма настолько значительно, что, возможно, и все развитие живописи в России могло бы пойти другим путём, если бы не было заторможено тоталитарным режимом, установившим в России абсолютный контроль во всех областях жизни .
Именно художники-авангардисты в России в первую очередь по-держали революции 1917 года.
По словам Александра Глезера, «им, творцам новых форм и нового видения мира, казалось, что новой жизни понадобится и новое искусство».
Художникам, людям с творческим воображением и не с «местечковым», а глобальным мышлением, казалось, что революция открыла им неограниченные возможности для экспериментов в области живописи.
Течение русского авангарда было многогранно. В нем не было однообразия форм, идей и способов осмысливать жизнь, искусство и человека в искусстве. Среди направлений внутри данного течения можно выделить следующие: абстракционизм, супрематизм, конструктивизм и кубофутуризм.
Среди всех авангардистов особенно выходят на передовые позиции Кандинский и Малевич, которые в 1918 году становятся главными худож-никами Петрограда.
Эти так называемые «левые» художники занимались оформлением всех революционных праздников, состояли в аппаратах управления государственных художественных институтов.
В 20-х годах художественная жизнь в Москве, Петрограде и во многих других городах России была бурной и насыщенной.
В 20-х годах появились многочисленные объединения художников: УНОВИС (Учредители нового искусства) в Витебске, ОСТ (Общество станковистов) в Москве, Новое общество живописцев (НОЖ).
Хотим обратить внимание на «говорящее», резкое сокращенное название общества – НОЖ, явно указывающее на революционность искусства, ломающего застарелые нормы и представления.
Свободное русское искусство было просто на взлёте. Вот только не- которые имена их представителей: Малевич, Кандинский, Татлин, Филонов, Шагал, Родченко, Попова, Лисицкий, Клюн, Лентулов и т.д. В их подходах к пониманию живописи и её предназначения были существенные различия.
Тогда было принято не просто создавать художественные полотна, но и защищать новое искусство различными способами, такими как дискуссии, диспуты, манифесты и т.д. В 1922 году академические художники-реалисты создали АХРР (Ассоциацию художников революционной России), выдвинув против авангардистов политические обвинения.
Художники-академисты видели в авангардистском течении проявление кризиса буржуазного искусства и его распад.
Картины Шагала
Белое распятие
Картина Марка Шагала, написанная в 1938 году, через две недели после трагической Хрустальной ночи, когда он посещал Европу. Увидеть полотно можно в Чикагском институте искусств, которому его подарил известный чикагский архитектор Альфред Альшулер.
La Mariee
Картина написано маслом на холсте, 68?53 см, созданная в 1950-х годах. Находится в частной коллекции в Японии.
«Влюбленные. Прогулка»
1917 год. Холст, масло. 170х163,5 сантиметров. Государственный Русский музей.
Я и деревня — I and the Village
Источник: http://interesno-vse.ru/?p=11731
Шагал Марк. Картины на все времена :
Он прожил длинную, насыщенную, но не всегда простую жизнь. Его имя долгое время было опасно произносить на родине, которую он покинул много лет назад. Его творчество вызывало разную реакцию: от искреннего восторга до полного неприятия.
Шагал Марк, картины которого выставлены в самых престижных музеях, воспринимал окружающий мир очень субъективно, перенося свои впечатления на холст в присущей только ему манере.
Первые шаги в живописи
Захар Сегал был вне себя, когда узнал, что Мойша, один из девяти его детей, решил учиться рисовать. Но сын, поддерживаемый матерью, стоял на своем. Первые в своей жизни мазки Мойша сделал в частной школе художника Пэна.
Никто в провинциальном городке, включая учителя и ученика, не мог тогда представить, что пройдет не так уж много времени, и о Витебске узнает весь мир. А прославит его не кто иной, как Сегал Мойша – Шагал Марк.
Картины с улочками родного города он будет писать на протяжении почти всей жизни. На них он воссоздаст повседневный быт многочисленной еврейской общины Витебска в ее безыскусной простоте.
Пока же, в 1907 г., в возрасте 20 лет Мойша отправляется в Санкт-Петербург, где впервые знакомится с течениями в современном ему западном искусстве. Несмотря на то что авангард произвел на него сильное впечатление, все же в его работах тех лет нет слепого подражания, в них уже заметен поиск собственного стиля.
Становление мастера
Лев Бакст, преподававший в школе Званцевой, порекомендовал Мойше ехать на обучение в Париж. Благодаря стипендии, полученной в 1910 г. от мецената Максима Винавера, эта мечта смогла осуществиться. Во Франции начинающий художник придумал себе творческий псевдоним – Шагал Марк.
Картины, написанные им в Париже в последующие 4 года, вобрали в себя приемы модных тогда в изобразительном искусстве течений: фовизма, кубизма, орфизма, футуризма. Но, как всегда, Шагал применил их на свой лад. Здесь он пишет «Скрипача», «Модель», «Голгофу», «Памяти Аполлинера» и проч.
Именно в Париже, который он называл своим вторым Витебском, Шагал окончательно сформировался как художник. Позже в автобиографической книге «Моя жизнь» он вспоминал, как велико было расстояние, разделявшее французскую живопись начала XX века, и искусство других европейских стран.
В Россию вернулся уже не начинающий художник, а известный мастер – Шагал Марк. Картины того периода – это отражение переживаемых им эмоций, порой диаметрально противоположных. С одной стороны, лирика «Дня рождения», с другой, боль, вызванная новой волной антисемитизма («Красный еврей»).
Белла, всегда Белла
Еще в 1909 году в родном городе Шагал познакомился с Беллой. Дочь богатого еврейского ювелира и сын грузчика у торговца селедкой – с точки зрения общества они, конечно, были не парой. Тем не менее они поженились спустя 6 лет и дружно прожили до смерти Беллы в 1944 году.
Жена невольно оказала огромное влияние на творчество Шагала. Он советовался с ней по поводу своих работ, написал немало ее портретов, и, как отмечают исследователи, вся любовная тема в его живописи связана с Беллой.
Создавал Марк Шагал картины с названиями иногда, казалось бы, странными: то «Розовые любовники», то голубые, то зеленые, то серые и на всех изображал Беллу – музу всей своей жизни. Причем изображал в более мягкой манере, сглаживая кубистические приемы.
Даже в его поздних работах, созданных уже после смерти жены, почти во всех женских образах ее черты легко узнаваемы. Однако Белла и сама была не лишена таланта. После смерти вышли ее мемуары, написанные во Франции в 30-е годы. Иллюстрировал книгу и писал к ней послесловие, конечно же, Марк Шагал.
Описание картин
«Над городом» – одна из самых знаменитых картин Шагала. Написанная в тяжелые годы Первой мировой войны, она, тем не менее, оставляет впечатление безмятежности и гармонии.
На полотне художник вместе с женой Беллой летят над Витебском, буквально парят в небе от счастья. Обыденный мир с его заботами остался внизу, он может подождать, пока влюбленные, вопреки физическим законам, парят на крыльях романтики, поглощенные друг другом.
Безмятежную жизнь дореволюционного Витебска Шагал изобразил в картине «Я и деревня». Под деревней он подразумевал свой родной город, где так остро чувствовал единение человека с природой. В композиции этого полотна, созданного в 1911 г., заметно влияние кубизма.
Картина разделена на элементы – воспоминания, которые, переходя одно в другое, вызывают различные ассоциации и совершенно необыкновенное восприятие мира.
Марк Шагал картины свои всегда наполнял мифологией, аллегориями и фольклорными мотивами. Он видел мир по-иному, возможно, в этом и состояло его главное искусство.
Источник: https://www.syl.ru/article/291638/shagal-mark-kartinyi-na-vse-vremena
Валентина Канарская. Художественное пространство Марка Шагала
Валентина Канарская. Художественное пространство Марка Шагала
Культура двадцатого века сыграла с человеком злую шутку. Люди со смущением замечают, что отсутствует объяснение мира и того порядка, который в нем царит. Сознание же человека по-прежнему упрямо задается вопросом о том, что представляет собой мир.
Марк Шагал создает свою «модель мира». Он не воплощает в ткань художественного произведения некую определенную концепцию, философскую идею.
Художник воссоздает интуитивно постигаемую в своей целостности картину мира, никак не умещающуюся в жестких рамках евклидо-кантовского пространства.
Сам способ, каким произведения пронизываются пространством, немало говорит об особенностях мироощущения, мировосприятия Шагала.
Космические структуры — неотъемлемый элемент художественного пространства Шагала. Он придает своим композициям всеобщий характер, наделяя их вселенскими масштабами.
Вместе с тем, при всей своей грандиозности, это пространство никак не напоминает те первофеномены, при восприятии которых человека, по словам Гете, охватывает особый род испуга, чуть ли не ужаса. Пространство Шагала распахнуто для человеческого поселения и обитания.
Мир в пространстве и времени расположился вокруг человека, примыкая к нему непосредственно — плоть от плоти его: «Россия, ослы и другие» (1911), «Я и деревня» (1911), «Солдат пьет» (1912), «Введение в еврейский театр» (1920) и т.д.
Герои Шагала предстают в своей индивидуальной непосредственной связи с миром. В этом мире они «у себя», в согласии с ним. Сопричастность человека и космоса раскрывается как основа мироощущения художника.
Шагал с легкостью опровергает широко бытующее мнение, что постичь бесконечность смертному не дано. Создается впечатление, что горизонт чувств художника безграничен и ему дано объять всю вселенную. В его творчестве проявляется то, что условно можно обозначить как феномен расширения пространственного видения, чувствования.
Суть феномена заключается не только в том, что Шагал способен воспринять и запечатлеть на холсте находящееся вне поля зрения. У художника мир приобретает новое измерение. Это переход через чувственность за границы чувственности.
Ему удается найти зрительную форму подразумеваемому, неочевидному, воплотить раскрывшиеся закономерности в определенные пространственные образы.
Художественное пространство Шагала многомерно. В произведениях перед нами предстают пространство мира, пространство памяти, пространство «малого дома» и т.д.
Степень актуализации пространства связана скорее всего с тем, сколь значима она для художника в каждом конкретном случае. Один отрезок пространства отличается от другого образами, относящимися именно к этому отрезку времени и пространства.
Сама природа образов определяется тем, какому пространству они принадлежат.
Пространство прошлого строго индивидуализировано, неповторимо. При этом художник как бы подчеркивает: географическое расположение человека не сама суть его бытия. Все едино. Так парижские впечатления соседствуют в картинах с памятью о Витебске, библейские образы — с образами витебских обывателей. Пестрая россыпь сцен представлена во «Введении в еврейский театр».
Однако и там, в этом вращающемся, кувыркающемся мире каждый образ имеет свое место. Магический круг музыки, обозначенный цветом, — только для оркестрантов. В нем так естественно в порыве творческого экстаза потерять голову… У витебского обывателя — свой тихий уголок, свое занятие — парить ноги в лоханке…
Все, что есть в независимом от образа внешнем мире, осуществляется как бы через его индивидуальное пространство.
Устремленность души в безграничные, неведомые дали находит выражение в композиционном построении. Стремительное движение по диагонали, от левого нижнего угла в верхний правый, воспринимается как восходящее.
Нередко самое дорогое, заветное для сердца художника располагается с левой стороны — уголок Витебска или Парижа, голова коровы или петуха, ангела или библейский образ.
Кривые улочки, как крылья, уносят провинциальный Витебск в бескрайнюю синеву.
Открытость бытия как основа мироздания дает особую обозримость всего мира, особую зримость всех явлений. Деление на «верх» и «низ» — условно. Пребывание на земле или в небесах определяется состоянием души героев Шагала. Его влюбленные парят в небе. Полет чувств легко преодолевает силы земного тяготения («Над городом», «Прогулка», «Двойной портрет с бокалом вина» и др.). А.
Ф. Лосев отмечал эту удивительную особенность пространства Шагала, вещи которого совершенно свободны от всяких условий и границ пространства «трех измерений», не нуждаются ни в каких механических условиях для преодоления пространства. Он определил его как пространство представления, в котором вещи существуют не так, как они воспринимаются, но так, как они представляются.
Марк Шагал подобен древним иудейским проповедникам, которые первыми начали процесс наделения мира волшебными свойствами. В своем мире он преподносит всему сущему бесценный дар — свободу. Разумные, неразумные существа и даже неодушевленные предметы владеют им в равной мере.
Покосившиеся бревенчатые домики, козы, настенные часы и многое, многое другое вольны в своем местопребывании, полноте или частичности своего проявления, обнаружения.
Пространство дает возможность предметам принадлежать прежде всего своему «для-чего» и, исходя из этого, друг другу.
Шагал развеивает гнетущее впечатление существования наряду с человеком обособившегося, живущего своей непроницаемой жизнью мира вещей. Он раскрывает способ бытия вместе с вещами, не поддающееся анализу сосуществование миров.
Не случайно предметы у Шагала приобретают человеческую форму — из футляра качающихся часов вырастают руки, луна имеет человеческое лицо и т.д. На картинах художника обязательно представлены предметы, без которых, по его мнению, человеческое обитание в этом мире немыслимо. Духовная субстанция как носитель жизни наполняет всю вселенную художника.
В ней все на равных правах. Даже блюда на праздничном столе (фриз «Свадьба») предстают полноправными участниками всеобщего веселья. Глубокая магия заключается в умении Шагала придать равнозначность и равноценность пребыванию в мире всего сущего.
Шагал создает каждый образ так, чтобы ощущался и другой, сводит их к отдельным перспективам, каждая из которых в своей обособленности значима. Художник как бы балансирует на линии абсолютного начала — одновременно вне и внутри «своего мира».
Великолепно развитое пространственное воображение позволяет художнику мозаику действительности объединить в один целостный пространственный образ. Его произведения — это не мимолетные впечатления о мире. Это отношение к миру, которое в каждом из нас неустанно дает о себе знать, но выразить его мы не в состоянии. Для этого надо быть Шагалом.
Источник: http://www.chagal-vitebsk.com/node/198
Единственная муза Марка Шагала (6 фото)
Никто из знаменитых художников не передавал так просто и точно того воздушного, волшебного ощущения оторванности от земли, которое появляется во время влюбленности, как один из самых известных представителей художественного авангарда 20 века Марк Шагал.
Марк и Белла Шагал с дочерью Идой, 1924 г. / Белла Шагал в молодости Художник познакомился с Беллой Розенфельд в Витебске в 1909 г., через 6 лет они поженились и провели вместе 29 лет, вплоть до трагической смерти Беллы.
Все это время он не уставал признаваться в любви и посвящать любимой жене свои картины. В автобиографии Марк напишет, что рядом с Беллой ощущал необыкновенный покой, невесомость, даже полет. Он так ее и рисовал — легкую, летящую, влюбленную.
Образ Беллы встречается в сотнях работ Шагала.
Над городом, 1918 г. Белла была красива, могла стать талантливой писательницей или актрисой, но предпочла посвятить свою жизнь любви — любви к Марку Шагалу.
Она прошла вместе с Шагалом через все : его увлечение революцией, неудачную попытку стать преподавателем и общественным деятелем, полуголодную жизнь московского художника, годы скитаний — сначала по Советскому Союзу, а затем и за океаном, чтобы скрыться от антисемитской немецкой военной машины.
День рождения, 1915 г. Любовью и нежностью переполнена картина «День рождения». Как-то еще до свадьбы Белла пришла к Марку на день рождения с букетом цветов, и это настолько вдохновило художника, что он тут же сделал набросок будущей картины.
Белла вспоминала о том дне: «Не двигайся, стой, где стоишь! (Я все еще держу цветы)… Ты бросаешься к полотну, дрожащему под твоей рукой. Обмакиваешь кисти. Хлещет красный, синий, белый, черный. Ты закружил меня в вихре красок. И внезапно ты отрываешься от земли и тянешь меня за собой.
Нам хочется на волю, сквозь оконные стекла. Там синее небо, облака зовут нас».
Прогулка, 1918 г. В 1944 году Шагалы жили в США и очень обрадовались новости об освобождении Франции. Они уже собирались вернуться во Францию, когда Белла внезапно занемогла. Инфекция убила ее буквально за несколько дней.
Шагал работает над портретом супруги «Белла в Зеленом», 1935 г. Марк Шагал прожил долгую жизнь и создал еще множество полотен, мозаик, витражей и скульптур, расписал плафон Парижской Оперы Гарнье; скончался в почтенном возрасте 98 лет.
После кончины любимой жены у Шагала были романы и новый брак, но любовь к Белле он пронес через всю жизнь, даже после ее смерти продолжая писать ее портреты. «Все можно изменить в жизни и в искусстве, и все изменится, когда мы избавимся от стыда, произнося слово Любовь.
В нем настоящее искусство: вот все мое мастерство и вся моя религия».
Белла в Мурийоне, 1926 г. По материалам: kulturologia , m-chagall Сморите также: Цветы от Маяковского Потрясающая история любви двух художников
Источник: https://fotojoin.ru/photo/photo_story/edinstvennaya-muza-marka-shagala/
Десять муз великих художников
Сюзанна Валадон
Натурщица Огюста Ренуара, Пюви де Шаванна, Анри Тулуз-Лотрека
Мари Клементин Валадон (имя Сюзанна взято позже) — дочь прачки, первая женщина-художник, принятая в Национальное общество изящных искусств.
Свою успешную карьеру она начала в роли натурщицы: сначала ее приметил Пюви де Шаванн, затем она стала позировать Ренуару, Тулуз-Лотреку, Берте Моризо.
В отличие от многих известных художников ее времени, она добилась финансового благополучия еще при жизни. Умерла в 1938 году в окружении своих друзей с Монмартра.
Жанна Эбютерн
Возлюбленная Амедео Модильяни
За четыре года, которые Эбютерн и Модильяни провели вместе, он успел написать около 25 портретов этой молчаливой девушки с грустными глазами.
Она стала идеальной моделью для художника, который всегда изображал на своих картинах задумчивых меланхоличных женщин. Эбютерн разделила с Модильяни его самые тяжелые годы нищеты и болезни.
На следующий день после смерти художника Жанна, носившая его ребенка, выбросилась из окна, не в силах пережить разлуку.
Гала Дали (Елена Дьяконова)
Жена и модель Сальвадора Дали
«Елена Троянская, Святая Елена, Галатея Безмятежная» — малая часть имен, которые Дали дал своей возлюбленной. После первой встречи, когда художнику было 25 лет, они не расставались 53 года. Все это время Гала была главной моделью Дали. После смерти первого мужа, поэта Поля Элюара, они с художником обвенчались.
Они были совершенно разными, но вместе образовали идеальную пару, дополняли друг друга. «Утром Сальвадор совершает ошибки, а во второй половине дня я их исправляю, разрывая легкомысленно подписанные им договоры», — сказала однажды Гала. Ее последние годы были омрачены болезнями, поэтому день смерти она ждала как «самый счастливый в жизни».
Она умерла в 1982 году, Дали пережил ее на семь лет.
Лидия Делекторская
«В продолжение 20 лет я была светом его очей, а он для меня — единственным смыслом жизни», — так Лидия Делекторская описала отношения с Матиссом. Когда они познакомились, ей было 22 года, а художнику исполнилось 63.
Лидия была компаньонкой-сиделкой жены Матисса, и только через год художник обратил на нее внимание — она стала его идеальной моделью. Еще при жизни Матисс дважды в год дарил ей рисунки, чтобы она могла обеспечить себе хорошее будущее.
После смерти художника Лидия продолжала служение его памяти — собирала работы и позже передала всю коллекцию советским музеям.
Ольга Хохлова
Балерина, жена Пабло Пикассо
Художник познакомился с Ольгой, когда ей было 26 лет — она выступала в труппе Сергея Дягилева, а Пикассо работал там декоратором.
Тогда он посчитал, что это любовь на всю жизнь, и даже женился, а при составлении брачного договора настоял на том, что половина его картин теперь принадлежит Ольге.
Однако впоследствии, когда страсть угасла и появились новые возлюбленные, художник не хотел разводиться — ведь тогда жена получила бы его работы. В счастливый период совместной жизни он написал множество портретов Ольги и их сына Поля.
Позже, когда размеренная жизнь надоела Пикассо, Ольга была вынуждена покинуть его и провела остаток жизни в одиночестве. На ее похороны Пикассо не приехал, сказав, что работает над новой картиной.
Камилла Донсье
На Салоне Национального общества изящных искусств 1866 года работа Моне «Камилла, или Портрет дамы в зеленом платье» имела большой успех. Многие критики считают, что именно после этого портрета художник стал известным.
Тогда Камилла Донсье даже не была его невестой — просто подругой. Вскоре они поженились и прожили счастливо 15 лет. В 1875 году она умерла от туберкулеза. Камилла любила позировать мужу, и большая часть женских образов Моне списана именно с нее.
Даже когда она умерла, художник написал посмертный портрет «Камилла Моне на смертном одре», который сейчас выставлен в Музее Орсе.
Белла Розенфельд
Первая любовь Марка Шагала
«Когда я с Беллой, я не хожу, а летаю», — часто говорил Шагал.
Если он изображал на своих картинах влюбленных, они тоже непременно парили над землей («День рождения», 1915; «Над городом», 1918). Образ черноглазой музы прослеживается на сотнях работ художника.
Она была его любимой моделью. Когда Белла в 1944 году умерла, Шагал целый год не мог вернуться к работе.
Гортензия Фике
«Моя жена любит только Швейцарию и лимонад», — говорил Сезанн друзьям. На многочисленных портретах (и редких фотографиях) Гортензии Фике мы видим грустную уставшую женщину, некрасивую и замкнутую.
Скорее всего, позировать мужу она была вынуждена — ведь они с художником прожили 20 лет в бедности, и средств на оплату натурщиц не было. Отец Сезанна, банкир, не давал разрешения на брак и даже лишил сына половины содержания.
Кроме того, художник был очень строг со своими моделями, с ним было непросто работать. В общем, причин позировать с радостью у Гортензии не было.
Тем не менее в этом году в Метрополитен-музее с успехом прошла выставка «Мадам Сезанн», где было представлено 29 портретов Гортензии — и они составляют важную часть творческого наследия художника.
Берта Моризо
Художница и жена Эжена Мане
Эдуард Мане и Моризо познакомились в 1868 году в Лувре. Тогда художник искал модель для новой картины, и Берта идеально подходила на эту роль.
В последующие шесть лет, пока Берта не стала женой младшего брата Эдуарда, Эжена, он написал много ее портретов. Когда Моризо вышла замуж, художник отправил ей «на прощание» картину «Букет фиалок», а с портретами было покончено.
Берта Моризо была не просто моделью братьев Мане, но стала известна как первая женщина-импрессионист.
Джейн Бёрден
Знаменитая натурщица прерафаэлитов
Несмотря на то что Джейн Бёрден не вписывалась в каноны красоты того времени, для прерафаэлитов она была воплощением женского идеала: высокая, худая, с большими глазами и копной вьющихся черных волос.
Она родилась в бедной семье, и неизвестно, какое ждало девушку будущее, если бы в 1857 году в театре ее не увидели Данте Габриэль Россетти и Эдвард Бёрн-Джонс. Художники уговорили красавицу позировать. Благодаря картинам Россетти она прославилась и даже вошла в английское высшее общество.
Существует мнение, что Джейн Бёрден стала прототипом Элизы Дулиттл, главной героини пьесы Бернарда Шоу «Пигмалион».
Источник: http://www.theartnewspaper.ru/posts/2493/
Музы великих художников
Сюзанна Валадон
Натурщица Огюста Ренуара, Пюви де Шаванна, Анри Тулуз-Лотрека
Мари Клементин Валадон (имя Сюзанна взято позже) — дочь прачки, первая женщина-художник, принятая в Национальное общество изящных искусств.
Свою успешную карьеру она начала в роли натурщицы: сначала ее приметил Пюви де Шаванн, затем она стала позировать Ренуару, Тулуз-Лотреку, Берте Моризо.
В отличие от многих известных художников ее времени, она добилась финансового благополучия еще при жизни. Умерла в 1938 году в окружении своих друзей с Монмартра.
Жанна Эбютерн
Возлюбленная Амедео Модильяни
За четыре года, которые Эбютерн и Модильяни провели вместе, он успел написать около 25 портретов этой молчаливой девушки с грустными глазами.
Она стала идеальной моделью для художника, который всегда изображал на своих картинах задумчивых меланхоличных женщин. Эбютерн разделила с Модильяни его самые тяжелые годы нищеты и болезни.
На следующий день после смерти художника Жанна, носившая его ребенка, выбросилась из окна, не в силах пережить разлуку.
Гала Дали (Елена Дьяконова)
Жена и модель Сальвадора Дали
«Елена Троянская, Святая Елена, Галатея Безмятежная» — малая часть имен, которые Дали дал своей возлюбленной. После первой встречи, когда художнику было 25 лет, они не расставались 53 года. Все это время Гала была главной моделью Дали. После смерти первого мужа, поэта Поля Элюара, они с художником обвенчались.
Они были совершенно разными, но вместе образовали идеальную пару, дополняли друг друга. «Утром Сальвадор совершает ошибки, а во второй половине дня я их исправляю, разрывая легкомысленно подписанные им договоры», — сказала однажды Гала. Ее последние годы были омрачены болезнями, поэтому день смерти она ждала как «самый счастливый в жизни».
Она умерла в 1982 году, Дали пережил ее на семь лет.
Лидия Делекторская
Помощница Анри Матисса
«В продолжение 20 лет я была светом его очей, а он для меня — единственным смыслом жизни», — так Лидия Делекторская описала отношения с Матиссом. Когда они познакомились, ей было 22 года, а художнику исполнилось 63.
Лидия была компаньонкой-сиделкой жены Матисса, и только через год художник обратил на нее внимание — она стала его идеальной моделью. Еще при жизни Матисс дважды в год дарил ей рисунки, чтобы она могла обеспечить себе хорошее будущее.
После смерти художника Лидия продолжала служение его памяти — собирала работы и позже передала всю коллекцию советским музеям.
Ольга Хохлова
Балерина, жена Пабло Пикассо
Художник познакомился с Ольгой, когда ей было 26 лет — она выступала в труппе Сергея Дягилева, а Пикассо работал там декоратором. Тогда он посчитал, что это любовь на всю жизнь, и даже женился, а при составлении брачного договора настоял на том, что половина его картин теперь принадлежит Ольге.
Однако впоследствии, когда страсть угасла и появились новые возлюбленные, художник не хотел разводиться — ведь тогда жена получила бы его работы. В счастливый период совместной жизни он написал множество портретов Ольги и их сына Поля. Позже, когда размеренная жизнь надоела Пикассо, Ольга была вынуждена покинуть его и провела остаток жизни в одиночестве.
На ее похороны Пикассо не приехал, сказав, что работает над новой картиной.
Камилла Донсье
Первая жена Клода Моне
На Салоне Национального общества изящных искусств 1866 года работа Моне «Камилла, или Портрет дамы в зеленом платье» имела большой успех. Многие критики считают, что именно после этого портрета художник стал известным. Тогда Камилла Донсье даже не была его невестой — просто подругой.
Вскоре они поженились и прожили счастливо 15 лет. В 1875 году она умерла от туберкулеза. Камилла любила позировать мужу, и большая часть женских образов Моне списана именно с нее.
Даже когда она умерла, художник написал посмертный портрет «Камилла Моне на смертном одре», который сейчас выставлен в Музее Орсе.
Белла Розенфельд
Первая любовь Марка Шагала
«Когда я с Беллой, я не хожу, а летаю», — часто говорил Шагал. Если он изображал на своих картинах влюбленных, они тоже непременно парили над землей («День рождения», 1915; «Над городом», 1918). Образ черноглазой музы прослеживается на сотнях работ художника. Она была его любимой моделью. Когда Белла в 1944 году умерла, Шагал целый год не мог вернуться к работе.
Гортензия Фике
Жена Поля Сезанна
«Моя жена любит только Швейцарию и лимонад», — говорил Сезанн друзьям. На многочисленных портретах (и редких фотографиях) Гортензии Фике мы видим грустную уставшую женщину, некрасивую и замкнутую. Скорее всего, позировать мужу она была вынуждена — ведь они с художником прожили 20 лет в бедности, и средств на оплату натурщиц не было.
Отец Сезанна, банкир, не давал разрешения на брак и даже лишил сына половины содержания. Кроме того, художник был очень строг со своими моделями, с ним было непросто работать. В общем, причин позировать с радостью у Гортензии не было.
Тем не менее в этом году в Метрополитен-музее с успехом прошла выставка «Мадам Сезанн», где было представлено 29 портретов Гортензии — и они составляют важную часть творческого наследия художника.
Берта Моризо
Художница и жена Эжена Мане
Эдуард Мане и Моризо познакомились в 1868 году в Лувре. Тогда художник искал модель для новой картины, и Берта идеально подходила на эту роль.
В последующие шесть лет, пока Берта не стала женой младшего брата Эдуарда, Эжена, он написал много ее портретов. Когда Моризо вышла замуж, художник отправил ей «на прощание» картину «Букет фиалок», а с портретами было покончено.
Берта Моризо была не просто моделью братьев Мане, но стала известна как первая женщина-импрессионист.
Джейн Бёрден
Знаменитая натурщица прерафаэлитов
Несмотря на то что Джейн Бёрден не вписывалась в каноны красоты того времени, для прерафаэлитов она была воплощением женского идеала: высокая, худая, с большими глазами и копной вьющихся черных волос.
Она родилась в бедной семье, и неизвестно, какое ждало девушку будущее, если бы в 1857 году в театре ее не увидели Данте Габриэль Россетти и Эдвард Бёрн-Джонс. Художники уговорили красавицу позировать. Благодаря картинам Россетти она прославилась и даже вошла в английское высшее общество.
Существует мнение, что Джейн Бёрден стала прототипом Элизы Дулиттл, главной героини пьесы Бернарда Шоу «Пигмалион».
Источник: https://www.risunoc.com/2015/12/blog-post_16.html
Марк Шагал
Портрет молодого Шагала кисти его учителя Пэна (1914)
Желая показать человечеству великую силу веры, любви и самосознания, жизнь наделяет некоторых людей способностью проникать в души и умы, талантом учить, не поучая. В 1897 году судьба выбрала Марка Шагала, подарив ему огромный потенциал, которого хватило почти на вековую жизнь, три яркие любви и многие десятилетия плодотворного труда.
Он родился в Витебске, учился в Петербурге, дышал Парижем, жил в США, но всюду и в любых обстоятельствах оставался сыном еврейского народа.
И куда бы ни забрасывала его судьба, Шагал всегда хранил в сердце родной город, рисуя его тихие улочки и низенькие дома даже на полотнах с видами Парижа. Витебск — вторая по значимости «модель» художника.
Место первой с 1909 года и до конца жизни было занято Беллой — любимой, женой, музой.
Справка из ВИКИПЕДИИ
Марк Захарович Шагал (урождённый Мойше Сегал, или в русской транскрипции Мовша Хацкелевич Шагалов) родился 24 июня (6 июля) 1887 года в еврейской семье на окраине Витебска. С 1900 по 1905 год Шагал учился в Витебском четырёхклассном училище. В 1906 г. учился изобразительному искусству в художественной школе витебского живописца Юдаля Пэна, затем переехал в Петербург.
Из книги Марка Шагала «Моя жизнь» Захватив двадцать семь рублей — единственные за всю жизнь деньги, которые отец дал мне на художественное образование, — я, румяный и кудрявый юнец, отправляюсь в Петербург вместе с приятелем. Решено! Слёзы и гордость душили меня, когда я подбирал с пола деньги — отец швырнул их под стол. Ползал и подбирал.
На отцовские расспросы я, заикаясь, отвечал, что хочу поступить в школу искусств… Какую мину он скроил и что сказал, не помню точно. Вернее всего, сначала промолчал, потом, по обыкновению, разогрел самовар, налил себе чаю и уж тогда, с набитым ртом, сказал: «Что ж, поезжай, если хочешь. Но запомни: денег у меня больше нет. Сам знаешь. Это всё, что я могу наскрести.
Высылать ничего не буду. Можешь не рассчитывать».
В Петербурге в течение двух сезонов Шагал занимался в Рисовальной школе Общества поощрения художеств, которую возглавлял Н. К. Рерих (в школу его приняли без экзамена на третий курс). В 1909—1911 г. продолжает занятия у Л. С. Бакста в частной художественной школе Е.
Н. Званцевой. Благодаря своему витебскому приятелю Виктору Меклеру и Тее Брахман, дочери витебского врача, также учившейся в Петербурге, Марк Шагал вошёл в круг молодой интеллигенции, увлечённой искусством и поэзией.
Тея Брахман была образованной и современной девушкой, несколько раз она позировала Шагалу обнажённой. Осенью 1909 г.
во время пребывания в Витебске Тея познакомила Марка Шагала со своей подругой Бертой (Беллой) Розенфельд, которая в то время училась в одном из лучших учебных заведений для девушек — школе Герье в Москве.
Любовная тема в творчестве Шагала неизменно связана с образом Беллы. С полотен всех периодов его творчества, включая позднейший (после смерти Беллы), на нас смотрят ее «выпуклые чёрные глаза». Её черты узнаваемы в лицах почти всех изображённых им женщин.
Их долгий счастливый брак стал для художника воплощением таинства бытия. Он по себе знал, насколько глубокой и чувственной бывает любовь, как наделяет это чувство способностью летать. Его «Прогулка» и «Над городом» — наглядные тому доказательства.
25 июля 1915 года состоялась свадьба Шагала с Беллой. В 1916 году у них родилась дочь Ида, впоследствии ставшая биографом и исследователем творчества своего отца.
Даже после смерти Беллы любовь к ней находила отражение на полотнах — у всех женщин, которых писал Шагал, ее черты.
И хотя последующие союзы — с Вирджинией Хаггард и Валентиной Бродской — тоже были счастливыми и полными искренних чувств, дарили мастеру силы и вдохновение, первая любовь так и осталась самой яркой.
Такой яркой, что окрашивала все картины Шагала в цвета, которые до него казались невозможными. В цвета, которые, по словам Бакста, «поют».
Творчество Шагала — удивительное переплетение древних иудейских традиций и новаторских тенденций. Прожив без малого сто лет, меняя города и страны, Шагал всегда сохранял национальное самосознание, оставаясь человеком вне времени и географии.
Основным направляющим элементом творчества Марка Шагала является его национальное еврейское самоощущение, неразрывно связанное для него с призванием. «Если бы я не был евреем, как я это понимаю, я не был бы художником или был бы совсем другим художником», — сформулировал он свою позицию в одном из эссе.
Реализовавшись как художник, Шагал взялся за перо, подарив современникам и потомкам пронзительно-лиричную поэзию и окрашенную не менее ярко, чем холсты, автобиографическую прозу.
Остроту ощущений и «цветной взгляд» на мир Шагал сохранял на протяжении всей долгой творческой жизни — его последние работы полны красок и эмоций. Чтобы убедиться в этом, достаточно взглянуть на роспись плафона Парижской оперы, которую мастер сделал в 77-летнем возрасте.
Храня в душе трепетно-ностальгические воспоминания о родине, восхищенную любовь к Белле и национальную духовность, Шагал создал свой собственный мир. Мир искрящихся красок и сверкающих чувств.
Мир, в котором обычные люди с одинаковой естественностью ходят по земле и шагают по облакам.
Мир, в котором вера, любовь, верность рождают удивительные сочетания форм, цветов и образов, дарят ощущение полета.
Источник: http://iskusstvo.pro/2014/01/30/mark-shagal.html
Арт-попса: выбираем самые-самые известные картины из Третьяковки
Современное искусство нынче в моде, однако залы постоянных коллекций пустуют, в то время как там хранятся настоящие шедевры. Вместо того, чтобы стоять в #очерединасерова, можно сходить и посмотреть картины великих мастеров в любой день. Кроме понедельника, когда музеи и галереи не работают.
Иван Шишкина «Утро в сосновом лесу»
«Утро в сосновом лесу» Ивана Шишкина
Третьяковская галерея в Лаврушинском переулке
Даже те, кто не любит сладкое, знают конфеты с мишками на фантике. Эта картина Шишкина стала известнее своего автора. Но надо признать, что ее популярность – не феномен современного массмаркета.
Еще коллекционер Павел Третьяков, купивший ее у художника, называл ее полнейшим отображением художественного замысла Шишкина. «Утро в сосновом бору», по его словам, «говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину».
И это несмотря на то, что мишек рисовал не Шишкин, а его друг Константин Савицкий. А Шишкин животных рисовать не умел.
«Всадница» Карла Брюллова
Третьяковская галерея в Лаврушинском переулке
Еще одна картина, которую все видели на конфетах – «Всадница» Карла Брюллова. За этой картиной стоит большая история любви художника к Юлии Самойловой: они жили в Италии, она была замужем, он был женат, но он рисовал ее до бесконечности, а она поддерживала его в финансовом плане.
Карл Брюллов «Всадница (портрет воспитанниц графини Ю.П. Самойловой – Джованнины и Амацилии)»
«Черный Квадрат» Казимира Малевича
Новая Третьяковка
Более известное произведение в русском искусстве сложно себе представить. В 2015 году, когда картина отмечала 100-летие, специалисты Третьяковской галереи провели большое исследование, результатом которого стало сенсация: под оригинальным черным квадратом нашли еще два изображения, сделанных в разные периоды творчества.
О том, что под черной краской что-то есть, знали давно: в кракелюрах видна зеленая, розовая, голубая и желтая краски. В 2015 году при помощи метода флуоресцентного анализа удалось выявить очертания абстрактных цветных форм и определить, что именно там изображено.
Тогда же удалось выяснить, что в углу холста сохранилась авторская надпись «Битва негров ночью», отсылающая к работе Альфонса Алле «Бой негров ночью в темной пещере» 1882 года. Надпись была сделана карандашом поверх слоя белил и сохранилась достаточно плохо, или же была намеренно стерта.
Тем не менее, благодаря этому сотрудники музея поняли, что картина все эти годы весела вверх ногами.
Фотогалерея
«Девочка с персиками» Валентина Серова
Третьяковская галерея в Лаврушинском переулке
Картина, известность которой среди произведений русского искусства можно сравнить разве что с «Черным квадратом», является портретом Веры Мамонтовой, старшей дочери великого русского коллекционера и мецената Саввы Ивановича Мамонтова.
Эта работа стала ярким примером русского импрессионизма – термина искусственного, но вполне понятного каждому. Дело в том, что импрессионизм – целиком и полностью французское явление, но русские художники быстро научились приемам иностранных живописцев и органично использовали их у себя на родине.
Эта картина была написана дробными мазками теплых и холодных оттенков, положенных на холст рядом друг с другом.
Валентин Серов «Девочка с персиками. Портрет В.С.Мамонтовой»
«Над городом» Марка Шагала
Новая Третьяковка
Картина «Над городом» стала одним из самых узнаваемых произведений Шагала.
На ней художник изобразил себя вместе со своей супругой Беллой Розенфельд, пролетающими над Витебском, и при этом подчеркнул метафоричность возвышенных чувств и краткости бытия.
Со временем этот сюрреалистично-экспрессионистский мотив в его живописи становился все более декоративным и свободным, но вид маленького провинциального родного города всегда оставался неизменным.
Марк Шагал «Над городом»
«Демон (сидящий)» Михаила Врубеля
Третьяковская галерея в Лаврушинском переулке
Демон стал одним из главных образов в творчестве Михаила Врубеля. Мысль изобразить демона или, как выражался Врубель, «нечто демоническое», возникла очень рано: показывая отцу осенью 1886 года первые наброски, Врубель говорил, что Демон – дух «не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, но при всем том дух властный, …
величавый».
По воспоминаниям современников, он утверждал, что вообще «Демона» не понимают – путают с чертом и дьяволом, тогда как черт по-гречески значит просто «рогатый», дьявол – «клеветник», а «демон» значит «душа'', и для Врубеля, по выражению Алекснадра Блока, «Он был похож на вечер ясный: / Ни день, ни ночь – ни мрак, ни свет».
Михаил Врубель «Демон (сидящий)»
«Аленушка» Виктор Васнецов
Третьяковская галерея в Лаврушинском переулке
Самый «сказочный» из русских художников Виктор Васнецов создал целую галерею образов, вдохновленных фольклором. Изначально картина называлась «Дурочка Аленушка», но ничего оскорбительного художник в это название не вкладывал. «Дурочка» означало «юродивая». Однако в итоге Васнецов поменял название работы.
Виктор Васнецов «Аленушка»
«Комозиция VII» Василия Кандинского
Новая Третьяковка
Кандинский стал самым известным русским художником в Европе: свое время в Германии он основал группу «Синий всадник», а сегодня даже в парижском Центре Помпиду есть целая коллекция его работ. Его работы стали настоящей революцией в беспредметном искусстве, при том в искусстве мирового масштаба.
Василий Кандинский, Комозиция VII, 1913
«Неизвестная», Ивана Крамского
Третьяковская галерея в Лаврушинском переулке
Не зря Крамской назвал свою модель «Неизвестной»: даже современников волновал этот образ шикарной женщины с чувственными губами и томным взглядом. Ее личность, а также то, кем она была для Крамского, до сих пор остается загадкой художника. Ни в письмах, ни в дневниках он не оставил упоминаний о личности неизвестной.
Иван Крамской «Неизвестная»
«Боярыня Морозова» Василия Сурикова
Третьяковская галерея в Лаврушинском переулке
Одно из главных произведений Василия Сурикова «Боярыня Морозова» было написано в 1887 году. «Идеалы исторических типов воспитала во мне Сибирь с детства. Она же дала мне и дух, и силу, и здоровье,» – говорил художник.
Сурикова считают лучшим мастером снега в русской живописи: у него много произведений с заснеженным фоном.
Это не только «Боярыня Морозова», но и «Взятие снежного городка», и «Переход Суворова через Альпы» из Русского музея, и множество зимних пейзажей с московскими двориками и улицами.
Илья Репин писал о нем так: «Самое ценное в Сурикове – глубокая правда мистической поэзии. Несмотря на грубость формы, картины Сурикова – магические сны. Такого дара сновидца я не знаю ни в ком из наших художников».
Сюжетом картины стал эпизод мученической жизни боярыни Феодосии Морозовой, сподвижницы неистового протопопа Аввакума и противницы церковных реформ патриарха Никона; по царскому указу ее везут московскими улицами в ссылку.
Для «Боярыни Морозовой» Суриков сделал бесчисленное множество эскизов и портретных зарисовок (кстати, их также можно увидеть в Третьяковке). Каждого персонажа он разрабатывал в отдельности, тщательно продумывая костюмы и позы.
Эти эскизы прекрасны и самоценны, их можно разглядывать до бесконечности, изучая, как художник лепит форму из отдельных импрессионистических разноцветных мазков. Долгое время он не мог найти типажа для боярыни. Прототипом Морозовой стала тетка Сурикова – Авдотья Васильевна Торгошина.
Фотогалерея
Источник: https://www.m24.ru/articles/146575
Загрузка...
