Музей Современного искусства Нью-Йорка — Пабло Пикассо (фотосессия)
Заслуженный художник Исмаил Мамедов специально для Trend Life
Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в городе Малага, анадалузской провинции Испании.
При крещении Пикассо получил полное имя Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспин Криспиньяно де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо — что по испанскому обычаю являлось чередой имен почитаемых святых и родственников семейства.
Пикассо — фамилия матери, которую и взял Пабло, поскольку фамилия отца казалась ему слишком обыденной, к тому же отец Пикассо, Хосе Руис, сам был художником.
Пабло рано проявил талант к рисованию.
Уже с 7 лет он учился у своего отца технике рисования, который сначала поручал ему дописывать лапки голубей на своих картинах. Но однажды, доверив тринадцатилетнему Пабло дописать довольно большой натюрморт, он был настолько поражен техникой сына, что, по легенде, сам бросил заниматься живописью.
В возрасте 13 лет Пабло Пикассо с блеском поступил в Барселонскую Академию художеств. На подготовку к экзамену, обычно занимавшую у студентов месяц, у Пикассо ушла неделя. Он поразил комиссию своим мастерством и был принят в Академию, несмотря на свой юный возраст.
Отец Пикассо, совместно с его дядей, решили послать Пабло в Мадридскую академию «Сан Фернандо», считавшуюся на тот момент самой передовой Школой искусств во всей Испании. Так, Пабло в 1897 году в возрасте 16 лет приехал в Мадрид.
Однако занятия в Школе искусств продлились недолго, меньше года, и Пабло был захвачен другими прелестями мадридской жизни, а также изучением работ впечатливших его тогда художников — Диего Веласкеса, Франсиско Гойи и в особенности Эль Греко. Коллекция ранних работ Пикассо находится в Барселоне, в музее Пикассо.
Самые известные из них: «Первое причастие» (1896) — большая картина, изображающая сестру Пикассо Лолу, «Автопортрет» (1896), «Портрет матери» (1896). Уже будучи взрослым и посетив как-то выставку детских рисунков, Пикассо сказал: «В их возрасте я рисовал как Рафаэль, но мне потребовалась целая жизнь, чтобы научиться рисовать как они».
Во время обучения в Мадриде Пикассо совершил свое первое турне в Париж — признанную тогда европейскую столицу искусств. Там он в течение нескольких месяцев посетил все без исключения музеи, изучая живопись великих мастеров: Делакруа, Тулуз-Лотрека, Ван-Гога, Гогена и многих других.
Также он увлекался искусством финикийцев и египтян, готической скульптурой, японской гравюрой. Пабло интересовало абсолютно все. Тогда же, в первые годы жизни в Париже он познакомился с коллекционером и торговцем живописью Амбруазом Волларом, поэтами Максом Жакобом и Гийомом Аполлинером и многими другими.
Он вновь посетил в Париж в 1901 и в 1902 годах и уже окончательно перебрался туда к 1904 году.
«Голубой» период (1901-1904)
К «голубому» периоду относят работы, созданные в промежутке между 1901 и
1904 гг. Серо-голубые и сине-зеленые глубокие холодные цвета, цвета печали и уныния, постоянно присутствуют в них. Пикассо называл голубой «цветом всех цветов».
Частые сюжеты этих картин — изможденные матери с детьми, бродяги, нищие, слепые.
Наиболее известные работы этого периода: «Жизнь» (1903), «Завтрак слепого» (1903), «Скудная трапеза» (1904), «Любительница абсента» (1901), «Свидание» (1902), «Мать и дитя» (1903), «Нищий старик с мальчиком» (1903, «Гладильщица» (1904), «Двое» (1904).
«Розовый» период (1904 — 1906)
«Розовый период» характеризуется более жизнерадостными тонами — охристыми и розовыми, а также устойчивыми темами изображений — арлекинами, бродячими актерами, акробатами («Семейство комедиантов» (1905), «Акробат и молодой Арлекин» (1905), «Шут» (1905).
Очарованный комедиантами, ставшими моделями его картин, он часто посещал цирк Медрано; в это время Арлекин — любимый персонаж Пикассо. В 1904 году Пикассо встретил модель Фернанду Оливье, которая вдохновила его на создание многих значительных работ этого периода.
Они жили в центре богемной парижской жизни и мекке парижских художников Бато-Лавуар. Это странное полуразрушенное здание с темными лестницами и извилистыми коридорами было домом очень разношерстной компании: художники, поэты, торговцы, дворники…
Здесь, в совершенной бедности на грани нищеты и неописуемом творческом беспорядке, Пикассо постоянно писал свою Фернанду и искал свой путь.
Знаменитую «Девочку на шаре» (1905) относят к переходным картинам между «голубым» и «розовым» периодами.
Художник играет на контрасте и балансе форм или линий, тяжести и легкости, устойчивости-неустойчивости. Также в конце «розового периода» появились «античные» картины — «Мальчик, ведущий лошадь» (1906), «Девочка с козлом» (1906) и другие.
«Африканский» период (1907 — 1909)
В 1906 году Пикассо работал над портретом Гертруды Стайн. Он переписывал его около восьмидесяти раз и, по воспоминаниям самой Гертруды Стайн, в итоге Пикассо сказал ей в ярости: «Я перестал вас видеть, когда смотрю на вас», — и оставил работу над портретом.
Это был переломный момент в его творчестве и отсюда начался путь Пикассо от изображения конкретных людей к изображению человека как такового, и к форме как к самостоятельной структуре. Пикассо требовалось подтверждение его пути в общем развитии мирового искусства и новые впечатления для обретения новой творческой энергии.
Открытие наукой того времени целого пласта африканской культуры послужило толчком и для творчества художника. Особенно он интересовался африканской скульптурой и масками, он считал их наделенными магической силой и нашел в них чувственную простоту форм. Скорее всего, именно эти «африканские влияния» и определили окончательный вариант портрета.
В 1907 году появилась знаменитые «Авиньонские девицы». Над ними художник работал больше года — долго и тщательно, как не работал до этого над другими своими картинами. Первая реакция публики — шок. Матисс был в бешенстве. Даже большинство друзей не приняли эту работу.
«Такое ощущение, что ты хотел накормить нас паклей или напоить бензином», — говорил художник Жорж Брак, новый друг Пикассо. Скандальная картина, название которой дал поэт А. Сальмон, была первым шагом живописи на пути к кубизму, а многие искусствоведы считают ее отправной точкой современного искусства.
Кубизм (1909 — 1917)
В «кубическом» периоде Пикассо выделяют несколько этапов.
«Сезанновский» кубизм, представленный в работах «Бидон и миски» (1908), «Три женщины» (1908), «Женщина с веером» (1909) и других, характеризуется «сезанновскими» тонами — охристыми, зеленоватыми, коричневыми, но более размытыми, мутными и использованием простых геометрических форм, из которых строится изображение.
«Аналитический» кубизм: предмет дробится на мелкие части, которые чётко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте. «Портрет Амбруаза Воллара» (1910), «Завод в Хорта де Сан Хуан» (1909), «Портрет Фернанды Оливье» (1909), «Портрет Канвейлера» (1910).
На этапе «синтетического» кубизма работы Пикассо принимают декоративный и контрастный характер. Картины изображают по большей части натюрморты с различными предметами: музыкальными инструментами, нотами, бутылками вина, курительными трубками, столовыми приборами, афишами…
Также, опасаясь превращения кубизма в чисто абстрактные эстетические упражнения, понятные лишь узкому кругу, Пикассо и Брак использовали в своих работах реальные предметы: обои, песок, веревки и др. Работы «синтетического» периода: «Натюрморт с плетеным стулом» (1911-1912), «Бутылка перно» (столик в кафе)» (1912), «Скрипка и гитара» (1913).
Несмотря на неприятие кубизма большинством, картины Пикассо очень хорошо покупаются. Наконец-то кончается нищенское существование, и Пабло с Фернандой в сентябре 1909 года перебрались в просторную и светлую мастерскую на Клиши, 11.
Конечно, Пикассо не забыл перевезти и свой обязательный беспорядок: причудливые бутыли и вазы, гитары, старый ковер, картины любимых художников — Матисса, Сезанна, Руссо, коллекция африканских масок… Он всегда говорил, что испытывает ужас перед гармонией и хорошим вкусом. Он покупал вещи, которые ему нравились, не заботясь о том, как они смотрятся вместе. Осенью 1911 года Пикассо расстался с Фернандой. Его новой музой стала Ева (Марсель Умбер), с которой он жил и создавал свои кубические работы на Монпарнасе и в Авиньоне. Одна из работ, посвященных Еве — «Обнажённая, Я
люблю Еву» (1912). Затем наступили печальные годы: война, мобилизация и расставание со многими друзьями, неожиданная болезнь и трагическая смерть Евы.
Неоклассицизм (1918 — 1925)
Весной 1917 года поэт Жан Кокто, сотрудничавший с Сергеем Дягилевым, предложил Пикассо сделать эскизы костюмов и декорации к будущему балету. Художник отправился работать в Рим, где влюбился в одну из танцовщиц дягилевской труппы — Ольгу Хохлову.
Они поженились в 1918 году, а в 1921-м у них родился сын Поль.
В это время его полотна очень далеки от кубизма; на них ясные и понятные формы, светлые тона, правильные лица. Самая выразительная картина этих лет — «Портрет Ольги в кресле» (1917).
Пикассо активно критиковали за смену стиля, как прежде критиковали за кубизм. На эти обвинения он ответил в одном из интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению, это должно быть сказано».
Другие картины «реалистического» периода: «Купальщицы» (1918), «Женщины, бегущие по пляжу» (1922), «Детский портрет Поля Пикассо» (1923).
Сюрреализм (1925 — 1936)
«Красота будет конвульсивной, или ее не будет» — сказал Андре Бретон, основоположник сюрреализма, течения в искусстве, ставившего своей задачей постижение истинных глубин художественного творчества посредством проникновения в мир снов и бессознательного. В 1925 году Пикассо написал картину «Танец».
Агрессивная, болезненная, с деформированными фигурами, она отражает тяжелый период в семейной жизни художника и одновременно провозглашает новый перелом в его творчестве. Пикассо близок к сюрреалистам, но у него всегда свой путь. Работы этого периода: «Купальщица, открывающая кабинку» (1928), «Фигуры на пляже» (1931), «Женщина с цветком» (1932) и др.
В холодный январский день 1927 года Пикассо встретил семнадцатилетнюю Марию Терезу Вальтер.
Он приобрел для нее замок Буажелу, и там она стала его единственной моделью и героиней нескольких его известных работ, например «Зеркало» (1932, частное собрание), «Девушка перед зеркалом», (1932, Музей современного искусства, Нью-Йорк); с нее также сделана скульптура «Женщина с вазой» (теперь эта скульптура стоит на могиле художника).
В 1935 году Мария-Тереза родила дочь Майю, но к 1936 году Пикассо расстался с обеими женщинами, хотя официально он не был разведен с Ольгой Хохловой вплоть до ее смерти в 1955 году. В 1930-1934 годах Пикассо увлекается скульптурой и создает ряд скульптурных работ в духе сюрреализма: «Лежащая женщина» (1932), «Мужчина с букетом» (1934), а также с помощью своего испанского друга-скульптора Хулио Гонсалеса сооружает различные металлические абстрактные конструкции.
В те же 30-е гг. он создает ряд гравюр-иллюстраций к «Метаморфозам» Овидия (1930) и к произведениям Аристофана (1934), свидетельствующих о том, что классика всегда была для него сильным источником вдохновения.
Герника. Вторая мировая война (1937-1945)
Начиная с 1930-х годов, в творчестве Пикассо появляется такая ключевая для него тема и образ как бык, Минотавр. Художник создает целый ряд работ с этим персонажем («Минотавромахия», 1935), при этом миф о Минотавре Пикассо трактует по-своему. Для Пикассо бык, Минотавр — это разрушительные силы, война и смерть.
Апогеем развития этой темы стала знаменитая картина Пикассо «Герника» (1937). Герника — это маленький городок басков на севере Испании, практически стертый с лица земли немецкой авиацией 1 мая 1937 года.
Эта огромная (почти восемь метров в длину и три с половиной в высоту) монохромная (черный, белый, серый) картина была впервые выставлена в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Однажды гестапо устроило обыск в доме Пикассо. Нацистский офицер, увидев на столе фотографию «Герники», спросил: «Это вы сделали?».
«Нет — ответил художник, — это сделали вы».
В этот же период создана и серия монстров «Мечты и ложь генерала Франко» (1937) (в 1936 году во время гражданской войны в Испании Пикассо поддержал республиканцев и выступил против сторонников генерала Франко) и еще ряд картин на сходные темы: «Ночная рыбалка на Антибах» (1939), «Плачущая женщина» (1937) (последнюю картину он писал с Доры Маар, югославской женщины-фотографа, с которой Пикассо познакомился в 1936 году; она прославилась тем, что запечатлела стадии работы Пикассо над «Герникой»). В годы второй мировой войны Пикассо живет во Франции, где сближается с коммунистами-участниками Сопротивления (в 1944 Пикассо даже вступает во Французскую компартию). В это время он создает такие картины с тем же лейтмотивом быка, войны и смерти: «Натюрморт с бычьим черепом» (1942),
«Утренняя серенада» (1942, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду, Париж), «Бойня» (1944-1945, Музей современного искусства, Нью-Йорк) и скульптуру «Человек с агнцем» (1944), которая была установлена впоследствии перед старинным романским собором на торговой площади города Валлорис на юге Франции.
Послевоенный период (1945 — 1960)
Уже в мирное время, в 1946 году, Пикассо делает живописный ансамбль из 27 панно и картин для замка княжеской семьи Гримальди в Антибе — курортном городе на Средиземноморском побережье Франции. Панно в первом зале называется «Радость бытия» и вся серия выдержана в том же духе гармонии с природой и бытием — изображения фавнов, обнаженных девушек, кентавров, сказочных существ.
В 1946 году Пикассо знакомится с молодой художницей Франсуазой Жило и переезжает с ней в замок Гримальди. Франсуаза вскоре дарит ему сына Клода и дочь Палому. Франсуазе посвящена картина «Женщина-цветок».
(В 1953 году Франсуаза сбежала от Пикассо с двумя детьми из-за его сложного характера и постоянных измен, художник тяжело переживал это расставание, что отразилось в ряде его работ того времени — например, в серии рисунков тушью, изображающих отвратительного старого карлика буффонадно контрастирующего с юной и прекрасной девушкой).
В 1949 году Пикассо рисует своего знаменитого «Голубя мира» на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже, а в 1951 году создает политическую картину «Резня в Корее» (Музей Пикассо, Париж). С 1947 года Пикассо живет на юге Франции, в городе Валлорисе, где расписывает в 1952 году стены старой капеллы аллегорическими символами войны и мира и сам называет все это «Храмом мира».
В Валлорисе же Пикассо занялся керамикой. Он создает своих излюбленных персонажей — кентавров, фавнов, быков, голубей, женщин, делает антропоморфные кувшины. До сих пор в этом городке на юге Франции сохранились так называемые «керамические мастерские», которые продолжают держать марку «Пикассо» и тиражировать изделия, придуманные художником.
В 1958 году уже признанный и прославленный художник создает для здания ЮНЕСКО в Париже монументальную композицию «Падение Икара». В 1961 году почти 80-летний Пикассо женится на 34-летней красавице Жаклин Рок. Она вдохновляет его на серию портретов, на которых можно увидеть ее точеный профиль сфинкса. Для нее и себя он покупает виллу
в Каннах.
Последние годы (конец 60-х — 1973)
В 1960-х годах Пикассо пишет различные вариации на темы прославленных мастеров — Веласкеса, Гойи, Манэ в свободной скандальной кубистической манере: «Девушки на берегу Сены. По Курбе» (1950, Художественный музей, Базель), «Алжирские женщины. По Делакруа» (1955), «Менины. По Веласкесу» (1957), «Завтрак на траве. По Мане» (1960).
Также в позднем творчестве художник часто обращается к женскому портрету (портреты Жаклин Рок). Жаклин остается последней и верной женщиной Пикассо и ухаживает за ним, уже больным, ослепшим и плохо слышащим, до самой его смерти. Умер Пикассо 8 апреля 1973 г. в возрасте 92 лет, мультимиллионером, в городе Мужене во Франции и похоронен около принадлежавшего ему замка Вовенарг.
Он оставил после себя более 80 тысяч работ (по другим сведениям около 20 тысяч).
О смерти сам Пикассо говорил так: «Я все время думаю о Смерти. Она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня». Еще при жизни художника, в 1970 году был открыт Музей Пикассо в Барселоне (картины для этого музея передал сам Пикассо), а в 1985 г.
усилиями наследников художника — уже был создан Музей Пикассо в Париже, насчитывающий более 200 картин, более 150 скульптур и несколько тысяч рисунков, коллажей, эстампов, документов.
Творчество Пикассо кардинальным образом повлияло на ход развития искусства и культуры всего XX века. www.pablo-ruiz-picasso.ru
Мнение редакции информационного агентства Trend Life может не совпадать с мнением автора
Читайте Trend в Telegram. Только самые интересные и важные новости.
Источник: https://www.trend.az/life/culture/1534108.html
О чём молчит пикассо. выставка в гмии им. пушкина — букник младший
Пабло Пикассо — художник никакой не еврейский, просто великий. Почему мы о нём говорим?
Ну, в Москву приехала передвижная выставка работ Пикассо. Она ездит из страны в страну, пока Музей Пикассо во Франции закрыт на ремонт.
Но если честно, мне просто нравятся картины Пикассо. Почему? Не знаю. О чём я думаю, глядя на его работы? Чаще всего — о себе. Понимаю ли что-нибудь в его скульптурах? Вряд ли. Просто я их люблю — и этого достаточно.
Автопортрет, 1907Пикассо — особенный. Он дожил до глубокой старости, был знаменитым, успешным и очень богатым, но всё равно рано утром брал тележку и брёл собирать всякий хлам на окрестных помойках, ещё и жену заставлял. Зачем? Ха, после обеда он творил скульптуры из мусора.
Пикассо хотел учиться — и учился. Хотел пробовать новое — и пробовал. Делал то, что считал правильным. Шутил, иронизировал — да, в своих картинах. Не боялся быть другим. Честным. Смешным. Страшным. Каким угодно. Некоторые, глядя на работы Пикассо, говорят: «Сумасшедший!» А мне кажется, Пикассо был как раз удивительно, восхитительно нормальным человеком. И всегда — очень разным.
…Вот Пикассо 14, но он уже учится в Барселонской школе изящных искусств. Пабло младше остальных студентов, но не боится спорить с преподавателем.
Юнца часто наказывают — запирают в комнате с белыми стенами, — а он ничуть не расстраивается, рисует себе и рисует.
В 19 лет со своим лучшим другом-поэтом Карлосом Касагемасом Пикассо уезжает в Париж — город любви, свободы, кафе, писателей и художников. Они молоды, бедны и очень счастливы.
1903 годОднако вскоре Касагемас покончил с собой из-за несчастной любви. Пикассо потрясён и подавлен. Он совсем один, без денег, без еды, ему нечем топить печь — и он жжёт свои картины. При этом каждый день Пикассо ходит в кварталы бедных, где люди живут прямо на улицах. И вновь — рисует, рисует, рисует. Этот период в творчестве художника называется голубым. Посмотрите на картину «Нищий старик с мальчиком», она вся синяя — это очень холодный цвет. И старый еврей, и мальчик — измождены, мы видим это по их лицам, рукам, ногам. Старик — слеп, ребёнок — мал, но они поддерживают друг друга, потому что их дружба — всё, что у них есть.
В Париж стремились не только художники и поэты, но и циркачи, артисты, шуты — все они искали славы. Находили её единицы, остальные понимали, что блеск Парижа — лишь миф, иллюзия. Они жили коммунами в плавучих домах на Сене, собирались на Монмартре, развлекали толпу.
1905 годПикассо много разговаривал с бродячими артистами и, конечно же, их рисовал. Этот период называют розовым.
И действительно — взгляните на «Девочку на шаре» — синий цвет постепенно вытесняется, его заменяет розовый. Не жизнерадостный, как наряды принцесс, а бледный, холодный, в сочетании с пепельными.
Для того чтобы рассказать нам историю, художнику не обязательно рисовать всё таким, какое оно в жизни.
Вот девочка, хрупкая и тонкая, и кажется ещё уязвимее, потому что балансирует на шаре, с которого так легко упасть. Атлет, наоборот, сама сила и устойчивость. Это понятно и по его уверенной позе, и по мускулам. Поддержит ли он девочку — мы не знаем. Как не знаем, упадет ли она. Мы видим только то, что видим: двое, слабый и сильный. Но нам кажется, они помогают друг другу.
1907 годГрустные, нежные картины сразу понравились публике. Можете себе представить, как ужаснулась эта самая публика, когда художник вдруг показал работу «Авиньонские девицы» — женские тела с мужскими лицами и какими-то угловатыми руками и ногами! Разразился скандал. Друзья отвернулись от Пикассо. Матисс, великий Матисс — был в бешенстве!
А Пикассо плевал на мнение общества, он всего лишь увлёкся африканскими скульптурами. И, конечно, потом критики (есть такие важные люди) назвали этот период африканским.
Скандальная картина была написана на излёте этого увлечения, потому что с «Авиньонских девиц» у Пикассо начинается новый период — кубизм.
Художник в своих работах не просто использует, но подчёркивает самые разные геометрические формы.
1909 годСмотрите, Пикассо рисует портрет своей возлюбленной, юной девушки, — и вся она состоит из объемных квадратов, треугольников и полукругов.
При этом мы всё равно видим, что это женское лицо, хотя и очень странное. Кроме того, не совсем честно было бы назвать его красивым.
Легко догадаться, что портрет Фернанды Оливье не слишком-то понравился публике. Но вот удивительно: хотя люди так и не полюбили новое направление, кубические картины Пикассо хорошо продаются.
Жизнь налаживается, нищета отступает.
Это обязательно происходит с каждым, и с ребёнком, и со взрослым. Более того, оно случается довольно часто — рано или поздно мы сталкиваемся с тем, чего не можем понять. И вот из этой точки есть три пути.
Первый — приложить усилия и всё-таки попытаться понять. По этой дороге решаются пойти немногие.
Второй — сказать, что всё это ерунда и дрянь, и «да ну его, какой ужас!» Например, про граффити. Сразу хочется напомнить, что сто лет назад и про работы Пикассо говорили то же самое. А сегодня кубизм считается чуть ли не самым важным направлением искусства XX века.
Есть и третий путь — на всякий случай сделать умное лицо, сказать: «О да, прекрасно, чудесно, волшебно, изумительно, какие формы!» — и прикупить пару картин, чтобы не остаться в дураках, если что.
Какую дорогу выбрать — каждый решает сам.
Пауло в костюме Арлекина, 1924Пока мы тут размышляли, Пикассо уже надоел кубизм, и Париж ему тоже надоел. Художник едет в Рим, влюбляется в русскую танцовщицу и пишет простые милые картины, которых так жаждала публика. Но публика вновь недовольна: чего это Пикассо так часто меняет стиль?
Пикассо отвечает критикам: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по моему ощущению, это должно быть сказано».
При этом он постоянно играет со зрителем, шутит. Взять хотя бы портрет сына художника, Пауло.
Милый, трогательный, какой ещё? Задумчивый? Печальный? А теперь приглядитесь. Я подскажу: смотрите вниз, на ноги. Ну да, недорисованы, но это не всё. Под стулом, видите? Третья нога!
Что это: черновик, набросок, небрежность? Никто точно не знает. С другой стороны, картина написана в 1924 году, причём с фотографии, и на снимке третьей ноги нет, точно вам говорю.
Пикассо прожил ещё 50 лет и часто возвращался к старым работам. Неужели он не исправил бы ошибку? Мне нравится думать, что художник оставил лишнюю ногу нарочно — чтобы мы с вами её заметили и гадали: почему и зачем?
Это, кстати, другой важный момент — художник разговаривает с нами. И без такой беседы вообще невозможно представить себе искусство XXI века.
А Пикассо тем временем продолжает менять стили, влюбляться в женщин, рисовать.
Но весной 1937 года фашистские истребители разбомбили испанский городок Гернику — и Пикассо всего за месяц создал невероятное, огромное полотно (восемь метров в ширину и больше трех в высоту), которое так и назовет — «Герника». Эту работу в Москву, как вы понимаете, не привезли (она хранится в Мадриде).
Говорят, однажды нацисты обыскивали квартиру Пикассо и нашли фотографии «Герники». Немецкий офицер был потрясён: «О, это сделали вы?» «Нет, это сделали вы!» — ответил художник. Потому что он никогда никого не боялся.
Пикассо дожил до 92 лет, у него было много жён, дети и внуки. После смерти художника они должны были заплатить государству налог на наследство (тысячи картин и скульптур).
Чтобы не тратиться, наследники просто отдали шедевры в музей. Сложно сказать, благодаря чему — исключительной жадности или удивительной щедрости — сегодня люди со всего мира смотрят на эти странные картины.
И, может быть, понимают что-то важное. Не про Пикассо — про себя.
Источник: http://family.booknik.ru/placards/?id=32011
Две ярких истории из жизни Пабло Пикассо
Молодой Пабло Пикассо. Фото 1904 года.
Друзья и знакомые Пабло Пикассо (Pablo Picasso) описывали как крайне заносчивого и высокомерного человека, свято уверенного в своей исключительности.
Но он и правда был невероятно талантливым и чрезвычайно трудолюбивым: Музей современного искусства в Нью-Йорке оценивает количество работ, созданных Пабло Пикассо за всю свою жизнь в число, близкое к 20 тысячам.
Но здесь стоит вспомнить, что Пикассо был не только художником, но и скульптором, графиком, театральным художником, дизайнером и керамистом.
Пабло Пикассо на фоне собственной картины.
Сейчас работы Пикассо являются самыми дорогими в мире живописи. Так, в 2010 году его картина «Обнажённая, зелёные листья и бюст» была продана на аукционе «Кристис» за 106 482 000 долларов.
А всего за два года до этой сделки объем продаж работ художника уже оценивали в 262 миллиона долларов.
Самой же дорогой картиной стала работа Пабло Пикассо «Алжирские женщины (версия О)», которая поставила рекорд не только среди работ самого художника, но и вообще во всей истории продажи произведений искусств с аукционов: картина ушла за рекордные 179 365 000 долларов США.
Портрет Пабло Пикассо.
Тем удивительней выглядит история, случившаяся с молодым Пикассо по его приезду в Париж. В столице Франции он подружился с поэтом и журналистом Максом Джакобом, с которым напополам они стали снимать маленькую комнату.
Денег ни у одного, ни второго не было, зато амбиции били через край.
В комнате была всего одна кровать, и они решили поделить возможность спать «поровну» — Макс спал ночью, так как его деятельность была связана с многочисленными встречами днем, а Пабло отдыхал в дневное время, предпочитая спокойствие и тишину ночи для работы над своими картинами.
Репродукция картины «Девочка на шаре
Это было время расцвета культуры в Париже, многие художники и писатели прибывали в этот город в погоне за славой. Но Пикассо тогда отчаянно не везло.
Ни получить работу, ни продавать свои картины у него особо не получилось. И с приходом зимы ситуация особенно усугубилась, так как снимаемая комната оказалась совершенно неприспособленной для холодов.
В то время художнику приходилось сжигать собственные картины, чтобы хоть как-то согреться.
Старый гитарист.
Таким образом Пикассо сжигал не только результаты своих трудов, но и свои затраты на краски и холсты, не имея возможности вернуть потраченное с помощью продаж готовых картин.
Неудивительно, что из Парижа художник направился вскоре в гораздо более благоприятную по климату Барселону. Там начался так называемый «Голубой» период — художник создавал свои картины в сине-зеленых тонах, большей частью отображая негативную сторону жизни.
Именно тогда были созданы знаменитые картины «Любительница абсента» (1901), «Нищий старик с мальчиком» (1903) и «Трагедия» (1903).
Репродукция картины П. Пикассо *Бутылка перно (столик в кафе)*.
Пробыв два года в Испании, Пикассо снова возвращается во Францию и селится в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар.
Монмарт был тем местом, где жизнь по-настоящему бурлило, где всегда что-то происходило, и это не могло не отобразиться на мироощущении художника.
Так, его «Голубой» период сменился «Розовым,» и в картинах появились новые сюжеты: в основном, художник изображал бродячих артистов.
Молодой Пабло Пикассо.
В 1911 году, когда Пикассо, будучи уже частью парижской богемы, был довольно известным художником, его, также как и его друга Гийома Аполлинера, обвинили в краже картины из Лувра. Это была та самая кража, которая впоследствии сделала картину «Мона Лиза» такой знаменитой.
Пабло Пикассо «Женщина, пьющая абсент» (1901).Картина *Нищий с мальчиком* времени так называемого Синего периода Пикассо.
Считается, что обвинение было связано с тем, что накануне этого события Пикассо приобрел несколько картин у другого художника — Жери Пьере, не зная, что картины были крадеными. И выкрадены эти картины были именно из Лувра.
Впоследствии выяснилось, что вором был работник Лувра — итальянский мастер по зеркалам Винченцо Перуджа.
Источник: https://homsk.com/trombon/dve-yarkikh-istorii-iz-zhizni-pablo-pikasso
Презентация для внеурочного занятия по «Искусству» на тему «Пабло Пикассо»
Инфоурок › Искусство › Презентации › Презентация для внеурочного занятия по «Искусству» на тему «Пабло Пикассо»
Описание презентации по отдельным слайдам:
1 слайд Описание слайда:
Пабло Пикассо(1881-1973) Учитель Найдёнова Нина Петровна
2 слайд Описание слайда:
Испанский художник, скульптор, график, театральный художник, керамист и дизайнер. Основоположник кубизма, в котором трёхмерное тело в оригинальной манере рисовалось как ряд совмещённых воедино плоскостей.
3 слайд Описание слайда:
Детство и годы обучения (1881-1900) Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в городе Малага(Испании). Пикассо — фамилия матери, которую и взял Пабло, поскольку фамилия отца казалась ему слишком обыденной, к тому же отец Пикассо, Хосе Руис, сам был художником. Пабло рано проявил талант к рисованию.
Уже с 7 лет он учился у своего отца технике рисования, который сначала поручал ему дописывать лапки голубей на своих картинах. Но однажды, доверив тринадцатилетнему Пабло дописать довольно большой натюрморт, он был настолько поражен техникой сына, что, по легенде, сам бросил заниматься живописью.
В возрасте 13 лет Пабло Пикассо с блеском поступил в Барселонскую Академию художеств. На подготовку к экзамену, обычно занимавшую у студентов месяц, у Пикассо ушла неделя. Он поразил комиссию своим мастерством и был принят в Академию несмотря на свой юный возраст.
Отец Пикассо совместно с его дядей решили послать Пабло в Мадридскую академию «Сан Фернандо», считавшуюся на тот момент самой передовой Школой искусств во всей Испании. Так, Пабло в 1897 году в возрасте 16 лет приехал в Мадрид.
Однако занятия в Школе искусств продлились недолго, меньше года, и Пабло был захвачен всеми другими прелестями мадридской жизни, а также изучением работ впечатливших его тогда художников — Диего Веласкеса, Франсиско Гойи, и в особенности Эль Греко.
4 слайд Описание слайда:
«Голубой» период (1901-1904) К «голубому» периоду относят работы, созданные в промежутке между 1901 и 1904 гг. Серо-голубые и сине-зеленые глубокие холодные цвета, цвета печали и уныния, постоянно присутствуют в них. Пикассо называл голубой «цветом всех цветов».
Частые сюжеты этих картин — изможденные матери с детьми, бродяги, нищие, слепые.
Наиболее известные работы этого периода: «Жизнь» (1903), «Завтрак слепого» (1903), «Скудная трапеза» (1904),»Любительница абсента» (1901), «Свидание» (1902), «Мать и дитя» (1903), «Нищий старик с мальчиком» (1903,»Гладильщица» (1904), «Двое» (1904).
5 слайд Описание слайда:
«Завтрак слепого» (1903),
6 слайд Описание слайда:
«Любительница абсента» (1901),
7 слайд Описание слайда:
«Нищий старик с мальчиком» (1903)
8 слайд Описание слайда:
«Розовый» период (1904 — 1906) «Розовый период» характеризуется более жизнерадостными тонами — охристыми и розовыми, а также устойчивыми темами изображений — арлекинами, бродячими актерами, акробатами («Семейство комедиантов» (1905), «Акробат и молодой Арлекин» (1905), «Шут» (1905).
Очарованный комедиантами, ставшими моделями его картин, он часто посещал цирк Медрано; в это время арлекин — любимый персонаж Пикассо. В 1904 году в Пикассо встретил модель Фернанду Оливье, которая вдохновила его на создание многих значительных работ этого периода.
Они жили в центре богемной парижской жизни и мекке парижских художников Бато-Лавуар. Это странное полуразрушенное здание с темными лестницами и извилистыми коридорами было домом очень разношерстной компании: художники, поэты, торговцы, дворники…
Здесь, в совершенной бедности на грани нищеты и неописуемом твоорческом беспорядке Пикассо постоянно писал свою Фернанду и искал свой путь. Знаменитую «Девочку на шаре» (1905) относят к переходным картинам между «голубым» и «розовым» периодами.
Художник играет на контрасте и балансе форм или линий, тяжести и легкости, устойчивости-неустойчивости. Также в конце «розового периода» появились «античные» картины — «Мальчик, ведущий лошадь» (1906), «Девочка с козлом»(1906) и другие.
9 слайд Описание слайда:
Семейство комедиантов» (1905)
10 слайд Описание слайда:
«Акробат и молодой Арлекин» (1905)
11 слайд Описание слайда:
«Девочка на шаре» (1905)
12 слайд Описание слайда:
«Африканский» период (1907 — 1909) В 1906 году Пикассо работал над портретом Гертруды Стайн. Он переписывал его около восьмидесяти раз и, по воспоминаниям самой Гертруды Стайн, в итоге Пикассо сказал ей в ярости: «Я перестал вас видеть, когда смотрю на вас». и оставил работу над портретом.
Это был переломный момент в его творчестве и отсюда начался путь Пикассо от изображения конкретных людей к изображению человека как такового и к форме как к самостоятельной структуре.
Пикассо требовались подтверждения его пути в общем развитии мирового искусства и новые впечатления для обретения новой творческой энергии и открытие наукой того времени целого пласта африканской культуры послужило толчком и для творчества художника.
Особенно он интересовался африканской скульптурой и масками, он считал их наделенными магической силой и нашел в них чувственную простоту форм. Скорее всего именно эти «африканские влияния» и определили окончательный вариант портрета . В 1907 году появилась знаменитые «Авиньонские девицы».
Над ними художник работал больше года — долго и тщательно, как не работал до этого над другими своими картинами. Первая реакция публики — шок. Матисс был в бешенстве. Даже большинство друзей не приняли эту работу. «Такое ощущение, что ты хотел накормить нас паклей или напоить бензином», — говорил художник Жорж Брак, новый друг Пикассо. Скандальная картина, название которой дал поэт А. Сальмон, была первым шагом живописи на пути к кубизму, а многие искусствоведы считают ее отправной точкой современного искусства.
13 слайд Описание слайда:
«Авиньонские девицы»
14 слайд Описание слайда:
Голубь мира
15 слайд Описание слайда:
Последние годы (конец 60-х — 1973) В позднем творчестве художник часто обращается к женскому портрету (портреты Жаклин Рок). Жаклин остается последней и верной женщиной Пикассо и ухаживает за ним, уже больным, ослепшим и плохо слышащим, до самой его смерти.
Умер Пикассо 8 апреля 1973 в возрасте 92 лет, мультимиллионером, в городе Мужене во Франции и похоронен около принадлежавшего ему замка Вовенарг. Он оставил после себя более 80 тысяч работ (по другим сведениям около 20 тысяч). О смерти сам Пикассо говорил так: «Я все время думаю о Смерти.
Она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня».
Еще при жизни художника, в 1970 году был открыт Музей Пикассо в Барселоне (картины для этого музея передал сам Пикассо), а в 1985 усилиями наследников художника — уже был создан Музей Пикассо в Париже, насчитывающий более 200 картин, более 150 скульптур и несколько тысяч рисунков, коллажей, эстампов, документов. Творчество Пикассо кардинальным образом повлияло на ход развития искусства и культуры всего XX века. А на мировых аукционах до сих пор отыскиваются и выставляются на продажу все новые и новые, пока еще малоизвестные работы прославленного мастера из его огромного наследия.
16 слайд Описание слайда:
музей пикассо в барселоне
17 слайд Описание слайда:
Спасибо за внимание
Общая информация
Оставьте свой комментарий
Авторизуйтесь, чтобы задавать вопросы.
Источник: https://infourok.ru/prezentaciya-dlya-vneurochnogo-zanyatiya-po-iskusstvu-na-temu-pablo-pikasso-2195822.html
Описание картины Пабло Пикассо «Семья комедиантов». Описание картины пабло пикассо девочка на шаре
Главная » Пикассо картины » Описание картины пабло пикассо девочка на шаре
Картина «Семья комедиантов» была написана в Париже. П.Пикассо жил в общежитии, полуразрушенном здании. Его друзья любили цирк, это увлечение передалось и художнику. Героями его работ становятся работники цирка, актеры театра. В то время они не зарабатывали больших денег, а их жизнь больше походила на жалкое существование.
Сюжет картины веет грустью. Видимо происходит расставание близких людей. Арлекин с шарфом на шее грустно смотрит на стоявшего напротив располневшего мужчину. Скорее всего, шарф символизирует ограничение, возможно актер находится в определенных рамках, которые его гнетут. Костюм в клетку, так часто потешающий публику, наоборот делает образ унылым.
Девочка с грустью смотрит под ноги, видимо ей тяжело переживать эти минуты. Этот образ навеян П.Пикассо музой, как и в картине «Девочка на шаре». Черные крылья девочки омрачают ее образ и своего рода ограничивают свободу.
Возможно, за нее была заплачена очень большая цена. Образы юношей немного развернуты, они отрешенные от прощания, смотрят в сторону превосходной дамы. Мужчина в красном костюме скорее всего глава клана.
Его фигура символизирует успешность и удовлетворенность жизнью. Он разговаривает с арлекином.
Картина рассказывает о личных переживаниях художника. Таким образом, П.Пикассо показывает свое отношение к искусству в целом. Это он в образе печального арлекина, с девочкой за руку, которая символизирует его музу.
Он разворачивается, прощается и уходит от сытой и довольной жизни. Его шарф на шее сдавливает горло и ограничивает волю. Ему больше не нравится ни обеспеченность, ни шикарные дамы.
Он хочет жить ради искусства, по своим правилам.
Художнику не нужны зрители, успех и продажа произведений. Эти рамки обескрыливают его музу, для творца это невыносимо. Безусловно, ему печально со всеми прощаться, но иначе художник просто не может. Картина передает непростой душевный мир творческого человека.
opisanie-kartin.com
Описание картины Пабло Пикассо «Серенада»
Картина написана в 1942 году.
Это одна из картин, сюжет которых художник называл серенадами. Картин с таким названием он написал несколько в разные годы.
Пикассо признан самым дорогим гениальным художников. Уникальность его картин поражает и ломает привычное восприятие реальности.
В жизни Пикассо было несколько периодов, под воздействием которых он писал определенные сюжеты. Полотно «Серенада» написано в творческий период под названием «Герника» и пацифизм.
Герника – это город, который был разрушен фашистами во время войны. Он был культурным наследием басков. Под воздействием этого события Пикассо пишет полотно, которое также называется, как разрубленный город басков.
Его охватил ужас всего происходящего, что отражалось в его творчестве. Он превращает картины в разбитые геометрические блоки, которые сложны для восприятия большинства людей. Его полотна – это ребусы, которые мог разгадывать только он сам.
Пикассо считали женоненавистником, в силу того, что он искажал женское тело и лицо до неузнаваемости. Возможно, это связано с тем, что он не мог ладить со своей первой женой, русской балериной.
Неполадки в семье и влияние войны на психику художника отразились в его искажение людей, а женщин в особо жестких формах. Его обвиняли в том, что он издевается и ненавидит женщин. И это от части, правда, что можно понять по его полотнам.
На картине «Серенада» мы видим непонятную женскую фигуру, разбитую на геометрические куски, скрученную в непонятной позе. Фигура мужчины не менее загадочная и сложная.
Вокруг художник изобразил все в мрачных и темных тонах, олицетворявших пустоту и войну, которая его ужасно пугала. Его страх и психологическая неуравновешенность всплескивалась на картины. Не только полотна, но и скульптуры Пикассо отражали весь трагизм и безысходность того времени.
Пикассо создал свой индивидуальный стиль в живописи, который оказал влияние на не забываемое впечатление на весь мир. Его картины – это культурное достояние.
opisanie-kartin.com
Описание картины Пабло Пикассо «Нищий старик с мальчиком»
Пикассо пишет картину «Нищий старик с мальчиком» в 1903 году, этот период его творчества принято называть «голубым». Картины мастера этих лет привлекают внимание голубыми и насыщенно-синими красками. Для Пикассо это цвета печали и грусти, душевной меланхолии и тоски.
Художник взволнован проблемами одиночества, физических увечий и бедности, передавая волнение и зрителям картин.
Частые персонажи полотен «голубого» периода – нищие, убогие, бродяги, проститутки и алкоголики.
Люди на картинах имеют отрешенный вид, они потеряли счет времени и гармонию, как с окружающими, так и с собой. Погружение в голубой цвет Пикассо было вызвано самоубийством его близкого друга.
«Нищий старик с мальчиком» – ранняя картина мастера, на которой видно, что до коронного кубизма тот еще не дошел. Главное изобразительное средство здесь – линия и монохромность. Старик и мальчик написаны четко, правдиво, без прикрас. Картина полна поэзии, лирики и гармонии.
Прототипов персонажей, изображенных на полотне, Пикассо мог без проблем наблюдать в Барселоне, где проживал на тот момент. Именно поэтому старик и мальчик так правдивы. Четкими линиями мастер прорисовывает и показывает зрителю изнеможённость людей, предел их сил, они голодны, тощи и почти бесплотны.
Это и делает персонажей Пикассо одухотворенными. Фигуры статичны, но линиями художник показывает их беспокойство, внутреннюю работу мысли. Мальчик грустен и думает о чем-то своем, доедая последнюю пищу. Старик смотрит грустным взглядом вперед, он загадочен и кажется величественным подобно статуе.
Картина «Нищий старик с мальчиком» по цветовому спектру признана самой «голубой» в этом периоде. Фигуры людей и задний фон прописаны глубоким синим цветом. На синей стене фона четко выделяются фигуры нищих благодаря темным линиям.
opisanie-kartin.com
Источник: http://evg-crystal.ru/pikasso-kartiny/opisanie-kartiny-pablo-pikasso-devochka-na-share.html
Творчество Пабло Пикассо (стр. 2 из 6)
______________
¹ АССИМИЛЯ́ЦИЯ — в языкознании (лат. assimilatio — слияние, усвоение) — фонетич. процесс, состоящий в уподоблении звуков друг другу в пределах одного слова или словосочетания.
Обращение художника к образам нищеты, страдания, трагичного отчаяния часто связывают с условиями его жизни во французской столице и трагической смертью друга Касахемоса, поэта и художника, покончившего жизнь самоубийством. Пикассо в эти годы крайне бедствовал. И все же истоки, питавшие «голубой период», шире и глубже.
Они в социальном климате эпохи, в атмосфере общественной жизни Барселоны, в мировоззрении самого Пикассо.
Барселона тех лет была одним из центров революционно-анархических идей, отражавших остроту социальных контрастов и бедности тогдашней Испании.
Это отложило отпечаток и на особенность жизни города с его клубными дискуссиями, собраниями, митингами.
В полубогемной среде таверны «4 кота», где особенно ценились свобода и независимость, а сочувствие «к униженным и оскорбленным» возводилось в нравственный принцип, и формировались жизненные позиции молодого Пикассо.
С бесстрашием подлинного большого художника, 20-летний Пикассо обращается ко «дну» жизни. Он посещает больницы, психиатрические лечебницы, приюты. Здесь он находит героев своих картин – нищих, калек, обездоленных, поруганных и выброшенных обществом людей.
Отнюдь не только сентиментальное сострадание к ним хотел художник выразить своими полотнами. Голубой мир безмолвия, в который он погружает своих действующих лиц, — это не только символ страдания и боли, это и мир гордого одиночества, нравственной чистоты.
«Две сестры» явились одним из первых произведений этого периода. В «Сестрах» и вообще в работах «голубого периода» автор ориентируется на некоторые традиции средневекового искусства.
Его привлекает стилистика готики, особенно готической пластики с ее одухотворенной выразительностью форм. Пикассо в те годы открывает для себя Эль Греко и Моралеси.
В их работах он находит созвучную его тогдашним настроениям и исканиям психологическую выразительность, символичность цвета, острую экспрессию форм, возвышенную одухотворенность образов.
«Две сестры» – характерная во всех отношениях работа «голубого периода». Пикассо строит картину как барельеф, стремясь к равновесию, стильности силуэта фигур двух женщин на голубом абстрактном фоне.
В покорно сплоченных друг к другу, почти обнимающихся фигурах – печаль страдания, молчаливое согласие, тихая ласка и всепрощение. Если допустимы здесь какие-то музыкальные аналогии, то возникает мысль, конечно, о реквиеме.
Мелкая повседневность, тревоги и невзгоды мирение отступают здесь перед величием вечного, всеобщего. Недаром встреча сестер ассоциируется с Евангельской притчей о Марии и Елизавете (Встреча Марии и Елизаветы).
В много плановом содержании “Сестер” вновь звучит и тема общения людей, дружбы двух существ как залога защиты от невзгод жизни, враждебности мира. Она будет все больше места в его творчестве.
Другая типичная картина Пикассо “голубого периода” – «Нищий старик с мальчиком» (см.приложение 1). Они примыкают к серии работ, где героями выступают нищие, слепцы, калеки. В них художник словно бросает вызов миру благополучных и равнодушных толстосумов и мещан.
В своих героях Пикассо хотел видеть носителей неких скрытых от обычных людей истин, доступных только внутреннему взору, внутренней жизни человека. Недаром большинство персонажей картин «голубого периода» кажутся незрячими, не имею своего лица.
Они живут своим внутренним миром, их тонкие «готические» пальцы познают не внешние формы предметов, а их внутренний тайный смысл.
§ 3. Розовый период
Весной 1904 г. Пикассо окончательно поселяется в Париже на Монмартре. С переездом в Париж завершается «голубой период». В монохромную голубизну полотен Пикассо вторгаются разные тени, становясь господствующими. Этот новый период получает название «розовый».
Но смысл новых исканий художника был, разумеется, отнюдь не в изменении его текстуры. Иногда его называют «цирковым», и это точнее передает его содержание. На полотнах совершенно новый мир – мир комедиантов, цирковых актеров. Причины нового поворота Пикассо в художественных концепциях далеко не однозначны.
Они – и в особенностях его неугомонного таланта, и во влияниях среды. Барселона больше не давала художественных импульсов, была исчерпана тема «дна» жизни. Его влекли теперь нравственные ценности другого порядка.
Следует отметить, что Пикассо уже в те годы прекрасно знал французскую, испанскую и даже интересовался русской литературой (Тургенев, Горький).
Парижские друзья знакомят его с литературными клубами Парижа, вводят в богемный быт художников и поэтов Монмартра с его романтикой творчества, атмосферой жизненной неустроенности, но постоянной готовности к взаимопомощи и поддержке. Сальмону и Аполлинеру он в первую очередь обязан, очевидно, и увлечением цирком.
В начале 1905 года вместе с ним он становится завсегдатаем известного парижского цирка Медрано. В 1904 году в Пикассо встретил модель Фернанду Оливье, которая вдохновила его на создание многих значительных работ этого периода. Они жили в центре богемной парижской жизни и мекке парижских художников Бато-Лавуар¹ .
Здесь, в совершенной бедности на грани нищеты и неописуемом твоорческом беспорядке Пикассо постоянно писал свою Фернанду и искал свой путь.
Однако напрасно искать на его полотнах цирк, цирковое зрелище. Его интересует сам актер, творческая, созидающая личность. Причем классические персонажи бродячего цирка – личность, клоуны, арлекины. Они показаны вне игры, изредка во время репетиции, чаще – в будничной жизни, семье.
Они обязательно одеты в костюмы своих персонажей. Это для них как бы знак отличия от общей массы. Странствующая группа актеров для Пикассо – особый микромир вольных людей, где существуют искренние привязанности, где нет места корысти, обману. Здесь сообща делят удачу и горечь поражений.
К этому миру причислял себе и сам художник.
_____________________
¹ Бато-Лавуар — это странное полуразрушенное здание с темными лестницами и извилистыми коридорами было домом очень разношерстной компании: художники, поэты, торговцы, дворники…
Пикассо остро и даже болезненно ощущал противоречия жизни. Он понимал, насколько хрупок и иллюзорен созданный им мир комедиантов, затерянный в огромном, неустроенном пыльном мире.
Тревога художника отражена затаённой печалью, настороженностью на лицах его героев.
В больших программных композициях «розового периода» – «Странствующие комедианты», «Комедианты на привале» – особенно, пожалуй, явственно проявляется настроение какой-то неуверенности, тревожного ожидания.
Возможность счастья и гармонии Пикассо допускает только в ситуации семьи. В серии работ, которые только можно объединить под общим названием «Семейство комедиантов» (см. приложение 1), он разрабатывает свой вариант святого семейства. Здесь его персонажи, как бы ограждены от жестокой действительность теплом любви и нежности к ребенку.
Есть и еще одна тема проходящая через ранние годы творчества Пикассо и выражающая его веру в доброту человеческих отношений. В «розовый период» она становится доминирующей.
Это тема дружбы, дружбы двух существ, где сильный, опытный поддерживает, оберегает слабого, беззащитного.
Ими могут быть пожилой, повидавший жизнь клоун и робкий мальчик, могучий атлет и хрупкая девочка-акробатка, человек и животное, как, например «Мальчик с лошадью».
Значительное полотно «розового периода» – «Девочки на шаре» (см. приложение 1). Огромная игла композиционного мышления Пикассо проявляется здесь с полным блеском. В основу композиционной и ритмической структуры картины положен пластический мотив сопоставления контраста и в то же время – равновесия единства.
Мощный атлет и хрупкая девочка, массив куба и ускользающая зыбкость шара, монолит мужской фигуры на кубе и колышущаяся, как стебелек на ветру, тоненькая фигура девочки на шаре. Уберите один из компонентов картины – произойдет катастрофа.
Не станет атлета – и девочка тотчас потеряет равновесие, а без ее зыбкой непрочности он рухнет, повалится под собственной тяжестью.
В «Девочке на шаре» Пикассо особо ассоциативен и метаморфичен. В образах девочки и атлета, их контрастах и связях, проступают ассоциативные образы единства и противоположности различных начал в природе, жизни, человеке. Возникает и другой, более глубокий ряд ассоциаций, уводящий в средневековую символику.
В атлете угадываются аллегория доблести, в девочке на шаре – фортуны. В картине заметно уже новое направление художественной мысли Пикассо – интерес к классической ясности, уравновешенности, внутренней гармонии.
Написанная на рубеже 1905 года «Девочка на шаре» стоит у истоков так называемого первого классического периода в творчестве художника. Движение художника к образам ясным, гармонически цельным, деятельным питалось его верой в доброе и разумное начало в человеке.
Отсюда в работах Пикассо 1906 года образы физически совершенных девушек и юношей. Сильные юноши стремительно идут навстречу зрителю, готовые к действию. Это был мир мечты художника, идеальный мир свободных и гордых людей.
Начав создавать его, Пикассо вдруг останавливается и все бросает. Словно у него не хватает сил, слабеет вера, наступает разочарование.
Источник: http://MirZnanii.com/a/129877-2/tvorchestvo-pablo-pikasso-2
Загрузка...
