Описание картины пабло пикассо «столик в кафе»

Пабло Пикассо: картины как иллюстрация жизненного пути :

Если мы зададимся вопросом, кто из художников ХХ века является основоположником и квинтэссенцией современного изобразительного искусства, то ответ напрашивается один – Пабло Пикассо. Картины этого гения являются гордостью ведущих музеев мира. Все полотна мастера – а их несколько десятков тысяч! – знают разве что его биографы.

Время от времени из частных коллекций на лоты аукционов попадают еще неизвестные широкой публике работы художника. Вместе с тем, каждый уважающий себя человек видел (хотя бы в иллюстрациях) «Девочку на шаре», «Бег» и «Гернику». Что ж, давайте расширим свои горизонты и познакомимся поближе с известными полотнами мастера.

Ниже вы увидите фото, демонстрирующие некоторые картины Пабло Пикассо, с названиями которых связан творческий путь художника.

Эволюция собственного стиля

Родившийся в 1881 году Пабло Диего Хосе должен был бы по отцу носить фамилию Руис. Но мальчик с раннего детства хотел отличаться от своего предка-художника. А потому избрал фамилию матери – Пикассо. Талант у юного художника проявился рано.

Когда мальчик достиг семилетнего возраста, отец поручил ему дописывать фрагменты своих картин (например, лапки голубей). Когда Пабло исполнилось тринадцать, он написал натюрморт. Техника исполнения так потрясла отца, что он бросил рисовать. Все средства он тратил на то, чтобы дать сыну самое лучшее образование.

Пабло учился в Барселоне, Мадриде, неоднократно ездил в Париж, где посетил все музеи. В 1902 году его друг совершил суицид. Под впечатлением смерти начался «голубой период» в творчестве Пабло Пикассо. Картины его полны меланхолии. В основном затрагиваются темы смерти, печали.

В этом стиле написаны полотна «Любительница абсента», «Свидание», «Нищий с мальчиком», «Трагедия». В удлиненных пропорциях героев прослеживается влияние Эль Греко.

«Розовый период»

Поселившись на Монмартре, Пабло Пикассо постепенно отходит от грусти и окунается в бурный и гротескный мир цирка и театра. Серо-голубая палитра постепенно сменяется розовой и охристой. Полотно «Девочка на шаре» можно назвать переходным. Оно прославило Пабло Пикассо.

Самые известные картины «розового» периода наполнены странствующими комедиантами, циркачами, гимнастами. Это «Семья акробатов с обезьянкой», «Шут», «Молодой Арлекин». В том же 1904 году художник встретил Фернанду Оливье, которая стала его первой музой. Под конец розового периода Пикассо увлекся античными мотивами.

Так появились полотна «Мальчик, ведущий коня» и «Девочка с козлом».

Африканский период

С 1906 года Пикассо трудился над портретом своей знакомой – Гертруды Стайн. Более семидесяти раз он переписывал картину, и всякий раз был неудовлетворен результатом. На следующий год художник открыл для себя удивительный и магический мир африканских масок и скульптур.

Это послужило толчком к тому, что мастер стал изображать не конкретного человека, а личность как таковую. Африканские веяния оттолкнули от Пабло Пикассо, картины которого были непонятны французским художникам начала ХХ века, многих старых друзей.

Особенно шокировало зрителей полотно «Авиньонские девицы» (1907 год). Из-за этой скандальной картины с Пикассо порвал Матисс. Художник Ж. Брак так высказался об «Авиньонских девицах»: «Складывается такое впечатление, будто нас хотели попотчевать паклей и напоить керосином».

Однако искусствоведы признают, что эта работа стало отправной точкой авангарда.

Кубизм

Это довольно длительный период в творчестве художника. Поэтому его подразделяют на несколько этапов. Первый – так называемый «Сезановский». Пикассо наследует цветовую палитру французского художника. К этому этапу относятся «Бидон и миски», «Женщина с веером». В «аналитическом кубизме» предмет изображен разбитым на несколько фрагментов.

Это портреты Амбруаза Воллара, Фернанды Оливье, Канвейлера. Период «синтетического кубизма» порождает серию натюрмортов. Пабло Пикассо, картины которого теперь представляют по большей части ноты с музыкальными инструментами, курительные трубки, бутылки вина и столовые приборы, делает упор на декоративность и контрастность.

Яркими образчиками этого этапа являются полотна «Натюрморт с плетеным стулом», «Столик в кафе», «Скрипка и гитара». Потом началась Первая мировая война, перевернувшая сознание миллионов.

Художник вернулся к неоклассицизму («Портрет жены Ольги в кресле», «Купальщицы», «Женщины, бегущие по пляжу», «Портрет сына Поля»), а затем перешел к сюрреализму («Танец», «Женщина с цветком», «Девушка перед зеркалом» и другие).

Пабло Пикассо: самые известные картины

Долорес Ибаррури однажды сказала: «Если бы Пикассо не создал за свою жизнь ничего, кроме «Герники», то и тогда его можно было бы причислить к лучшим художникам своей эпохи». Толчком к созданию картины послужила бомбардировка маленького баскского городка.

В апреле 1937 года немецкая эскадрилья под названием «Кондор», ночью бомбила Гернику. Пабло Пикассо, известные картины которого являются вызовом современным диктаторам, никогда там не бывал. Но весть о гибели Герники подействовала на него, как удар хлыста.

Гигантское полотно в черно-белых тонах было создано за месяц. Техника «кубизм» не скрывала, а только подчеркивала ужас происходящего. Черные и белые краски, словно документальные хроники, фиксируют сцены насилия.

Однажды во время обыска в доме художника нацистский офицер спросил, указывая на фотографию «Герники»: «Это вы сделали?» И на это получил самый прямой ответ. «Нет, это сделали вы!»

Источник: https://www.syl.ru/article/188344/new_pablo-pikasso-kartinyi-kak-illyustratsiya-jiznennogo-puti

Жизнь Пабло Пикассо: история гения и донжуана

Биография одного из самых известных и противоречивых людей в истории искусства

Самый известный и влиятельный художник XX века, пионер жанра кубизма и испанский экспатриант Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года.

Родители Пикассо

Пожалуй, самый известный художник, чье до нелепого длинное имя стало нарицательным, родился в октябре 1881 года в городе Малага, Испания. В семье было три ребенка — мальчик Пабло и его сестры Лола и Консепсьон. Отец Пабло, Хосе Руиз Бласко, работал профессором в школе изящных искусств. Про мать Пикассо известно очень мало: донна Мария была простой женщиной.

Однако сам Пикассо часто упоминал про нее в своих интервью. Например, он вспоминал, что мать, обнаружив его неординарный талант к вязанию, произнесла слова, которые он запомнил на всю жизнь: “Сынок, если ты пойдешь в солдаты, ты станешь генералом. Если ты уйдешь в монастырь, ты вернешься оттуда Папой”.

Тем не менее, как иронично отмечал художник, “я решил пойти в художники и стал Пабло Пикассо”.

© Sputnik / Сергей Пятаков

Репродукция картины “Девочка на шаре” работы Пабло Пикассо

Детство Пикассо

Несмотря на то, что школьная успеваемость Пикассо оставляла желать лучшего, он демонстрировал уникальные навыки в рисовании, и в 13 лет уже мог соревноваться с отцом.

Хосе часто запирал его в комнате с белыми стенами и решетками в качестве наказания за плохую учебу.

Со свойственной ему иронией, Пикассо позже рассказывал, что сидеть в клетке ему доставляло огромное удовольствие: “В камеру я всегда проносил тетрадь и карандаш. Я сидел на скамье и рисовал. Я бы мог там сидеть вечно, сидеть и рисовать.”

Начало творческого пути

Будущая легенда художественного искусства впервые заявила о своей претензии на гениальность, когда семья Пикассо перебралась в Барселону. В 16 лет он поступил в Королевскую Академию Святого Фернанда.

Экзаменаторы были потрясены, когда Пабло за сутки прошел вступительные испытания, рассчитанные на целый месяц. Но вскоре подросток разочаровался в местной системе образования, которая, на его взгляд, “была слишком зациклена на классике”.

Пикассо начал прогуливать занятия и бродить по улицам Барселоны, попутно делая наброски зданий. В свободное время он знакомился с богемой Барселоны. В то время все известные деятели искусства собирались в кафе “Четыре Кота”, где Пикассо стал завсегдатаем.

Его неподражаемая харизма заработала ему широкий круг связей, и уже в 1901 году он организовал первую выставку своих картин.

© Sputnik / В. Громов

Репродукция картины П. Пикассо “Бутылка перно (столик в кафе)”

Кубизм, синий и розовый периоды Пикассо

Отрезок между 1901 и 1904 годами известен как синий период Пикассо. В работах Пабло Пикассо тех времен доминировали мрачные синие тона, и меланхоличные темы, точно отражавшие его душевное состояние — художник пребывал в тяжелой депрессии, которая подписывала его творческие порывы. Этот период ознаменовался двумя выдающимися картинами Старый Гитарист (1903) и Жизнь (1903).

© Sputnik / Алексей Свердлов

Репродукция картины Пабло Пикассо “Нищий с мальчиком”

Во второй половине 1904 года происходит радикальная смена парадигмы его творчества. Полотна розового периода исполнены розовых и красных красок, а цвета в целом гораздо нежнее, тоньше и деликатнее. Архетип розового периода — картина La famille de saltimbanques (1905).

В жанре кубизма Пикассо работал с 1907 года. Это направление отличается использованием геометрических форм, которые дробят реальные объекты на примитивные фигуры.

“Авиньонские девицы” — первая значительная работа кубического периода Пикассо. На этом полотне лица изображенных людей видны одновременно в профиль и в анфас.

В дальнейшем Пикассо придерживался именно такого подхода, продолжая дробить окружающий мир на отдельные атомы.

© Sputnik / А. Свердлов

Картина “Три женщины” художника П. Пикассо

Пикассо и женщины

Пикассо был не только выдающимся художником, но и довольно известным донжуаном. Он был женат дважды, но имел бессчетное количество связей с женщинами самого разного уровня и нравственности.

Сам Пикассо резюмировал свое отношение к женскому полу следующим образом: “Женщины — это машины для страдания. Я делю женщин на два вида: любовницы и тряпки для вытирания ног”.

Неизвестно, связано ли открытое презрение Пикассо к прекрасному полу с тем, что две из семи самых важных женщин художника покончили с собой, а третья умерла на четвертый год совместной жизни.

Неоспоримым фактом остается то, что Пикассо не был привязан ни к одной из десятков или, возможно, сотен любовниц и жен, но активно использовал их, в том числе и финансово. Среди его законных жен была амбициозная советская танцовщица Ольга Хохлова.

Брак с влиятельной женщиной не помешал ему заводить отношения на стороне. Так, с молодой любовницей Дорой Маар Пикассо познакомился в баре, когда та искромсала свои пальцы в кровавое месиво, пытаясь ножом попадать в промежутки между пальцев.

Это глубоко впечатлило Пикассо, и он прожил с Дорой еще несколько лет втайне от Хохловой.

© Sputnik / Алексей Свердлов

Репродукция картины Пабло Пикассо “Свидание”

Читайте также:  Описание картины архипа ивановича куинджи «волга»

Душевные расстройства Пикассо

На протяжении его жизни и даже после смерти, Пикассо приписывали целый букет психических заболеваний. Впрочем, для этого не обязательно быть психиатром.

Чрезмерно завышенная самооценка Пикассо, чувство абсолютного превосходства и уникальности, и крайний эгоцентризм соответствуют критериям нарциссического расстройства личности, описанного в Международной Классификации Болезней (МКБ) четвертого издания.

Шизофренический статус Пикассо подвергается серьезным сомнениями со стороны медицинского сообщества, так как не представляется возможным диагностировать по картинам настолько сложное заболевание, но достоверно известно, что Пикассо страдал тяжелой формой дислексии — нарушение способности читать и писать при сохранении нормального интеллекта.

Пабло Пикассо умер в 1973-м в возрасте 91 года.

© Sputnik / РИА Новости

Пабло Пикассо беседует с Марселем Кашеном и Жаком Дюкло

Факты

• Пикассо был крайне суеверным. В последние годы жизни он запрещал своей жене отдавать его обноски их садовнику, опасаясь, что тот случайно смахнет с одежды его гениальность.

• Полное имя — Па́бло Дие́го Хосе́ Франси́ско де Па́ула Хуа́н Непомусе́но Мари́я де лос Реме́диос Сиприа́но де ла Санти́сима Тринида́д Ма́ртир Патри́сио Руи́с и Пика́ссо

• Картина Пикассо “Алжирские Женщины” — самая дорогая картина, когда-либо сошедшая с аукциона. В 2015-м ее приобрели за 179 миллионов долларов.

• Пикассо ненавидел водить из страха повредить свои руки. Его роскошным лимузином Hispano-Suiza всегда управлял личный водитель.

• У Пикассо был роман с Коко Шанель. Как вспоминала мадемуазель Шанель, “Пикассо был единственный мужчина во втором тысячелетии, который меня возбуждал.” Однако сам Пикассо опасался ее, и часто жаловался, что Коко была слишком известная и непокорная.

• Про самовлюбленность и астрономическую самооценку Пикассо ходят легенды. Впрочем, некоторые слухи вовсе таковыми и не являются. Легендарный художник однажды сказал другу: “Бог — это тоже художник… как и я. Я — Бог”.

Источник: https://sputnik-ossetia.ru/spravka/20171026/5125710/pablo-pikasso-biografia-lichnaya-zhisn.html

Абсент и Пикассо

ГАЛЕРЕЯ

Абсент сложно назвать просто алкогольным напитком. Несмотря на то, что он не обладает такой многовековой историей, как, например, вино, абсент заслужил право называться

отдельным уникальным явлением в мировой культуре.

Портрет Пикассо, выполненный Хуаном Грисом (1912)

Во времена Прекрасной эпохи Зеленая фея – прозвище данное за его характерный цвет – был излюбленным напитком богемы в Париже. Питье абсента было своеобразным

ритуалом, символизирующим переход в вечер.

Бокал абсента 1910 год

Эффект от употребления абсента может быть самый разнообразный: спокойное расслабление, необыкновенная бодрость, эйфория, внезапный смех, агрессия, галлюцинации, нарушение

зрения, изменение цветов.

Пабло Пикассо Любительница абсента 1901

«Зеленую фею» (или, согласно Полю Верлену, «зеленую ведьму») воспевали в числе прочих Артюр Рембо, Оскар Уайлд и Эрнест Хемингуэй, увековечивали на своих полотнах Эдгар

Дега, Эдуар Мане, Анри Тулуз-Лотрек, Винсент Ван Гог и другие


Эдгар Дега Абсент (В кафе) 1873

Эдуар Мане Любитель абсента 1859


Анри де Тулуз-Лотрек Пьющая абсент в Гренель 1886


Винсент Ван Гог Натюрморт с абсентом 1887


Жан-Франсуа Рафаэлли Пьющие абсент 1881

Но все же, когда заходит речь об отношении этого напитка к живописи, на ум едва ли
не первой приходит «Любительница абсента» Пабло Пикассо.

Молодому испанцу посчастливилось жить в Париже в то время, когда здесь можно было в полной мере вкусить все прелести богемной жизни, включая походы по борделям в компании таких же полунищих художников и беспрепятственное употребление абсента.

Но во французскую столицу Пикассо переедет только в 1904 году, а пока же он постоянно курсирует между Парижем и Барселоной, работая, как проклятый, и страдая от безденежья и неустроенности. «Любительница абсента» появляется на свет именно в этот период, который при всем желании нельзя назвать счастливым.

В 1903 году Пикассо напишет «Портрет Анхеля Фернандеса де Сото», герой которого изображен за столиком перед

бокалом абсента.


Пабло Пикассо Портрет Анхеля Фернандеса де Сото 1903

В 1912 году художник вновь увековечит любимый напиток в

кубистической работе «Бутылка «Перно» и бокал».


Пабло Пикассо Столик в кафе

И, наконец, в 1914-м, за год до того, как «зеленая фея» была запрещена во Франции,

Пикассо создает скульптуру «Бокал абсента».


Пабло Пикассо Бокал абсента 1914 • Бронза, Глина

До легализации напитка в европейских странах художник не дожил.

«Любительница абсента» не отличается оригинальным сюжетом. Одиноких людей за столиком кафе до Пикассо и после него изображали многие живописцы. Однако именно в исполнении испанского художника эта тривиальная сцена обретает отпечаток глубокой драмы.

На картинах «голубого периода» («Голубой период» считается первым в творчестве Пикассо. Молодой художник приехал покорить Париж в 1901 и в этом же году потерял своего близкого друга Карлоса Касамегаса, который покончил жизнь самоубийством. Мрачная живопись с трагическими персонажами.

) Пикассо неоднократно будет изображать

людей, похожих на героиню этого полотна

Пабло Пикассо Арлекин и его подружка (Странствующие гимнасты) 1901

Пабло Пикассо Женщина с шиньоном 1901

Пабло Пикассо Портрет Себастьяна Видала с женщиной 1903


Более того, любителей абсента за стол в этот период он усадит еще дважды


Пабло Пикассо Любительница абсента 1901

Женщина с описываемой здесь картины сидит в углу на фоне грязно-красных стен и,
с одной стороны, кажется полностью погруженной в себя,


Пабло Пикассо Абсент

а с другой – производит впечатление сжатой пружины. Окружающее пространство будто бы стискивает ее со всех сторон, а сама она обхватывает себя неестественно длинными пальцами, словно хочет занимать как можно меньше места. Этот эффект «невидимости» только усиливает ощущение отверженности, одиночества среди толпы, которое хоть раз

в жизни испытывали большинство людей.

artchive.ru

Источник: https://ngasanova.livejournal.com/1715111.html

Две ярких истории из жизни Пабло Пикассо

Молодой Пабло Пикассо. Фото 1904 года.

Друзья и знакомые Пабло Пикассо (Pablo Picasso) описывали как крайне заносчивого и высокомерного человека, свято уверенного в своей исключительности.

Но он и правда был невероятно талантливым и чрезвычайно трудолюбивым: Музей современного искусства в Нью-Йорке оценивает количество работ, созданных Пабло Пикассо за всю свою жизнь в число, близкое к 20 тысячам.

Но здесь стоит вспомнить, что Пикассо был не только художником, но и скульптором, графиком, театральным художником, дизайнером и керамистом.

Пабло Пикассо на фоне собственной картины.

Сейчас работы Пикассо являются самыми дорогими в мире живописи. Так, в 2010 году его картина «Обнажённая, зелёные листья и бюст» была продана на аукционе «Кристис» за 106 482 000 долларов.

А всего за два года до этой сделки объем продаж работ художника уже оценивали в 262 миллиона долларов.

Самой же дорогой картиной стала работа Пабло Пикассо «Алжирские женщины (версия О)», которая поставила рекорд не только среди работ самого художника, но и вообще во всей истории продажи произведений искусств с аукционов: картина ушла за рекордные 179 365 000 долларов США.

Портрет Пабло Пикассо.

Тем удивительней выглядит история, случившаяся с молодым Пикассо по его приезду в Париж. В столице Франции он подружился с поэтом и журналистом Максом Джакобом, с которым напополам они стали снимать маленькую комнату.

Денег ни у одного, ни второго не было, зато амбиции били через край.

В комнате была всего одна кровать, и они решили поделить возможность спать “поровну” – Макс спал ночью, так как его деятельность была связана с многочисленными встречами днем, а Пабло отдыхал в дневное время, предпочитая спокойствие и тишину ночи для работы над своими картинами.

Репродукция картины “Девочка на шаре

Это было время расцвета культуры в Париже, многие художники и писатели прибывали в этот город в погоне за славой. Но Пикассо тогда отчаянно не везло.

Ни получить работу, ни продавать свои картины у него особо не получилось. И с приходом зимы ситуация особенно усугубилась, так как снимаемая комната оказалась совершенно неприспособленной для холодов.

В то время художнику приходилось сжигать собственные картины, чтобы хоть как-то согреться.

Старый гитарист.

Таким образом Пикассо сжигал не только результаты своих трудов, но и свои затраты на краски и холсты, не имея возможности вернуть потраченное с помощью продаж готовых картин.

Неудивительно, что из Парижа художник направился вскоре в гораздо более благоприятную по климату Барселону. Там начался так называемый “Голубой” период – художник создавал свои картины в сине-зеленых тонах, большей частью отображая негативную сторону жизни.

Именно тогда были созданы знаменитые картины «Любительница абсента» (1901), «Нищий старик с мальчиком» (1903) и «Трагедия» (1903).

Репродукция картины П. Пикассо *Бутылка перно (столик в кафе)*.

Пробыв два года в Испании, Пикассо снова возвращается во Францию и селится в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар.

Монмарт был тем местом, где жизнь по-настоящему бурлило, где всегда что-то происходило, и это не могло не отобразиться на мироощущении художника.

Так, его “Голубой” период сменился “Розовым,” и в картинах появились новые сюжеты: в основном, художник изображал бродячих артистов.

Молодой Пабло Пикассо.

В 1911 году, когда Пикассо, будучи уже частью парижской богемы, был довольно известным художником, его, также как и его друга Гийома Аполлинера, обвинили в краже картины из Лувра. Это была та самая кража, которая впоследствии сделала картину “Мона Лиза” такой знаменитой.

Пабло Пикассо «Женщина, пьющая абсент» (1901).Картина *Нищий с мальчиком* времени так называемого Синего периода Пикассо.

Считается, что обвинение было связано с тем, что накануне этого события Пикассо приобрел несколько картин у другого художника – Жери Пьере, не зная, что картины были крадеными. И выкрадены эти картины были именно из Лувра.

Впоследствии выяснилось, что вором был работник Лувра – итальянский мастер по зеркалам Винченцо Перуджа.

Читайте также:  Описание картины ивана куликова «с праздником»

Источник: https://homsk.com/trombon/dve-yarkikh-istorii-iz-zhizni-pablo-pikasso

Презентация – Пабло Пикассо

Слайд 1

ПАБЛО ПИКАССОТрифонова Людмила Петровна Учитель ИЗО, МХК МБОУ Ареинская СОШ Нижнгородская область Составлена на основании программы Даниловой Г.И. «Мировая художественная культура»

Слайд 2

Детство и годы обучения (1881-1900) Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в городе Малага, анадалузской провинции Испании. Пабло рано проявил талант к рисованию.

Уже с 7 лет он учился у своего отца технике рисования, который сначала поручал ему дописывать лапки голубей на своих картинах.

Но однажды, доверив тринадцатилетнему Пабло дописать довольно большой натюрморт, он был настолько поражен техникой сына, что, по легенде, сам бросил заниматься живописью.

Слайд 3

В возрасте 13 лет Пабло Пикассо с блеском поступил в Барселонскую Академию художеств. На подготовку к экзамену, обычно занимавшую у студентов месяц, у Пикассо ушла неделя. Он поразил комиссию своим мастерством и был принят в Академию несмотря на свой юный возраст.

Отец Пикассо совместно с его дядей решили послать Пабло в Мадридскую академию “Сан Фернандо”, считавшуюся на тот момент самой передовой Школой искусств во всей Испании. Так, Пабло в 1897 году в возрасте 16 лет приехал в Мадрид.

Однако занятия в Школе искусств продлились недолго, меньше года, и Пабло был захвачен всеми другими прелестями мадридской жизни, а также изучением работ впечатливших его тогда художников – Диего Веласкеса, Франсиско Гойи, и в особенности Эль Греко.

Слайд 4

Во время обучения в Мадриде Пикассо совершил свое первое турне в Париж – признанную тогда европейскую столицу искусств. Там он в течение нескольких месяцев посетил все без исключения музеи, изучая живопись великих мастеров: Делакруа, Тулуз-Лотрека, Ван-Гога, Гогена и многих других.

Также он увлекался искусством финикийцев и египтян, готической скульптурой, японской гравюрой. Пабло интересовало абсолютно все. Тогда же, в первые годы жизни в Париже он познакомился с коллекционером и торговцем живописью Амбруазом Волларом, поэтами Максом Жакобом и Гийомом Аполлинером и многими другими.

Он вновь посещал в Париж в 1901 и в 1902 году и уже окончательно перебрался туда к 1904 году.

Слайд 5

“Голубой” период (1901-1904) “Голубой период”, пожалуй, первый этап в творчестве Пикассо, применительно к которому можно говорить об индивидуальности мастера: несмотря на все еще звучащие ноты влияний, мы уже имеем дело с проявлением истинной его индивидуальности. Первый творческий взлет, как ни странно, был спровоцирован долгой депрессией.

В феврале 1901 г. в Мадриде Пикассо узнал о смерти своего близкого друга Карлоса Касагемаса. 5 мая 1901 г. художник второй раз в своей жизни приехал в Париж, где все напоминало о Касагемасе, с которым он совсем недавно открывал для себя французскую столицу.

Пабло поселился в комнате, где провел свои последние дни Карлос, завел отнюдь не платонический роман с Жермен, из-за которой тот покончил с собой, общался с тем же, что и он, кругом людей. Можно представить, в какой сложный узел сплелись для него горечь потери, чувство вины, ощущение близости смерти…

Все это во многом послужило тем “сором”, из которого вырос “голубой период”. Позже Пикассо говорил: “Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касагемас мертв”.

Слайд 6

Однако в июне 1901 г. на первой парижской выставке Пикассо, открытой Волларом, еще нет никакой “голубой” специфики: 64 представленные работы яркие, чувственные, в них ощутимо влияние импрессионистов.

Началом собственно “голубого периода” считается созданный в том же 1901 г. “Портрет Хайме Сабартеса”.

Сам Сабартес сказал об этой работе: “Разглядывая себя самого на полотне, я понял, что именно вдохновило моего друга, – это был весь спектр моего одиночества, увиденный извне”.

Слайд 7

Ключевыми словами для этого периода творчества Пикассо действительно являются “одиночество”, “боль”, “страх”, “вина”, примером тому может служить “Автопортрет” мастера, созданный за несколько дней до отъезда в Барселону.

Слайд 8

В январе 1902 г. он вернется в Испанию, не сможет остаться – слишком уж тесен для него испанский круг, слишком манит его Париж, снова отправится во Францию и проведет там несколько отчаянно тяжелых месяцев.

Работы не продавались, жилось очень тяжело. Ему пришлось вновь вернуться в Барселону и последний раз задержаться там на целых 15 месяцев.

Здесь созданы такие шедевры “голубого периода”, как “Свидание (Две сестры)”, “Трагедия”, “Старый еврей с мальчиком”

Слайд 9

Картины «голубого периода».”Любительница абсента” 1901″Старый гитарист» 1903″Завтрак слепого” 1903

Слайд 10

Картины «голубого периода». “Склонившийся Арлекин” 1901″Гурман” 1901Аскет 1903

Слайд 11

“Розовый” период. (с осени 1904 г. до конца 1906 г.) «Розовый период» в творчестве Пикассо был относительно недолгим (с осени 1904 г. до конца 1906 г.) и не вполне однородным.

Однако большое количество картин отмечено светлым колоритом, появлением жемчужно-серых, охристых и розово-красных тонов; появляются и становятся доминирующими новые темы – актеры, акробаты, атлеты.

Цирк Медрано, располагавшийся у подножия Монмартрского холма, безусловно, давал массу материала для подобных работ.

Театральность во многих ее проявлениях (костюмы, акцентированные жесты), разнообразие типов людей, прекрасных и безобразных, юных и взрослых, казалось бы, «вернули» художника в мир несколько преображенных, но реальных форм, объемов, пространств; образы вновь наполнились жизнью, в противоположность многим статичным и словно «застылым» персонажам «голубого периода».

Слайд 12

Уже на выставке в галерее Серюрье (25 февраля – 6 марта 1905 г.) были показаны работы, знаменующие начало нового этапа творчества мастера, – “Актер” и “Сидящая обнаженная”.

Также к началу “розового периода” относятся замечательные картины “Женщина в рубашке”, “Акробаты. Мать и сын”. Одним из признанных шедевров этого периода является полотно “Семейство комедиантов«.«Актер» “Акробаты.

Мать и сын”. “Женщина в рубашке”,

Слайд 13

Картины «розового периода».”Дама с веером” 1905″Стрижка” 1906″Автопортрет с палитрой” 1906

Слайд 14

В 1907 году появилась знаменитые “Авиньонские девицы”. Над ними художник работал больше года – долго и тщательно, как не работал до этого над другими своими картинами. Первая реакция публики – шок. Матисс был в бешенстве. Даже большинство друзей не приняли эту работу.

“Такое ощущение, что ты хотел накормить нас паклей или напоить бензином”, – говорил художник Жорж Брак, новый друг Пикассо. Скандальная картина, название которой дал поэт А.

Сальмон, была первым шагом живописи на пути к кубизму, а многие искусствоведы считают ее отправной точкой современного искусства.

Слайд 15

Кубизм (1909 – 1917) В “кубическом” периоде Пикассо выделяют несколько этапов.”Сезанновский” кубизм”Бидон и миски” (1908)”Три женщины” (1908)”Женщина с веером” (1909)

Слайд 16

“Аналитический” кубизм :предмет дробится на мелкие части, которые чётко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте.”Портрет Амбруаза Воллара” (1910)”Завод в Хорта де Сан Хуан” (1909)”Портрет Канвейлера” (1910)

Слайд 17

На этапе “синтетического” кубизма работы Пикассо принимают декоративный и контрастный характер. Картины изображают по большей части натюрморты с различными предметами: музыкальными инструментами, нотами, бутылками вина, курительными трубками, столовыми приборами, афишами..”Натюрморт с плетеным стулом” (1911-1912), “Скрипка м гитара” (1913) Бутылка перно (столик в кафе)” (1912)

Слайд 18

Неоклассицизм (1918 – 1925) Весной 1917 года поэт Жан Кокто, сотрудничавший с Сергеем Дягилевым, предложил Пикассо сделать эскизы костюмов и декорации к будущему балету. Художник отправился работать в Рим, где влюбился в одну из танцовщиц Дягилевской труппы – Ольгу Хохлову. Они поженились в 1918 году, а в 1921-м у них родился сын Поль.

Слайд 19

В это время его полотна очень далеки от кубизма; на них: ясные и понятные формы, светлые тона, правильные лица.

Самая выразительная картина этих лет – “Портрет Ольги в кресле” (1917) Пикассо активно критиковали за смену стиля, как прежде критиковали за кубизм.

На эти обвинения он ответил в одном из интервью: “Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано”

Слайд 20

Другие картины “реалистического” периода.«Купальщицы»(1918)”Женщины, бегущие по пляжу” (1922)”Детский портрет Поля Пикассо” (1923)

Слайд 21

Сюрреализм (1925 – 1936) В 1925 году Пикассо написал картину «Танец».Агрессивная, болезненная, с деформированными фигурами, она отражает тяжелый период в семейной жизни художника и одновременно провозглашает новый перелом в его творчестве.

Слайд 22

Война в Испании. Герника. Вторая мировая война (1937-1945) Начиная с 1930-х годов в творчестве Пикассо появляется такая ключевая для него тема и образ как бык, Минотавр.

Художник создает целый ряд работ с этим персонажем (“Минотавромахия”, 1935), при этом миф о Минотавре Пикассо трактует по-своему. Для Пикассо бык, Минотавр – это разрушительные силы, война и смерть.

Апогеем развития этой темы стала знаменитая картина

Слайд 23

Апогеем развития этой темы стала знаменитая картина Пикассо “Герника” (1937). Герника – это маленький городок басков на севере Испании, практически стертый с лица земли немецкой авиацией 1 мая 1937 года.

Эта огромная (почти восемь метров в длину и три с половиной в высоту) монохромная (черный, белый, серый) картина была впервые выставлена в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже.

Слайд 24

Последние годы (конец 60-х – 1973) В позднем творчестве художник часто обращается к женскому портрету (портреты Жаклин Рок). Жаклин остается последней и верной женщиной Пикассо и ухаживает за ним, уже больным, ослепшим и плохо слышащим, до самой его смерти.

Умер Пикассо 8 апреля 1973 в возрасте 92 лет, мультимиллионером, в городе Мужене во Франции и похоронен около принадлежавшего ему замка Вовенарг. Он оставил после себя более 80 тысяч работ (по другим сведениям около 20 тысяч). О смерти сам Пикассо говорил так: “Я все время думаю о Смерти.

Читайте также:  Описание картины павла судакова «к вечеру»

Она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня”.

Еще при жизни художника, в 1970 году был открыт Музей Пикассо в Барселоне (картины для этого музея передал сам Пикассо), а в 1985 усилиями наследников художника – уже был создан Музей Пикассо в Париже, насчитывающий более 200 картин, более 150 скульптур и несколько тысяч рисунков, коллажей, эстапмов, документов.

Слайд 25

ИСТОЧНИКИУчебник для 11 класса «Мировая художественная культура» Данилова Г.И. «Введение в искусствознание» А.Н.Донин Коллекция: мировая художественная культура Энциклопедия искусства

Источник: http://topslide.ru/mhk-izo/pablo-pikasso

Описание картины Пабло Пикассо «Натюрморт». Пикассо пабло описание картин

Главная » Пикассо картины » Пикассо пабло описание картин

В 1912 году, Пабло Пикассо пишет очень оригинальную картину “Столик в кафе (Бутылка перно)”. Это своего рода натюрморт любимого напитка художника, который он часто изображал в своих работах, но на данном полотне впервые была попытка изобразить бутылку абсента в новом стиле кубизм.

В этот период творчества, знаменитый художник зачастую прибегал к необычной технике письма, при которой предметы изображались в виде мелких однородных деталей или разбитых зеркал, без плавных и гармоничных структур.Глядя на картину, мы видим небольшой деревянный столик, который располагается в кафе.

На нем стоит бутылка перно и рядом с ней рюмка на ножке. Эти два элемента выполнены в серо-зеленых тонах. За главными предметами натюрморта наш взгляд цепляется за четкие буквы, составляющие обрывки слов и цифр.

Картина буквально пропитана динамикой, взбудораживая голову, словно абсент, который мы видим на столике.

Пабло Пикассо является одним из первых основателей кубизма.

В своей работе “Столик в кафе (Бутылка перно)” он демонстрирует, что для восприятия обычного предмета достаточно отказаться от правдоподобных принятых норм изображения, продемонстрировав новые возможности письма.

Все элементы изображены совокупностью графических объёмных предметов, заключённых с помощью цветовой палитры в одну совокупность, образующую в нашем сознании представленный предмет.

После приобретения долгожданной популярности, Пабло Пикассо стал ассоциироваться у зрителей в основном как основоположник кубизма.

Но художника не устраивало такое положение дел, потому что он хотел только лишь донести свою творческую мысль и идею своей работы таким необычным способом.

Картина “Столик в кафе (Бутылка перно)” стала одним из последних шедевров Пикассо, написанных в этом необычном стиле.

opisanie-kartin.com

Описание картины Пабло Пикассо «Дружба»

В 1908 году известный художник Пабло Пикассо создал картину «дружба». В это время формировался такой стиль искусства, как абстрактный кубизм, который часто называют «сезанновским» кубизмом.

Для этого стиля свойственно изображение цельных предметов разложенными на мелкие элементы, что прослеживается в творчестве Пикассо, в частности, при изображении фигур на картине «Дружба». Их художник представил нам немного грубоватыми, простыми, но четко выделяющимися на затемненном фоне.

Знаменитое полотно «Дружба» открывает взору зрителя необычную композицию – две фигуры обнаженных женщин. Тона, которые применил мастер кисти, очень теплые, кажется, будто они сохраняют запах земли. Насыщенность цвета, а также цветовая палитра (оттенки коричневого, темно-зеленого и золотистого) только подчеркивают то, что картину можно отнести к «африканскому периоду».

Фигуры женщин немножко громадны, создается впечатление, что они сложены из деревянных деталей. Они, конечно, угловаты, но все-таки скульптурны. Женские фигуры Пикассо – это искусство многих народов. Они такие же естественные, как вся планета Земля, безо всяких новинок цивилизации.

Все формы женского тела выстроены из геометрических фигур, подчеркнутых тенями, ведь это типично для кубизма. А еще на полотне Пикассо «Дружба» контрастно построена композиция и ощущается ритм форм, цветов и линий.

При рассматривании картины взгляд созерцателя перемещается от верхнего угла, который затемнен, до более светлых оттенков.

Решение этого произведения искусства довольно обобщенное. Черты лица настолько упрощены, что в виде знаков напоминают маски для ритуалов и изображают какую-то отрешенность. Надо сказать, что Пикассо не имитирует внешность скульптур женщин-негритянок, а делает скачок к «концептуальному» искусству.

opisanie-kartin.com

Описание картины Пабло Пикассо «Натюрморт»

Картина «Натюрморт» согласно подписям под ней самого автора называлась – «Порей, череп и персики», и была создана в 1945 году.

В этот период художник создает целый ряд картин подобного рода, с одним и тем же сюжетом, но с изменением некоторых деталей.

Среди нагромождения всевозможных треугольников на картине явственно просматривается череп, тем явственней, чем больше его округлые формы отличаются от окружающей остроты углов.

«Натюрморт» написан в конце войны, которая так поразила художника, что ей он посвятил целый период своей жизни, так и называемый в искусстве – «Война. Герника». И действительно картины этого периода темные и мрачные, так в «Натюрморте» преобладают сиреневые и синие краски, и только золотистый череп выделяется из общего плана картины.

Но создав центр картины темным, как бы призывая зрителя посмотреть именно в эту сторону, Пикассо осветлил края полотна, придав им вид расходящихся солнечных лучей.

Видимо такое написание не случайно, поскольку война уже заканчивалась, и впереди маячило светлое будущее, в котором больше не будет черепов и костей, но по-прежнему останутся натюрморты.

Данная картина принадлежит к серии из трех подобных картин, которые носят такие же названия, но имеют слегка видоизмененный сюжет, написаны картины одновременно, и чтобы их как-то разделить, принято вводить цифровое деление от 1 до 4, так как именно столько картин под одним общим названием написал художник. Сам он себя величал Чертом, и потому, когда ему задавали вопросы о том, зачем он изображает в картинах настолько гнетущее воплощение смерти, отвечал, что Черту больше изображать то и нечего.

На самом деле жизнь художника не была настолько мрачна, как этом жжет показаться из черепа, изображенного на картине, поскольку Пикассо прожил до 90 лет и умер уже в известности, хотя самая настоящая слава все же пришла после смерти.

opisanie-kartin.com

Источник: http://evg-crystal.ru/pikasso-kartiny/pikasso-pablo-opisanie-kartin.html

Пабло Пикассо (кубизм)

    К концу 1909 года амбициозного 28-летнего Пабло Пикассо покинула уверенность в своих силах. Тяжело и мучительно он расставался с героями своих картин: меланхоличными циркачами, акробатами, любителями абсента, завсегдатаями кафе.

С их тихой печальностью, с не по годам помудревшими глазами детей, глядящими в бескрайнюю даль и потупленным взглядом матери – с лицом Фернаны Оливье – натурщицы и первой спутницы жизни Пикассо. Эти картины своим настроением печальной элегии, напоминали изображения Святого семейства эпохи Возрождения.

Время в картинах текло медленно и спокойно, иногда вовсе останавливалось, почти замирало, чтобы поведать о чем-то важном.

   И вдруг все сорвалось, понеслось куда-то…

   Небольшого роста и крепкого телосложения «чудаковатый испанец с горящими глазами», рядом с ним высокая – на голову выше своего кавалера – стройная и красивая Фернанда Оливье, Девять лет они вместе. Он бесконечно рисует ее портреты, но что-то случилось в их отношениях. С каждым портретом его раздражение все более и более отпечатывается в изображениях.

Видимо, усталость от многочисленных экспериментов, не приносящих ожидаемого качественного результата; психологическая усталость от объекта изображения; понимание невозможности преодолеть найденную трактовку модели, когда удачная трактовка превращается в неискоренимый и впечатанный в мозг шаблон, диктующий свои условия, приводящие в крайнее раздражение.

Его тяготит её присутствие.

    Следующий, 1910 год – аналитический период кубизма – Пикассо прекращает собственные эксперименты с формой и берет за основу метод Жоржа Брака. Основным жанром его творчества становится натюрморт. Портрет является скорее исключением.

    Он расстается с Фернандой. В его жизни появляется Марсель Умбер. Ева, – так называл ее Пикассо. Это случилось в 1911 году. Их встреча не просто совпала, но стимулировала Пикассо к переходу в новую фазу развития кубизма – синтетическому периоду. Он не рисует ее портреты, но фиксирует ее присутствие в его жизни в названиях картин: “Я люблю Еву!”

    Яркий, праздничный, сбросивший математически выверенные, сковывавшие своей методологической правильностью путы аналитического периода, следующий период похож на свободные изощренные джазовые импровизации.

Художник каким-то странным образом равнозначно сочетает в картинах творческую глубину, расчетливую сделанность коммерческого продукта, простоту метода и формы. Способность и умение Пикассо добиваться совершенства достигает наивысшей точки.

Еще не было всенародного признания, но многие выдающиеся люди своего времени увидели в этом печать гениальности. 

“Фрукты Блюдо”

“Дом на холме, Орта-де-Эбро”

“Дом в саду”

“Девушка с мандолиной”

“Две обнажённые фигуры”  1908 г. 

“Женщина с веером”  1908 г. 

“Кирпичный завод в Тортосе”  1909 г.  

“Голова женщины”  1909 г. 

“Женщина с веером”  1909 г. 

“Женщина с грушами (Фернанда)”  1909 г. 

“Водохранилище, Орта-де-Эбро”

“Бокал абсента”  1910 г. 

“Портрет Даниэла-Генри Кавейлера”  1910 г.
“Голубиный горох”

“Натюрморт с плетеным стулом”  1911 г. 

“Бутылка перно” (столик в кафе)  1912 г. 

“Обнажённая, Я люблю Еву” 1912 г. 

“Скрипка”  1912 г. 

“Гитара”  1913 г. 

“Портрет Амбруаза Воллара”  1915 г.  

“Зеленый натюрморт”

L'Amateur, Le Torrero

“Скрипка Джоли Ева”

“Кларнет и скрипка”

“Композиция с разрезанной грушей”

“Музыкальные инструменты”

“Трубка, стекло, бутылка рома”

“Скрипка в кафе”

“Фруктовая тарелка, бутылка и скрипки”

“Три музыканта”  1921 г. 

“Натюрморт с гитарой”  1921 г. 

Закономерности развития искусства от импрессионизма до наших дней:

(см. посты)

__________________________________________________________________________________

 (продолжение следует)

Источник: http://newart-paintab.blogspot.com/2013/04/blog-post_14.html

Ссылка на основную публикацию