Описание картины сальвадора дали «меланхолия»

Альбрехт Дюрер «Меланхолия» | Капля света

Главная » История одной картины » Альбрехт Дюрер «Меланхолия»

Рубрика «История одной картины»

Резцовая гравюра на меди, 23,9×18,8 см

Изображение увеличивается

«Бодрствуй, иначе впадешь в леность и забвение… Памятуй, что ты должен  выполнить  миссию,  которую  Провидение  назначило  тебе. Когда  наступит  время,  оно  откроет  тебе  глаза  и  направит  по нужному  пути. Будь  всегда  к  этому  готов… Внимательно  прислушивайся, и ты услышишь, когда прозвучит призыв!..»

Древние астрологи о Сатурне

Сидит крылатая женщина в задумчивости, её окружают предметы: измерительные, столярные инструменты. Неподалёку лежит шар (возможно, он деревянный, выструганный недавно). Обилие деталей не отвлекает внимание от крылатой фигуры.

Она выделяется на общем плане, словно находится вне (или над?) окружающего мира. События, жизнь проходят без её участия. Песочные часы на стене усиливают это ощущение.

И всё это называется меланхолия, что понятно из надписи, которую несёт летучая мышь (так её называют искусствоведы, хотя я летучую мышь в этом хвостатом существе мало узнаю).

Сколько символов, аллегорий, какая продуманная до мелочей композиция! Для людей, живущих в те времена (1514 год), подобные иносказания были более-менее понятны.

Что для нас эта гравюра? Если не вдаваться в толкования, имея перед глазами лишь изображение да название?

Многим, должно быть, известно это состояние мрачной тоскливой бездеятельности, при которой разум не отключён, он бодрствует, но нет сил и желания что-либо делать. Мне видится именно это.

Да что говорить! Сколько раз я сама так сидела (задумавшись) среди книг, бумаг и прочих своих «инструментов» писательства, только, в отличие от картины, рядом дремала кошка, а не собака.

На гравюре Дюрера изображена именно такая меланхолия, не депрессивное состояние, когда кажется, что всё плохо, а состояние усталости, задумчивости, вызванное не ленью, но сложной задачей, ношей, уделом. Здесь подойдут слова английского писателя Клайва Баркера, на мой взгляд передающие самую суть гравюры:

Дюрер создал «Меланхолию» в тяжёлое время: в тот год умерла его мать, разгорались войны и восстания, Европа стояла на пороге Реформации.

«Столько вопросов, но почему нет на них ответов!» — словно хочет воскликнуть Дюрер через изображение.

«Меланхолия» — последняя из серии трёх «мастерских гравюр» Дюрера. Первые две это «Иероним в келье» и «Рыцарь и смерть».

Во всех трёх присутствует действующее лицо (рыцарь, Иероним, крылатая женщина) или, как считают искусствоведы, описано три разных состоянии души человека.

А Станислав Зарницкий полагает будто на гравюрах описаны три состояния великого Мартина Лютера, идеи которого разделял живописец. Также из гравюры в гравюру кочуют часы, пёс и некоторые другие символы. Но «Меланхолия» ими просто перенасыщена.

Источник: http://kaplyasveta.ru/istoriya-odnoj-kartiny/albrext-dyurer-melanxoliya.html

В чем загадка картины дюрера “меланхолия “?

Гравюре Дюрера посвящены несколько томов исследований, однако еще ни один из авторов не дал однозначного ответа на вопрос, в чем суть таинственного послания 43-летнего мастера. Чтобы направить мысль зрителя и дать ключ к разгадке своего послания, Дурер снабдил гравюру комментарием.

Впрочем, комментарий Дюрера ставит лишь новые вопросы. Что означает крылатая фигура, изображенная на гравюре, и почему от нее исходит такая печаль? Отчего именно Меланхолии Дюрер отдал центральную роль с своих философских размышлениях о таинствах творчества и основах бытия?

Есть основания полагать, что художник находился под влиянием учения знаменитого астролога, астролога и алхимика Агриппы Неттесгеймского.

Он утверждал, что мир можно постичь с помощью осоых типов магии – физической, религиозной и астральной.

Он подчеркивал, что характер, свойственный меланхоликам, способствует развитию ума и обостряет чувства и что именно такие личности ближе всего к озарению. А потому меланхолия – не удел унылых и мрачных людей, а божественный дар.

Меланхоликов он подразделял на три типа. Первые, обладая богатым воображением, становятся художниками и поэтами. Вторых отличает проницательный ум, свойственный политикам и ученым.

Третьи, наделенные обостренной интуицией, – прирожденные философы и богословы.

Возможно, римская цифра I, поставленная Дюрером рядом с надписью “Меланхолия”, указывает на то, что перед зрителями именно меланхолик первого типа.

Крылатый гений лишен возраста. Одетый в платье, он обладает мужскими чертами лица и неженственными руками. Его взор печален. Власть, богатство, ремесла, науки не дают ответа на вечные вопросы. Без дела брошены инструменты, необходимые ремесленнику-профессионалу. В руке остановился циркуль. Книга закрыта. В равновесии остановились чаши весов.

Внимание творца не привлекают ни магический шар, ни многогранник, ни загадочный математический квадрат. Его составил сам Дюрер. Сумма цифр на нем по вертикали, горизонтали, диагонали, а также по углам квадрата всегда одинакова – 34. В нижней строке зашифрован год создания гравюры – 1514. Все это – лишь игры ума и принадлежность мира тварного.

Только Всевышний способен управлять Вселенной. Он передвигает светила, являет радугу и отмеривает время.

За пределы гравюры, а значит – и нашего познания, уходит лестница. Кто-то невидимый позвонит в колокол, возвестив о начале богослужения или о Страшном Суде. Все человеческие усилия – суета сует. Ремесла и науки далеки от истины и абсолюта. Может ли земной творец, даже если он гений, прикоснуться к разгадке бытия?

Источник: http://www.bolshoyvopros.ru/questions/2053690-v-chem-zagadka-kartiny-djurera-melanholija-.html

Главная загадка Магритта – он просто дурил всем голову?

Беда  всех столиц – приезжие гости видят в сто раз больше, чем те, кто здесь живет. Зато в Европе народ легко мотается из страны в страну на премьеры, выступления любимых групп, интересные экспозиции. Рене Магритт – тот случай, когда действительно стоит рвануть в Вену даже из России – слишком редко собирается вместе столько разных его картин.    

Не скажу, чтобы я была каким-то особым знатоком или любителем этого бельгийца-сюрреалиста. Совсем ничего не знать о нем невозможно: его «Сын человеческий» – знаменитый мужик в котелке с нахлобученным на лицо яблоком – сегодня соперничает по узнаваемости с Джокондой.

Его лепят на футболки, наклейки, истово фотожабят,  в знаменитом фильме «Афера Томаса Крауна» симпатичный герой Пирса Броснана организует кражу в музее, переодевшись вместе с помощниками в этого знакового персонажа. Даже в «Симпсонах» «Сын» мелькает.

Чем он потряс наше воображение?

Не знаю. Возможно, так художник шутил на модную тему: даже самые солидные господа вынуждены заткнуться и ослепнуть, когда им застит свет искус Евиного яблока – сколько бы веков ни прошло. На выставке вы увидите несколько трансформаций этого нетленного образа.   

Наталья Барабаш

Профессиональный журналист, последние 16 лет работала в газете ” Комсомольская правда”, была шеф-редактором еженедельника “КП”  и заместителем главного редактора газеты. Сейчас  живет в Вене, очень любит этот город и готова рассказывать о нем бесконечно.

Впрочем, серьезные критики подводят под картины Магритта серьезные научные обоснования. Есть такое и для «Сына» – о первородстве греха, вечной печати грехопадения, загадке человеческого мировосприятия.

Искусствоведы вообще называют Магритта родоначальником особого направления – магического реализма. То есть все предметы у него нарисованы правильно и похожи сами на себя – не то, что у его друга Сальвадора Дали.

  А вот отношения между этими предметами перепутаны и смещены, так что расческа может быть больше дивана, ножка от стола вдруг станет женской фигурой или воздвигнется вместо дерева, из камина на всех парах вылетит паровоз.

Лично мне показалось, что этот паровоз вполне мог быть навеян простым дымком подмокших дров из камина. Но это так банально.

Сам художник говорил, что не стоит искать в его картинах скрытый смысл. Не найдете. Потому что он пытается донести до публики знание: все не так, как нам кажется. Знакомые предметы просто замылили нам глаз.

А на самом деле мир непредсказуем, странен и чудесен. И если вы возьмете на выставке в Альбертине аудио-гид, то где-то картине на пятой можете смело его снять. Объяснения будут очень похожи.

Эта работа написана в таком-то году, в таком-то месте,  а что имел в виду художник– загадка.

Искусствоведы объясняют эту тягу Магритта к магии его биографией. Мать утопилась в реке, когда мальчишке исполнилось всего 14 лет, – и это была далеко не первая ее попытка суицида. В дальнейшем впечатлительный подросток полюбил играть на кладбище с черепами, и это якобы сформировало его характер: такую смесь экзистенциальной философии Гамлета с черным юмором веселого могильщика.

Ну не знаю. Сам Магритт в ужасе махал руками на этих заумных критиков (он ненавидел психоанализ, особенно в творчестве),  и устал уверять всех фрейдиствующих толкователей, что его детство тут ни при чем. Ну просто он так видит.

Лично я ему верю. Выставка в Альбертине заняла огромный этаж. И уже в первом зале я начала тихонько подхихикивать, а потом у некоторых картин – смеяться в голос.

Потому что видение Магритта – остроумно до блеска.

Судя по всему ему достался дар жонглирования предметами и формами, как некоторым дается талант играть словами: переставить слог или букву, поставить рядом два знакомых слова – и уже из привычного появляется что-то совсем новое, необычное и часто смешное. Особый вид зрения: сдирать с любого образа повседневную одежку и любоваться на то, что под ней скрывалось.   

Я уж даже подумала: а не дурил ли он публику своими рассуждениями о магии? По крайней мере объяснение к одной его картине показалось мне вполне земным и обыденным.

Он нарисовал зонтик. на котором стоит стакан воды. И назвал это «Каникулы Гегеля». Магритт вообще любил давать своим картинам непонятные и поэтические названия: не дай Бог, они что-то прояснят! Нет, только не это!  

Но тут в письме он опустился до пояснений. Мол, хотел нарисовать обычный стакан так, чтобы он не был безличен, а был гениален.

Долго делал наброски, рисуя внутри стакана штрих, затем штрих превратился в ручку зонта,  потом – в сам зонтик, затем зонт был вынут, и стакан торжественно водружен на него сверху.

Тут автор подумал, что этот рисунок мог бы на досуге понравиться Гегелю, ведь здесь тоже – борьба противоположностей: зонт хочет воды,   подхватывает ее и тут же отталкивает. Ну и назвал все это – «Каникулы Гегеля».

Так что никакой тайны и магии.   

Кстати,  именно самые знаменитые и дорогие картины Магритта – самые простые. В Вене выставлены несколько вариантов прославленной трубки. Обычная трубка, могла бы быть на рекламе табака (Магритт в свое время работал в рекламном агентстве), без всяких выкрутасов. Выкрутасы начинаются в подписи. «Это не трубка» – написал автор внизу и, довольный, умыл руки.

Читайте также:  Описание картины владимира маковского «не пущу»

Что там началось вокруг этой простенькой надписи! Можно только завидовать людям, которым казалось очень важным разъяснить эту проклятую загадку, и они делились на сторонников такого нагло-эпатажного  поведения художника и оппозиционеров.

Даже сам автор не ожидал подобной полемики и вынужден был объясниться.

–Во-о-от! – восклицал он. – Я о том и говорю! Вы смотрите на кусок холста и говорите, что это трубка. Ну так набейте ее табаком! Закурите ее! Не можете? Значит, не трубка! Короче, смеялся он над нами, вот что.

Самая известная его работа «Империя света» вообще на первый взгляд поразит воображение мещанской банальностью. Стоит себе особнячок у красивого озера. Мало мы видели таких особнячков?

Чувствуешь: что-то немного не то. Но понимаешь не сразу – через минуту – две. Я проверяла на людях, до этого незамутненных встречей с прекрасным – ну то есть Магриттом. Если не видели эту картину – проверьте себя. Ну, быстро – что на ней не так? Правильно. Дом и пейзаж находятся в ночи, а голубое небо с пушистыми облаками – явно из полудня.

– Зачем? Зачем вы так нарисовали? – благоговея, допытывались у него фанаты. Они не теряли надежды, что он раскроет-таки какую-нибудь зловещую тайну.

– А по-моему, совмещение дня и ночи удивляет и очаровывает! Я это называю поэзией! – лукаво отвечал автор. И не ошибся.

Этот пейзаж настолько очаровал коллекционеров,  что они готовы были платить огромные деньги даже за авторские копии – и всего художник сделал аж 16 вариантов знаменитой картины.

В 2002 году она побила все рекорды, когда была продана за 11, 5 миллионов долларов на аукционе Christie`s в Лондоне. В Вене целый зал отдан под разнообразные варианты Магриттовского сочетания дня и ночи.

Он и умер в 1967 году от рака, дописывая один из бесконечных вариантов этой «Империи света».

Кстати, самый загадочный и мистический сюрреалист  в жизни был примерным семьянином. Со своей будущей женой Жоржеттой он познакомился в 15 лет, а расписался в 1922 году.

И она стала его единственной женской моделью, всю жизнь посвятив мужу и его творчеству. Правда, им было не скучно – кинокадры и фотогалерея в одном из залов покажут нам их дурачества и милые семейные шутки.

Кажется, никакой загадочности в их уютном мирке не проглядывалось.   

Впрочем, одна мистическая тайна в жизни художника точно осталась. Сюрреалист Марсель Мариен в своей автобиографии «На плоту памяти» написал, что в 1950-х годах он и Магритт были связаны с… фальшивомонетчиками. В некоторых источниках пишут, что вдова художника подала на него в суд. И проиграла. Почему? Информация скудная и мутная.  Неужели Магритт все же вел тайную жизнь? Загадка, мистика…

Полезная информация:

Выставка Рене Магритта «Принцип удовольствия» проходит в музее Альбертина (Albertpinaplatz, 1, 1010) до 26 февраля.

Кроме известных полотен здесь представлены его ранние работы в области рекламы, рисунки, коллажи и эротические наброски (они демонстрируются за отдельной черной ширмочкой в одном из залов.

Если честно – смешно, но малоэротично, хотя за ширмой были замечены суровые ценители, по-честному вглядывающиеся в нарисованные части тела и пытающиеся найти там какую-нибудь разгадку).

Распорядок работы:

Ежедневно с 10 до 18, в среду – до 21 часа.

Стоимость билетов:

Взрослые – 11 евро, пенсионеры – 9 евро, студенты – 8 евро, школьники и дети до 6 лет – бесплатно.

Внимание! Если вы уже пришли сюда на Магритта, обязательно спуститесь на этаж ниже посмотреть прекрасную выставку импрессионистов: «От Моне до Пикассо».

После холодного остроумия бельгийца, воспринимающего мир как игры разума,  их работы согреют вам сердце тонкими нюансами чувств, пиршестовом сочного цвета и чем-то поистине загадочным, неуловимо-мерцающим, что, наверное, и называется душой… Билеты действительны.

И последнее. Этот год Вена будет просто утопать в выставках, так как в 2012 празднуется 150-летие самого известного художника Вены, обеспечившего городу половину сувенирной продукции: Густаву Климту. Большинство из них стартует с середины февраля, и я расскажу о них особо.

Сейчас и до 4 марта можно посмотреть в «Бельведере» экспозицию «Пионеры модернизма», где представлены Климт и его сподвижник Йозеф Хоффман.

В музее Леопольда идет выставка Эгона Шиле «Меланхолия и провокация» – в ней много и того, и другого.

В частности, на месте родителей я бы поостереглась вести сюда младших школьников: буйство плоти тут имеет совершенно конкретный первородный смысл: женщины располагаются, будто на кресле гинеколога, чтобы можно было рассмотреть все анатомические особенности, мужчины также гордо демонстрируют свои достоинства, все это соседствует с полными животной тоски пейзажами с суицидально настроенными домами, и яростными автопортретами.

С 24 февраля эту экспозицию в музее Леопольда сменит выставка «Густав Климт. Путешествие во времени», она продлится до 11 июня.

Читайте также

Источник: https://www.euromag.ru/euroblogs/132/glavnaja-zagadka-magritta—on-prosto-duril-vsem-golovu/

Описание картины Сальвадора Дали «Размышление». Дали описание картин

Главная » Картины дали » Дали описание картин

Сальвадор Дали – известный испанский художник прошлого века, прославившийся своим необычным отношением к искусству и написанию картин, за всю свою долгую жизнь много путешествовал. Целых 8 лет он жил вдали от своей любимой Испании вынужденный скрываться от фашистского режима генерала Франко в Америке.

Будучи в Соединенных Штатах Дали не только не теряет своего стремления создавать нечто не совсем обычное и экстравагантное, но и принимается за дело с большим энтузиазмом, чем вызывает немалое восхищение со стороны американского общества. Вскоре скандальное имя Дали стало хорошо известно многим знаменитостям, в особенности тем, кто проживал вблизи Голливуда, где художник без особого успеха пытался применить свой талант в области написания панорам и картин для фильмов.

В американский период его жизни были созданы весьма неплохие произведения, среди которых можно отметить и полотно «Голливуд» 1947 года. Персонажей на данном полотне довольно много, но главными являются изображение военного в форме и фигура полуголой девушки с дыркой вместо лица.

Фигура военного заключена в овал, который в свою очередь является часть удлиненного прямоугольника. Внизу и вверху картины изображаются какие-то непонятные фигуры, более напоминающие инопланетян, впрочем, некоторые из них весьма земные, так, в нижнем левом углу можно увидеть странную фигуру на двухколесном велосипеде.

Особенностью «Голливуда» является то, что если перевернуть картину можно увидеть вместо фигуры военного лицо девушки.

Скорее всего, при помощи этого фокуса художник пытался осмыслить истинную сущность Голливуда, изменчивого и непостоянного, того, который так долго высмеивал и не понимал великие чаяния талантливейшего художника XX века.

Спустя год после написания картины Дали вернулся на родину и зажил обычной жизнью, потому «Голливуд» можно считать последним даром гения приютившей его стране.

opisanie-kartin.com

Описание картины Сальвадора Дали «Мученик»

Картина принадлежит кисти известного сюрреалиста Сальвадора Дали. Полотно было создано в 1982 году. Изображение волею руки художника легло на холст масляными красками.

После того как Сальвадор Дали достиг среднего возраста в его работах стала проявляться религиозная тематика. Ранее сам художник точно также как его отец был сторонником атеистических взглядов. Однако немного позже старший Дали перешел на сторону католицизма. Собственно также поступил и сын.

Художник пытался стать продолжателем религиозной тематики в живописи. Однако в своих работах Дали воплотил свое собственное виденье этого вопроса, придав картинам новое содержание и образ.

Сальвадор Дали создал целый ряд картин посвященных религии. Одним из этих холстов является полотно «Мученик». В образе мученика предстает перед зрителем Себастьян – персонаж христианской церковной литературы. В период ренессанса это был довольно популярный сюжет в живописях. Существует множество вариаций с изображением страданий мученика.

По одной версии известно, что Себастьяна знали как защитника от чумы, которая часто окутывала Европу. Однако другая версия говорит о том, что сюжет с изображением мученика стал популярным среди живописцев из-за того, что церковь позволяла рисовать его тело обнаженным. Себастьяна изображали умирающим и пронизанным множеством стрел.

Хоть сюжет и был одним и тем же, образ Себастьяна у каждого художника был неповторим. Вот и через несколько столетий Сальвадор Дали сотворил своего мученика в абсолютно иной интерпретации.

Картина пронизана тусклыми серыми красками, словно намекая на приближение скорого конца. Обнаженное тело, искаженное в страданиях. И в этот раз не обошлось без костылей – своеобразного автографа художника. И неспроста, ведь они символизируют смерть.

opisanie-kartin.com

Описание картины Сальвадора Дали «Меланхолия»

Сальвадор Дали был гением (возможно, слегка сумасшедшим, но это вообще характерно для гениев, опередивших свое время) – с этим согласны даже те, в чьем сердце его картины не находят отклика.

Ведь эти картины, даже больше, чем любое другое искусство, нужно понимать сердцем, центром души, которое болит, тянет, стучит и бьется.

Ведь даже поняв мозгом, что художник имел в виду это, добивался вот этого и вообще протестовал против Второй Мировой и дискриминации, допустим, негров, полюбить картины не получится. Их нужно чувствовать.

Чувствовать бьющуюся в них свободу – они бескрайни, несмотря на то, что ограничены узким пространством холста.

Так «Меланхолия» полна пустыни, которая простирается от края до края. Горы на горизонте не ограничивают её, напротив, словно бы помогают ещё вырасти, ещё расшириться. Облака, свивающиеся в странные фигуры, расширяют небо.

Безликие ангелы-купидоны хулиганят, один из них играет на лире. Стол, с резными столбиками, как у кровати, смотрится почти нелепо в пустыне, и попирает собой все законы человеческого восприятия.

Человек с пустым лицом смотрит вдаль скучно и молча.

Вся картина отзывается в душе – меланхолия, ветер в пустыне, перезвон струн на лютне – но не отзывается в мозгу, потому что мозгом её не прочувствовать, для этого есть сердце.

Читайте также:  Описание картины ивана айвазовского «лунная ночь. купальня в феодосии»

Только сердце ощутит всепоглощающую пустоту пустыни. Только сердце рванется к горам, к выходу из меланхолии, к иным местам и иным людям. Только сердце сможет сочувствовать человеку, с волнистыми волосами и глазами безумца, склоняющемуся над столом.

Только сердце отзовется на звуки лютни – «иди к горам», говорят они. Или же наоборот «останься, послушай ещё, растворись в ветре». Для каждого в их речи – свое, и в пустоте пустыни спрятаны разгадки, ответы на все вопросы.

Завывает ветер. Звенит лютня. Меланхолия.

opisanie-kartin.com

Описание картины Сальвадора Дали «Размышление»

На чёрном фоне изображена женщина с заспанным лицом.

На ней синее открытое платье. Лямка слегка приспущена на плечо. Одна рука согнута в локте таким образом, как это делают пациенты после сдачи крови из вены. Вторая рука открыта, пальцы сложены таким образом, словно в руках находится какой-то тонкий предмет наподобие карандаша или шприца.

Судя по всему — перед нами портрет морфинистки. Затёкшие веки, поза тела выдаёт нам такую аналогию, к тому же рядом с дамой, на сером столе располагается то ли полотенце, то ли скатерть, сложенная таким образом, чтобы можно было с помощью данного приспособления перетянуть себе вены, для успешной инъекции.

Сальвадор Дали — фигура неординарная и местами даже зловещая, посему нетрудно предположить, что человеческие пороки могли привлечь его внимание в качестве материала для художественной самореализации. К тому же в то время, а именно в 1929 году в мире уже царила эпоха декадентства, где морфий и кокаин являлись вполне заурядным атрибутом интеллигенции.

Вернёмся к девушке, за её спиной мы видим светлую тень, как предтечу смерти. Свет бьёт ей в лицо, как бы из-за кадра. Длинные маслянистые тёмно-коричневые волосы женщины зачёсаны назад, чёткие брови изящно изгибаются в наркотическом трансе.

Также приглядевшись внимательнее, мы можем обнаружить, что Сальвадор не удосужился прорисовать на одном глазе девушки ресницы. Таким образом, возникает ощущение того, что глазное яблоко дамы, сидящей за столом, как бы заклеено, запечатано или залеплено. И это тоже вполне символично, учитывая общую дисгармоничность картины.

Общий стиль картины несколько выпуклый, разнообразие цвета довольно скудное, а эмоциональный отзвук, вызываемый данной работой, заставляет нас поразмыслить над тем, зачем же художник нарисовал это?

opisanie-kartin.com

Описание картины Сальвадора Дали «Испания»

Испания – родина Сальвадора Дали, его дом. Поэтому вполне естественен тот факт, что его заботила, интересовала ее судьба.

Поэтому он обратился к мотиву гражданской войны, изобразив ее в привычной для него сюрреалистической неповторимой манере на холсте (91,8 на 60,2 сантиметра) обыкновенными масляными красками в 1938 году.

Работа сильно напоминает «Поклонение Волхвов» небезызвестного Да Винчи в плане глубины, цветовой гаммы и построения.

В этом своем творении Дали изобразил довольно привычную для глаз поклонников художника и искусствоведов пустыню. Перед нами на почти все полотно растянулась испанская равнина, приобретшая цвет кофе, смешанного с молоком, из-за смешения пыли, грязи и песка.

Вдали, у полосы горизонта видны горы, какое-то здание, возведено не то из песчаника, не то из известняковых блоков, а, может, вообще из каких-нибудь незнакомых обывателю камней. Небо, виднеющееся также где-то далеко впереди, темное, серое и грязное.

Оно больше напоминает горное плато в тумане, каким его можно увидеть, если падать на него откуда-то сверху.

Ближе к зрителю расположена огромная, просто гигантская тумба, у которой есть лишь один-единственный ящик на самом верху. Он слегка выдвинут. Его ручка, больше похожая на бронзовую булавку, кажется совсем новой.

Из ящика вот-вот выпадет что-то, напоминающее одновременно и красную (окровавленную?) тряпку, и человеческие внутренности.

О тумбу опирается женщина, чей силуэт вырисовывается из фигур военных и зверей, снующих в хаосе.

Очевидно, она одета в платье. К слову, она, если судить по чертам, настоящая испанка. Поэтому ее имя Испания – пустынная, страдающая страна, которая, будь она живым человеком, плакала бы кровавыми слезами во время событий, которые носят название «гражданская война».

opisanie-kartin.com

Описание картины Сальвадора Дали «Анна Мария»

Полотно написано в 1924 году маслом на картоне.

На нем Сальвадор Дали изобразил свою родную сестру Анну Марию, сидящую на стуле. Это не единственная работа художника, посвященная его младшей сестре.

В его жизни Анна Мария появилась, когда маленькому мальчику Сальвадору было четыре года. Это событие произошло в Испании в 1908 году.

С самого детства брат с сестрой стали неразлучными друзьями, которые проводили все время вместе, знали все секреты друг друга и тайные места в доме родителей.

Они росли бок обок, вместе гуляли на улице, раздирали коленки, вместе повзрослели, превратишься в прекрасных юношу и девушку. Брат и сестра жили общей жизнью.

https://www.youtube.com/watch?v=-nXoYKLwnlE

Когда их мать умерла, все хозяйство в доме и заботу о брате взяла на себя Анна Мария. В Испании семейные ценности и традиции очень почитается. Дали любил и уважал свою младшую сестру.

Повзрослевшая Анна Мария превратилась в прекрасную молодую девушку. Это не могло быть не замеченным ее братом. Любовь к прекрасному и к искусству создали в голове великого художника сюжет его полотен, где натурщицей стала Анна Мария.

Дали того времени был скромным и спокойным юношей.

Все изменилось, когда в жизни парня началась новая ветвь под названием «эпоха Гала». В одно лето 1929 года Дали изменил свои интересы и сущность.

Его сестра очень переживала по этому поводу, потому что ее талантливый и скромный брат перестал быть тем, кто любил ее и проводил с ней все свое время.

Она написала о том, кем он был раньше, но эти слова вызвали бешенство у Сальвадора. Дали забыл, кем он был и не хотел вспоминать.

Чтобы привлечь к себе внимание, он становится человеком – эпатажем. Это навсегда разделило сестру и брата. Но дало миру искусства неповторимого художника, который ломал нормальные представления о действительности и создавал шедевры, вошедшие в историю.

Картина находится в частной коллекции.

opisanie-kartin.com

Описание картины Сальвадора Дали «Одиночество»

Работа над картиной «Одиночество» продолжалась на протяжении нескольких месяцев. В 1931 году она была представлена на выставке, устроенной в честь творческой деятельности Сальвадора Дали.

Данная картина имеет богатую биографию, она была в руках частного владельца, который приобрел её инкогнито из рук самого Дали, находилась в музее Испании, после чего попала в музей Сальвадора Дали, где находится и в настоящее время.

Из биографии самого художника известно, что чувство одиночество никогда не было присуще творцу всех времен. Картина была создана словно насмешка над собственной жизнью художника. Картина «одиночество» окутана ореолом тайны и загадочности. В прочем, как и большинство произведений художника. Еще никому не удалось до конца раскрыть всю идею художника, заложенную им в картине.

Огромное синее море, изображенное на картине, представляет из себя своеобразный бесконечный фон для выступающей одинокой скалы. Настроение картины наталкивает на мысли о одиночестве желто-серое небо мрачные тона, грустная фигура человека, беспечный синий океан.

В своей картине Сальвадор Дали весьма интересно изобразил человеческую фигуру. Кто же это? Мужчина или женщина? Неясность понимания еще больше заставляет задуматься о бессмысленности бренного мира. Все равны перед одиночеством. Все равны перед бесконечностью синего океана.

Фигура человека, словно высеченная из морской скалы, ведь она и есть часть самой каменной глыбы. Человек наполовину обнажен, причем обнаженной стороной он открыт перед океаном, доверяя ему свои тайны, но с каждым новым днем он все больше и больше становится частью серой мрачной скалы…

Картина одиночество изображена на холсте масляными красками, оригинальный размер картины составляет около 53 см в длину.

Творчество Сальвадора Дали принято считать творчество «на любителя», не всем дано понять суть его картин, его мысли, а есть ли в его картинах вообще смысл, или это всего- лишь порыв творца – гения. И чем больше пытаются люди это понять, тем загадочнее и таинственнее становятся картины и сама душа художника.

opisanie-kartin.com

Источник: http://evg-crystal.ru/kartiny-dali/dali-opisanie-kartin.html

Распятие как Вознесение. Сальвадор Дали

Полотно “Христос св. Иоанна Креста” (1950-52) знаменует возврат сюрреалиста Сальвадора Дали в католичество и намерение посвятить себя религиозному искусству. Я видел эту картину в шотландском музее Келвингроув (Глазго), где она находится с 1952 г.

  На ней – распятый Иисус, представленный в неожиданном ракурсе. Не снизу, от подножия креста, т.е.  глазами учеников и потомков, преклоняющихся перед жертвой Спасителя.[1]  Мы видим распятие сверху, с занебесных высот, куда восходит Иисус.

Таким узрел его испанский мистик Св.

Иоанн Креста (Хуан де ла Крус, 1542 – 1591) , который оставил карандашный набросок своего видения.

По его мотивам Дали и создал свое огромное  полотно (200 см x 116 см).

Иисуса окружает тьма. Крест парит в черном пространстве над небом и светилами, – в пустоте, которая была бы незрима, если бы еще выше не находился источник света. Сам этот источник остается невидимым,  однако  руки Иисуса отбрасывают тень на перекладину креста.

Нет традиционных атрибутов распятия: ни гвоздей, ни ран, ни крови, ни тернового венца, никаких следов страдания и смерти.

Тело Иисус поражает атлетическим сложением,  крепкой мускулатурой, он похож на спортсмена, который, отталкиваясь от креста, готовится  совершить прыжок в высоту.

Распятие нависает над поверхностью неба,  земли и воды. В самом низу картины – озеро и три человеческие фигуры, напоминающие рыбаков. Очевидно, это Галилейское море и апостолы, та земная жизнь Иисуса, которая завершилась распятием.

Над  этой картиной из прошлого – облака и тучи в несколько рядов, плотное, многослойное земное небо, над которым и парит распятие. Христос предстает свободным от креста, он как бы взлетает на нем – и над ним. Мы не видим лица – оно обращено вниз, к прошлому, которое он покидает, возносясь к источнику света.

Читайте также:  Описание картины поля сезанна «игроки в карты»

Этот уменьшившийся мир увиден сверху – как бы глазами самого Иисуса.

На мой взгляд, С. Дали сводит воедино две  сцены, которые обычно в художественной традиции представлены порознь: скорбную сцену Распятия и просветленную – Вознесения.

  И по евангельскому сюжету, и по распорядку церковных служб между Распятием и Воскресением проходит три дня, а затем между Воскресением и Вознесением еще сорок, во время которых Иисус являет себя апостолам, беседует с ними.

После встречи в Иерусалиме и последних наставлений о скором сошествии Св. Духа (Пятидесятница)  он на виду у апостолов возносится на небо:

“…'Будете Мне свидетелями в Иерусалиме и во всей Иудее и Самарии и даже до края земли'. Сказав сие, Он поднялся в глазах их, и облако взяло Его из вида их” (Деяния апостолов, 1:8-9).

Картина С. Дали – это образ Иисуса не только “до края земли”, но и до края времен. Распятие, Воскресение и Вознесение –хронологически три разных события. Но в духовном континууме они едины: превращение величайшей жертвы в величайшую победу. Полотно С. Дали сводит два крайних предела:  сам Крест возносит Иисуса.

В Апокалипсисе ангел клянется “Живущим во веки веков — Тем, кто создал небо и то, что в нем, землю и то, что на ней, море и то, что в нем, что времени больше не будет!”(Откровение Иоанна Богослова, 10:5,6).  Эта апокалиптическая точка зрения  и передана у С. Дали.

В вертикальном разрезе картины представлены все три стихии: небо, земля и море. Над ними уже не властно время.  Сорок дней – это человеческий отсчет, а там, куда восходит Иисус, времени больше нет.

Крест, орудие распятия, оказывается и орудием Вознесения, образом освобожденного и освобождающего Христа.

[1] Практически на всех иконах и в классической живописи – Г. Мемлинг, А. де Мессина, Я. Тинторетто, Г. Беллини, А. ван Дейк… Примеры можно множить десятками.

Источник: https://rita-vasilieva.livejournal.com/4058261.html

Меланхолия Альбрехта Дюрера

Альбрехт Дюрер (1471—1528)

 – выдающийся художник, рисовальщик, гравер, основоположник искусства немецкого Возрождения. Он родился в городе Нюрнберге, который в то время был центром книгопечатания. Отец Дюрера был ювелиром, и первые навыки рисования будущий художник получил в его мастерской.

Заметив склонность сына к живописи, отец отправляет его учиться к нюрнбергскому художнику М. Вольгемуту, где в течение четырех лет мальчик овладевает основными навыками живописи.

Затем, чтобы усовершенствовать свое искусство и получить звание мастера, он отправляется в обязательное для начинающего художника путешествие по немецким городам. В середине 1490-х гг. Дюрер приезжает в Италию.

Его отличала разносторонность интересов. Дюрер писал картины, создавал гравюры на дереве, одним из первых применил технику гравировки на медных досках. Он был инженером и математиком, архитектором и поэтом.

« Меланхолия»

      Albrecht Durer “Melencolia-I” (1514) «Меланхолия» — самая загадочная из «Мастерских гравюр» и одна из любимых работ самого Дюрера. Античная и средневековая медицина различала четыре человеческих темперамента, из которых непредсказуемым считался именно меланхолический.

Бытовало мнение, что меланхолики плохо приспособлены к сугубо земным делам — нескладны, неуживчивы, неудачливы, им чаще, чем обладателям других темпераментов, угрожают нищета, болезни, безумие.

Однако именно меланхоликам покровительствует Сатурн, а божество этой планеты, по античным мифам, старше других богов, ему ведомы сокровенные начала Вселенной. Поэтому лишь меланхоликам доступна радость открытий.

Считалось, что все выдающиеся люди: поэты, законодатели, философы — меланхолики. Сам Дюрер считал себя меланхоликом, что позволяет считать эту гравюру духовным автопортретом мастера.

                  Крылатая женщина изображена в окружении атрибутов средневековой науки и алхимии: песочных часов, весов, колокола, инструментов различных ремесел, «магического квадрата», летучей мыши и т. п.; облик ее полон мрачной тревоги, трагизма, подавленности, неверия в торжество разума и силы знания.

В руке у нее раскрытый циркуль, к поясу привязаны связка ключей и кошель. Позади женщины взобравшийся на жернов угрюмый мальчуган с трудом выводит что-то на дощечке, рядом свернулась в клубок тощая собака, в небесах простерла свой предвещающий беду хвост комета.

Меланхолия – «образ владеющего всеми достижениями человеческой науки и мысли гения, отважившегося проникнуть в тайны вселенной, но остановившегося перед внезапной преградой».

Вся гравюра кажется овеянной мистическими настроениями, несомненно, отражающими настроения более общие, характерные для той атмосферы, в которой жила родина художника в канун Реформации и крестьянских войн.

«Портрет молодого человека», написанный в 1521 году, относится к позднему творчеству Альбрехта Дюрера. Автор в то время уже состоялся как художник-портретист, написав несколько десятков портретов известных людей своего времени.

Создавая портрет, Дюрер стремился передать именно духовную сущность изображенного на нем человека.

В этом плане «Портрет молодого человека» считается одной из лучших иллюстраций.

В руках у молодого человека лист бумаги, вероятно, письмо, на котором можно прочитать часть адреса – «Dem pernh… zw…». Остальная часть имени закрыта пальцами.

Довольно долго считалось, что на картине изображен известный южнонидерландский художник, придворный живописец Карла V Бернарт ван Орлей. На данный момент существует предположение, что имя человека Бернхард фон Ризен, упоминаемый Дюрером в его личных дневниках.

Он был купцом из Данцига. Согласно записям Дюрера, художник получил за эту картину восемь флоринов.

Изображение выполнено маслом по дереву, и заняло всю доску целиком. Причем поля оба поля шляпы пришлось обрезать.

Молодой человек одет по немецкой моде первой половины 16-го века. Темные тона одежды позволяют сконцентрироваться на лице молодого человека.

Черты его лица очень правильные и выразительные: четко очерченный подбородок, чуть задумчивые глаза, смотрящие на что-то вдали, складки губ говорят о том, что это был волевой, энергичный, целеустремленный человек.

К сожалению, невозможно узнать, насколько хорошим физиогномистом показал себя Дюрер в данном случае.

Бернхард фон Ризен скончался в возрасте тридцати лет, через несколько месяцев после написания картины, в октябре 1521 года, во время очередной эпидемии чумы. Впрочем, определенных доказательств, что на картине именно его изображение, нет.

«Портрет венецианки»

О это дивное лицо простой наивной венецианки! Долгое время в Европе считалось что нет прекрасней девушек на свете, чем истинные венецианки. Город любви и греха всегда славился женской красотой, даже старушки выглядели там благородно и прекрасно, чего уж говорить о молодых венецианках.

Перед нами одна из молоденьких красоток. Хотя сложно её назвать красавицей, но есть что-то неуловимо симпатичное в ней.

Она опрятна, она стройна, она следит за модой – во всяком случае, причёска самая модная в средние века.

Она возможно не замужняя, потому что нет чепца или гребня, который определённо намекал прохожим о статусе девушки. Она, скорее всего весёлая и очень острая на язычок барышня.

По крайней мере, её лицо как раз выдаёт весёлый нрав. А вот чёрный бант у сердца может говорить о том, что она потеряла какого-то близкого для неё человека. Потому что именно таким образом в Венеции выражали скорбь.

Не платком, не нарукавником и даже не самой одеждой чёрного цвета, а достаточно было просто навязать бант у сердца, и было понятно, что в семье горе. А что именно случилось, по портрету не поймёшь.

Но и художник особо не влезал в её личное пространство, ему было достаточно понять внутреннее.

Кстати, по рисунку платья и ожерелью на шее можно прийти к выводу, что девушка из известного рода. Если быть совсем точным, то скорее всего из того самого среднего класса. Нельзя сказать, что она плоха, она всё же великолепна. Иначе художник бы наверно не стал тратить время на неё.

Дюрер вновь и вновь доказал своё мастерство портретиста, хотя он мог прекрасно изображать и пейзажи и просто делать великолепные эскизы растений, животных или мимических движений человека. Например, молитвенно сложенные кисти рук. С такой документальной точностью мог рисовать только да Винчи, да и то не всегда успешно. Дюрер же и в этом был первоклассный мастер.

«Автопортрет»

«Автопортрет» (другое название картины «Автопортрет в одежде, отделанной мехом») является одной из известных картин художника, долгое время хранившейся в его семье и не предназначенной для широкой публики.

На автопортрете мы видим еще достаточно молодого человека с красивым лицом (художнику во время написания работы не было и 30 лет).

Его умные и чуть усталые глаза внимательно смотрят на зрителя, полноватые губы, обрамленные небольшой бородкой и усами, свидетельствуют о чувственности и жажде любви.

Завитые волосы аккуратными локонами спускаются ниже плеч на отделанные мехом дорогие одежды, правая рука приподнята к груди.

Новаторством Дюрера было изображение себя в анфас на светском портрете (напомним, что в этот период (1500 г.) фигуры на светских портретах изображались в профиль или в полупрофиль и только религиозные изображения могли быть выполнены в манере анфаса).

Подобное изображение прямо пересекается с иконописным изображением Иисуса Христа, тем более, что можно заметить сходство лица художника и облика Спасителя (те же длинные волнистые волосы, небольшая борода и усы, худое лицо с классическим чертами и т. д., надписи на потрете как на иконе в правой и левой части картины). Подобные художественные полотна были характерны для художников эпохи Возрождения, провозглашавших идеал человека, сравнивавших его с земным богом.

Таким образом, художник приподнимает себя самого как представителя этого нового времени, которое возводит на пьедестал человека-творца (недаром он так тщательно выписывает свою правую руку, создавшую это изображение). Сам он, по воспоминаниям современников, признавался, что хотел увековечить свое имя и молодое лицо, написав его «вечными красками», которые не способна стереть смерть.

http://jivopis.org/dyurer-albrext–chetyre-vsadnika/

http://smallbay.ru/article/durer02.html

http://www.bibliotekar.ru/Kdurer/

http://sci-humor.blogspot.com/2010/12/blog-post_29.html

Понравился наш сайт? Присоединяйтесь или подпишитесь (на почту будут приходить уведомления о новых темах) на наш канал в МирТесен!

Источник: https://art.mirtesen.ru/blog/43890217337/prev

Ссылка на основную публикацию