Описание картины уильяма тернера «лондон»

Английские художники. От Тёрнера и Гейнсборо до прерафаэлитов

Художники какой страны внесли особый вклад в развитие мировой живописи?

При таком вопросе часто вспоминают французских художников. Еще голландцев. А уж влияние итальянского Возрождения и вовсе ни у кого не вызывает сомнения.

Но вот если брать 18 век и начало 19-го, то важно отметить заслуги английских художников.

В этот период в стране туманного Альбиона работает несколько ярких мастеров, которые изменили в корне мировое искусство.

1. Уильям Хогарт (1697-1764 гг.)

Уильям Хогарт. Автопортрет. 1745 г. Британская галерея Тейт, Лондон

Хогарт жил в непростое время. В начале 18 века в Англии только-только зародилось буржуазное общество, которое пришло на смену феодальному.

Моральные ценности были ещё зыбкими. На полном серьезе достоинствами считались корыстолюбие и обогащение любыми путями. Прямо как в 90-ые года 20 века в России.

Хогарт решил не молчать. А попытался открыть глаза своим соотечественникам на упадок моральных ценностей. С помощью картин и гравюр.

Начал он с серии картин «Карьера проститутки». К сожалению, живописные полотна не сохранились. Остались только гравюры.

Уильям Хогарт. Карьера проститутки: в ловушке у сводницы. Гравюра. 1732 г.

Это реальная история о деревенской девушке Мэри, которая приехала в город искать счастья. Но попала в лапы старой сводни. Эту сцену мы и видим на первой гравюре. Став содержанкой, она провела свою недолгую жизнь среди изгоев общества.

Хогарт намеренно переводил свои картины в гравюры, чтобы широко их распространять. Так он стремился достучаться до как можно большего количества людей.

Причем предостеречь он хотел не только бедных девушек, таких как Мэри. Но и аристократов. Судя по его серии работ «Модный брак».

Описанная в ней история была очень типична для того времени. Обедневший аристократ женится на дочери богатого торговца. Но это лишь сделка, не подразумевающая союза сердец.

Самая известная картина из этой серии «Тет-а-Тет» демонстрирует всю пустоту их отношений.

Уильям Хогарт. Модный брак. Тет-а-Тет. 1743 г. Национальная лондонская галерея

Жена всю ночь веселилась с гостями. А муж лишь под утро ввалился домой, опустошенный от разгула (судя по его пятну на шее, он уже болен сифилисом). Графиня небрежно подтягивается и вот-вот зевнёт. На ее лице читается полное равнодушие к мужу.

И не удивительно. Она завела интрижку на стороне. История закончится печально. Муж застанет жену в постели с любовником. И будет заколот шпагой в дуэли. Любовник будет отправлен на висилицу. А графиня покончит с собой.

Хогарт не был просто карикатуристом. Слишком высоко его мастерство. Сложные и гармоничные сочетания цветов. А ещё невероятная выразительность. Вы легко «читаете» его картины, понимая, каковы отношения между людьми.

Уильям Хогарт. Модный брак. Дуэль и смерть графа. 1743 г. Национальная лондонская галерея

Заслуги Хогарта сложно переоценить. Ведь он изобрёл критический реализм. Никто до него никогда не изображал в живописи столько конфликтов и социальных драм.

Хогарт вдохновил Франсиско Гойю к созданию его знаменитых Капричос. Его хорошо знали наши русские художники-передвижники. Под его влиянием создавая свои полные социальной критики картины.

2. Джошуа Рейнольдс (1723-1792 гг.)

Джошуа Рейнольдс. Автопортрет. 1747 г. Национальная портретная галерея, Лондон

Мало на свете живописцев, искупавшихся в лучах славы при жизни. И при этом сумевших остаться в памяти потомков. Английский художник Джошуа Рейнольдс был одним из таких счастливчиков.

Он с детства знал, что хочет только рисовать. Быстро добился признания. Ведь в придачу к таланту у него был подходящий характер. Общительный и энергичный. Он легко покорял клиентов во всех отношениях.

Ничего удивительного, что Рейнольдс однажды стал самым влиятельным чиновником в мире искусства. В 45 лет он был избран Президентом Королевской Академии художеств.

Джошуа Рейнольдс. Портрет полковника Бенестра Тарлитона. 1782 г. Национальная лондонская галерея

С помощью подходящего костюма, обстановки или пейзажа, выражения лица и позы Рейнольдс умел раскрывать самые выгодные качества человека.

Таков и портрет полковника Тарлитона.

Человек деятельный, по-настоящему отважный как нельзя лучше «читается» на фоне раздувающегося знамени и клубов дыма. А движение вытягивания шпаги удачно скрывает руку с потерянными в бою пальцами.

В женских портретах Рейнольдс, конечно, делал акцент на нежность и красоту. Но и про характер героини не забывал.

Джошуа Рейнольдс. Герцогиня Харрингтон. 1779 г. Галерея Хантингтон, Сан-Марино, США

Сразу понятно, что герцогиня Харринтгтон – самоуверенная особа. Но художник смягчает это подобающим пейзажем и платьем. Такой даме уверенность явно к лицу.

В последние годы жизни он плохо видел. И уже не притрагивался к кисти. Но от одного заказа он не смог отказаться. Его клиенткой стала Екатерина II.

С тех пор в Эрмитаже хранится несколько поздних работ Рейнольдса. В том числе «Венера и Амур».

Джошуа Рейнольдс. Амур развязывает пояс Венеры. 1788 г. Эрмитаж, Санкт-Петербург

У Венеры мы видим нетривиальный по-рейнольдски жест. Она смущена от обращённых на неё взглядов.

По картине хорошо видно, как Рейнольдс талантливо копировал достижения старых мастеров. Тёплые и глубокие цвета Тициана. Томные, мягкие линии Рубенса.

Рейнольдс не стал изобретать велосипед. Но он установил очень высокие стандарты для всех европейских художников.

3. Томас Гейнсборо (1727-1788 гг.)

Томас Гейнсборо. Автопортрет. 1758-1759 гг. Национальная портретная галерея, Лондон

Гейнсборо можно по праву назвать самым известным английским художником 18 века. Он жил в одно время с Рейнольдсом. Они были соперниками.

Разница между Рейнольдсом и Гейнсборо видна невооруженным взглядом. У первого – красные, золотые оттенки; величественные, торжественные образы.

У Гейнсборо серебристо-голубые и оливково-зеленые оттенки. А также воздушные и интимные портреты.

Томас Гейнсборо. Портрет дамы в голубом. 1778-1782 гг. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Все это мы видим в портрете «Дама в голубом». Никакого накала эмоций. Лишь прекрасный, нежный образ. Чтобы добиться такого эффекта, Гейнсборо работал тонкой кистью почти 2-х метровой длины!

Гейнсборо всегда считал себя в первую очередь пейзажистом. Но необходимость зарабатывать вынуждала его писать портреты на заказ. По иронии судьбы он прославился и остался в истории именно как портретист.

Но художник шёл на компромисс с самим собой. Часто изображая портретируемых на лоне природы. Соединяя ненавистный портрет и любимый пейзаж.

Томас Гейнсборо. Портрет мистера и миссис Халлет (Утренняя прогулка). 1785 г. Национальная лондонская галерея

Клиенты не могли определиться, какой из двух портретистов им больше импонируют. И аристократы заказывали портреты и у Рейнольдса, и у Гейнсборо. Они были слишком разными. Но по силе работ не уступали друг другу.

Но в отличие от Рейнольдса, его соперника привлекали ещё простые люди. С одинаковым азартом он писал и герцогиню, и простолюдинку.

Томас Гейнсборо. Девочка со свиньями. 1782 г. Частная коллекция

Его картину «Девочки с поросятами» Рейнольдс обменял у одного коллекционера на имеющуюся у него картину Тициана. Считая, что это лучшая работа его соперника.

Работы Гейнсборо неповторимы по своему качеству. Здесь и неспрятанные мазки, которые на расстоянии делают происходящее живым и дышащим.

Это и плавные, растушеванные линии. Как будто все происходит во влажном воздухе, каким он и является в Англии.

И, конечно, необычное сочетание портрета и пейзажа. Все это выделяет Гейнсборо среди множества других портретистов своего времени.

4. Уильям Блейк (1757-1827 гг.)

Томас Филлипс. Портрет Уильяма Блейка. 1807 г. Национальная портретная галерея, Лондон

Уильям Блейк был неординарной личностью. С детства его посещали мистические видения. А когда он вырос, то стал анархистом. Он не признавал законы и мораль. Считая, что так угнетается свобода человека.

Не признавал он и религии. Считая ее главным ограничителем свобод. Конечно, такие взгляды отражались на его работах. «Архитектор мира» – его резкий выпад в сторону христианства.

Уильям Блейк. Великий архитектор. Офорт, раскрашенный вручную. 36 х 26 см. 1794 г. Британский музей, Лондон

Создатель держит циркуль, вычерчивая границы для человека. Границы, через которые нельзя переступать. Делая наше мышление ограниченным, живущим в узких рамках.

Для его современников его работы были слишком неординарными, поэтому признания при жизни он так и не дождался.

Некоторые видели в его работах пророчества, грядущие потрясения. Воспринимая Блейка как блаженного, человека не в себе.

Но официально сумасшедшим Блейк никогда не признавался. Он всю жизнь плодотворно работал. Причём был мастером на все руки. Был и отменным гравёром. И гениальным иллюстратором. Создав невероятные акварели для «Божественной комедии» Данте.

Уильям Блейк. Вихрь любовников. 1824-1727 гг. Иллюстрация к «Божественной комедии» Данте

Единственое, что Блейка роднило с его эпохой, так это мода на все ужасное и сказочное. Все-таки в Англии в 19 веке были в чести романтизм и сказочные мотивы.

Поэтому его картина «Дух блохи» вполне вписывалась в общий ряд работ тех лет.

Уильям Блейк. Призрак блохи. 1819 г. Темпера, золото, дерево. 21 х 16 см. Тейт Британия, Лондон

Блейк уверял, что видел душу человека-кровопийцы. Но та была помещена в крошечную блоху. Если бы эта душа поселилась в человека, то пролилось бы немало крови.

Блейк явно родился раньше своего времени. Его работы пугающе похожи на работы символистов и сюрреалистов 20 века. Они и вспомнили об этом мастере 100 лет спустя после его смерти. Он сделался их кумиром и вдохновителем.

5. Джон Констебл (1776-1837 гг.)

Рамсей Рейнагль. Портрет Джона Констебля. 1799 г. Национальная портретная галерея, Лондон

Несмотря на аристократическую внешность, Констебль был сыном мельника. И любил работать руками. Умел пахать, строить изгороди и рыбачить. Может быть, поэтому его пейзажи лишены пафоса. Они естественны и реалистичны.

До него художники писали абстрактные пейзажи, чаще итальянские. Но Констебль писал конкретную местность. Реально существующую речку, коттедж и деревья.

Джон Констебль. Телега для сена. 1821 г. Национальная лондонская галерея

Его «Телега для сена» – самый знаменитый английский пейзаж. Именно эта работу когда-то увидела французская публика на Парижской выставке 1824 года.

Особенно были впечатлены молодые импрессионисты. Которые разглядели в этой картине то, к чему сами стремились. Никакой академической помпезности. Никаких античных развалин и эффектных закатов. А лишь обыденная жизнь в сельской местности. Красивая в своей естественности.

После этой выставки Констебль продал в Париже аж 20 своих картин. В родной же Англии его пейзажи почти не покупали.

Но в отличие от Гейнсборо, ради заработка он редко переключался на портреты. Продолжая совершенствоваться именно в пейзажной живописи.

Для этого он изучал природные явления с научной точки зрения. И умел подбирать оттенки очень близкие к тем, что встречаются в природе. Особенно ему удавалось небо, контрасты светлых и темных облаков.

Джон Констебль. Кафедральный собор Солсбери. Вид из епископского сада. 1826 г. Коллекция Фрика, Нью-Йорк

Но Констебль знаменит не только удивительно реалистичными картинами. Но и своими этюдами.

Художник создавал этюд того же размера, что и будущая картина. Работая прямо на открытом воздухе. Это было ноу-хау. И именно этот метод работы потом и подхватят импрессионисты.

Джон Констебл. Лодка и штормовое небо. 1824-1828 гг. Королевская Коллекция живописи, Лондон

Но Констебль по этим этюдам часто писал завершённые работы в студии. Хотя они больше нравились тогдашней публики, были они не такими живыми и полными движения, как наброски.

На Родине осознали величие Констебля лишь в 20 веке. И поныне он – один из самых любимых художников в Англии. Можно сказать, что с таким же трепетом русские относятся к Ивану Шишкину.

6. Уильям Тёрнер (1775-1851 гг.)

Уильям Тернер. Автопортрет. 1799 г. Британская галерея Тейт, Лондон

Английский художник Уильям Тернер ещё в молодости сумел прославиться и стать академиком художеств. Почти сразу его стали называть «художником света». Потому что солнце часто присутствовало на его полотнах.

Если вы посмотрите пейзажи других художников, то вы редко увидите солнце. Оно слишком яркое.

Эту яркость сложно изображать. Она же бьет в глаза. Искажает все вокруг. Но Тернер этого не боялся. Рисуя солнце и в зените, и на закате. Смело обволакивая его светом все вокруг.

Читайте также:  Описание картины ильи глазунова «два князя»

Уильям Тёрнер. Порт в Дьеппе. 1826 г. Коллекция Фрика, Нью-Йорк, США

Но Тернер хоть и был академиком и своим званием дорожил, не мог не экспериментировать. Слишком у него был неординарный и подвижный ум.

Поэтому уже через пару десятилетий его работы сильно эволюционировали. В них все меньше деталей. Все больше света. Все больше ощущений.

Одно из самых известных полотен того времени – «Последний рейс корабля «Отважный».

Здесь мы видим немного аллегории. Парусные корабли заменяются паровыми. Одна эпоха сменяет другую. Солнце заходит, а на его смену выходит месяц (слева вверху).

Уильям Тернер. Последний рейс корабля «Отважный». 1838 г. Национальная лондонская галерея

Здесь солнце по-прежнему главенствует. Закат занимает добрую половину картины. А уже в последующих работах художник доходит почти до абстракционизма. Гипертрофируя все свои прежние устремления. Убирая детали, оставляя лишь ощущения и свет.

Уильям Тёрнер. Утро после потопа. 1843 г. Музей Тэйт, Лондон

Как вы понимаете, публика не могла по достоинству оценить такие работы. Королева Виктория отказалась производить Тернера в рыцари. Репутация пошатнулась. Все чаще были слышны в обществе намеки на сумасшествие.

Такова доля всех настоящих художников. Он делает слишком широкий шаг вперёд. И публика «догоняет» его лишь десятилетия, а то столетия спустя. Так и случилось с великим Тернером.

7. Прерафаэлиты

Говоря об английских художниках, сложно обойти стороной прерафаэлитов. Тем более, что в 21 веке они стали очень популярны.

Откуда же взялась такая любовь к этим художникам?

Начинали прерафаэлиты с высоких целей. Они хотели найти выход из тупика академической, слишком застылой живописи. Им надоело писать малоизвестные широкой публике мифы и исторические сюжеты. Хотели показывать настоящую, живую красотку.

И прерафаэлиты начали писать женские образы. Получались они у них очень красивыми и притягательными.

Слева: Данте Габриэль Россетти. Блаженная Беатриса. 1864-1870 гг. Галерея Тейт, Лондон. Справа: Джон Уильям Уотерхаус. Борей. 1903 г. Частная коллекция

Чего только стоят их рыжеволосые красавицы. Как правило, бывшие их любовницами и в реальной жизни.

Прерафаэлиты стали активно воспевать женскую красоту. В результате кроме этого в них больше ничего и не осталось.

Это стало похоже на постановочные, роскошные снимки для глянцевых журналов. Именно такие образы легко представить для рекламы женских духов.

Поэтому прерафаэлиты так пришлись по душе людям 21 века. В век гламурной, очень яркой рекламы.

Джон Эверетт Милле. Офелия. 1851 г. Тейт Британия, Лондон

Несмотря на очевидную пустоту многих работ, именно эти художники стояли у истоков развития дизайна, отколовшегося от искусства. Ведь прерафаэлиты (например, Уильям Моррис) активно работали над эскизами тканей, обоев и других украшений интерьера.

***

Надеюсь, после этой статьи английские художники открылись для вас с новой стороны. Не всегда только итальянцы и голландцы влияли на мировое искусство. Англичане тоже внесли свою ощутимую лепту.

Для тех, кто не хочет пропустить самое интересное о художниках и картинах. Оставьте свой e-mail (в форме под текстом), и Вы первыми будете узнавать о новых статьях в моем блоге.

Источник: https://arts-dnevnik.ru/angliyskie-hudozhniki/

Уильям Тернер, картины с названиями и биография художника

Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер (англ. Joseph Mallord William Turner; 23 апреля 1775, Ковент-Гарден, Лондон, Англия — 19 декабря 1851, Челси) — британский художник, прославившийся изображениями стихии, в особенности, водной, предтеча импрессионистов.

Ранний Тёрнер дал волю цвету на своих холстах и сделал свет главным героем картин, поздний же Тёрнер предвосхитил появление абстрактной живописи.

Особенности творчества художника Уильяма Тёрнера: сияющие цвета, предпочтение водных пейзажей сухопутным и бушующей стихии штилю, выведение цвета на ведущие роли.

Приступая к работе над картиной, Тёрнер в первую очередь писал стихийное, неуправляемое, потоковое, а после уже появлялись формы, границы, и стихия принимала очертания.

Известные картины Уильяма Тёрнера: «Пожар в здании парламента 16 октября 1834 года»,

«Улисс насмехается над Полифемом», «Последний рейс фрегата „Отважный“», «Снежная буря. Переход армии Ганнибала через Альпы», «Дождь, пар и скорость. Большая западная железная дорога».

Есть легенда, что последними словами Тёрнера были: «Солнце — это бог». История красивая, хотя ни подтвердить, ни опровергнуть ее не представляется возможным. Но разве так важно, что произнес Уильям Тёрнер на смертном одре, если всей своей жизнью он подтверждал, что его божество — именно солнце?

Если бы не Уильям Тёрнер (англ. Joseph Mallord William Turner), не было бы никакого импрессионизма, а значит, вообще всё пошло бы иначе в мировой живописи. Впрочем, никакое «если бы» невозможно. Солнце, воздух, вода и огонь — божества, служению которым Тёрнер посвятил жизнь. Немалых успехов добился он и в топографической живописи.

Ему было 14, когда одну из его акварелей выставили в Королевской академии и разрешили ему свободное посещение академии. К тому времени юный Тёрнер успел поучиться у архитектора Томаса Хардвика и акварелиста Томаса Мелтона. Кстати, впоследствии он говорил, что если бы выбирал путь заново, то предпочел бы архитектуру живописи.

Президентом Королевской академии в те годы был сэр Джошуа Рейнолдс, к которому Тёрнер-художник питал глубочайшее почтение. Нередко бывая у главы академии дома, Уильям любовался подлинниками Рубенса, Пуссена, Рембрандта. В старости он даже обронил, что, пожалуй, счастливейшие свои дни провел именно в общении с Рейнолдсом.

Еще ребенком Уильям пропадал целыми днями на Темзе, которую писал потом всю жизнь. Признание он получил в молодости, а собственную галерею открыл, когда ему и 30 не было. Это его идея фикс — чтобы все картины были собраны в одном месте.

Безусловным авторитетом и богом в живописи для Тёрнера был Клод Лоррен. Лоррен первый поместил на свои полотна сияющее солнце, главное божество Уильяма Тёрнера.

По слухам, когда Тёрнер впервые увидел картины Лоррена, то от полноты чувств разрыдался и заявил, что повторить такое никому не под силу (1, 2).

Тем не менее, именно ему удалось встать в один ряд со своим кумиром и оказаться достойным преемником, воспевающим солнце.

Начинал художник Тёрнер с акварелей, позже пришли гравюры, иллюстрации книг и наконец — масло. Он был чрезвычайно революционен для своего времени и при этом — востребован и признан. Его темы — стихия, струящийся свет, солнце, вода, огонь. Стихии на его картинах могут быть как спокойными, так и бурными, непокорными.

Неизменным остается сияние и тепло, излучаемое его работами. Широко известна история, когда во время шторма он попросил привязать себя к мачте, чтобы наблюдать ураган изнутри.

Не факт, что она реальна, но его полная самоотверженность во всем, что касалось живописи, и бесконечная преданность силам природы делают такое вполне возможным.

Мать Уильяма Тёрнера окончила дни в доме для умалишенных. Любые упоминания о ней приводили художника в бешенство. Дело не только в тяжелых воспоминаниях о том, что им с отцом пришлось пережить, но и в опасении, как бы дурная наследственность не сказалась на нем. И действительно, иные язвительные критики, бывало, упрекали его в безумии.

А вот с отцом у художника сложились очень теплые и близкие отношения. Старый Тёрнер был цирюльником, а когда сын обрел независимость, большую часть времени жил с ним. Он стал главным помощником и страстным ценителем работ художника Уильяма Тёрнера. В биографиях Тёрнера смерть его отца (1829 год) обычно выделяют как отдельное значимое событие, что само по себе достаточно показательно.

История личной жизни Уильяма Тёрнера довольно темная, хотя основные персонажи известны. В конце 70-х он сдружился с семейством композитора Джона Денби. А когда тот умер — с его женой. Да так сдружился, что вскоре уже жил с ней. Сара Денби родила ему двух дочерей. Хорошим отцом Тёрнер не был, хотя в завещании дети упомянуты.

Племянница Сары, Ханна Денби, с 23 лет служила у Тернера, присматривала за его хозяйством. Отношения их не ограничились рабочей стороной, по всей вероятности, имела место и сексуальная связь. Ханна всю жизнь была глубоко предана Тёрнеру. Судя по рассказам очевидцев, она была слегка не в себе, и с возрастом становилась все более эксцентричной.

Она страдала какой-то кожной болезнью, в результате чего все ее лицо и тело оказалось покрыто коркой.

Последняя любовь Тёрнера — снова вдова, София Бут. Художник несколько лет снимал у нее комнату, приезжая в Магрит. По ее воспоминаниям, он никогда не участвовал финансово в их жизни… Соседи его знали как судебного делопроизводителя мистера Бута. Под конец жизни Тёрнер оставил на Ханну дом с галереей, а сам перебрался к Софии Бут.

Однажды Ханна решилась, закутавшись с ног до головы, прийти к дому, в котором Тёрнер, тогда уже тяжело болевший, жил с Софией, постояла молча и ушла. У миссис Бут на руках ослабевший художник и скончался на 76-м году жизни.

По ее воспоминаниям, даже не вставая с постели, Тёрнер частенько требовал рисовальные принадлежности и делал наброски в блокнотах.

Большинство современников сходится во мнении, что Тёрнер нрав имел недружелюбный, резкий, и близко с ним лучше бы не сходиться. Он либо молчал, либо был бесцеремонным и язвительным. Впрочем, среди хора возмущавшихся дурным нравом Тёрнера встречаются и иные голоса. Однажды он гостил у одного из своих богатых покровителей и коллекционеров. На вопрос кого-то из домочадцев, почему бы ему не написать автопортрет, Тёрнер ответил: «Какой смысл рисовать такую незначительную фигуру, как я? Это может навредить моим рисункам. Люди скажут, что способен нарисовать такой малыш?». Нередко под броней нелюбезности скрывается застенчивость и стеснительность. Возможно, это в какой-то мере справедливо и в отношении Уильяма Тёрнера? Росту он был невысокого, сложения — крепкого, приземистого, грубоватым лицом напоминал бульдога, руки вечно обветрены, а пальцы — перемазаны краской. Нет, не денди лондонский скрывался за личиной академика, художника Тёрнера. Его сравнивали с моряком, крестьянином, извозчиком. Он и сам признавал, что не аристократ, а трудяга, в качестве своего «секрета» называя тяжелый ежедневный труд: «Не знаю другого гения, кроме гения упорной работы».

Когда Тёрнер писал, он приходил в неистовство. Уолтер Фокс, богатый коллекционер, с удовольствием покупавший картины Тернера, вспоминал, что тот начинал с того, что заливал жидкой краской бумагу, пока она не становилась совсем мокрой. Нередко он работал сразу над несколькими картинами — пока одна сохла, занимался следующей, затем переходил к другой, после чего возвращался к первой.

Когда лист просыхал, художник, словно в исступлении, принимался рвать, скрести и тереть бумагу, причем эти движения казались лишенными какой бы то ни было системы, хаотичными. Но постепенно проявлялось изображение. Метод Тёрнера был противоположен классическому подходу с его строгой заданностью форм и фона.

Тёрнер же сначала проявлял текучее, стихийное пространство, в котором работал, из которого под движениями его кисти, а нередко и пальцев рождались свет, цвет, сияние, солнце, вода, огонь. Последние правки перед выставками художники, случалось, вносили в уже развешанные в Академии картины.

В исполнении Тёрнера это было совершенно дикое действо, он мог растереть краску плевком, подправить пальцем, а ярость, с которой он работал над картиной, заставляла тревожиться о целостности холста.

Уильям Тёрнер был отличным финансистом, умел распоряжаться деньгами. Сохранилась история о том, как Вальтер Скотт пытался привлечь его к иллюстрированию «Шотландских провинциальных древностей».

В одном из писем издателю Скотт заявляет: «Ладонь Тёрнера столь же вызывает зуд, сколь талантливы его пальцы, и он, поверь мне на слово, ничего не сделает без наличных, причем за них — все, что угодно. Изо всех, кого я знаю, он почти единственный человек с дарованием, который так низок в этих вопросах».

К деньгам Тёрнер относился с жадностью, но при этом после его смерти выяснилось, что с неимущего постояльца, снимавшего жилье в принадлежащем ему доме, много лет не брал деньги.

В общении с коллегами художник Тёрнер деликатностью тоже не отличался, а уж когда был произведен в академики в 1802 году, то и вовсе многие стали упрекать его в заносчивости и высокомерии.

Тем не менее, его замечания коллеги чрезвычайно ценили, он мог с первого взгляда точно сказать, что стоит подправить в работе, и всегда это оказывалось правильным решением. Несмотря на далеко не легкий характер, работы его получили признание и в академии, и в домах богатых коллекционеров.

Художник Бенджамин Уэст назвал Тернера величайшим живописцем современности и в весьма изящной формулировке признал его заслуги: «Рембрандт хотел бы так писать!.. Если б мог».

А вот преподавание оказалось слабой стороной Тёрнера. Речь его, профессора перспективы в Королевской академии, была скучна и сбивчива, хотя студенты все равно любили его лекции и приходили на занятия. Самое интересное начиналось, когда он, отбросив попытки читать лекцию, начинал показывать, что такое живопись, и каково оно — написать картину.

Сын богатого виноторговца Джон Рёскин встретил Тёрнера, когда художнику было 65 лет, Рёскину же — 21. Рёскин стал самым воинствующим поклонником искусства Тёрнера и яростным борцом за его репутацию.

Искусствоведы к его фигуре относятся двояко, есть мнение, что Рёскин был пошловатым богатым франтом. Но кем бы он ни был, во многом благодаря его стараниям исполнена последняя воля Тёрнера — о том, чтобы его картины были по возможности собраны и выставлены в одном месте.

С 1949 года — это лондонская галерея Тейт, официальная обитель работ Тёрнера.

Темза — страсть, любовь, главный объект, который он писал всю жизнь. Еще в молодости Тёрнер построил лодку и сплавлялся по реке, жадно впитывая сюжеты для будущих картин. В странствия он вообще отправлялся с одной целью — наполниться впечатлениями, отыскать новые темы и новые цвета.

В юности Тёрнер бродил по горным районам Уэльса, позже осваивал центр, север и юг Англии. С 1800-х он путешествует по Европе. Франция, которая еще не стала художественной меккой, Швейцария, Шотландия, Германия… Италия! Вот куда он рвался. Увидеть Рим, Турин, Милан, Верону, сделать бесчисленное множество эскизов и рисунков… Но главное — Венеция.

Венеция Тёрнеру, так тонко чувствующему игру света, движение воды, солнечные блики, вероятно, показалась раем. Что он ощутил, впервые оказавшись в этом месте? В этот рай он приедет еще не раз. Кажется, что в венецианских пейзажах Тернеру удалось за холст поместить солнце, и именно его лучи делают картины такими сияющими.

Это солнце он не потеряет уже никогда.

Читайте также:  Описание картины клода моне «лягушатник»

Источник: https://artchive.ru/artists/379~Dzhozef_Mellord_Uiljam_Terner

Уильям Тёрнер: жизнь и творчество художника

Уильям Тёрнер (23 апреля 1775, Ковент-Гарден, Лондон — 19 декабря 1851, Челси) — британский живописец, мастер романтического пейзажа, акварелист и гравер.

Содержание

Джозеф Меллорд Уильям Тернер родился в 1775 г. в Лондоне. Его отец держал парикмахерскую. В те времена парикмахерская была таким же местом встреч и разговоров, как и традиционная английская пивная. Сюда приходили художники, граверы, поэты.

Пользуясь случаем, отец Тёрнера развешивал на стенах акварели сына для продажи.

В 1789 г. Тёрнера приняли в школу при Королевской академии искусств. В пятнадцать лет художник впервые выставил в академии свою акварель. Он учился и работал: осваивал современную акварельную технику, в которой традиционно выполнялись так называемые топографические пейзажи — точные виды усадеб, парков, замков и соборов; копировал на заказ произведения старых мастеров.

Творчество Тёрнера

В 1790-х гг. Тёрнер обратился к масляной живописи. В его маринах заметно влияние голландских мастеров XVII в.

С первых своих работ Тёрнер начинает разрабатывать тему конфликта между человеком и разрушительными силами стихии («Мол в Кале. Французы готовятся выйти в море: прибывает английское пассажирское судно»), которая будет возникать на протяжении всего творческого пути художника («Пожар парламента, 16 октября 1834»).

Гневные состояния природы: штормы, бури, ураганы и связанные с ними катастрофы — пришлись по душе английской публике, и Тёрнер сделал потрясающую карьеру. Уже в 1802 г.

он был избран действительным членом Королевской академии искусств, а в 1807 г. был утвержден в должности профессора.

Художник верой и правдой служил ей до конца своих дней, участвуя в организации выставок, читая лекции для широкой публики и обучая студентов.

В сознании Тёрнера природа, его постоянный и главный герой, все чаще предстает не только величавым зрелищем, но также и фоном для исторических событий.

Такова картина «Кораблекрушение», написанная в стиле голландских марин XVII в., на которой художник изобразил современный сюжет — гибель пассажирского судна. Такова картина «Снежная буря.

Переход Ганнибала через Альпы», написанная в год вторжения Наполеона в Россию.

В 1820—30-е гг. Тёрнер получил заказ на оформление сочинений английских писателей Сэмуэля Роджерса и Вальтера Скотта. Эти книги пользовались большим успехом, и гравюры с рисунков Тёрнера висели почти в каждом английском доме.

Постепенно палитра Тёрнера сильно высветляется. Освещение и воздух становятся главными стихиями, а конкретный сюжет — лишь поводом для изображения («Переправа через ручей», «Канал в Чичестере», «Стаффа, пещера Фингала»).

К середине 1830-х гг. Тёрнер достиг вершины мастерства. Он давал уроки живописи на вернисажах, заканчивая там свои картины.

Так, на глазах у восторженной публики и изумленных художников он за несколько часов почти полностью написал полотно «Пожар парламента, 16 октября 1834». Этот пожар произошел в 1834 году. Сотни людей наблюдали это драматическое зрелище.

Стихия бушующего огня потрясла Тёрнера, он сделал на месте девять акварелей, на основании которых и создал через год большую картину.

Картины и акварели Тёрнера, написанные блеклыми красками, мастерски передают необычные эффекты освещения, цвета и движения («Последний рейс корабля «Отважный»», «Пейзаж с далекой рекой и плотиной», «Лунный свет»). Большую роль в становлении живописного языка художника сыграли его путешествия в Италию, предпринятые им в 1819, 1828, 1835 и 1840 гг.

(«Сан-Джорджо Маджоре на заре, Венеция», «Вид на восток от Гидекки. Восход»). Они обогатили его стиль, цвет в его картинах стал более насыщенным, техника мазка — более раскрепощенной. В отличие от Констебла, Тёрнер любил путешествовать. Помимо Италии, он побывал во Франции, Голландии, Бельгии и Швейцарии, откуда неизменно привозил многочисленные акварели («Голубой Риги.

Озеро Люцерн. Восход»).

Одним из признанных шедевров, написанных художником на склоне лет, стала картина «Метель. Пароход выходит из гавани и подает сигналы бедствия, попав на мелководье».

Потоки морской воды, снег и дым, идущий из трубы корабля, сливаются в единый мощный шквал водяных брызг и пронизывающего ветра, изображенный художником с большой эмоциональной силой.

Существует легенда, что для того чтобы правдоподобно передать в этой картине эффект вьюги на море, 67-летний художник велел привязать себя на четыре часа к капитанскому мостику корабля, плывшего в шторм из Харвича.

В 1840-е гг. творчество Тёрнера постепенно становится все более загадочным для английской публики.

Он пишет то невольничий корабль, с палубы которого сталкивают в море больных негров («Невольничье судно»), то мчащийся сквозь непогоду поезд («Дождь, пар и скорость»), чутко и довольно неожиданно откликаясь на современные события. Достижения технического прогресса казались ему поэтичными и волнующими, а действия людей — отвратительными и жестокими.

Последние годы жизни Тёрнер провел в Челси, где он жил затворником под вымышленным именем. Там он и умер, оставив после себя обширное наследие: более 300 картин маслом, 20 тысяч акварелей и 19 тысяч карандашных рисунков, завещав их Национальной галерее в Лондоне.

Наиболее известные работы художника

  • 1799 — Warkworth Castle, Northumberland — Thunder Storm Approaching at Sun-Set, oil on canvas — Victoria and Albert Museum, London
  • 1806 — The Battle of Trafalgar, as Seen from the Mizen Starboard Shrouds of the Victory, oil on canvas — Tate Gallery, London
  • 1812 — Снежная буря. Переход Ганнибала через Альпы / Snow Storm: Hannibal and His Army Crossing the Alps, oil on canvas, Tate Gallery, London
  • 1822 — The Battle of Trafalgar, oil on canvas, National Maritime Museum, Greenwich, London
  • 1835 — The Burning of the Houses of Lords and Commons, oil on canvas, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia
  • 1835 — The Grand Canal, Venice, oil on canvas, Metropolitan Museum of Art, New York
  • 1838 — Последний рейс корабля «Отважный» / The Fighting Temeraire Tugged to Her Last Berth to Be Broken up, oil on canvas, National Gallery, London
  • 1839 — Современный Рим — Кампо Ваччино / Modern Rome — Campo Vaccino
  • 1844 — Дождь, пар и скорость

Библиография

  • Уильям Тёрнер / Перевод с английского А. Е. Мосейченко. — М.: ЗАО «БММ», 2007. — 256 с. — 2000 экз. — ISBN 5-88353-278-0.

Источник: http://allpainters.ru/tjorner-uiljam.html

Уильям Тернер. Joseph Mallord William Turner — Английский Живописец

Уильям Тернер родился 23 апреля 1775 года в городе Лондон. Среди посетителей цирюльни было немало художников и граверов. Поэтому не было ничего удивительного в том, что мальчик заинтересовался живописью. Отец Уильяма рассматривал занятия сына рисованием отнюдь не как пустое развлечение, а как довольно верный источник приработка.

     Однажды он развесил в лавке акварели своего сына, когда тому едва исполнилось двенадцать лет, и стал продавать их по два-три шиллинга за штуку. Сначала юный Тернер делал копии с модных тогда топографических видов живописных местностей, замков, руин, архитектурных памятников Лондона. Вскоре он начал переводить рисунки, иллюстрирующие всякие путеводители и описания, в гравюры.

     По рекомендации некоторых художников, заметивших талантливые рисунки мальчика, его зачисляют в декабре 1789 года в бесплатные ученики Королевской академии, когда Тернеру было всего 15 лет. В этот период один из его рисунков был принят на выставку в академии. Первое полотно, которое он показал на академической выставке в 1796 году, была картина «Рыбаки в море», или «Марина Чомли».

     Постепенно Тернер переходит от акварели к живописи маслом. К этому времени он твердо решил добиться признания и всю жизнь старался доказать, что пейзаж может выражать самые высокие понятия и чувства ничуть не хуже исторической картины. На картинах Тернера чаще всего присутствует движение — например, волнующееся море, корабли, — а также восходы, закаты, туманы, дымы.

     С 1830-х годов техника Тернера становится все свободнее. Его интересует не форма или правдоподобность, а свет и цвет. Своей неподражаемой техникой он передает эмоции и настроения.

Несмотря на известность и материальное благосостояние, он был угрюм, необщителен, резок в обхождении и равнодушен ко всему, кроме своего искусства.

Одной из его странностей было исчезать из дома, не предупредив никого, и скрываться на несколько дней в небольшой квартире в глухой части Лондона. И в одну из таких отлучек Уильям Тернер скоропостижно скончался.

     Он оставил огромное количество работ: 300 картин маслом и 19 000 рисунков. Ныне они собраны в специально построенной для них галерее Клоур.

Значительную часть своего состояния Тернер завещал на благотворительность, а все непроданные произведения — Лондонской национальной галерее.

На оставленную им сумму при Королевской академии основан фонд для выдачи пособий нуждающимся художникам и учреждена медаль его имени, присуждаемая через каждые два года в награду за лучший из пейзажей, представленных Академии.

Источник: https://ruspekh.ru/people/item/tatyana-vasileva

Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер — британский живописец

Джо́зеф Мэ́ллорд Уи́льям Тёрнер (англ. Joseph Mallord William Turner, 23 апреля 1775, Лондон — 19 декабря 1851, Лондон) — британский живописец, мастер романтического пейзажа, акварелист и гравер. Предтеча французских импрессионистов.

Автопортрет.
Уильям Тёрнер родился в конце апреля — 1775 г. в лондонском районе Ковент-Гарден. Сам Тёрнер называл датой своего рождения 23 апреля, что, впрочем, оспаривается рядом исследователей. Отец художника, Уильям Тёрнер, был мастером по изготовлению париков, а в конце 70-х гг. открыл цирюльню.

В 1785 году  из-за тяжёлой обстановки в семье (его мать была душевнобольной), Джозефа Уильяма отправили в лондонский пригород Брентфорд, где он жил у дяди.
Ещё в Брентфорде он проявил интерес к изобразительному искусству.

После учёбы в школе в конце 1780-х он поселился в Лондоне, где работал у архитекторов и топографов, в том числе у Томаса Малтона. В декабре 1789 года 14-летний Тёрнер был зачислен в Королевскую академию, его экзаменовал Рейнолдс. В академии он посещал последние лекции Рейнолдса, оказавшего значительное влияние на Тёрнера.

В дальнейшем художник внимательно изучил весь курс лекций первого президента академии, посвящённый идеалистическому направлению в искусстве. Уже через год после поступления акварельная работа Тёрнера экспонировалась на ежегодной выставке Академии художеств. Первая картина маслом, которая удостоилась экспозиции, появилась у Тёрнера в 1790 году.

Впоследствии Тёрнер постоянно выставлялся в Академии. С 1791 года работал художником-сценографом в «Пантеон Опере» на Оксфорд-стрит и подрабатывал, давая уроки.

«Возведение Карфагена»
Дидона, основательница Карфагена, (1815)

Тёрнер внимательно изучал мастеров прошлого и современных художников. Копируя чужие работы, он творчески переосмысливал чужие образы, выражая своё собственное видение. Особенно восхищал его Клод Лоррен: по словам современника, увидев картину «Отплытие царицы Савской», Тёрнер не смог удержаться от слёз. Художник объяснил свою реакцию тем, что ему никогда не создать что-либо подобное.

Спустя годы Тёрнер завещал свою «Дидону, основательницу Карфагена», которую считал непревзойдённым шедевром, Национальной галерее с условием, чтобы она висела рядом с «Отплытием царицы Савской». Тёрнер тщательно изучал доступные ему картины Лоррена, а также альбомы с гравюрами Liber Veritatis. Гравюры были выполнены с рисунков французского художника, относившихся к зрелому периоду творчества.

Позднее Тёрнер предпринял выпуск альбома Liber Studiorum, выполненный в той же технике, что и альбом рисунков Лоррена — меццо-тинто. Liber Studiorum предназначался для использования в качестве учебника для начинающих художников и гравюры были сгруппированы по тематическим разделам — живопись архитектурная, историческая, пасторальная (мифологическая и бытовая), пейзажи морские и горные.

Свою первую этюдную поездку Тёрнер совершил в 1791 году. В дальнейшем он много путешествовал с походной палитрой и делал зарисовки в Европе (Швейцария, Французские Альпы, Италия).

После Тёрнера осталось более десяти тысяч рисунков и набросков.

Читайте также:  Описание картины павла филонова «лица»

Материалы из походных альбомов служили художнику основой для картин и акварелей, над которыми он работал в Лондоне, обращаясь порой к очень давним своим эскизам.

4 ноября 1799 года Тёрнер, ставший к тому времени популярным художником, был избран членом-корреспондентом Королевской академии.

В 1801 году он выставил в академии картину «Море у Бриджуотера», которая имела шумный успех, а художник Бенджамин Вест даже сравнил Тёрнера с Рембрандтом. 10 февраля 1802 года Тёрнер стал самым молодым художником, удостоившимся звания королевского академика.

Это звание давало ему право выставляться в обход отборочной комиссии, предварительно просматривавшей все работы.

Тёрнер постоянно совершенствовал свою технику, изучал связь между архитектурой и геологией, природу движения воды и воздуха. К началу XIX века в своих акварелях он достигает силы и выразительности, обычно присущей живописи маслом.

Отбрасывая излишнюю детализацию, он создавал новый тип пейзажа, посредством которого художник раскрывал свои воспоминания и переживания. В свои картины Тёрнер вводил изображения людей в сценах прогулок, пикников, полевых работ.

Внимательно и с любовью изображая человека, художник подчёркивал несовершенство его природы, его бессилие перед огромным окружающим миром иногда спокойным, иногда грозным, но всегда равнодушным.

В 1807 году Тёрнер занял должность профессора перспективы в Королевской академии. Однако программа обучения, составленная им, касалась гораздо более широкого круга вопросов, чем изучение перспективы. Она представляла своего рода переложение курса лекций Рейнолдса и обращалась к излюбленной теме Тёрнера — вопросам «поэтической живописи».

Особую известность завоевал благодаря картинам, посвящённым Наполеоновским войнам («Трафальгарская битва», «Поле Ватерлоо»).

В 1819 году Тёрнер впервые посетил Италию. Он побывал в Турине, Милане, Риме, Венеции, Неаполе. Изучал работы Тициана, Тинторетто, Рафаэля, современных итальянских художников.

После путешествия в Италию его живопись стала более яркой, палитра интенсивной с преобладанием основных цветов. Особое место в творчестве художника заняла венецианская тема.

Он трижды (в 1819, 1833, 1840 годах) побывал в этом необыкновенном городе и воспоминания о нём питали его фантазию долгие годы.

Уже в 1800-х годах успехи Тёрнера вызвали замечания со стороны коллекционера и художника сэра Джорджа Бомона, критиковавшего «вольности» и яркие цвета его картин. Позднее, новаторское творчество художника, предвосхищающее достижения живописи конца XIX — начала XX в.

, вызвало неоднозначную оценку в современном ему обществе. Викторианская публика, предпочитавшая реализм, граничивший с фотографией, слащавый сентиментализм и «гармоничную», но невыразительную цветовую гамму, плохо принимала многие его картины.

В 30-40-х годах всё чаще появлялись критические выпады по адресу Тёрнера. Некоторые его работы, граничившие с абстракционизмом, создали художнику репутацию сумасшедшего. Королева Виктория отказала ему в возведении в рыцарское достоинство.

Одним из немногих, кто встал на защиту Тёрнера был Джон Рёскин, назвавший его «величайшим художником всех времён».

Живописец скончался 19 декабря 1851 г.

Из энциклопедического словаря «Брокгауза и Ефрона»

Некоторые работы художника.

Брайтонский пирс.   1828 г.

Вода Вирджинии.   1829 г.

Одиссей, дразнящий Полифена.   1829 г.

Вид над городом на закате с кладбищем на переднем плане.   1832 г.

Вид южной стороны церкви Христа со стороны луга.  1832 г.

Прощание Геро и Леонарда.       1837 г.

Последний рейс корабля «Отважный». 1838 г.

Вечный покой. Похороны в море. 1842 г.

Приближение Венеции. 1843 г.

Мост Дьявола. Готхард.

Вид с террасы замка Хорнби.    —

Эразм в капелле епископа

Венеция.

Большой канал

Долиа Эмбурнхама

Трансепт.

Монастырь  Эвени в Гаморганшире

Уэльский мост в Шрусбери

Долина у ручья Кедрон

Город Вулверхэмптом. Стаффордшип

Таблей. Усадьба сэра Лейстера

Город Тотнес на речной стрелке

Замок Виндзор на Темзе

Горящие палаты Лордов и Общин

Трафальгаская битва

Мост символов

Кораблекрушение.

После  кораблекрушения.

Старый Лондонский  мост.

Дождь, пар и скорость.

Рыбаки в  море.

СПАСИБО ЗА  ПРОСМОТР И КОММЕНТАРИИ.

Вам также будет интересно:

Харламов А.А. — русский художник, мастер портрета

Сычков Федот Васильевич

Латвийский художник Игорь Майков

Источник: https://obiskusstve.com/374900170835364632/dzhozef-mellord-uilyam-tyorner-britanskij-zhivopisets/

Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер (1775 — 1851)

31.07.2008

Публикации

Тёрнер был одной из наиболее ярких фигур в романтической пейзажной живописи XIX века. Его творчество, чрезвычайно разнообразное по стилистике, отмечено смелыми, опережавшими свое время поисками и открытиями.

Он начал с традиционных для Англии XVIII века так называемых топографических пейзажей, главной задачей которых была точная передача портрета местности. Он работал акварелью, пользуясь предварительными зарисовками с натуры, которые делал во время своих пеших и водных путешествий.

Тёрнер не получил систематического общего образования, но в 1789—1793 годах он посещал классы Королевской академии художеств.

Благодаря упорству и трудолюбию художник невероятно развил наблюдательность и свою феноменальную память, научившись улавливать эмоционально сложные состояния природы и быстро меняющиеся светотеневые эффекты.

Постепенно его акварели стали включать все больше элементов «живописного» пейзажа — дикие заросли по берегам рек, небольшие водопады, руины, — проникнутого тонкими настроениями. Вообще акварель играла важную роль в творческой судьбе Тёрнера. Подхватив эстафету у английских мастеров XVIII века, он открыл новые грани и возможности этого национального вида живописи.

Рыбаки в море. 1796

Выросший близ устья Темзы, художник с детства полюбил море и парусники. Его первая работа маслом — «Рыбаки в море» (1796, Лондон, Галерея Тейт) — открывает длинную череду картин, посвященных морской стихии.

Уже в этом раннем произведении, выполненном под сильным влиянием голландской марины XVII века, выделена тема противоборства человека и природы.

Мастер подчеркивает светотеневые контрасты ночного освещения, дает почувствовать беспредельность мира, строит композицию на вихрящихся, эллипсоидных элементах.

Дидона строит Карфаген. 1815

В поисках героического образа природы Тёрнер обращается к опыту классического искусства. Пытаясь соединить пейзаж с исторической картиной, он вводит в него мифологические персонажи, как это делали Н. Пуссен и К. Лоррен. Особенно эта тенденция усилилась после путешествия мастера в 1802 году в Швейцарию.

На него произвело неизгладимое впечатление не только грандиозное величие горной стихии, но и картины старых мастеров, вывезенные Наполеоном из завоеванных стран Европы и выставленные в Лувре, где Тёрнер увидел их во время остановки в Париже. Пик увлечения классицистическим пейзажем приходится на 1807—1818 годы.

Вдохновленный живописью классицизма XVII века, он создает произведения двух видов. К первому относятся огромные, предназначавшиеся для академических выставок полотна, в которых художник пытался поднять пейзаж до уровня «высокого» искусства. Среди них «Пятая египетская казнь» (ок. 1800, Индианаполис, Музей), «Десятая египетская казнь» (ок. 1802), «Потоп» (ок.

1805, обе — Лондон, Галерея Тейт) и, наконец, самая «лорреновская» из его картин — «Дидона строит Карфаген» (1815, Лондон, Национальная галерея). Большинству холстов свойственна известная театральность, но вместе с тем и в этих произведениях ощущается романтическое противостояние мрака и света, нарушающее классическую гармонию кулисного построения композиции.

Второй тип «лорреновского» пейзажа связан с попыткой трактовать обыденный ландшафт с позиций «большого» стиля.

Переправа через ручей. 1815

В знаменитой картине «Переправа через ручей» (1815, Лондон, Галерея Тейт) дан идеализированный образ природы, основанный на смене кулисно построенных планов с переходом от более темного переднего плана к высветленным задним.

Но и здесь замкнутость классицистической композиции разрушается извилистой рекой, прорезающей зелень холмов и уводящей глаз зрителя в безбрежную туманную даль.

Особую перламутровость тёрнеровской палитры определило применение грунта белого цвета, который стал колористическим камертоном картины, пронизывая блеклые голубовато-зеленые оттенки куп деревьев и дымчатые дали.

В то же самое время мастер продолжал писать морские пейзажи — «Мол в Кале» (1803), «Кораблекрушение» (ок. 1805, обе — Лондон, Галерея Тейт). Его бури и кораблекрушения были призваны выразить идею «возвышенного и ужасного», очищающего душу через потрясение, вызывая смятение ума и сердца.

Он также продолжал поиски непосредственных впечатлений от природы в повседневном английском пейзаже и писал прелестные, то полные мягкого лирического чувства, то внутренне энергичные акварели. Стремясь постичь тайны постоянной изменчивости натуры, зависящей от освещения, он пишет этюды облаков, опережая в этом Констебла.

Улисс и Полифем. Ок. 1829

К концу 1810-х годов искусство Тёрнера переживает кризис, разрешению которого способствовала поездка в Италию.

Новизна впечатлений, струящийся от жары влажный морской воздух, блеск и сияние средиземноморского солнца, растворяющие в молочном мареве контуры окружающего предметного мира, совершили переворот в его мировосприятии и открыли путь к более поздним живописным открытиям мастера.

Романтическая Венеция покорила его на всю жизнь, заставила по-иному увидеть собственно английский пейзаж, ее образы возникали в творчестве художника до конца его дней. Отныне стихия света стала одной из главных составляющих искусства Тёрнера.

В его живописи усиливается тенденция к высветлению палитры, наметившаяся еще до поездки в Италию, он все шире использует цветные тени, все чаще работает пятном чистого тона. Его мазок становится более размашистым, контуры и формы предметов — неопределенней, часто придавая картинам своеобразную незаконченность наброска.

Художнику все лучше удается передавать движение и изменчивость природы. Постепенно накапливаясь, эти качества приводят к перелому в его искусстве 1830-х годов. Этот период творчества Тёрнера связан с имением Петуорт-Хаус, где он подолгу жил у своего покровителя лорда Эгремонта.

Он любил писать тающие в дымке пейзажи окрестностей имения, но подлинно новаторским духом проникнуты его жанровые сцены и интерьеры Петуорта. Залы и комнаты дворца растворяются в стихии света и цвета, в них нет ни одной сколь-нибудь тщательно выписанной детали, и вместе с тем они очень узнаваемы.

Мастер наделяет их искренней теплотой чувства, поразительно точно передавая атмосферу полного уюта гостеприимного дома, подчеркивает его соразмерность человеческому существу, в отличие от большинства своих произведений, где окружающий мир противостоит человеку. Особой прелести полны сцены в гостиных — «Общество в Петуорте» (ок. 1830), «Музыкальная комната в Петуорте» (ок. 1830—1837, обе — Лондон, Галерея Тейт). В последней композиции вибрирующие потоки красного света и цвета претворяют женские фигурки у рояля в дивные видения, создавая почти физически ощутимое впечатление звучащей музыки и воплощая тем самым родство цветовой и музыкальной полифонии.

Музыкальная комната в Петуорте. Ок. 1830—1837

Последний рейс фрегата «Отважный». 1838

Смелые живописные новации петуортских вещей Тёрнера повлекли за собой и новое осмысление его излюбленной темы — морской стихии. На протяжении всей своей творческой жизни художник шел к пониманию пейзажа как самодостаточного жанра живописи, способного выражать мысли и чувства, проникать в философские глубины бытия.

В отличие от импрессионистов мастер воплощает непосредственное наблюдение и впечатление от природы, повинуясь романтическому стремлению к внутренней правде. Он пишет скорее среду, в которую погружен предметный мир.

И чаще всего эта среда трактована им как стихия или катастрофа — шторм, дождь, огонь («Пожар парламента», 1835, Кливленд, Художественный музей; «Метель на море» (1842, Лондон, Национальная галерея). Предметы в его картинах окончательно теряют четкость очертаний, превращаясь в призраки, подчиняющиеся общему водовороту воронкообразных, спиралевидных композиций.

В знаменитой картине «Дождь, скорость и пар» (1844, Лондон, Национальная галерея) мчащийся с огромной по тем временам скоростью поезд своим стремительным движением прорезает мглу дождя и снега, противостоя стихии и вместе с тем почти растворяясь в ней. Романтические образы Тёрнера рождаются из пульсирующей мощи красочного слоя.

Он почти лепил это красочное месиво, работая мастихином, а часто просто пальцами, ногтем процарапывая и выскребая краску. Через стихии воды, земли и воздуха, наконец, стихию красочной массы на холсте «он возвращается в первобытный хаос». Его живопись, окрашенная трагическим восприятием мира, приобретает особую магию.

Дождь, скорость и пар. 1844

Тёрнер много размышлял о природе света и цвета, он живо интересовался достижениями науки, в особенности оптики, химии и метеорологии. Его внимание привлекала теория цветов Гёте.

Свои взгляды на историю и принципы пейзажной живописи он изложил в одной из лекций, прочитанных в Королевской академии художеств, членом которой он состоял с 1802 года, а профессором был с 1808 по 1828-й. Тёрнер прожил долгую жизнь.

Он пользовался славой, хотя не был до конца понят и принят своими современниками.

Татьяна Воронина

Источник: http://www.art-catalog.ru/article.php?id_article=612

Ссылка на основную публикацию