Описание картины анри матисса «автопортрет»

Анри Матисс

Яркость цветов, простота техники, экспрессия — картины французского художника Анри Матисса поражают неординарностью. Лидер фовизма перепробовал кучу направлений в изобразительном искусстве, прежде чем нашел собственный стиль, отличающийся «диким» характером.

Детство и юность

Родина великого художника – северный городок Ле-Като-Камбрези во Франции. Здесь в 1869 году в семье успешного торговца зерном родился первенец, которого назвали Анри Эмиль Бенуа Матисс.

Судьба ребенка была предрешена – в то время первый наследник в семействе обязан был в будущем взять на себя дело отца.

Но, видимо, мальчик унаследовал гены матери, которая любила коротать свободное время за росписью керамических поделок.

Художник Анри Матисс

Анри готовили к будущему обстоятельно, он отучился в школе, затем в лицее. Далее строптивый сын, вопреки воле главы семейства, отправился в Париж постигать юридические науки. С дипломом, далеким от искусства, вернулся домой, где проработал несколько месяцев клерком.

Судьбу решила болезнь. Творческая биография одаренного художника началась в 1889 году, когда Анри Матисс попал под нож хирурга с аппендицитом.

Автопортрет Анри Матисса

Восстанавливался после операции два месяца. Чтобы сын не скучал, мама принесла в больницу принадлежности для рисования, и Матисс начал самозабвенно копировать цветные открытки. В это время молодой человек окончательно понял, чему хочет посвятить жизнь.

Живопись

Мечта стать учеником столичной Школы изящных искусств не давалась. Дебютное поступление Анри провалил, поэтому пришлось сначала посидеть за партами других учебных заведений, где знакомили с азами живописи. И все же в 1895 году «крепость» сдалась – вместе с будущим известным художником Альбером Марке Матисс поступил в вожделенную Школу искусств, в мастерскую Гюстава Моро.

Художник Анри Матисс

В круг интересов в начале творчества входило современное искусство, Анри Матиссу было также любопытно японское направление.

Символист до мозга костей Моро отправлял учеников учиться «играть цветом» в Лувр, где Анри пытался подражать классикам живописи, копируя картины.

Мастер учил «мечтать о цвете», вот откуда у художника Матисса зародилась страсть к поиску подходящих оттенков для передачи эмоций.

Картина Анри Матисса «Бутылка схидама»

В раннем творчестве уже проявилась смесь учений Моро с позаимствованными элементами у признанных мастеров кисти. Например, натюрморт «Бутылка схидама» отличается неоднозначностью: с одной стороны, темные цвета выдают подражание Шардену, а широкие мазки и смесь черного с серебристым – Мане. Позже Анри признавался:

Изучение классики быстро наскучило художнику, и он обратился к импрессионистам, в частности преклонялся перед полотнами Винсента ван Гога. Цвет в ранних работах еще тусклый, но постепенно набирал сочность, тяготение к импрессионизму стало преображаться в собственный неповторимый стиль. Уже в 1896 году в художественных салонах стали появляться первые творения начинающего живописца.

Первая персональная выставка не произвела фурор в кругах ценителей искусства. Анри Матисс решил уехать из столицы Франции подальше на север, где попробовал силы в технике точечных мазков. В это время из-под его пера вышел первый шедевр – «Роскошь, покой и наслаждение». Но и эту манеру письма мужчина не нашел «родной».

Картина Анри Матисса «Женщина в шляпе»

Революция в творчестве художника пришлась на 1905 год. Матисс вместе с группой единомышленников создал новый стиль в живописи, получивший название фовизм. Энергия красок, представленная на выставке осенью, потрясла зрителей. Анри представил две работы – портрет «Женщина в шляпе» и картину «Открытое окно».

На художников обрушилась волна негодования, посетители выставки не понимали, как можно настолько пренебрегать всеми традициями изобразительного искусства. Основателей стиля окрестили фовистами, то есть дикарями.

Картина Анри Матисса «Радость жизни»

Впрочем, такое внимание, пусть и негативное, принесло Матиссу популярность и хорошие дивиденды: у картин появились поклонники, которые с удовольствием их покупали. Например, «Женщину в шляпе» сразу на выставке забрала американская писательница Гертруда Стайн, а полотно «Радость жизни», появившееся в 1906 году, купил знаменитый коллекционер Лео Стайн.

Чуть позже случилось знаменательное событие – художник познакомился с еще не известным Пабло Пикассо, общение вылилось в десятилетия дружбы, на протяжении которых мастера кисти соревновались друг с другом. Пикассо говорил, что смерть любого из них будет для каждого невосполнимой потерей, ведь обсудить некоторые творческие вопросы так бурно больше не с кем.

Картина Анри Матисса «Танец»

Два самых известных полотна – «Танец» и «Музыка» – Матисс написал для мецената Сергея Щукина. Россиянин заказал картины для дома в Москве.

Художник, работая над эскизами, поставил цель создать нечто такое, чтобы зашедший в особняк чувствовал облегчение и покой. Интересно, что монтаж картин Анри контролировал лично – француз приехал в столицу России, где его приняли с восторгом.

Самого же художника впечатлила коллекция старинных икон хозяина дома и простота россиян.

Видимо, гонорар художник получил неплохой, потому как сразу поехал в путешествие. Побывал в восточной сказке Алжира, а вернувшись домой, тут же сел за работу – свет увидела картина «Голубая обнаженная». Эта поездка произвела неизгладимое впечатление на Матисса, в творчестве появляются новые элементы, мужчина создает литографии, гравюры на керамике и дереве.

Картина Анри Матисса «Голубая обнаженная»

Очарование Востока не отпускало, француз продолжал знакомиться с Африкой, съездив в Марокко. А затем отправился в путешествие по Европе и Америке. В это время его творчество постепенно стало лишаться примет фовизма, наполняясь тонкостью и особенной глубиной, появилась связь с природой.

Во время Второй мировой войны у художника нашли онкологию, после операции мужчина не мог передвигаться. В тот период Матисс выдумал новое направление в области декупажа, в основе которого лежит составление картин из кусочков окрашенной бумаги.

Скульптор Анри Матисс

Точку в творчестве Анри Матисс поставил масштабным проектом оформления женского монастыря в Вансе. Говорят, что художника просили только отредактировать витражные наброски, но тот с энтузиазмом засучил рукава и создал полный проект. Кстати, эту работу мужчина считал неким знаком судьбы на закате жизни и лучшей в своей копилке художественных трудов.

Личная жизнь

Личную жизнь Анри Матисса украсили три женщины. В 1984 году художник впервые стал отцом – модель Каролина Жобло подарила талантливому живописцу дочь Маргариту. Однако Анри женился вовсе не на этой девушке.

Анри Матисс с женой и дочерью Маргаритой

Официальной супругой стала Амели Парейр, с которой представитель мира живописи познакомился на свадьбе товарища.

Девушка выступала в роли подружки невесты, а Анри случайно посадили рядом за стол. Амели сразила любовь с первого взгляда, молодой человек тоже начал оказывать знаки внимания.

Девушка стала первым близким человеком, который поверил в его талант безоговорочно.

Анри Матисс и Амели Парейр

Перед бракосочетанием жених предупредил невесту, что главное место в жизни всегда будет занимать работа. Даже на медовый месяц новоиспеченная семья поехала в Лондон, чтобы познакомиться с творчеством Уильяма Тернера.

В браке родились сыновья Жана-Жерар и Пьер. Супруги к тому же взяли в свою семью на воспитание Маргариту. Долгие годы дочь и жена занимали места главных моделей и муз художника. Одна из знаменитых картин, посвященных жене, – «Зеленая полоса», написанная в 1905 году.

Картина Анри Матисса «Зеленая полоса» и Амели Парейр

Этот портрет любимой женщины поразил тогдашних ценителей искусства «уродливостью». Зрители считали, что представитель фовизма переборщил с яркостью красок и откровенной правдивостью.

На пике популярности, который пришелся на 30-е годы, художнику понадобился помощник. Матисс в то время с семьей переехал в Ниццу.

Однажды в доме появилась молоденькая российская эмигрантка Лидия Делекторская, которая стала секретарем живописца. Супруга сначала не видела в девушке опасности – мужу не нравились светловолосые.

Но ситуация поменялась мгновенно: случайно увидев Лидию в спальне жены, Анри бросился ее рисовать.

Анри Матисс и Лидия Делекторская

Впоследствии Амели развелась со знаменитым супругом, а Дилекторская стала последней музой Матисса. Какие отношения царили в этом союзе, была это любовь, или пара ограничивалась совместной работой, до сих пор не известно. Среди россыпи рисунков и картин, на которых изображена Лидия, особняком стоит полотно «Одалиска. Голубая гармония».

Смерть

1 ноября 1954 года Анри Матисса поразил микроинсульт. Спустя два дня великий художник скончался. Легенда гласит, что Дилекторская перед самой смертью навестила живописца в спальне, где произнесла:

Анри с улыбкой ответил:

Произведения

• 1896 – «Бутылка схидама»
• 1905 – «Радость жизни»
• 1905 – «Женщина в шляпе»
• 1905 – «Зеленая полоса»
• 1905 – «Открытое окно в Коллиуре»
• 1907 – «Голубая обнаженная»
• 1908 – «Красная комната»
• 1910 – «Музыка»
• 1916 – «Купальщица у реки»
• 1935 – «Розовая обнаженная»
• 1937 – «Женщина в фиолетовом пальто»
• 1940 – «Румынская блуза»
• 1952 – «Грусть короля»

Фото

Источник: https://24smi.org/celebrity/6878-anri-matiss.html

Известные картины Анри Матисса

Самые известные и скандальные работы знаменитого мастера современного изобразительного искусства.

Французский живописец Анри Матисс (1869–1954) работал в различных направлениях искусства, в том числе, в скульптуре, но самые известные произведения он создал именно в качестве художника.

Наряду с Пабло Пикассо и Марселем Дюшаном он считается одним из самых влиятельных деятелей современного искусства, а его работы произвели революцию в мире живописи.

Выдающийся колорист, Матисс также известен своими трудами в области фовизма — движения, в котором он стал ведущей фигурой.

Женщина в фиолетовом пальто

Дата создания: 1937
Эта работа — портрет Лидии Делекторской, которая была музой, а в дальнейшем — спутницей Матисса. Лидия изображена в экзотическом марокканском костюме, в окружении экзотичных цветом и абстрактного интерьера. Эта картина демонстрирует декларативность авторского стиля.

Открытое окно

Дата создания: 1905
Анри Матисс был самым видным участником недолговечного, но заметного в искусстве XX века художественного движения — фовизма, который характеризовался ярким экспрессионистским и ненатуралистическим методом использования цветов. Классической иллюстрацией работы этого направления является картина «Открытое окно», изображающая вид из квартиры художника в Коллиуре, на южном побережье Франции. Произведение считается знаковым для раннего модернизма.

Золотая рыбка и палитра

Дата создания: 1914
Во время визита в Марокко Матисс заметил, что местные жители после употребления некоторых одурманивающих наркотических средств проводят время в молчаливом созерцании золотых рыбок. Вернувшись в Париж, он установил чашу с такой рыбкой в своей мастерской.

В девяти картинах художника появляются эти существа, но эта является, вероятно, самой известной. Изначально Матисс набросал автопортрет, с палитрой в руке, подобно Полю Сезанну. Рыбка и палитра обозначают скрытую связь с работой «Арлекин» Пикассо, интерпретируемый как автопортрет.

Матисс и Пикассо были близкими друзьями, но также и вечными соперниками.

Роскошь, Спокойствие и Наслаждение

Дата создания: 1905
Дивизионизм был характерен для стиля неоимпрессионизма и представляет собой подход, при котором происходит разделение цветов на точки, пятна или мазки, которые «смешиваются» на расстоянии, составляя полную картину.

Впервые картины с использованием такого метода были созданы Полем Синьяком и Жоржем Сера.

Картина «Роскошь, Спокойствие и Наслаждение» является наиболее известным трудом Матисса в неоимпрессионизме, однако год спустя художник отказывается от этого стиля и становится пионером фовизма.

Женщина в шляпе

Дата создания: 1905
Выставленная в 1905 году на Осеннем Салоне (выставке в Париже), «Женщина в шляпе» оказалась в центре внимания. Портрет жены Матисса, Амели Парейр, поразил как зрителей, так и критиков за счет свободной манеры письма, незавершенности, яркости и неестественности в цветовых решениях, став одним из известнейших шедевров живописца.

Купальщицы у реки

Дата создания: 1905
Сам автор считал данную картину «Купальщицы» одной из самых важных в карьере и работал над ней на протяжении восьми лет, дорабатывая детали, отражая интерес к кубизму. Сдержанная цветовая палитра и строгие формы поразительно отличают картину от большинства других произведений Матисса.

Голубая обнаженная

Дата создания: 1907
Во время работы над этой скульптурой Матисс случайно разрушил заготовку, и ее осколки вдохновили мастера на создание наиболее спорной работы в его карьере.

Впервые представленная на Салоне Независимых, скульптура «Голубая обнаженная» потрясла французскую публику, а позже произвела сенсацию и в других странах.

Эта работа вдохновила Пабло Пикассо на создание не менее спорных Авиньонских девиц.

Красная студия

Дата создания: 1907
Картина изображает мастерскую Матисса: беспорядочно разбросанные по всей студии картины, скульптуры, посуда. Стены и пол равномерно покрыты красной краской. «Красная студия» считается ключевой работой в истории искусств, а в 2004 году, по результатам опроса экспертов, заняла пятое место из 500 в списке наиболее влиятельных произведений современного искусства.

Радость жизни

Дата создания: 1906
Прорывная для Матисса работа изображает нескольких обнаженных женщин и мужчин на фоне, наполненном яркими цветами. Вдалеке можно увидеть танцующие фигуры. Пример работы в стиле фовизм, как и многие другие картины автора, вызвал ряд возмущений в дни показа.

Танец

Дата создания: 1910
Источающая «примитивную» энергию, картина намеренно была окрашена несколько по-детски. Изображающая пять танцующих фигур, работа считается ключевой точкой в развитии современной живописи и самым известным произведением Анри Матисса.

Капелла Четок/Chapelle du Rosaire в городе Ванс (Франция)

Дата создания: построена в 1949–1951 по проекту Анри Матисса

Сам автор считал Капеллу Четок на Лазурном берегу Франции своим лучшим творением. Он вдохновился на ее создание под влиянием бесед, которые художник вел с ухаживающей за ним во время болезни монахиней.

На обращение художника к теме христианства повлияла личная трагедия Матисса: в 1944 году за участие во французском сопротивлении в гестапо попали его жена и дочь. После пыток их поместили в концлагерь Равенсбрюк. Им пришлось пройти через страшные для женщин унижения. Жена Матисса не выжила, а дочь осталась калекой после освобождения.

Автор предельно сдержан в создании интерьера капеллы, но тем удивительней эффект, который вызывают графичные черные силуэты на белых стенах.

Необычная роспись стен по керамической плитке при внешней сдержанности необычайно экспрессивна и создает яркие и полные выразительной силы образы.

Сохранились свидетельства о долгой и кропотливой работе Матисса над эскизами стенной росписи. Контрастом нейтральному белому фону стен капеллы служат яркие витражи.

 Загрузка …

Источник: https://artrue.ru/style/abstract/izvestnye-kartiny-anri-matissa.html

Perfect Present. В продолжение праздничной темы

Открыв предыдущим постом праздничный сезон (забавная игра слов, особенно, если учесть, что буквально на днях действительно начался рождественский пост), не могу не заметить, что Анри Матисс, получив в 1906 году обозначенный ранее «Автопортрет» Пикассо, сделал ответный жест, подарив Пикассо собственный  автопортрет, который, наряду с портретом жены («Женщина в шляпе», 1905), демонстрирует общность корневой системы обоих художников – это, разумеется, Сезанн.

Анри Матисс, Автопортрет, 1906.

 Мощь упругих широких мазков словно делает холст тугим и жёстким, гудящим от напряжения. Кажется, Матисс работает не кистью по холсту, а стамеской и долотом по цельному массиву, и постепенно плоскости складываются в жёсткую архитектоническую конструкцию.

Упрямые поперечные полоски нательника, коротко стриженые волосы и тёмная борода, зелёные пятна на лице и неспокойная синь фона – всё это рождает ассоциации с важной для модернистского кода фигурой моряка, представляющего одновременно и стихию (в самом себе), и борьбу с ней (шторм в открытом море). Матисс, спокойный мудрый Матисс, на автопортрете выглядит настороженным и готовым к нападению: в отличие от Пикассо, он борется не с внутренними демонами, а с внешним врагом – агрессивно настроенной публикой, на которую устремлён взгляд его больших, непроницаемых глаз.   

Вообще, нельзя сказать, что Матиссу был характерен жанр автопортрета.

Да, у него нет-нет да и встретится какая-нибудь автобиографическая деталь, вроде скрипки и нот, или сведённая к пластическому знаку фигура художника, в которой принято видеть изображение самого Матисса, но из-за предельной редуцированности и схематичности следует говорить, скорее, о мотиве, чем об автопортрете. Сам Матисс свои автопортреты называл рисунками, сделанными по отражению своего лица в зеркале.

Возможно, дело в методе работы художника: стремление от частного – к общему, от случайных наблюдений к точным формулам.

«Мне кажется, в этих рисунках подытожены мои наблюдения, которые я вёл с давних пор, о характере рисунка, зависящего не от точно скопированных с натуры форм и терпеливо собранных точных подробностей, а от глубокого чувства, возникающего при виде выбранных им предметов, на которых сосредоточено его внимание и в сущность которых он проник», — писал в конце жизни Матисс.

Судя по подобным высказываниям, нельзя сказать, что собственное лицо (облик) не интересовали Матисса, но, будучи художником более цельным, чем тот же Пикассо, он вследствие этого в меньшей степени нуждался в постоянной самоатрибутации.

Об этом же свидетельствует не только сравнительно небольшое число автопортретов Матисса, но и неравномерность, с которой они разбросаны во времени. Скажем, 1900 год был в этом смысле щедр: минимум три автопортрета, два из которых написаны маслом.

В первом звенит капель пуантилизма, увлечение которым продлится вплоть до фовистского прорыва 1905 года с апогеем в картине «Роскошь, покой и сладострастие», вызвавшей восторг Синьяка.

Анри Матисс, Автопортрет, 1900.

На автопортрете мы видим серьёзного, уже немолодого мужчину, вдумчиво изучающего натуру (собственное отражение в зеркале). Фон сдержанно рдеет, как сусальное золото, переплавляя и без того неясные очертания предметов в осенний пейзаж (уж ни солнце ли там, в правом верхнем углу?), а мозаику пола – в устланную опавшими листьями дорожку парка.

Матисс моделирует и тело, и формы предметов, его окружающих, и саму свето-воздушную среду примерно одинаковыми по размеру и интенсивности пятнами и короткими мазками, а цвета то и дело перекликаются, словно и изображённый на картине человек, и пространство его мастерской представляют собой единый организм из гомогенной живописной плазмы.

Схожее единство художника и его среды видно во втором автопортрете того же года, написанном в более плотной, пастозной манере. Цветовые сочетания, характерные для балетных циклов Дега, ультрамарин и кармин, вспыхивают как на стенах комнаты, так и на одежде художника.

Анри Матисс, Автопортрет, 1900.

 И пусть до фовизма ещё целых пять лет, некий новый мир, импульсивный и — для непривычного взгляда — хаотичный, уже созидается на холстах Матисса, где, не смотря на схожесть приёма, овеществлённая в красках фантазия фовизма уже явно торжествует над самой сутью пуантилизма.

И даже монохромный лаконичный автопортрет этого года словно заражён тем же неспокойным брожением. Линия нервная и прерывистая, строгое лицо кривится от предвкушаемое горечи экстатического взрыва, даже очки ломаются от резкого движения брови.

Анри Матисс, Автопортрет, 1900.

Большая растрёпанная малярная кисть бороды обрамляет рот, сложенный вопросительным бутоном, глаза пытливо всматриваются в зрителя, а точнее – в самого себя.

Матисс значительно старше Пикассо, но и рисовать он начал ощутимо позже, поэтому к 1900 году оба – в техническом смысле – находятся в одинаковом положении.

Условно говоря, оба стоят перед одним и тем же волшебным зеркалом, только Пикассо (вспомним его графический автопортрет 1900 года) влечёт способность зеркала показывать истинную суть вещей, а Матисс заворожён способностью зеркала всё удваивать, и тем самым усиливать, делать более интенсивным.

Пикассо пойдёт через огонь и воду бесконечной тоски, Матисс – через медные трубы скандальной славы, искажающей сущность радостного и свободного фовизма. Оба пути – сложны, как сложны сами личности, предстающие на автопортретах.   

stay beautiful,

Карина Новикова

Источник: http://karina-kartina.blogspot.com/2012/12/perfect-present.html

Искусство, каким вы его еще не видели

#1

Анри Матисс

Мастерская художника (Розовая мастерская)

#2

#8

По воспоминаниям очевидцев, стены в мастерской Матисса в Исси-ле-Мулино были белыми, что не мешало художнику изображать их розовыми или красными (в «Красной мастерской», хранящейся в нью-йоркском Музее современного искусства). Матисс любил цитировать Делакруа, утверждавшего, что точность не тождественна правде, а сам говорил:

#9

«Не надо портить правдой хорошую картину». 

#11

«Я не могу копировать натуру, которую должен интерпретировать; даже отступая от натуры, художник должен быть убежден, что делает это в целях более полной ее передачи».

#12

Поэтому, несмотря на то, что в «Мастерской художника» немало конкретных предметов интерьера из студии Матисса, ее цветовое решение полностью оригинально: грань между реальностью и фантазией оказывается практически стерта.

#3

#13

«Мастерская художника» была написана в 1911 году. Если в более ранние годы (как, например, на полотне «Радость жизни») Матиссу приходилось обращаться к воображаемым, фантастическим мирам, чтобы экспериментировать с цветом и линией, то теперь ему вполне хватает обыкновенного интерьера мастерской, который он видит каждый день.

Одна из самых занимательных композиционных находок картины, ярко демонстрирующая способность художника соединять реальность с фантазией, — мысленная вертикальная линия, которую зрителю предлагается провести от вазы на высоком табурете.

Ваза пуста, но узоры синей драпировки, висящей на ширме, как будто замещают здесь живые цветы; от них, в свою очередь, зрительский взгляд переходит уже к настоящей природе, которую мы видим в оконном проеме.

#4

#14

Причудливые, узорчатые, орнаментальные ткани, ковры и драпировки — регулярный мотив картин Матисса. Не лишним будет вспомнить, что его предки по отцовской линии были ткачами, а сам регион, из которого происходил художник, — Боэн-ан-Вермандуа на севере Франции — славился своей текстильной промышленностью.

Интерес Матисса к разного рода тканям и коврам подпитывался его знакомством с мусульманской культурой: в 1910 году художник побывал на большой выставке исламского искусства в Мюнхене, а спустя два года отправился в экспедицию в Марокко.

Центральные элементы композиции «Мастерской художника», организующие пространство интерьера, — узорчатая ткань, висящая на ширме, и лежащий на полу ковер — выдают знакомство живописца с традицией декоративных восточных арабесок.

#15

Анри Матисс. Статуэтка и вазы на восточном ковре (Натюрморт с восточным ковром). 1908 год

ГМИИ им. А. С. Пушкина

#16

Анри Матисс. Фрукты и бронза. 1909–1910 годы
ГМИИ им. А. С. Пушкина

#5

#17

Фовисты* эмансипировали цвет, сделав его основным носителем художественной экспрессии, и, хотя к моменту написания «Розовой мастерской» их движение фактически сошло на нет, переживание яркой, броской, дикарской эстетики фовизма в том или ином виде характерно почти для всего творчества Матисса, включая и зрелые работы.

Это полотно — своего рода цветовая симфония: розовый цвет вступает во взаимодействие с охрой и нежно-изумрудными оттенками, а желтый ковер с синим орнаментом уравновешивается синей тканью с желтыми узорами.

Неслучайно несколько картин Матисса — «Мастерская художника», «Красная мастерская», «Интерьер с баклажанами» и «Семейный портрет» — получили название «симфонические интерьеры».

#18

* Фовизм — направление во французской живописи конца XIX — начала XX века. Самый известный представитель — Анри Матисс.

Название закрепилось за движением благодаря французскому критику Луи Воселю, назвавшему художников, представленных на Осеннем салоне 1905 года, «дикими зверями» (les fauves).

Среди отличительных черт фовистов — динамичность мазка, стихийность, яркий колорит, контрастность цветов.

#6

#19

Матисс к 1911 году — художник уже достаточно зрелый, многое переживший, знакомый с разными стилями западного и восточного искусства.

Поэтому если интерьер «Мастерской художника» по преимуществу выполнен им в прозрачной, акварельной манере, то пейзаж за окном, состоящий целиком из отдельных тонких мазков, — это внезапное и, очевидно, абсолютно осознанное возвращение к импрессионизму, своего рода культурная гиперссылка.

#7

#22

Жанр «Мастерская художника» определяли как нечто среднее между натюрмортом и интерьерной живописью — между тем сам Матисс считал картину во многом автопортретом. О художнике здесь рассказывает обстановка студии, но главное — его собственные работы, представленные в немалом количестве: картины в картине.

Место нашлось и живописным произведениям (самые известные из них — «Роскошь» 1908 года и одна из версий «Танца», ныне хранящаяся в Нью-Йорке), и скульптуре, которой Матисс тоже отдавал много времени и сил. Вид мастерской как будто говорит зрителю: вот он я, вот мои интересы, это то, чем я занимаюсь и чем живу.

Источник: https://ar.culture.ru/ru/subject/masterskaya-hudozhnika

Анри Матисс: картины, биография художника, представителя фовизма

Анри Матисс является одним из крупнейших представи­телей французской живописи XX века.

Гуманистические идеалы, столь непопулярные в совре­менном обществе, никогда не теряли для него своей ценности. Именно их пытался он утверждать, созда­вая свои солнечные полотна. «Я хочу,— писал он,— чтобы усталый надорванный, изнуренный человек перед моей жи­вописью вкусил покой и отдых».

На своем творческом пути Матисс испытал множество различных влияний. Его имя не раз ставили во главе но­вейших направлений в искусстве. Но рамки отдельных школ и группировок всегда оказывались слишком тесными для Матисса. В его живописи жила особая будоражащая энергия, он пытался возродить традиции великих эпох в монументально-декоративных росписях, его поиски были обращены к человеку.

Матисс родился на севере Франции в городе Лe-Като в семье хлеботорговца. После окончания лицея он год провел на юридическом факультете. Потом, уже работая клерком, начал посещать художественную школу, «а в 1892 году по­ступил в Парижскую Академию.

Первым учителем его был слащавый модный живописец Бугре, затем он перешел в мастерскую Гюстава Моро, где занимался в течение четырех лет. В те годы Матисс преклонялся перед старыми мастера­ми, после занятий копировал в Лувре картины классиков живописи и сам писал в «музейных тонах».

Но скоро на­ступило разочарование в академическом искусстве. Пример­но на десятилетие им полностью завладевает импрессио­низм. Тогда-то и начались поиски чистого спектрального цвета, декоративных эффектов, звучности гаммы. Матисс сближается с главой неоимпрессионистов Полем Синьяком, работает в пуантиллистической технике.

Его вещи начинают пользоваться успехом. В 1907 году он даже открывает собственную школу, но через три года его стали раздра­жать пишущие «под Матисса» ученики.

Следующий этап в творчестве художника связан с фовизмом. Фовисты («дикие») оперировали сдвинутыми форма­ми, произвольными пропорциями, резкими красочными со­четаниями, утверждая «свободное», не подчиненное натуре творчество. Матисса все это перестало удовлетворять до­вольно скоро.

Вот только тяга «диких» к огромным полот­нам, плоскостям стен, заполненным мощным декоративным ритмом, была взята им на вооружение. В 1911 году Матисс побывал в России. Огромное впечатление произвело на него древнерусское искусство. «Русские и не подозревают, какими сокровищами они владеют…

художники должны ездить учиться в Россию: Италия в этой области дает меньше», — говорил он. Поиски, впечатления, идеи формировали собственный стиль Матисса, проникнутый глубочайшим чувством жизни, питаемый постоянным вос­торгом перед прекрасной и вечной (природой.

О произведениях Матисса ваш зритель может судить по коллек­циям московского Музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина и ленинградского Эрмитажа.

Это, прежде всего, «Семейный портрет» (1908), «Испанка с бубном» (1909), «Красные рыбки» (1911), два живописных панно — «Танец» и «Музыка», ряд вещей, написанных во время по­ездки в Марокко в 1911—1912 годах («Марокканское ка­фе», «Зора на террасе», «Вход в Казба в Танжере», «Тан­жер из окна»). Сам художник называл эти картины «наи­более характерными из всех, которые находятся в музеях».

В 1917 году Матисс переезжает в Ниццу, где обосновы­вается навсегда. В 20-х годах к нему приходит мировая из­вестность.

Он пишет в это время преимущественно гедони­стические картины, воспевающие радости жизни (цикл «Одалиски»). В 1933 году Матисс приехал в Америку.

Здесь для института Варнеса в Филадельфии он исполнил фреску «Танец», на примере которой можно судить о его стремле­нии к дальнейшему упрощению и синтезу форм.

Матисс был блестящим мастером рисунка, меткость, ком­позиционная острота, декоративная игра линий и пятен придают его графическим работам особую прелесть. Он за­нимался и скульптурой, а в последние годы жизни увлекся цветной аппликацией.

Художник прожил долгую жизнь. На его глазах менялся мир, полный борьбы, катастроф, революций. И в этом мире он выбрал сторону баррикады. Матисс принимал участие во многих прогрессивных начинаниях.

В годы оккупации фа­шистами Франции он был связан с движением Сопротивле­ния. После войны стал членом Всемирного Совета мира.

Че­ловек и человечность — вот те идеалы, которым художник сохранял верность до конца своих дней.

Картины Матисса

Источник: http://www.artcontext.info/pictures-of-great-artists/55-2010-12-14-08-01-06/1692-matiss.html

Анри Эмиль Бенуа Матисс (Henri Matisse) картины

Анри Эмиль Бенуа Матисс (Henri Matisse) великий художник фовист. Родился в 1869 г. 31 декабря в Ле Като – умер в 1954 г. 3 ноября близ Ниццы в Симье.

  Будучи очень известным художником, произвёл настоящую революцию в истории фовизма, его зарождении и становлении как важного стиля изобразительного искусства. Французский художник изображал мир в очень понятных, выразительных и чистых композициях.

В этих картинах нет ничего лишнего, только то, что Анри Матисс хотел донести до своего зрителя. В этом заключается весь фовизм и весь Матисс.

В 1892 году Матисс поступил в Парижскую Академию Жюлиана, где учился у самого А.В.Бугро. После обучения, с 1893 по 98 годы занимался живописью в мастерской школы Изящных Искусств Г.Моро.

Моро разглядел в творчестве этого художника настоящий талант и предрекал ему большое будущее, в чём и оказался прав. В это время Анри копирует картины мастеров мировой живописи в Лувре, интересуется творчеством Делакруа, Гойи и др.

С 1896 г. он начинает выставлять свои работы в салонах.

1901 год можно назвать годом становления художника. Он постепенно перестаёт копировать других художников и находит свое видение мира через картины. В частности, его палитра сильно светлеет, появляется своеобразная техника импрессионистского мазка.

В 1904 году Анри Матисс пробует себя в дивизионизме и пуантилизме. Создаёт несколько отличных картин, где модерн, импрессионизм сочетался с точечной манерой письма. Таким образом, в конце концов, он приходит к фовизму.

Первой картиной, в этом стиле, которую увидели зрители, стала “Женщина в зелёной шляпе”. Это произвело настоящий фурор во всей среде живописцев, ценителей и критиков и послужило налом становления нового жанра.

В искусстве фовизма ему помогли не только европейские формы живописи, но и скульптура Африки (которая, кстати, послужил и началом становления кубизма), японская ксилография, арабское декоративное искусство.

Наверное, одна из самых знаменитых его картин является Танец. В настоящее время существует в двух версиях. Одна картина висит в Эрмитаже в Санкт-Петербурге (самая известная) вторая в Нью-Йорке в Музее современного искусства. Танец была создана в 1910 г. Это полотно было создано Анри Матиссом для Московского особняка С.И.Щукина.

Перед тем, как отправить картину заказчику, он выставил её в Осеннем Салоне в Париже. Картину не поняли и высмеяли, называли художника создающим декадентствующий хлам ит.д.  Пять обнажённых людей на вершине холма был нарисован всего тремя красками – зелёным, синим и красным.

По прошествии времени, монументальное полотно Танец стало одним из самых ярких и значительных во всём творчестве Матисса.

Автопортрет

Итальянка

Женщина в шляпе

Красная комната

Красные рыбки

Мастерская художника

Одалиска в красных шароварах

Окно

Площадь в Сен-Тропе

Поднятое колено

Портрет Делекторской

Портрет жены художника

Радость жизни

Разговор

Семейный портрет

Танец

Знаете ли вы, что такое роман на курорте и умеете ли относится к нему правильно и трезво? Всё об этом и многом другом на сайте http://offday.ru/stati/lyubov-i-seks/otnosheniya/kurortnyj-roman.html . Курортный роман — советы профессионалов и опытных психологов.

Танец

Уголок мастерской

Урок музыки

Источник: https://www.artsphera.com/articles.php?id=1203

Анри Матисс

Анри Матисс (Heni Matisse) (1869–1954), выдающийся французский художник. Родился 31 декабря 1869 в Ле-Като на севере Франции. В 1892 приехал в Париж, где учился в Академии Жюлиана, а позже у Гюстава Моро.

Поиски непосредственной передачи ощущений при помощи интенсивного цвета, упрощенного рисунка и плоскостного изображения отразились в произведениях, представленных им на выставке «диких» (фовистов) на Осеннем Салоне 1905 года.

Он выставляет ряд работ.Произведения эти, произведшие скандальный фурор, положили начало фовизму.

В это время Матисс открывает для себя скульптуру народов Африки, начинает ее коллекционировать, интересуется классической японской ксилографией и арабским декоративным искусством.

К 1906 завершает работу над композицией «Радость жизни», сюжет которой навеян поэмой «Послеобеденный отдых фавна» С. Малларме: в сюжете сочетаются мотивы пасторали и вакханалии. Появляются первые литографии, гравюры на дереве, керамика.

В графике Матисса арабеск сочетается с тонкой передачей чувственного обаяния натуры.

В 1907 Матисс путешествует по Италии (Венеция, Падуя, Флоренция, Сиена). В «Заметках живописца» (1908) он формулирует свои художественные принципы, говорит о необходимости «эмоций за счет простых средств». В мастерской Анри Матисса появляются ученики из разных стран.»Автопортрет» 1918 года, Музей Матисса, Ле Кате-Камбре, Франция

В 1908 С. И. Щукин заказывает художнику три декоративных панно для собственного дома в Москве. В панно «Танец» (1910, Эрмитаж) представлен экстатический танец, навеянный впечатлениями от русских сезонов С. Дягилева, выступлений Айседоры Дункан и греческой вазовой живописи. В «Музыке» Матисс представляет изолированные фигуры, поющие и играющие на различных инструментах.

Третье панно — «Купание, или медитация» — осталось лишь в набросках. Выставленные в парижском Салоне перед отправкой их в Россию, композиции Матисса вызвали скандал эпатирующей обнаженностью персонажей и неожиданностью трактовки образов.

В связи с установкой панно Матисс посетил Москву, дал несколько интервью для газет и высказал восхищение древнерусской живописью. В картине «Красные рыбки» (1911, Музей изобразительных искусств, Москва), используя приемы эллипсообразной и обратной перспектив, перекличку тонов и контраст зеленого и красного, Матисс создает эффект кружения рыбок в стеклянном сосуде.

В зимние месяцы с 1911 по 1913 художник посещает Танжер (Марокко), создает марокканский триптих «Вид из окна в Танжере», «Зора на террасе» и «Вход в казба» (1912, там же), приобретенные И. А. Морозовым. Мастерски переданы эффекты голубых теней и ослепляющих лучей солнца.

«Посуда и фрукты» 1901 Эрмитаж»Женщина в шляпе» (Портрет жены) 1904 — Представлена в Салоне 1905 года.»Натюрморт с вазой, бутылкой и фруктами» 1903-1906 Эрмитаж»Площадь в Сен-Тропе» 1904 Музей искусств, Копенгаген»Окно» 1916 Институт искусства, Детройт
«Поднятое колено» 1922, Частное собрание

После Первой мировой войны Матисс преимущественно живет в Ницце. В 1920 исполняет эскизы декораций и костюмов для балета И. Стравинского «Соловей» (хореография Л. Мясина, постановка С. Дягилева). Под влиянием живописи О.

Ренуара, с которым Матисс знакомится в Ницце, он увлекается изображением натурщиц в легких одеяниях (цикл «одалисок»); интересуется мастерами рококо. В 1930 едет на Таити, работает над двумя вариантами декоративных панно для фонда Барнеса в Мерионе (Филадельфия), которые должны были быть помещены над высокими окнами главного выставочного зала. Тема панно — танец.

Восемь фигур представлены на фоне, состоящем из розовых и синих полос, сами фигуры серовато-розового тона. Композиционное решение нарочито плоскостно, декоративно.

В процессе создания эскизов Матисс начал использовать технику вырезок из цветной бумаги («декупаж»), которой широко пользовался в дальнейшем (например, в серии «Джаз», 1944-47, воспроизведенной впоследствии в литографиях). Перед Второй мировой войной Матисс иллюстрирует книги, выпускаемые малыми тиражами (гравюра или литография).

Для дягилевских постановок делает эскизы декораций балета «Красное и черное» на музыку Д. Шостаковича. Много и плодотворно работает с пластикой, продолжая традиции А. Бари, О. Родена, Э. Дега и А. Э. Бурделя. Стиль его живописи заметно упрощается; рисунок как основа композиции выявляется все определеннее («Румынская блуза», 1940, Центр современного искусства им. Ж.

Помпиду). В 1948-53 по заказу доминиканского ордена работает над сооружением и декорацией «Капеллы четок» в Вансе. Над керамической крышей, изображающей небо с облаками, парит ажурный крест; над входом в капеллу — керамическое панно с изображением св. Доминика и Девы Марии.

Другие панно, исполненные по эскизам мастера, помещены в интерьере; художник крайне скуп на детали, беспокойные черные линии драматично повествуют о Страшном Суде (западная стена капеллы); рядом с алтарем изображение самого Доминика. Эта последняя работа Матисса, которой он придавал большое значение, — синтез многих предшествующих его исканий.

Матисс работал в разных жанрах и видах искусства и использовал разнообразные техники. В пластике, как и в графике, он предпочитал работать сериями (например, четыре варианта рельефа «Стоящая спиной к зрителю», 1930-40, Центр современного искусства им. Ж. Помпиду, Париж).

Мир Матисса — это мир танцев и пасторалей, музыки и музыкальных инструментов, красивых ваз, сочных плодов и оранжерейных растений, разнообразных сосудов, ковров и пестрых тканей, бронзовых статуэток и бесконечных видов из окна (любимый мотив художника).

Стиль его отличается гибкостью линий, то прерывистых, то округлых, передающих разнообразные силуэты и очертания («Темы и вариации», 1941, уголь, перо), четко ритмизирующих его строго продуманные, большей частью уравновешенные композиции.

Лаконизм рафинированных художественных средств, колористических гармоний, сочетающих то яркие контрастные созвучия, то равновесие локальных больших пятен и масс цвета, служат главной цели художника — передать наслаждение от чувственной красоты внешних форм.

Кроме того, Матисс испытал сильное влияние произведений исламского искусства, показанных на выставке в Мюнхене. Две зимы, проведенные художником в Марокко (1912 и 1913), обогатили его знанием восточных мотивов, а долгая жизнь на Ривьере способствовала развитию яркой палитры. В отличие от современного ему кубизма, творчество Матисса не было умозрительным, а основывалось на скрупулезном изучении натуры и законов живописи. Его полотна, изображающие женские фигуры, натюрморты и пейзажи, могут показаться незначительными по теме, однако являются результатом долгого изучения природных форм и их смелого упрощения. Матиссу удавалось гармонично выражать непосредственное эмоциональное ощущение действительности в самой строгой художественной форме. Прекрасный рисовальщик, Матисс был по преимуществу колористом, добивавшимся эффекта согласованного звучания в композиции многих интенсивных цветов. Умер Матисс 3 ноября 1954 года в Симье, близ Ниццы.

Ранние натюрморты Матисса
«Натюрморт» 189
«Читающая женщина» 1894″Служанка» 1896″Голубой горшок и лимон» 1897. Холст, масло. Эрмитаж»Обеденный стол» 1897″Автопортрет»
«Натюрморт с апельсинами 1899″Мастерская на чердаке» 1903. Холст, масло.

Фитцвильямский музей, Кэмбридж, Великобритания»Счастье существования (Радость жизни)» 1905-06 Фонд Барнса, Линкольнский университет, Мерион, Пенсильвания»Матрос» 1906

Необычные портреты Матисса

«Автопортрет» 1900 Цента им.

Жоржа Помпиду

Понравился наш сайт? Присоединяйтесь или подпишитесь (на почту будут приходить уведомления о новых темах) на наш канал в МирТесен!

Источник: https://art.mirtesen.ru/blog/43087645368/prev

Тайны знаменитых картин

Свои секреты есть даже у тех шедевров живописи, которые кажутся нам хорошо знакомыми. Мы считаем, что практически в каждом значимом произведении искусства есть загадка, «двойное дно» или тайная история, которую хочется раскрыть. Сегодня мы поделимся несколькими из них.

Музыка на ягодицах

Споры о значениях и скрытых смыслах самой известной работы голландского художника не утихают с момента ее появления. На правой створке триптиха под названием «Музыкальный ад» изображены грешники, которых истязают в преисподней при помощи музыкальных инструментов. У одного из них на ягодицах оттиснуты ноты.

Иероним Босх, «Сад земных наслаждений», 1500-1510.

Фрагмент правой части триптиха.

Студентка Христианского университета Оклахомы Амелия Хэмрик, изучавшая картину, переложила нотацию XVI века на современный лад и записала «песню с задницы из ада, которой исполнилось 500 лет». Получившаяся мелодия стала одной из интернет-сенсаций последнего времени.

Обнаженная Мона Лиза

Знаменитая «Джоконда» существует в двух вариантах: обнаженная версия называется «Монна Ванна», ее написал малоизвестный художник Салаи, который был учеником и натурщиком великого Леонардо да Винчи.

Многие искусствоведы уверены, что именно он был моделью для картин Леонардо «Иоанн Креститель» и «Бахус». Существуют также версии, что переодетый в женское платье Салаи послужил образом самой Моны Лизы.

Старый Рыбак

В 1902 году венгерский художник Тивадар Костка Чонтвари пишет картину «Старый Рыбак». Казалось бы, ничего необычного в картине нет, но Тивадар заложил в нее подтекст, при жизни художника так и нераскрытый.

Мало кому пришло в голову прикладывать зеркало к середине картины. В каждом человеке может быть как Бог (продублировано правое плечо Старика), так и Дьявол (продублировано левое плечо старика).

Двойники на «Тайной вечере»

Леонардо да Винчи, «Тайная вечеря», 1495-1498.

Когда Леонардо да Винчи писал «Тайную вечерю», он придавал особое значение двум фигурам: Христа и Иуды. Он очень долго искал натурщиков для них. Наконец, ему удалось найти модель для образа Христа среди юных певчих. Подобрать натурщика для Иуды Леонардо не удавалось в течение трех лет.

Но однажды он наткнулся на улице на пьяницу, который валялся в сточной канаве. Это был молодой мужчина, которого состарило беспробудное пьянство. Леонардо пригласил его в трактир, где сразу же начал писать с него Иуду. Когда пьяница пришел в себя, он сказал художнику, что однажды уже позировал ему. Это было несколько лет назад, когда он пел в церковном хоре, Леонардо писал с него Христа.

Невинная история «Готики»

Грант Вуд, «Американская готика», 1930.

Работа Гранта Вуда считается одной из самых странных и угнетающих в истории американской живописи. Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей.

На самом деле художник не задумывал изображать никаких ужасов: во время поездки по штату Айова и он заметил небольшой дом в готическом стиле и решил изобразить тех людей, которые, по его мнению, идеально подошли бы в качестве обитателей. В виде персонажей, на которых так обиделись жители Айовы, увековечены сестра Гранта и его дантист.

«Ночной дозор» или «Дневной»?

Рембрандт, «Ночной дозор», 1642.

Одна из самых известных картин Рембрандта «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга» около двухсот лет провисела в разных залах и была обнаружена искусствоведами только в XIX веке. Поскольку казалось, что фигуры выступают на тёмном фоне, её назвали «Ночной дозор», и под этим названием она и вошла в сокровищницу мирового искусства.

И только при реставрации, проведённой в 1947 году, обнаружилось, что в зале картина успела покрыться слоем копоти, исказившим её колорит. После расчистки оригинальной живописи окончательно выяснилось, что сцена, представленная Рембрандтом, на самом деле происходит днём. Положение тени от левой руки капитана Кока показывает, что время действия — не более 14 часов.

Перевернутая лодка

Анри Матисс, «Лодка», 1937.

В Нью-Йоркском Музее современного искусства в 1961 году была выставлена картина Анри Матисса «Лодка». Только через 47 дней кто-то обратил внимание на то, что картина висит вверх ногами. На полотне изображены 10 фиолетовых линий и два голубых паруса на белом фоне.

Два паруса художник нарисовал не просто так, второй парус — это отражение первого на глади воды. Для того, чтобы не ошибиться в том, как должна висеть картина, нужно обратить внимание на детали. Больший парус должен быть верхом картины, а пик паруса картины должен быть направлен в правый верхний угол.

Обман в автопортрете

Винсент ван Гог, «Автопортрет с трубкой», 1889.

О том, что ван Гог якобы сам отрезал себе ухо, ходят легенды. Сейчас наиболее достоверной считается версия о том, что ухо ван Гог повредил в небольшой потасовке с участием другого художника — Поля Гогена.

Автопортрет же интересен тем, что отражает реальность в искаженном виде: художник изображен с перевязанным правым ухом, потому что он при работе использовал зеркало. На самом деле пострадало левое ухо.

Два «Завтрака на траве»

Эдуард Мане, «Завтрак на траве», 1863.

Клод Моне, «Завтрак на траве», 1865.

Художников Эдуарда Мане и Клода Моне иногда путают — ведь они оба были французами, жили в одно время и творили в стиле импрессионизма. Даже название одной из самых известных картин Мане «Завтрак на траве» Моне позаимствовал и написал свой «Завтрак на траве».

Чужие мишки

Иван Шишкин, «Утро в Сосновом лесу», 1889.

Знаменитая картина принадлежит не только перу Шишкина. Многие художники, дружившие между собой, частенько прибегали к «помощи друга», а Иван Иванович, всю жизнь рисовавший пейзажи, опасался, что трогательные медведи не получатся у него так, как нужно. Поэтому Шишкин обратился к знакомому художнику-анималисту Константину Савицкому.

Савицкий нарисовал едва ли не лучших мишек в истории российской живописи, а Третьяков повелел смыть его фамилию с холста, поскольку все в картине «начиная от замысла и кончая исполнением, все говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину».

Источник: https://www.softmixer.com/2014/02/blog-post_28.html