Этот великий и ужасный Гюстав Курбе
Открытая книга мирового искусства запускает новый сезон! В понедельник в «Политехнике» прошла первая сентябрьская лекция, посвященная французскому художнику-реалисту — Гюставу Курбе. Мы послушали ее и сделали для вас краткий конспект из семи фактов о жизни и творчестве живописца, которые помогут немного разобраться в его искусстве.
1. ОБОЖАЮ ТЕБЯ, ДОРОГОЙ ГЮСТАВ!
Упертый, своенравный, самонадеянный, самоуверенный — это все о Гюставе Курбе. Но качество, которое сыграло определяющую роль в его раннем творчестве, — это самовлюбленность художника. Главная и любимая модель Курбе в начале его творческого пути — он сам.
Говорить о себе в третьем лице — да, признаваться себе в любви — да, да и еще раз да, восхищаться своими прекрасными блестящими темными кудрями — конечно! Он с удовольствием примерял на себя разные роли: изображал себя то байроновским героем, то раненым юношей из романтической поэмы XIX века.
Но стоит признать: если бы Гюстав Курбе так себя не любил, то не было бы этих прекрасных автопортретов.
Автопортрет с черной собакой (1841). Картина, которая через два года после ее создания откроет Гюставу дверь в большое искусство
Портрет артиста. Отчаяние или отчаявшийся (1843—1845)
В 1847 году Курбе посетил Голландию. После этой поездки произошел перелом в творчестве художника. Под влиянием голландского искусства он порвал с романтизмом, по крайней мере, с его стилевыми приемами. Написанный в том же году автопортрет «Человек с трубкой» знаменует собой рождение нового искусства, в то же время утверждая вечную связь реализма с лучшими традициями романтизма.
Человек с трубкой (1847)
2. ПОЙДИТЕ ВОН, МСЬЕ БОДЛЕР
Близким другом Гюстава Курбе был французский поэт-символист Шарль Бодлер. Какое-то время Курбе и Бодлер даже жили вместе, но это продлилось недолго: поэт оказался уж слишком буйным соседом, и Курбе попросил его съехать.
Но, несмотря на это и даже на то, что Курбе считал, что писать стихи «бесчестно» и что сама поэзия — это «потуги на аристократизм», их дружба оставалась крепкой и непоколебимой.
Поэтому справа на картине Курбе «Мастерская художника» 1855 года (место, отведенное друзьям Гюстава, слева — враги) мы можем найти в уголке читающего книгу поэта.
Мастерская художника, истинная аллегория семи лет моей творческой и нравственной жизни (1855)
Портрет Шарля Бодлера (1848)
3. ОТ КАРТИНЫ КУРБЕ НЕХОРОШО ПАХНЕТ
Революционная волна 1830 и 1870 годов потрясла политическую систему государства и нашла отражение во многих картинах Курбе.
Художник отказался от всей рутины классики: «Долой музеи и памятники, нужно новое искусство!» Поэтому о Гюставе Курбе говорят именно как о новаторе. Он настолько повлиял на развитие живописи, что обойти стороной его фигуру просто невозможно.
И дело не в его большом животе, по которому его узнавали на карикатурах (что, кстати, нисколько не обижало художника). Гюстав Курбе был первым, кто изобразил человека, занимавшегося физическим трудом, так, как в античности изображали богов — в полный рост.
Это был вызов обществу. Тем более никто раньше не писал дырявые носки, и посетители, приходившие смотреть на картину Курбе, зажимали нос, повторяя, что от картины Курбе дурно пахнет.
Дробильщики камней (1849)
4. САЛОН В КУСТАХ СИРЕНИ
На Всемирную выставку 1855 года жюри не допустило картину «Похороны в Орнане» и большую композицию «Мастерская художника». В ответ Курбе в павильоне, построенном в кустах сирени близ Выставки, устроил свою выставку под названием «Реализм» из тридцати девяти картин и четырех рисунков. Он выстроил себе нечто вроде полатей, откуда любил наблюдать за происходящим.
Обычно, когда появлялись первые посетители, он как раз одевался. Чтобы не упустить ничего из восторгов публики, мэтр спускался во фланелевом жилете, не теряя времени на надевание рубашки. Он нес ее в руках, торжественно спускаясь по лесенке, а потом начинал обходить картины.
При этом многим зрителям было слышно, как он бормотал: «Как это прекрасно! Как это удивительно! Можно обалдеть от этой красоты!»
Похороны в Орнане (1849—1850)
5. КАРТИНА, КОТОРОЙ ДОСТАЛОСЬ ОТ ХЛЫСТА НАПОЛЕОНА III, И ИМПЕРАТРИЦА ЕВГЕНИЯ
Настоящий скандал разразился в 1853 году, когда в Салоне была представлена работа Курбе «Купальщицы». За день до открытия Салона его посетил император Наполеон ІІІ.
Когда он увидел эту картину, его возмущению не было предела: объемы и пропорции изображенной на ней нагой женщины выходили за рамки приличия.
Разгневанный император в сердцах ударил по «Купальщицам» хлыстом, ведь такого откровенного глумления над высоким искусством французскому императору видеть еще не приходилось! В этот момент к месту происшествия подошла императрица Евгения.
Перед этим она рассматривала знаменитую картину Розы Бонёр «Лошадиная ярмарка». Специалисты обратили ее внимание на то, что главное достоинство этой работы заключается в верном изображении самой красивой породы французских коней-тяжеловозов — першеронской.
Увидев обнаженную купальщицу, императрица воскликнула в изумлении: «Это тоже першеронка?» И уж тут вокруг картины разразилась настоящая буря! Каждый день более 200 человек (по тем временам цифра огромная!) приходило в галерею только для того, чтобы увидеть «першеронку», которую отхлестал сам Наполеон. А художник гордился произведенным эффектом, весело замечая: «Я привел в ужас весь художественный мир».
Купальщицы (1853)
Кстати, в 2011 году из-за откровенной картины Гюстава Курбе «Происхождение мира» (1866) на фейсбук подали в суд.
Учитель Фредерик Дюран подал иск на компанию за ограничение свободы выражения, после того как фейсбук деактивировал учетную запись с изображением картины «без предупреждения или оправдания» за нарушение запрета на обнаженные образы.
На что Дюран заявил, что статус классического произведения искусства должен был остановить цензоров. Так фейсбук «влетел» на 20 000 евро.
6. НАТЮРМОРТЫ И ПЕЙЗАЖИ
В жизни Гюстава Курбе были два периода, когда он писал и натюрморты. В 1862—1863 годах он создал целую серию картин, включающую в себя, в частности, «Натюрморт с яблоками и гранатами» и «Натюрморт с цветами». В этих натюрмортах отчетливо прослеживается влияние голландской живописи XVII века.
Позже, во время тюремного заключения в 1871 году, Курбе за неимением человеческой натуры писал вазы с фруктами, которые ему приносили сестры. На этих натюрмортах в качестве места создания вызывающе указана тюрьма. Незаурядность и мощь — вот чего не могли простить ему его враги.
Как писал критик Рихард Мутер, его ненавидели за то, что, в совершенстве владея мастерством, он писал так же естественно, как другие едят, пьют или разговаривают.
Натюрморт с яблоками и гранатами (1871)
Натюрморт с цветами (1863)
Курбе был автором замечательных пейзажей, прославляющих стихийную мощь природы: густые леса с их дикими обитателями, водопады, горы. Он часто писал морские пейзажи, и они ему превосходно удавались.
Однажды в лесу он работал вместе с художником Камилем Коро, причем они выбрали один и тот же мотив. Через некоторое время, внимательно рассмотрев набросок Коро, Курбе заметил: «Я не такой мастер, как Вы, г-н Коро.
Поэтому я принужден писать только то, что вижу».
Порыв ветра (1859)
Залив и отвесные скалы берега (1869)
Ему удавались и лесные чащи, населенные оленями, косулями, он хорошо знал и любил лес. Натура была манией Гюстава Курбе. Но понимал он это слово довольно своеобразно. Чтобы работать с этой натурой, он, например, устроил у себя специальную мастерскую.
Там, чтобы рисовать все как в жизни, он однажды привязал теленка и писал его, не выходя из мастерской. Для пущей правдоподобности он набросал на пол сена и даже навоза.
И приговаривал: «Мою мастерскую от природы не отличишь! Тут есть все — даже живые телята».
Лиса на снегу (1860)
А теперь признайтесь, только честно: поверите ли вы, что автор картины «Похороны в Орнане» и автор этих потрясающих пейзажей и натюрмортов — один человек? Тем не менее это так.
7. ПАРИЖСКАЯ КОММУНА И ИСТОРИЯ ВАНДОМСКОЙ КОЛОННЫ
Правительство пыталось привлечь художника на свою сторону, вручив ему орден Почетного легиона в 1865 году. Но Курбе отклонил пожалованный ему орден и написал министру изящных искусств Морису Ришару: «Мои убеждения как гражданина не позволяют мне принять награду, основанную на монархических принципах».
Во время недолгого правления Парижской коммуны Курбе много сделал для спасения музеев от разграбления, но на его совести — один довольно странный поступок. На Вандомской площади в Париже стояла колонна — копия знаменитой колонны Траяна, — поставленная в ознаменование военных побед Франции.
У коммунаров эта колонна прочно ассоциировалась с кровавым императорским режимом. Поэтому одним из первых решений коммуны было снести колонну. Курбе был целиком «за»: «Мы сделаем доброе дело. Быть может, тогда подружки новобранцев не будут мочить слезами столько платочков».
Но когда колонну валили, Курбе затосковал: «Падая, она раздавит меня, вот увидите». И он оказался прав. После падения коммуны ему припомнили колонну, стали называть «бандитом», и в конце концов суд обвинил его в разрушении памятников.
Курбе пришлось отсидеть несколько месяцев в тюрьме, а потом до самой смерти скрываться в Швейцарии от выплаты гигантского штрафа размером свыше 300 000 франков на покрытие издержек по восстановлению Вандомской колонны, свергнутой во время коммуны.
Разрушение Вандомской колонны
Когда Курбе спрашивали, уважает ли он старых мастеров и кого из них он считает своим «учителем», он высокомерно отвечал: «Я не желаю быть ничьим подражателем. Я не классицист, не академист, не романтик, я представитель своего направления в живописи. Я — курбетист!»
Сегодня можно сделать удивительный вывод, что по многим параметрам Гюстав Курбе абсолютно современный художник. Когда видишь его картины, хочется сказать: «Здравствуйте, господин Курбе! Оставайтесь с нами!»
Встреча («Здравствуйте, господин Курбе!») (1854)
Кстати, мы уже готовили конспекты лекции: если вам нравится такой формат, здесь, например, можно почитать про живопись Эдуарда Мане в интерпретации Виктора Мартиновича.
Источник: http://kultprosvet.by/velikij-i-uzhasnyj-gyustav-kurbe/
Французский художник Курбе Гюстав: биография, творчество :
Имя этого художника-реалиста, наделенного немалым дарованием, прочно вошло в анналы изобразительного искусства Европы.
Его творчество ненавидели, и даже в настоящее время зарубежные критики частенько умаляют значение его полотен и стараются предать их забвению.
Александр Дюма-сын злобно высказался об авторе, который эпатировал публику XIX века своими взглядами на искусство: «От какого же чудовища произошел этот у…док? В какой навозной куче произросла эта волосатая утроба, притворяющаяся человеком?»
Рассмотрим биографию и творчество этого удивительного мастера, который вызывал в обществе столь бурные эмоции.
Гюстав Курбе: биография
Талантливый художник родился в 1819 году в маленькой деревушке во Франции, и жизнь его совпала с невероятно важными событиями в истории страны. Его отец, зажиточный фермер, мечтал, чтобы сын стал успешным юристом, и отправил учиться в колледж в Безансоне, где юноша по собственной воле начал обучаться живописи.
По достижении двадцати лет молодой человек отправляется в Париж, где посещает разные художественные мастерские и любуется произведениями в Лувре, но не занимается юриспруденцией. Юный Gustave Courbet реально оценивает свой достаточно скромный багаж знаний и пытается понять все тайны живописи.
Позабывший о том, что его родители отправили в столицу Франции изучать право, он целиком отдается искусству. Позднее Курбе Гюстав подчеркнет: «Не имея постоянных учителей, я всему научился сам». Мечтательный юноша заворожен творчеством Делакруа и Энгра, Рембрандта, Караваджо и Тициана.
Поначалу он копирует великие полотна мастеров, но понимает, что одного таланта недостаточно, для того чтобы стать знаменитым живописцем.
Осуществивший мечты о славе и признании
Необходимо было выставлять свои произведения на художественных выставках, а работы для них отбирало специальное жюри.
Показать обществу свои картины на них означало славу и признание для творца, и с 1841 года Курбе Гюстав ежегодно отсылает в приемную комиссию полотна, но удача улыбнется ему лишь через несколько лет, а работу «Курбе с черной собакой» наконец-то отмечают критики. Остальные произведения отборочная комиссия отвергает, и художник тяжело переживает неудачи.
После революции Франция становится республикой, а перемены политического строя влекут за собой изменения в обществе. Жюри художественного салона упразднили, чем не преминул воспользоваться Гюстав Курбе, картины которого наконец-то заметили, и о мастере заговорили, однако не в хвалебном ключе.
Эпатажные полотна
Утонченная публика привыкла видеть на полотнах красивые лица в шикарных интерьерах, а художник впервые изобразил грубоватых провинциалов на мрачном фоне, поэтому неудивительно, что общество не приняло эпатажные произведения мастера. Однако у Курбе нашлись последователи и почитатели его таланта, объявившие Гюстава основателем нового стиля в искусстве – реализма.
Революционер, получивший признание
Художник зачитывается книгами писателей-утопистов и считает себя анархистом-социалистом, что привлекает внимание общества. Талантливый живописец, который очень хочет добиться признания и внимания, даже объявляет себя республиканцем и революционером до мозга костей. Как считают исследователи творчества Курбе, он выбрал очень правильное время для такого заявления.
Когда республику сменила империя, а к власти пришел Наполеон III, расцвет славы художника достиг своего апогея. Император не жаловал революционеров, а отказы выставить произведения на выставках, которые получал Курбе Гюстав, он выдавал за преследование по политическим мотивам. Публика, наслышанная об опальных творениях, жаждала их увидеть, чтобы составить свое мнение.
Большой скандал, связанный с творчеством художника-реалиста, разразился в 1853 году. Курбе выставил эпатажное произведение «Купальщицы», возмутившее достопочтенную публику. Императорская чета посчитала оскорбительным полотно, на котором изображена полная обнаженная женщина, повернувшаяся к зрителю спиной. Работа тут же нашла своих почитателей и ненавистников.
Антивыставка реализма
К тому времени художник Гюстав Курбе стал знаменит, а ему покровительствовал богатый меценат, на средства которого был выстроен «Павильон реализма», где творец выставил свои произведения.
Это была своеобразная антивыставка, на которой публика познакомилась с 40 новыми и старыми полотнами живописца.
Павильон с произведениями, написанными в стиле реализма, пользовался популярностью не только у обывателей, но и критиков.
Трагедия, подкосившая живописца
Заслуживший скандальную репутацию Гюстав Курбе, картины которого никого не оставляли равнодушным, ратовал за реальное изображение действительности. У живописца появляются последователи, его полотна выставляются в различных городах Европы с неизменным успехом.
Однако требующего свободу развития общества и выступающего против государственной власти Курбе французские реакционеры арестовывают и заключают в тюрьму. Его приговаривают к шести месяцам заключения и огромному штрафу, который больной художник не смог выплатить.
Произошло страшное: все полотна конфискованы, мастерская, где творил живописец, уничтожена, а о том, чтобы выставляться, даже не идет и речи.
Подавленный происходящим, Курбе Гюстав бежит из страны в Швейцарию, но сил бороться и протестовать у него больше нет. Он изредка берется за кисти и краски, а из-под его пера выходят исключительно пейзажи.
31 декабря 1877 года художник умирает, и проходит более сорока лет, прежде чем его прах переносят на родину в знак запоздалого признания.
Своим творчеством живописец подготовил почву, на которой выросло новое искусство.
«Курбетист»
Реализм свободолюбивого художника связан с революционными событиями, происходившими в стране. Считается, что так Курбе Гюстав отреагировал на волнения во Франции.
Народные мятежи поспособствовали тому, что родился «новый» мастер, произведениям которого суждена мировая слава.
Несмотря на то что Гюстав опирается на достижения гениальных творцов прошлых эпох, художник вырабатывает собственный стиль и гордо называет себя «курбетистом».
Мрачный реалист Гюстав Курбе
Картина «Дробильщики камней», созданная в 1849 году, вызывает огромный резонанс. Ее автор поднимает в своем творчестве социальный вопрос, волновавший его на протяжении всей жизни. Художник рассматривает проблему крайней нищеты: старик дробит камень, а его юный помощник ссыпает щебень в одну кучу.
Лица бедных работников, кожа которых потемнела от пыли, ничего не выражают. Уставших от монотонного труда людей разных возрастов Гюстав изобразил на мрачном фоне, ничем не оживленном.
Темные краски так же унылы, как и среда, в которой живут мужчина и юноша, понимающие, что будущее не сулит им ничего хорошего.
Скандальная работа, выполненная в 1866 году
«Происхождение мира» – картина художника-реалиста Гюстава Курбе, которая признана самой скандальной работой в истории живописи.
Долгое время она находилась в частных коллекциях, а в 90-х годах прошлого века попала в парижский музей, где сейчас экспонируется под пуленепробиваемым стеклом.
Автор изобразил голый женский торс, рассекретив то, что всегда оставалось скрытым. Неслучайно перед картиной испытывает смущение и современный зритель, многое уже повидавший.
Полотно, выполненное в натуральную величину, поражает грубой чувственностью. Заметная округлость живота – указание на зарождение новой жизни. Автор словно смешивает понятия «порочность» и «плодородие», показывая без прикрас реальность.
Курбе скрыл лицо своей героини, создав собирательный образ женщины, лежащей на белоснежной простыне. Реалистичное полотно шокирует и вызывает чувство неприятия.
Негодующая публика возмущается тем, что художник, стремившийся вывернуть человека наизнанку, отменяет все табуированные понятия и сознательно подглядывает за людьми в самые интимные их моменты.
Полотна мастера звучат словно пушечный выстрел в тишине. Зрители не хотят видеть реальность в произведениях искусства и не желают знать правду. А дерзкий Гюстав Курбе, творчество которого постоянно подвергалось критике, сознательно шел к тому, чтобы общество не забывало, что в мире существуют не только красота и счастье.
Источник: https://www.syl.ru/article/289467/new_frantsuzskiy-hudojnik-kurbe-gyustav-biografiya-tvorchestvo
Гюстав Курбе Оноре Домье. Жан Гюстав Курбе (1819-1877) родился в Орлеане. Отец был зажиточным землевладельцем и мечтал о юридической карьере для своего. — презентация
1 Гюстав Курбе Оноре Домье<\p>
2 Жан Гюстав Курбе ( ) родился в Орлеане. Отец был зажиточным землевладельцем и мечтал о юридической карьере для своего сына. Но Курбе в 20 лет едет в Париж и хочет стать художником. Он живёт в мансарде, трудится не покладая рук, пишет картины, копируя великих мастеров в Лувре. На портрете вальяжная поза, полузакрытые глаза, за которыми угадывается острый взгляд, обращённый в себя. Это личность человека со сложным духовным миром. Автопортрет с курительной трубкой<\p>
3 Послеобеденный отдых в Орнане Г. Курбе<\p>
4 Дробильщики камней Г.Курбе<\p>
5 Похороны в Орнане Г.Курбе<\p>
6 Встреча. Здравствуйте, господин Курбе!<\p>
7 Оноре Викторен Домье (1808 – 1879) Надар Домье родился в Марселе в семье ремесленника. Крёстным отцом его стал настоящий художник. Зарабатывать на хлеб ему пришлось в 13лет. Сначала в качестве рассыльного в юридической конторе, а затем – в книжном магазине. После Домье поступил на службу к издателю и литографу. В 1830 году за свои литографии был признан врагом существующего режима.<\p>
8 «Опустите занавес, фарс сыгран» Литография. Домье.<\p>
9 «Законодательное чрево» Литография. О.Домье<\p>
10 Карикатуры Домье на Луи Филиппа<\p>
11 Улица Транснонен Литография. О. Домье<\p>
12 «Этого можно освободить, он больше не опасен» Литография. О.Домье<\p>
13 «Вы имеете слово, объяснитесь, вы свободны!» Литография. О.Домье<\p>
14 Прачка О.Домье Женщина поднимается по лестнице, и рядом, держась за руку матери, карабкается по крутым ступеням крошечная девчушка. Мать держит узел мокрого белья, дочка – лопатку-валёк. Домье показал женщину-мать, труженицу, не сломленную тяжёлой работой. В ней ощущается достоинство и спокойствие.<\p>
15 Дон Кихот<\p>
16 Домье прожил долгую жизнь, он всегда был художником- пролетарием, с необеспеченным завтрашним днем, художником-журналистом. Однако никакие материальные лишения не сломили гордости Домье и его республиканских убеждений. Когда правительство предложило ему Орден Почетного легиона, Домье мужественно отклонил этот дар, со скромным юмором мотивируя свой отказ «желанием на старости лет глядеться в зеркало без смеха». Полуслепой и старый, Домье закончил бы свою карьеру в полной нищете, если бы не дружеская поддержка пейзажиста Коро, который приобрел для него небольшой домик, где Домье и умер. Всю жизнь он сражался, как и его герой Дон Кихот. Только не с ветряными мельницами, а с королями, и верил не в странствующих рыцарей, а в народ. Домье не отделял себя от своего века, и каждый его рисунок подтверждал сказанные им однажды слова: «Надо принадлежать своему времени».<\p>
Источник: http://www.myshared.ru/slide/797305/
Пропавшие шедевры
23-07-2013 22:24 СТАТЬИ — ЖИЗНЬ
Ограблением века ныне называют похищение из Роттердамской художественной галереи Kunsthal картин выдающихся мастеров конца XIX — начала XX века. Последнее столь резонансное ограбление произошло в 2012 году, когда из Национальной художественной галереи в Афинах вынесли картину Пикассо и полотно Пита Мондриаана.
На днях стало известно, что картины, похищенные из роттердамского музея в 2012 году, погубило человеческое невежество: запаниковавшая сообщница не придумала ничего лучше, чем уничтожить награбленное — а именно семь произведений за авторством первых имен в изобразительном искусстве XX века.
Предлагаем вашему вниманию истории о других картинах, которые мы уже никогда не увидим: эти произведения либо пропали без вести, либо были уничтожены.
Музей Kunsthal в нидерландском Роттердаме ограбили 16 октября 2012 года около трех часов утра. Сработала сигнализация, однако приехавшие полицейские остались ни с чем: в музее преступники пробыли лишь две минуты.
За это время воры смогли унести по картине Пабло Пикассо, Поля Гогена, Анри Матисса, Люсьена Фрейда, Мейера де Хаана и сразу две — Клода Моне; стоимость похищенного оценивают то в 100, то в 200 миллионов евро.
Полиция изучала музейные камеры наблюдения и анализировала частоту посещения Kunsthal. След картин привел голландскую полицию в Румынию. C начала 2013 года в Румынии стали задерживать и обыскивать предполагаемых участников ограбления, однако картины все не находились. Судя по всему, уже не найдутся.
Мать одного из троих подозреваемых, Ольга Догару, рассказала, что, после того как в январе был арестован ее сын, она испугалась за него — и не придумала ничего лучше, чем закопать похищенные произведения на деревенском кладбище. Позднее, в феврале, она откопала их и сожгла в печи.
В ходе судебного заседания, прошедшего в понедельник, 22 июля 2013 года, безумная мамаша изменила свои показания, заявив, что не сжигала похищенные полотна.
Тем не менее, румынские эксперты нашли в золе следы краски и грунтовки (свинец, цинк, медную лазурь), а также холста и гвоздей возрастом более ста лет. Судя по реакции в интернете, сама осмысленность поступка Ольги Догару поразила общественность не меньше, чем необходимость смириться с потерей шедевров.
Подобный вандализм проявила мать Стефана Брайтвизера, который был профессиональным похитителем картин и коллекционером в одном лице. За свою преступную карьеру (1995-2001) он похитил 239 произведений искусства общей стоимостью более $1 млрд.
Все похищенное хранилось в доме его матери. Согласно прессе, после ареста Брайтвисера его мать сожгла более 60 украденных шедевров.
За свои преступления Брайтвисер получил 3 года, но отсидел всего 26 месяцев тюрьмы, а его мать была осуждена, как соучастник, и провела в тюрьме 18 месяцев.
Караваджо, «Рождество со святым Франциском и святым Лаврентием»
Поразительно схожая с роттердамской история произошла в Италии во второй половине XX века. В 1969 году из часовни Сан Лоренцо в Палермо была похищена картина Караваджо «Рождество со святым Франциском и святым Лаврентием» стоимостью около $20 млн.
Главными подозреваемыми в краже считались представители сицилийской мафии, но спецслужбам долгое время не удавалось отыскать ни заказчиков, ни исполнителей, ни саму картину.
Правда о печальной судьбе «Рождества» открылась в 2009 году, когда киллер Гаспаре Спатуцца на суде рассказал о том, что картину держали в сарае на ферме семьи Пуллара. Мафиози не посчитали нужным позаботиться о полотне, и его обглодали крысы и свиньи.
Поняв, что поврежденный холст продать не удастся, его сожгли. Общественность, впрочем, до сих пор надеется найти опровержение показаниям Спатуцци.
Гюстав Курбе, «Дробильщики камней»
Множество старых шедевров погибли в годы войны. Один из самых известных примеров — «Дробильщики камней» Густава Курбе, социально-критическое произведение, ставшее звездой Парижского салона 1850 года и уничтоженное почти столетие спустя, в 1945 году, во время бомбардировки Дрездена.
Машина, увозившая картину Курбе вместе с еще 154 работами из Дрезденской галереи, была разбомблена силами союзников уже на подъезде к крепости Кёнигштайн, где их планировали спасти.
А два бесценных Караваджо — «Портрет куртизанки» и «Святой Матфей с ангелом» погибли в дни победы в Берлине, в ходе пожара в зенитных бункерах в районе Фридрихсхайн, где хранились картины из берлинских музеев.
Тогда эта территория контролировалась советскими войсками, пожар начался при невыясненных обстоятельствах. Вместе с Караваджо погибли более 400 работ, в том числе произведения Рубенса, Гойи, Кранаха, Йорданса, ван Дейка и многих других старых мастеров.
Василий Кандинский, «Композиция ІI.Эскиз»
Дегенеративным искусством нацисты называли произведения авангардного и модернистского искусства, которое противоречило «классическим» художественным вкусам Гитлера, а потому было объявлено еврейско-большевистским и антиарийским.
Картины, конфискованные министром пропаганды Геббельсом, были в 1937 году представлены на выставке, которая и была названа «дегенеративной». На ней были представлены работы Пауля Клее, Марка Шагала, Отто Дикса, Оскара Кокошки, Пита Мондриана, Алексея фон Явленского, Эмиля Нольде и других.
Многие картины пережили разгром Третьего Рейха, но не все. В 1942 году в садах Национальной галереи Же-де-Пом (Париж) были сожжены картины Пикассо, Клее, Миро, Эрнста, Леже, Дали.
Среди «дегенеративных» шедевров, уничтоженных нацистами, — первые три работы из десятичастной серии Василия Кандинского «Композиции»; первая сохранилась лишь в виде фотографии, вторая — в эскизе.
Рафаэль, «Портрет молодого человека»
Уничтожая «дегенеративный» авангард, нацисты с большой охотой присваивали себе образцы классической живописи. Так произошло и с полотном Рафаэля, которое принадлежало знатному польскому роду Чарторыйских . «Портрет молодого человека», чья стоимость составляет приблизительно $100 млн, был конфискован в 1939 году.
Незадолго до окончания Второй мировой войны картина попала в руки генерал-губернатора оккупированной Польши Ганса Франка. В ходе допросов накануне Нюрнбергского процесса он перечислил места, где проигравшая сторона прятала украденную живопись, но шедевра Рафаэля там не оказалось.
На след портрета удалось напасть лишь в 2012 году: сообщалось, что он якобы находится в банковском хранилище на территории то ли США, то ли Европы.
Гентский алтарь
На Гентский алтарь — одно из величайших произведений религиозной живописи, шедевр раннего Возрождения, созданный в 1432 году голландцем Яном ван Эйком и (возможно) его братом Хубертом, — покушались не раз.
Его хотели сжечь кальвинисты в XVI веке, расчленяли и конфисковывали комиссары французского революционного Конвента в конце XVIII-го, продавали по частям в XIX-м, спасали от немцев в годы Первой и Второй мировых войн.
Однако по-настоящему серьезный урон был нанесен ему 11 апреля 1934 года, когда таинственно исчезла одна из его створок, причем очень ценная: одну ее сторону занимает изображение «Иоанна Крестителя», другую — «Праведные судьи»; в числе последних Ян ван Эйк изобразил самого себя.
Тогда люди были уверены, что это дело рук нацистов. В 1934-м все в Бельгии бредили скорой войной. Незадолго до пропажи в горах погиб король Альберт I, побеждавший немцев в годы Первой мировой, и его смерть отказывались считать случайностью.
А исчезнувшая часть алтаря 99 лет до этого хранилась в Берлинском музее. Однако спустя неделю после пропажи гентский епископ получил письмо с требованием выкупа за часть алтаря — похититель просил миллион франков.
Преступник, чтобы доказать, что не блефует, в скором времени вернул «Иоанна Крестителя», продолжая требовать миллион за «Судей» (еще в Берлине створка была распилена вдоль).
Похитителя пытались выследить при передаче небольшой части выкупа, но от погони он ушел; узнав, что у епископа миллиона нет, он изобретательно предложил собрать пожертвования с верующих.
15 нужных книг по искусству
25 ноября того же года банкир Арсен Годетьер, самый активный сборщик пожертвований в Бельгии, произносил речь перед членами Католического союза, убеждая их дать денег на спасение шедевра. Неожиданно он упал и потерял сознание.
Ненадолго придя в себя, он сказал: «Я перед Высшим судом.. Все, что касается алтаря… у меня дома… в шкатулке… Только мне известно, где „Праведные судьи“… Я уже ничего не могу для них сделать… Они спрятаны…
» Где спрятаны Годетьер не сказал — он умер от инфаркта.
В доме банкира действительно была найдена переписка преступника с епископом — но ни следа пропавшей створки. Было очевидно, что физически слабый Годетьер не мог быть собственно похитителем — разве что сообщником.
Кроме того, у него была безупречная репутация — набожен, богат, в Первую мировую спасал от немцев драгоценную церковную утварь.
Поэтому роль банкира в похищении прояснена не была; на след «Праведных судей» так никогда и не вышли, в 1945 году их заменили копией работы художника Йефа ван дер Фекена.
Карл Шпицвег, «Бедный поэт»
3 сентября 1989 года завыла сирена в замке-музее Шарлоттенбург в Берлине.
Пока охрана ошарашенно смотрела на пустую стену, где только что висели картины классика немецкого романтизма Карла Шпицвега «Бедный поэт» и «Любовное письмо», по залам к выходу катил в своей коляске «бедный инвалид». Под пледом у него были спрятаны обе картины общей стоимостью 2 млн долларов. Картины до сих пор не найдены.
Ян Вермеер, «Концерт»
Крупнейшей по масштабам похищенного кражей картин в XX веке ФБР называет налет на бостонский Музей Изабеллы Стюарт Гарднер, совершенный 18 марта 1990 года.
Наутро после празднования Дня святого Патрика в музей вошли двое людей в полицейской форме и сообщили охране, что им необходимо осмотреть музей, так как в одном из его помещений сработал сигнал тревоги.
Доверчивых охранников затем связали, а из музея одно за другим были беспрепятственно вынесены 13 полотен, среди которых были работы Дега, Мане, Рембрандта и Вермеера.
Общая стоимость украденных картин была оценена приблизительно в $300 млн. Сумма вознаграждения, назначенного за возвращение картин, составила $1 млн.
Особенно тщательно прорабатывалась версия о том, что организовал похищение и руководил им из тюремной камеры знаменитый специалист по кражам произведений искусства Майлз Коннор, отбывавший срок по другим делам.
Через семь лет, когда власти признали, что расследование зашло в тупик, администрация музея увеличила вознаграждение в пять раз.
Кто ворует картины из Кабмина? Опять Табачник?
Вскоре бостонский торговец антиквариатом Уильям Янгуорт заявил репортерам, что готов указать местонахождение полотен за назначенное вознаграждение при условии, что ему будет гарантирована личная неприкосновенность, а Коннора выпустят на свободу.
В доказательство того, что он действительно знает, где находятся полотна, Янгуорт предоставил специалистам копии фрагментов похищенного полотна Рембрандта. Однако исследование показало, что к украденному шедевру они никакого отношения не имеют.
Ни одна из 13 похищенных картин до сих пор не найдена.
Пабло Пикассо, «Художник»
2 сентября 1998 года рейс 111 компании Swissair, летевший из Нью-Йорка в Женеву, потерпел авиакатастрофу — самолет McDonnell Douglas MD-11 разбился к юго-западу от Международного аэропорта Галифакса (Канада) и упал в воду.
Все 229 человек, находившихся на борту, погибли. Расследование длилось пять лет и стоило 57 миллионов канадских долларов. Было установлено, что в самолете случился пожар.
Короткое замыкание произошло в бортовой системе развлечений, с помощью которой пассажиры бизнес-класса смотрели кино и играли в видеоигры, а материалы, покрывавшие провода в самолете, оказались недостаточно огнестойкими и позволили огню распространиться.
На погибшем борту находился большой груз драгоценностей и бриллиантов, в том числе музейных, а также одна жемчужина — «Художник» Пабло Пикассо (1963).
Поль Сезанн, «Вид на Овер-сюр-Уаз»
Роскошный новогодний подарок сделал себе в 1999 году организатор кражи картины «Вид на Овер-сюр-Уаз» из Эшмоловского музея искусства и археологии в Оксфорде. Пока вся страна запускала фейерверки, пила шампанское и отсчитывала секунды до наступления миллениума, вор незамеченным пробрался в зал, где были представлены полотна импрессионистов, и унес одно из самых ценных.
Естественно, ни о какой бдительности охранников в ночь нового тысячелетия и речи быть не могло, за что они впоследствии поплатились рабочими местами. Интересно, кстати, что сам Сезанн не был до конца удовлетворен своей работой: он не оставил на холсте подписи, а значит, считал его незаконченным.
На экспертную оценку стоимоcти «Вида на Овер-сюр-Уаз» (а это ни много ни мало 5 миллионов долларов) это не слишком повлияло.
Ван Гог, «Берег в Шевенингене»
В декабре 2002 года из музея Ван Гона в Амстердаме были украдены две известные картины художника «Церковь в Ньюнене» и «Берег в Шевенингене», стоимость которых достигает 30 миллионов долларов. Пропажа была обнаружена рано утром перед открытием музея. Злоумышленники проникли внутрь через крышу здания.
Местная полиция нашла разбитое окно, у одной из стен музея также обнаружили трехметровую лестницу. В декабре 2003 года голландская полиция арестовала по этому делу двух мужчин, однако картины так и не были обнаружены.
Вследствие пробелов в голландском законодательстве, по прошествии 20-30 лет оба преступника смогут потребовать признания за ними права собственности на похищенные произведения.
Франц ван Мирис Старший, «Кавалер»
Вряд ли голландский портретист Франц ван Мирис Старший предполагал, что его склонность писать картины маленького формата в дальнейшем будет на руку грабителям.
Сотрудники Художественной галереи Нового Южного Уэльса в Австралии, откуда в 2007 году пропал оцененный в миллион долларов автопортрет ван Мириса, предполагают, что на преступление вора вдохновили именно небольшие размеры полотна — всего 20 на 16 сантиметров.
Более того, специалисты склонны считать кражу спонтанной: кто-то из посетителей внезапно осознал, что унести «Кавалера» в сумке не составит труда — и тут же осуществил задуманное. При этом в его цели вряд ли входила перепродажа, а значит, найти картину, скорее всего, уже не удастся, и она впредь будет украшать стену самой обычной квартиры или дома.
Пабло Пикассо, «Голубь с зеленым горошком»
Еще одну работу испанского мастера похитили в мае 2010 года. Похититель, который, скорее всего, действовал в одиночку, проник в Парижский музей современного искусства, взломав оконную решетку. Не торопясь, он вытащил из рам пять картин Пабло Пикассо, Анри Матисса, Жоржа Брака, Амедео Модильяни и Фернана Леже.
Судя по записям с камер, преступник вел себя спокойно, словно был уверен, что его не поймают. Он ошибался: через полтора года после кражи сыщики вычислили и вора, и заказчика. Последний признался, что, почувствовав слежку, запаниковал и уничтожил все полотна, включая самое ценное — «Голубя с зеленым горошком».
Полиция его словам не поверила и продолжает искать украденное.
Винсент Ван Гог, «Маки»
Еще одну картину голландского постмодерниста, стоимостью около $50 млн, украли в 2010 году из каирского Музея Мухаммеда Махмуда Халиля, который вот-вот должен был закрыться на ремонт. Видимо, поэтому там толком не работала ни подведенная к экспонатам сигнализация, ни аппаратура слежения.
В надежде перехватить картину спецслужбы блокировали аэропорты, вокзалы, причалы, но все усилия оказались тщетными. Спустя пару лет британские эксперты сделали сенсационное заявление о том, что настоящие «Маки» были похищены из музея еще в 1977 году и воры рисковали свободой ради подделки.
Оригинал же сначала находился в распоряжении некоего египетского чиновника, а позже был выгодно продан за границу. Однозначно подтвердить или опровергнуть эту информацию не могут по сей день.
Огюст Ренуар, «Мадлен с цветами в волосах, опирающаяся на локоть»
Дорогостоящие картины редко становятся случайной добычей: как правило, на них ведется долгая и прицельная охота. Исключение в этом смысле составляет полотно Огюста Ренуара, которое досталось грабителю просто по стечению обстоятельств.
8 сентября 2011 года вооруженный мужчина ворвался в богатый дом на западе Хьюстона в штате Техас и, угрожая пистолетом, потребовал выложить на стол деньги и драгоценности. Перепуганный хозяин нашел в себе силы только на то, чтобы указать на висевшую на стене картину и назвать ее примерную стоимость – примерно миллион долларов.
Обрадовавшись неожиданной удаче, преступник схватил «Мадлен» и скрылся во тьме. На этом его везение закончилось: полиция уверена, что тайно сбыть столь ценный предмет искусства у рядового вора не получится.
Теги: кража, пикассо, караваджо, Картины, Моне, Ван Гог, Ренуар, Сезанн, Кандинский, исскусство, рафаэль, курбе, вермеер
Источник: http://www.trust.ua/news/82454-propavshie-shedevry.html
Читать «Всеобщая история искусств в шести томах. Том 5 (с илл.)»
Пятый том «Всеобщей истории искусств» посвящен искусству 19 века.
Авторами глав пятого тома являются:
Введение — Ю. Д. Колпинский.
Искусство Франции от Великой французской буржуазной революции до Парижской коммуны (1789—1871) — Н. В. Яворская.
Искусство Франции от Парижской коммуны до 1890-х годов — Ю. Д. Колпинский.
Искусство Испании — Т. П. Каптерева.
Искусство Англии — М. А. Орлова.
Искусство России с конца 18 века до 60-х годов 19 века. Архитектура и скульптура— И. М. Шмидт; живопись — М. М. Ракова.
Искусство России с 60-х до 90-х годов 19 века. Живопись — Т. Н. Горина; скульптура и архитектура — И. М. Шмидт.
Искусство Украины, Белоруссии, Литвы, Латвии, Эстонии, Грузии, Армении и Азербайджана — Е. М. Костина.
Искусство Германии — Т. М. Кузьмина (первая половина 19 века) и А. Н. Тихомиров (введение и вторая половина 19 века).
Искусство Бельгии — Л. С. Алешина.
Искусство Голландии — В. А. Сидорова.
Искусство Скандинавских стран — А. Н. Тихомиров.
Искусство Италии — А. Н. Тихомиров.
Искусство Австрии — А. Н. Тихомиров.
Искусство Венгрии — Л. С. Алешина.
Искусство Чехословакии — Ю. Д. Колпинский.
Искусство Полыни — Л. И. Тананаева.
Искусство Югославии — М. Т. Кузьмина.
Искусство Румынии—М. Т. Кузьмина.
Искусство Болгарии — М. Цоичева.
Искусство Соединенных Штатов Америки — А. Д. Чегодаев.
Искусство Японии — В. Е. Бродский.
В главе «Искусство Чехословакии» использованы авторские материалы М. Вароша по словацкому искусству. В редактировании глав и подготовке текста тома к печати принимала участие Л. С. Алешина. Глава «Искусство Соединенных Штагов Америки» отредактирована М. Т. Кузьминой. В подготовке и редактировании главы «Искусство Болгарии» принимали участие М. Т. Кузьмина и Е. П. Львова.
Подбор иллюстративного материала осуществлен Л. С. Алешиной при участии Ю. Д. Колпинского, О. С. Прокофьева и П. В. Яворской. Макет альбома иллюстраций выполнен Р. Б. Климовым при участии редакторов тома и консультации
A. Д. Чегодаева, список иллюстраций подготовлен Л. С. Алешиной. Указатель составлен Т. П. Капгеревой. Библиография подготовлена по материалам, представленным авторами соответствующих глав.
Рисунки в тексте выполнены художником В. А. Лапиным; подготовка иллюстративного материала для репродуцирования осуществлена фотографами Е. А. Никитиным и Н. А. Крацкиным. Помимо этого использованы фотоматериалы А. А. Александрова, II. А. Беляева, С. Г. Белякова, М. А. Величко, С. Г. Гасилова, С. Г. Щиманского.
За помощь в работе при подготовке настоящей книги — консультации, рецензии, предоставление иллюстративного материала — авторский коллектив приносит благодарность Государственному Эрмитажу, Государственному музею изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Государственной Третьяковской галлерее, Государственному Русскому музею, Государственной библиотеке им. В. И.
Ленина, Государственной библиотеке иностранной литературы, Научно-исследовательскому музею архитектуры им. А. В. Щусева, Научно-исследовательскому музею Академии художеств СССР и персонально — Э- Н. Ацаркиной, Е. Б. Георгиевской, А. Л. Кагановичу, B. И. Касияну, И. Коталику (Чехословакия), С. Козакевичу (Польша), У. Кухирту (ГДР), И. М. Левиной, К. М. Малицкой, Г. Опреску (Румынии), Г.
Погань (Венгрия), Ф. С. Рогинской.
Ю. Колпинский
Искусство эпохи капитализма есть искусство последнего, завершающего Этапа истории классового эксплуататорского общества. Капиталистический способ производства утвердился в Европе после промышленного переворота в Англии и французской буржуазной революции 1789 г. В течение 19 в.
капитализм стал господствующей силой не только в Европе, но и на всем земном шаре.
Одни страны, как, например, Япония, сами становились на путь капиталистического развития, другие, отстававшие в экономическом развитии, вовлекались в орбиту капиталистического хозяйства путем колонизации и беспощадной эксплуатации.
Прогрессивная художественная культура 19 в. явилась новой всемирно-исторической ступенью в развитии реализма в широком смысле этого слова.
При Этом следует различать понятие реализма нового времени как определенную, программно утверждаемую художественную систему, как эстетически осознанный метод от стихийного проявления той реалистической основы или той жизненной правдивости, которые присущи самой природе искусства как особой форме общественного сознания.
Реализм в искусстве 19 в. представляет собой качественно новую ступень в истории развития реалистического метода.
И хотя он обладает своими специфическими художественно-идейными границами и исторически обусловленной эстетической ограниченностью, он являет более развитую и более программно-последовательную фазу утверждения этого метода. Именно для 19 в.
характерно утверждение реалистического искусства, непосредственно отображающего основные социальные противоречия эпохи, обращающегося к изображению конкретных проявлений этих противоречий.
При этом сам уклад социального быта, социальные условия жизни народа служат тем непосредственным жизненным материалом, на котором и создаются типические обобщенные образы. Чтобы уяснить себе своеобразие тех противоречий, которые свойственны развитию искусства в эту Эпоху, необходимо остановиться на некоторых чертах, присущих капиталистическому обществу и его культуре.
В целом капитализм с его промышленной технической революцией и огромным подъемом экономики, науки представлял собой новую, более высокую, чем феодализм, ступень развития общества, его производительных сил, его материальной и духовной культуры.
Вместе с тем капиталистический способ производства вызвал к жизни неразрешимые в его рамках противоречия между общественным характером массового индустриального производства и частной формой присвоения его плодов, обнажил до предела все пороки и уродства, присущие Этой стадии общественного развития человечества. Он породил эксплуатируемый класс нового типа, формально «свободный», а на деле — полностью «освобожденный» от какой-либо собственности на орудия труда — пролетариат. Впервые возник класс, который по своему положению в обществе был заинтересован в ликвидации любой формы частной собственности на средства труда.
Характер новых условий жизни, обострение борьбы экономических интересов и социальных противоречий, сознательное участие масс в общественной политической борьбе и обусловливают то, что отображение конкретных социальных условий жизни, общественная оценка, «приговор» отображаемым событиям становятся одной из основных задач передового реалистического искусства эпохи капитализма.
В это же время происходит особенно резкое размежевание в каждой нации двух культур: культуры демократической и культуры реакционной, эксплуататорской.
Реакционная, враждебная реализму линия в искусстве до победы буржуазной революции была связана с идеологией старого, феодально-крепостнического строя.
После победы капитализма главной социальной силой, заинтересованной в ограничении, а затем и в подавлении реалистических и последовательно демократических тенденций искусства, становится достигшая господства крупная буржуазия.
Демократическая линия в искусстве, стремящаяся раскрыть роль народа как движущей силы истории и утвердить этические и эстетические ценности народно-демократической культуры своей нации, проходит через два этапа своего развития.
В первый период она формировалась в борьбе с пережитками дворянской крепостнической идеологии, по мере же развития капитализма — во все большей степени в борьбе с лицемерно-ханжеской культурой, насаждаемой господствующими классами капиталистического общества.
Во второй период характерной чертой прогрессивной художественной культуры становится решительная эстетическая и социальная критика уродливости, лицемерности и социальной несправедливости, свойственных буржуазно-капиталистическому обществу в целом. Постепенно к концу 19 — началу 20 в.
критика капитализма начинает вестись в искусстве (особенно в русском) уже не только и не столько с позиций буржуазной или крестьянской демократии, как это было раньше, а с позиций зарождающегося и крепнущего мировоззрения революционного пролетариата.
Источник: http://litlife.club/br/?b=204605&p=28
Книга — Всеобщая история искусств в шести томах. Том 5 (с иллюстрациями) — Колпинский Юрий — Читать онлайн, Страница 23
Закладки
Гюстав Курбе. После обеда в Орнапе. 1849 г. Лилль, Дворец изящных искусств.
илл. 77
Родился Гюстав Курбе (1819—1877) на юго-востоке Франции в зажиточной крестьянской семье, учился в коллеже в Безансоне, затем в школе рисования у Флажуло. По приезде в Париж (1840) Курбе посещает ателье Сюиса, работая на живой модели, а в Лувре копирует старых мастеров. Он дебютирует в Салоне 1844 г. «Автопортретом с черной собакой» (Музей изящных искусств города Парижа).
Как эта картина, так и другие его ранние произведения—«Влюбленные в деревне» (Салон 1845 г.; Лион), «Раненый человек» (1844; Лувр)—говорят о романтических настроениях художника. Они проникнуты сентиментальной мечтательностью, но уже дают представление о высоких живописных способностях молодого мастера.
Эти качества с полной силой стали ощутимы в картине «После обеда в Орнане» (1849; Лилль, Дворец изящных искусств). Художник утверждает свое право изображать людей своей среды, которых он хорошо знал и наблюдал в привычной обстановке. В кухне, только что пообедав, сидят: отец Курбе, сам художник, музыкант Промайе и Марлэ.
Все изображено так, «как было в жизни», художник не побоялся одного из присутствующих показать спиной к зрителю. Вместе с тем Курбе выразил общность между людьми, объединенными одним настроением, вызванным музыкой.
Художник представил фигуры в большом масштабе, на большом холсте, он как бы подвел зрителя близко к изображенным; опуская детали, он дает обобщенные образы, достигая этим их значительности и монументальности. Картина была выставлена в Салоне 1849 г., и тогда возвеличение обыденной темы показалось дерзостью.
Гюстав Курбе. Дробильщики камней. 1849—1850 гг. Не сохранилось; прежде Дрезден, Картинная галлерея.
илл. 78
Однако в произведениях, выставленных в следующем Салоне (1850/51 г.), дерзания Курбе идут дальше. В картину «Дробильщики камней» (1849—1850; ранее в Дрезденской галлерее, погибла во время второй мировой войны) Курбе сознательно вкладывает социальный смысл.
Художник поставил своей целью изобразить непосильный труд и нищету людей. «Так начинают и так кончают»,— пишет он в объяснении к этой картине. Курбе дает обобщенный образ людей труда. Несмотря на некоторую еще условность в передаче света, пейзаж воспринимается нами очень правдивым, так же как и люди, работающие в нем.
Наряду с этой картиной в Салоне показаны «Крестьяне, возвращающиеся с ярмарки» (в 1854 г. была переписана, находится в Токио) и «Похороны в Орнане» (1849; Лувр). Все эти полотна не были похожи ни на изысканные холодные композиции Энгра, ни на страстные, эмоционально приподнятые произведения Делакруа.
Особенно поразили современников индивидуальным и своеобразным подходом к действительности «Похороны в Орнане».
Гюстав Курбе. Похороны в Орнане. 1849 г. Париж, Лувр.
илл. 76
Гюстав Курбе. Похороны в Орнане. Фрагмент. 1849 г. Париж, Лувр
цв. илл. стр. 72-73
Огромное темное полотно как по теме, так и по художественному мастерству выделялось в Салоне среди безликих работ. Все было ново: темой послужили похороны одного из обывателей маленького провинциального городка; герои картины — мелкие буржуа и зажиточные крестьяне, которых живописец представил без всяких прикрас.
Курбе как бы декларирует в этой картине один из своих принципов: передать жизнь со всей беспощадной правдой.
Недаром эту картину одни критики называли «прославлением безобразного», но другие (Шанфлери), оправдывая художника, писали: «Разве это вина художника, если материальные интересы, жизнь маленького города, провинциальная мелочность оставляют следы своих когтей на лицах, делают потухшими глаза, морщинистым лоб и бессмысленным выражение рта. Буржуа таковы.
Г-н Курбе пишет буржуа». И действительно, лица по большей части лишены одухотворенности и красоты, но зато они правдивы. Художник не побоялся монотонности, фигуры статичны. Но по выражению лиц можно прочесть, как собравшиеся реагируют на происходящее событие. Именно потому Курбе повернул участников церемонии лицом к зрителю.
На такой композиции художник остановился не сразу. Известен эскиз, где представлена движущаяся процессия, а потому лица многих людей не видны. На картине же видишь лицо каждого, причем почти все изображения портретны. Например, можно узнать отца, мать и сестру Курбе, поэта Макса Бюшона, стариков-якобинцев Плате и Кардо, музыканта Промайе и многих других жителей Орнана.
В картине совмещены как бы два настроения: сумрачная торжественность, соответствующая моменту, и жизненная обыденность. Торжественным аккордом звучит черный цвет траурных одежд, строги выражения лиц и застылы позы собравшихся у могилы; суровы скалистые уступы орнанского пейзажа.
Но в возвышенное настроение вкрадываются прозаические нотки, безразличны лица мальчика-прислужника и причетников, особенно обыденным кажется лицо человека, поддерживающего крест. Значительность момента нарушает и изображение на первом плане собаки с поджатым хвостом.
Но все эти уточняющие детали важны для художника, завоевывающего себе право на изображение повседневной жизни. Возможно, в этом слышался и полемический задор художника, который хотел свое искусство противопоставить искусству официального Салона.
То же стремление ощутимо в картине «Купальщицы» (1853; Монпелье, музей Фабр). Как не похожи Эти толстые буржуазки на анемичных, бескровных нимф, выставляемых обычно в Салоне! Понятна буря негодования, вызванная картиной.
Следует отметить, что здесь обнаженное тело (как и в картине того же года «Борцы»; Будапешт, Музей) трактовано с предельной осязаемостью, объемностью. Эта тенденция удерживается в дальнейшем творчестве Курбе.
Тяга к утверждению окружающего мира во всей его материальности требует нового живописного метода. Художник не мог удовлетвориться красочностью Делакруа, так же как и резкими контрастами света и тени Домье, которые подчас поглощают объемность предметов; Курбе приходит к тональной живописи и светом как бы лепит объемы.
Он сам пишет: «Я делаю в моих картинах то, что солнце делает в природе». Художник пишет на темном холсте (например, на коричневом в картине «Борцы»). Сначала он кладет темные краски, постепенно переходит к более светлым, доходя до самого яркого блика.
При этом краска кладется обыкновенно шпахтелем уверенно и энергично; формы приобретают убеждающую жизненную силу.
Творчество Курбе охватывает все больший круг тем. В 1855 г.
он выставляет «Мастерскую художника» (Лувр), которая является своего рода декларацией художника, он ее называет «реальная аллегория, определяющая семилетний период моей художественной жизни».
Эта риторичная картина не является лучшим произведением художника. В ней нет его обычной силы и мужества. Однако цветовое решение, выдержанное в серо-серебристых тонах, говорит о колористическом мастерстве Курбе.
Вызовом Курбе буржуазному обществу и академическому искусству была персональная выставка, устроенная в 1855 г. в отдельном бараке во время Всемирной выставки. Показательно его предисловие к каталогу этой необычной выставки.
Раскрывая понятие «реализм», он так характеризует свои цели: «Быть в состоянии передавать нравы, идеи, внешний вид моей эпохи согласно моей оценке — одним словом, создавать искусство живое — такова была моя цель». Курбе видел все богатство и многообразие реальной действительности и стремился ее представить с максимальной правдой.
Работая в портрете, пейзаже или натюрморте, он передает с необычайным темпераментом материальность, плотность действительного мира. Причем портретам Курбе часто придает еще и жанровый характер, изображая свою модель в какой-либо конкретной бытовой обстановке.
Так написан портрет Бодлера (1848; Монпелье, музей Фабр), Марии Крог (Брюссель, частное собрание) и другие.
Порой и его погрудные портреты воспринимаются как этюд к жанровой картине— настолько чувствуется их вписанность в окружающее пространство. Когда смотришь, например, на портрет Берлиоза (1850; Лувр), кажется, что он в раздумье сидит за роялем.
Очень ясно разворот фигуры в пространстве ощущаешь в портрете Альфреда Брюйяса (1853; Монпелье, Музей).
В другом случае, выполняя портрет Брюйяса, Курбе разыграл целую жанровую сценку, изобразив на фоне пейзажа мецената Брюйяса, приветствующего художника («Здравствуйте, г-н Курбе», 1854; Монпелье, музей Фабр).
Гюстав Курбе. «Здравствуйте, г-н Курбе!» 1854 г. Монпелье, музей Фабр.
илл. 79
Особенно явно стирание границ между жанровой и портретной живописью мы видим у Курбе в 60-х гг. Таковы, например, портреты «Маленькие англичанки у открытого окна на берегу моря» (1865; Копенгаген, Глиптотека), «Девочка с чайками» (1865; Париж, собрание Поля Розенберга) и другие.
Сложные переживания человека не интересуют художника, но он заставляет зрителя ощутить красоту, заложенную в материальном мире. Тенденция перерастания портрета в жанровую живопись, отмеченная у Курбе, будет очень характерна для творчества Э. Мане и художников-импрессионистов.
После 1855 г. живописец все чаще обращается к пейзажу. Он с большим вниманием наблюдает небо и море, зелень и снег, животных и цветы. Большинство пейзажей Курбе посвящено изображению охоты. В отношении Курбе еще в гораздо большей степени, чем в отношении Руссо, мы вправе говорить о реальном ощущении пространства, о реально переданных предметах, которые как бы можно обойти.
Постепенно Курбе все больше внимания уделяет изображению освещения. Примером могут служить «Козули у ручья» (1866; Лувр). Здесь, правда, деревья воспринимаются гораздо менее объемными, животные почти сливаются с пейзажем, но зато пространство и воздух гораздо более ощутимы. Правы те критики, которые отмечают, что у Курбе наступает новый этап — «путь к светлому тону и свету».
Источник: https://detectivebooks.ru/book/39656975/?page=23
Загрузка...
