Описание картины козимо тура «муза»

Растительный код. Живопись средневековья

?agritura (agritura) wrote,
2015-03-08 12:00:00agritura
agritura
2015-03-08 12:00:00Посвящается всем девочкам,
девушкам, женщинам и бабушкам!

Художники 15 века стали покрывать свои полотна плотным ковром растений, имитируя гобелены.

Перед собой вы видите бургундский гобелен с изображением плененного единорога.
Традиция изображать различные растения, наделяя их символическим значением, появилась еще в античности. Так, листья аканта считались символом смерти.

На гобеленах растения изображены с удивительно «ботанической» точностью, но, похоже, пока служат только украшением.
В сцене охоты на единорога в нижнем правом углу изображено апельсиновое дерево. Это было экзотическое растение, оно считалось символом райских кущ.

Путешествия в дальние страны позволили европейцам знакомиться с новыми растениями — финиковыми пальмами, например.

Нередко разные виды растений украшали маргиналии манускриптов.
Очень популярной была легенда о магических свойствах корня мандрагоры.Пальмы представлялись как-то так.
Шишка пинии (сосны) была символом древа жизни.Сразу несколько цветов считались символами Богородицы.

Символическое значение некоторые растения имели для разных религий. На картинке — лист из старинной иудейской книги с изображением меноры и оливковых деревьев, символа мира.

(Испания, 12 век)
В буквице средневекового манускрипта мы видим Смерть, любующуюся собой в зеркале, а вокруг — барвинки, символ молодости и красоты. Ирония, видимо, такая.
Античные мифы были популярны в эпоху Возрождения. На картине Козимо Тура (1465) — муза Каллиопа, покровительница поэзии.

В ее руке ветвь черешни — символ плодовитости, здесь — творческой, видимо.Рафаэль Санти «Сон рыцаря» (1504).

Ясное дело, что скрытый символизм буквально просился на полотна-аллегории. На этой картине «зашифрован» сложный выбор между мудростью и телесными удовольствиями.

Слева — богиня Минерва, протягивающая спящему рыцарю книгу, символ знаний, справа — Венера, предлагающая цветы яблони — символ чувственных наслеждений.

Много символизма и в ветхозаветных сюжетах. На картине Альбрехта Альтдорфера (1526) «Сусанна и Старцы» героиня идет на суд (справа), неся в руках лилию — символ невинности. Если помните, похотливые старцы домогались ее, подглядев, как она купается, а когда благочестивая женщина отказала им, ложно обвинили ее в прелюбодеянии. Мудрый царь Давид совершил праведный суд, выведя развратников на чистую воду. Видите, Сусанна идет мимо высокого стебля коровяка, называемого еще «царский скипетр» — символ власти и правосудия.Еще один прерасный южнофламандский гобелен «Убийство единорога». Теперь уже с символами.
В левом нижнем углу виден куст лещины — это символ богатства и изобилия. Белка — символ трудолюбия.И, конечно, очень много тайных символов в религиозной живописи 15-16 веков. Травянистый покров у ног святых, особено на картинах Сверного возрождения, — настоящий ботанический справочник. Похоже, знание бтаники было обязательным навыком художников того времени. Интересно, что практически каждое растение имело свой смысл.Я когда-то вам очень подробно рассказывала про Гентский алтарь Яна ван Эйка. Напомню, здесь очень много символов, растительных в том числе.
Например,  Ева держит в руке плод Древа познания, но здесь это не яблоко, а «адамово яблоко» или не съедобный иберийский цитрон.
Яблоко, как и лимон — символ первородного греха.
На этом чудесном полотне Маттиаса Грюневальда «Штуппахская Мадонна» (1517) мы видим в вазе символы Марии — белая лилия — невинность и чистота, роза — материнская скорбь и раны Христовы, ноготки (или бархотцы) — «золото Марии», дар утешения Богородицы неимущим и убогим. Мария подает малышу грецкий орех — символ Христа (невзрачная скорлупа — человеческое тело, вкусное ядро — божественная сущность).
На все том же Гентском алтаре тоже можно видеть цветы Богородицы: роза — скорби, лилия — чистота, аквилегия и ландыш  — слезы.
Ландыш можно видеть и у ног святой Вероники с картины Робера Камрпена. И еще одуванчик: милый цветочек — младенец Христос, пикообразные листья — копье Лонгина, страсти Христовы.
Жак Даре, «Мадонна с младенцем и святыми в Запретном саду» (1425). У ног Марии — морозник, символ Христа и вечной жизни. Слева в углу — ирис, символ материнского горя и мук.
Ангелы преподносят Мадонне с младенцем жасмин. Козимо Россини (1440-1507)Жасмин — символ чистоты.»Рождество» Хуго ван дер Гуса — прародитель натюрмортов. Фрагмент:
На переднем плане картины мы видим уже знакомые нам лилии, ирисы (белый символизирует чистоту, синий — материнскую скорбь), аквилегии. А еще гвоздику — кровь Христа и материнскую любовь, и фиалки — символ смирения. Колоски пшеницы — хлеб, плоть Господня.
Венецианская копия картины Леонардо да Винчи «Леда и лебедь». В античном мифологическом сюжете цветы имеют совсем другое значение: анемона — ветреность, аквилегия — символ плодородия, барвинок в руках Леды — природная сила, страсть, молодость, лютик едкий («куриная слепота») — беспечность. Дуб над головой Леды — символ Зевса.Такую тщательную детализацию, обычно ительянцам не свойственную, художники нередко «заимствовали» у северных живописцев.
Мария подает младенцу гвоздику — символ родительской любви. (Леонардо да Винчи «Мадонна с гвоздикой»).Герард Давид «Рождество с донаторами, святыми Иеронимом и Леонардом» (1510-15).

Здесь символичен одуванчик, его значение вы уже знаете:

Джероламо ди Лабри «Мадонна с младенцем и святыми» (1520). Лавровое дерево — слава, бессмертие. Павлин — символ вечной жизни (его плоть почему-то считалась нетленной)Мартин Шонгауер «Мадонна в розовых зарослях».

Вообще-то, роза — символ страданий и жертвы Христа и Марии, «божьи раны». Интересно, что здесь изображены не розы, а древовидные пеоны. Считалось, что розы в раю не имеют шипов, так что пеон вполне подходил на эту роль.

А это наброски Шонгауэра (1495). Пеон же!
Стефан Лохнер. Еще одни розовые заросли. У ног Богоматери фиалки, символ смирения.
Йос ван Клеве (1513-15). Нередко мадонну с младенцем изображали с фруктами. В руках Христос держит апельсин (плод райского дерева) или персик — противопоставление яблоку, плоду-символу первородного греха; персик — символ Троицы. Гранат на подносе — символ Вселенской церкви, виноград — вино — кровь Христова, орех — вы уже знаете, вишня — кровь Иисуса, груша — сладость добродетели.
Филиппо Липпи (кон 15 века). Тоже гранат.
Джованни Беллини (1480), здесь у нас груша.
Йос ван Клеве (1525). В руке явно персик. Лимон лежит демонстративно в стороне — это символ земных страстей: красивый снаружи, невозможно кислый внутри. Он явно противопоставляется грецкому ореху, символу Христа.
Карло Кривелли (1480). Младенец держит в руке щегла, символ страстей Христовых. Слева сидит муха — недремлющий дьявол, символ смерти, распада. Иногда яблоко трактовалось как символ искупления, а огурец — чистота и воскрешение.
Лукас Кранах. Виноград — евхаристический символ Христа, кровь Христова.
Мартин Шонгауэр «Святое семейство». Виноград, а в корзине — ежевика, символ чистоты Девы Марии.Изенгеймский алтарь Маттиаса Грюневальда, 1510-15
Святые в створках стоят на постаментах, увитых плющом — символом воскрешения, вечной жизни, преданности.Теперь у нас святые пошли.
Адриан Изенбрандт «Мария Магдалина с пейзажем». Позади святой — подснежник, символ надежды и очищения.
Лукас Кранах. «Святая Доротея». Когда святую вели на казнь, охранник, издеваясь, предложил ей совершить чудо — раздобыть розы среди зимы. Тут же к святой подошел мальчик с корзиной роз. Теперь это символ святой Доротеи.
Антонио Корреджо «Святая Катерина». Ветвь пальмы — символ мученичества.
Альбрехт Дюрер «Максимильян Первый». Гранат — вы уже знаете.Всякие светские люди пошли.
Ханс Зюсс ван Кульбах. Девушка плетет венок из незабудок

Читайте также:  Описание картины александра захаров «зима»

Источник: https://agritura.livejournal.com/172199.html

ЛитВек — Скачать бесплатно без регистрации — Самиздат — Книги читать онлайн

основателя монашеского ордена, названого его именем (бенедиктинцев). На представленной работе ангел, появляющийся в пустыне среди скал Субиако, предупреждает Бенедикта об опасности, которую создает дьявол в виде ворона, искушающий отшельника эротическими видениями.

Чтобы избавиться от мучительных картин, святой обнаженным истязал себя колючим шиповником и крапивой. Тело отшельника, кусты и все вокруг него изображено с возможным натурализмом, однако фигурка ангела, расцвеченная ярче, чем остальные фрагменты картины, выдержана в условном готическом стиле.

Доска из Музея Польди-Пеццоли представляет собой одну из створок полиптиха, три другие хранятся во флорентийской галерее Уффици.

Филиппо Липпи (1406–1469) Пьета 1435–1440. Дерево, темпера. 57,5×32

Итальянское слово «пьета» означает «сострадание, жалость, любовь, милосердие, почитание», а происходит оно от латинского Pietas — «набожность, благочестие, справедливость». В христианстве это понятие соответствует эпизоду Страстного цикла — оплакивания тела Христа после Распятия, Снятия с креста и перед Положением во гроб.

Именно такой, предельно экспрессивной, и предстает композиция Филиппо Липпи. Здесь Дева Мария непохожа на все другие изображения Мадонны, ее лицо словно постарело от неизбывной муки. Она поддерживает мертвое тело Сына перед положением во гроб, но и сама находится внутри него.

С другой стороны — удивительно юный Иоанн Евангелист, самый любимый ученик Иисуса. Саван обволакивает тело Спасителя, покрывает Его голову.

Эта скорбная, но «цветная» сцена происходит на фоне мрачных скальных образований, каверны, долженствующих создать аллюзию той пещеры, в которую Иосиф Аримафейский возложил упокоенное тело Богочеловека.

Образ был создан между 1435 и 1440. В представленной композиции ощущается соединение готических традиций и новой ренессансной пластики. К тому времени Филиппо Липпи, инок флорентийского монастыря кармелитов, где еще недавно работал первый гений возрождения Мазаччо, вел жизнь за стенами монастыря, полную приключений и вовсе не религиозных впечатлений.

Джованни д'Альманья (умер в 1450), Антонио Виварини (около 1420 — до 1484) Мадонна с Младенцем на троне и двумя ангелами 1449–1450. Дерево, темпера. 188,9×102,3

Иконография «Мадонны на троне», помещенном среди растительности, совмещена здесь с иконографией «Мадонна на лугу» или «Мадонна в зелени».

Творчество венецианца Антонио Виварини относят как к эпохе поздней готики, так и к Раннему Возрождению, которое в Венеции наступило позже, чем в других государствах Италии. Готика в Венеции была пышна, роскошна, «золочена», но и строга. Это проявлено в декоре великолепного трона Богоматери, ее торжественного Седалища мудрости.

От Возрождения же Виварини берет внимательное отношение к передаче объемов, точности светотеневой пластики, перспективным ракурсам. Поэтому он, наряду с Якопо Беллини, почитается пионером венецианского Ренессанса.

Виварини обычно работал вместе с зятем, мужем сестры, Джованни д'Альманья, немцем по происхождению (отсюда и прозвище: Альманья по-итальянски значит «Германия»).

Республика регулярно поставляла заказы своим художникам, и этот образ, как полагают, является лишь частью общего алтарного ряда, исполненного около 1450 и являющегося результатом их совместного творчества. Незадолго до этого мастера замечательно оформили алтарь в церкви Сан-Дзаккария в Вероне и триптих в венецианской Скуоле делла Карита.

Косме (Козимо) Тура (около 1430–1495) Муза Терпсихора 1450–1460. Дерево, масло. 117×81

Косме (Козимо) Тура был придворным художником графов д'Эсте и основателем феррарской школы живописи. В его ренессансном стиле сохранялись элементы поздней готики, поэтому композиции мастера причудливы и выразительны, имеют сложный линейный ритм.

Представленная картина является частью декорации студиоло владетелей Феррары Лионелло и Борсо д'Эсте в их загородном палаццо Бельфиоре.

Студиоло — особое помещение в обиталищах просвещенных правителей итальянского Возрождения, отведенное под кабинет («кабинетик») или библиотеку. Его оформление в полной мере отражало вкусы владельцев.

В данном случае наблюдается пристрастие к античной мифологии.

«Наслаждающаяся хороводами» — так с греческого переводится имя музы, покровительницы искусства танца.

Хоровод на данной картине водят малыши-путти, но лишь один из них, правый шалун, видимо, получает удовольствие, два других крайне серьезны, как и, на удивление, сама Терпсихора, восседающая на троне.

Ее поза, жесты и пропорции создают впечатление, будто муза — кукловод, а обнаженные пляшущие человечки всего лишь марионетки.

Андреа Мантенья (1431–1506) Мужской портрет (Портрет старика). Около 1460. Дерево, темпера. 32,3×28,8

Исследователи итальянского портретного искусства Раннего Ренессанса спорят об авторстве представленного портрета. В. Н.

Гращенков пишет: «…скорее произведениями круга Мантеньи, чем самого мастера, следует считать… близкий к манере Бонсиньори выразительный портрет старика с небритым подбородком в алой куртке и фиолетовомалиновом капуччо на темно-синем (теперь почерневшем) фоне из Музея Польди-Пеццоли в Милане». Он же указывает, что Р. Лонги полагает миланский портрет «автографом» Мантеньи, а Э.

Румер, возвращаясь к атрибуции конца XIX века, приписал портрет мастерской Козимо Туры. Во всех случаях автор следует так называемой медальерной тенденции композиции портрета, профильного, с четко обозначенным пластическим рельефом. Когда-то его фон был создан яркой ляпис-лазурью, можно себе представить, как на нем звонко сияли краски одеяния пожилой модели.

Именно высокое качество картины позволило сотрудникам музея все же атрибутировать ее как произведение раннего Мантеньи, но уже относящееся к началу его мантуанского периода, когда он только приступил к работе при дворе Лодовико Гонзага в качестве придворного художника и где оставался до самой своей кончины.

Пьеро делла Франческа (около 1415–1492) Святой Николай да Толентино 1464–1469. Дерево, темпера. 139,4×59,2

Доска с изображением этого святого входила в полиптих, то есть многочастный алтарь, который Пьеро делла Франческа создал около 1465 для церкви Сан-Агостино в родном городке Борго Сан-Сеполькро.

Он оказался разрознен в XVII веке, сейчас створки, за исключением утраченной центральной (на ней, по всей вероятности, была изображена Мадонна), хранятся в лондонской Национальной галерее (святой Михаил), лиссабонском Национальном музее старинного искусства (святой Августин), собрании Фрик в Нью-Йорке (святой Андрей).

Полагают, что в представленном образе святого художник изобразил заказчика алтаря Джованни ди Симоне Анджели. Сам же Николай из Толентино, монах ордена августинцев, жил приблизительно в 1246–1305. Как и здесь, его обычно изображают в черной рясе («униформа» августинцев), перепоясанной черным поясом с металлической пряжкой.

Плотная фигура монаха рельефно заполняет почти все пространство картины. Делла Франческа пишет рядом со святым золотую звезду, сияющую на голубом небе, видном сквозь мраморную арку. По преданию, звезда (или комета) появилась в небе тотчас с рождением на свет младенца Николая. Он был канонизирован в 1446, то есть незадолго до создания данного произведения.

Мощи покоятся в крипте базилики, посвященной святому, в городе Толентино, где он и скончался.

Джованни Беллини (около 1427–1516) Образ благочестия 1460–1470. Дерево, темпера. 50×40,4

Удивительная иконография, избранная Джованни Беллини, представляет щемяще скорбный образ Иисуса, восставшего из саркофага, еще

Источник: https://litvek.com/br/354739?p=2

Портрет его жены: русские музы европейских художников

Кем вдохновлялись Дали, Матисс и Пикассо? Ольгой Хохловой, Еленой Дьяконовой и Лидией Делекторской. Взглянем на портреты удивительных русских женщин, которые долгие годы были спутницами величайших художников ХХ века.

Муза законного брака

Имя: Ольга Степановна Хохлова
Место рождения: Нежин
Годы жизни: 1891–1955
Профессия: балетная танцовщица
Муж: Пабло Пикассо
Брак: с 1918 до 1935 (разрыв) и 1955 (официально)
Картины: «Портрет Ольги в кресле» (1917), «Ольга Хохлова в мантилье» (1917), «Портрет Ольги 1» (1919), «Ольга» (1921), «Ольга с меховым воротником» (1923), «Голова женщины (Ольга Хохлова)» (1935) и т. д.

Читайте также:  Описание картины николая крымова «под солнцем»

«Портрет Ольги в кресле» Пикассо написал в самом начале их знакомства. Хрупкая, изящная, замкнутая, меланхоличная — такой была Хохлова, балерина легендарной труппы Сергея Дягилева.

Она увлекла Пикассо настолько, что ради нее 37-летний абстракционист на время изменил своему стилю и вернулся к реализму.

Ведь она просила его: «Я хочу узнавать на портретах свое лицо…» И она выходила узнаваемой — и на других портретах, и на этом — самом, пожалуй, известном.

Картина основана на фотографии Ольги в мастерской Пикассо, поэтому у нас есть редкая возможность сравнить, как видел ее влюбленный художник и как — беспристрастная камера. На всех портретах ранних лет их брака Ольга такая же, как на этом, увиденная через призму влюбленности, — задумчивая, воздушная, идеальная. Настоящая «русская душа».

Однако может ли гений довольствоваться одной-единственной музой? Пикассо хватило на целых десять лет. Чем дальше, тем больше жена раздражала его.

И вот — никакой нежности, художник пишет Ольгу то в виде старухи, то в виде лошади (в серии картин, посвященных корриде). Или рисует ее в том самом абстрактном стиле, который Ольга так не любила.

У Пикассо появилось новое увлечение, и в конце концов Ольга не выдержала и ушла. Развода он ей не даст — чтобы не делить картин. До самой смерти она останется официальной женой Пикассо.

Муза внутреннего мира

Имя: Елена Ивановна (Димитриевна) Дьяконова
Псевдоним: Гала
Место рождения: Казань
Первая работа: учитель
Годы жизни: 1894–1982
Муж: Сальвадор Дали
Брак: с 1934 (гражданская церемония), 1958 (церковная) до 1982 (ее смерти)
Картины: «Портрет Галы с омаром» (1934), «Галарина» (1944–1945), «Тройное появление лица Гала» (1945), «Атомная Леда» (1949), «Портрет Гала с носорогическими признаками» (1954), «Мадонна Порт-Льигата» (1950) и т. д.

«Атомная Леда» — одна из самых растиражированных работ Дали, была написана спустя несколько лет после атомной бомбардировки Японии. Но для великого сюрреалиста происходящее в реальном мире — лишь повод для разговора о том, что происходило в его внутреннем мире.

А там царила его жена, его величественная Гала. В полотне она становится новой Ледой, а сам Дали — Юпитером, лебедем, парящим рядом и почти не касающимся возлюбленной. «Возвышенное переживание либидо» — так будет объяснять изображение художник.

Наверное, их отношения можно охарактеризовать и так.

«Гала» — прозвище, которое переводится как «праздник». И его обладательница была для своих мужчин настоящим фейерверком. До встречи с Дали она успела побыть музой французского поэта Поля Элюара (и даже выйти за него замуж) и немецкого художника Макса Эрнста. Но не задумывась бросила всех ради Дали, который на был моложе ее на десять лет и еще не очень знаменит.

Гала станет для Дали женой, секретарем, управляющим и даже нянькой — словом, всем. Но, главное, она станет его музой.

И если у художника на картине мы видим женский образ, можно быть почти уверенным в том, что это она. Удивительно: какой бы безумный мир он вокруг нее ни построил, сама она почти всегда написана реалистично.

Можно поэтично предположить, что Гала и была единственной настоящей реальностью Сальвадора Дали.

Муза счастливой старости

Имя: Лидия Николаевна Делекторская
Место рождения: Томск
Годы жизни: 1910–1998
Образование: медицинское
Партнер: Анри Матисс
Знакомство: с 1932 до 1954 (до его смерти)
Картины: «Портрет в синем манто» (1935), «Дама в голубом (1937), «Одалиска. Голубая гармония» (1937), «Девушка в голубой блузке» (1939), «Интерьер с этрусской вазой (1940) и др.

Портретов Лидии Делекторской настолько много, что выбрать самый знаменитый трудно. Сам Матисс признавался: «Когда мне скучно, я делаю портрет мадам Лидии. Я знаю ее, как какую-нибудь букву». Вот, например, портрет 1939 года, написанный в самом начале Второй мировой.

Золотистые волосы, голубая блуза (судя по другим полотнам, художник любил писать ее в голубом). Спокойное, одухотворенное юное лицо, на котором улыбаются не губы, а глаза. Именно этот портрет Лидия когда-то сама привезла в Советский Союз и отдала в Эрмитаж.

Картина 1947 года, также подаренная Эрмитажу, на первый взгляд более абстрактна, линии лица упрощены — но милое лицо девушки остается узнаваемым.

Русская эмигрантка Лидия, вынужденная после неудачного брака искать средства к существованию, постучалась в двери мастерской Матисса в поисках работы в 1932 году, когда ей было 22. Она стала помощницей мастера и сиделкой у его жены-инвалида.

Вряд ли тогда, познакомившись с 65-летним мэтром, она могла предположить, что станет его любимой моделью, музой и настолько близким человеком, что, как впоследствии признавалась, «я была в продолжение 20 лет «светом его очей», а он для меня — единственным смыслом жизни».

Источник: https://www.culture.ru/materials/163254/portret-ego-zheny-russkie-muzy-evropeiskikh-khudozhnikov

Греческие музы. Описание и атрибуты

Очень часто в нашей жизни встречаются такие фразы как: “посетила муза”, “муза поэзии” и множество других, в которых упоминается слово муза.

Однако что оно означает? Данное понятие исходит из античной мифологии. Греческие музы – это девять сестер, покровительниц искусств и наук.

Они являются дочерьми самого Зевса и каждая из них обладает своими уникальными божественными возможностями. Давайте рассмотрим их подробнее.

Итак, как было сказано ранее, музы являются дочерьми Зевса и титаниды Мнемосины, которая является богиней памяти. Само же слово музы (мусы) происходит от греческого слова «мыслящие». Музы обычно изображались в виде молодых и красивых женщин.

Они обладали пророческим даром и благосклонно относились к творческим людям: поэтам, художникам, артистам, всячески поощряя и помогая им в их деятельности. Однако за особые провинности музы могли лишить человека вдохновения. Дабы этого не произошло, древние греки строили специальные храмы в честь муз, которые назывались мусейонами.

Именно от этого слова и произошло слово “музей”. Покровителем же самих муз являлся бог Аполлон. Давайте теперь рассмотрим каждую из муз подробнее.

Муза Каллиопа – муза эпической поэзии

Имя этой музы с греческого может быть переведено как “имеющая прекрасный голос”. По мнению Диодора, это имя возникло в тот момент, когда было произнесено “прекрасное слово” (кален опа). Она является старшей дочерью Зевса и Мнемосины.

Каллиопа – мать Орфея, муза героической поэзии и красноречия. Она вызывает чувство жертвенности, побуждающее человека преодолеть свой эгоизм и страх перед судьбой.

Каллиопа носит на челе золотую корону — знак того, что она главенствует над другими музами, благодаря своей способности приобщать человека к первым шагам на пути его освобождения.

Каллиопа изображалась с вощеной дощечкой или свитком и грифельной палочкой в руках – стилос, который представлял собой бронзовый стержень, заострённый конец которого использовался для нанесения текста на дощечку, покрытую воском. Противоположный конец делался плоским, чтобы стирать написанное.

Муза Клио – покровительница истории

Сопутствующими атрибутами этой музы являются  свиток пергамента или скрижаль – доска с письменами. Клио напоминает о том, чего может достичь человек, помогает найти свое предназначение.

По Диодору имя произошло от слова “Клеос”- “слава”. Этимология имени – “дарующая славу”. От Пиера греческая муза Клио имела сына Гиакинфа. Любовь к Пиеру была внушена Афродитой за осуждение ее любви к Адонису.

Муза Мельпомена – муза трагедии

Читайте также:  Описание картины джорджоне ди кастельфранко «три философа»

В греческой мифологии Мельпомена считается музой трагедийного жанра. Имя, по Диодору, означает “мелодия, радующая слушателей”. Образ антропоморфен – описывалась как женщина с повязкой, виноградным или плющевым венком на голове. Всегда имеет постоянную атрибутику в виде трагической маски, меча или палицы. Оружие несет символику неотвратимости божественного наказания.

Мельпомена является матерью сирен – морских существ, олицетворявших собой обманчивую, но очаровательную морскую поверхность, под которой скрываются острые утёсы или мели. От матери-музы сирены унаследовали божественный голос, которым приманивали мореплавателей.

Муза Талия – муза комедии

Талия или в другом варианте Фалия — в греческой мифологии муза комедии и лёгкой поэзии, дочь Зевса и Мнемосины. Изображалась с комической маской в руках и венком плюща на голове.

От Талии и Аполлона родились корибанты – мифические предшественники жрецов Кибелы или Реи во Фригии, в диком воодушевлении, с музыкой и танцами, отправлявших служение великой матери богов. Согласно Диодору, получила имя от процветания (таллейн) на многие годы прославляемых в поэтических произведениях.

Зевс, превратившись в коршуна, взял Талию в жены. Из страха перед ревностью Геры муза скрылась в недрах земли, где от неё родились демонические существа — палики (в этом мифе она именуется нимфой Этны).

Муза Полигимния – муза торжественных гимнов

Полигимния – в греческой мифологии муза торжественных гимнов.

Согласно Диодору, получила имя от создания многими восхвалениями (диа поллес химнесеос) известности тем, чье имя обессмертила славой поэзия. Она покровительствует поэтам — писателям гимнов.

Считается, что она хранит в памяти все гимны, песни и ритуальные танцы, которые славят олимпийских богов, также считается, что она изобрела лиру.

Полигимния часто изображается со свитком в руках, в задумчивой позе. Полигимния покровительствует в изучении людьми риторики и ораторского искусства, которое превращает оратора в орудие истины.

Она олицетворяет силу речи и делает речь человека животворящей. Полигимния помогает познать таинство слова как реальную силу, с помощью которой можно вдохновлять и оживлять, но одновременно ранить и убивать.

Эта сила речи является вдохновляющей на пути к истине.

Муза Терпсихора – муза танца

Терпсихора — муза танца. Согласно Диодору, получила имя от наслаждения (терпейн) зрителей являемыми в искусстве благами. Её имя среди Муз называет и Цец. Считается покровительницей танцев и хорового пения. Изображалась в виде молодой женщины, с улыбкой на лице иногда в позе танцовщицы, чаще сидящей и играющей на лире.

Характерные атрибуты:  венок на голове;  в одной руке она держала лиру, а в другой плектр. Эту музу связывают с Дионисом, приписывая ей атрибут этого бога — плющ (о чём гласит надпись на Геликоне, посвященная Терпсихоре).

Муза Урания – муза астрономии

Урания — муза астрономии. Атрибутами Урании являлись: небесный глобус и циркуль. Согласно Диодору, получила имя от устремленности к небу (уранос) тех, кто постиг ее искусство. По одной из версий Урания является матерью Гименея.

Урания олицетворяет силу созерцания, она зовет покинуть нас внешний хаос, в котором существует человек и погрузиться в созерцание величественного бега звезд, который является отражением судьбы. Это сила познания, сила, которая тянет к таинственному, тянет к высокому и прекрасному — к Небу и Звездам.

Муза Эвтерпа – муза лирической поэзии

Эвтерпа (др.-греч. Εὐτέρπη «увеселяющая») — в греческой мифологии одна из девяти муз, дочерей Зевса и титаниды Мнемосины, муза лирической поэзии и музыки. Изображалась с лирой или флейтой в руках.

Мать Реса от речного бога Стримона. Согласно этимологии Диодора, получила имя от наслаждения (терпейн) слушателей, которые получают блага образования. Ее имя среди Муз называет и Цец.

Муза Эрато – муза любовной поэзии

Эрато является музой лирической и любовной поэзии. Ее имя производное от имени бога любви Эрота. По Диодору – имя получила в честь умения быть “эперастой” (желанной для любви и страсти) .

Родилась в результате союза Мнемосины и Зевса. От Мала Эрато родила Клеофему. Атрибут музы – кифара. Эта божественная героиня греческой мифологии достаточно часто упоминается в сказаниях эллинов.

Кроме того, к символике, связанной с образом греческой музы Эрато, прибегают в своих произведениях Вергилий и Аполлоний Родосский. Она умеет вдохнуть в душу любовь ко всему живущему своим искусством преображать все в красоту, скрывающуюся за пределами физического.

По материалам Википедии

Источник: http://www.agmu.ru/about/fakultet/lechebnyy-fakultet/kafedra-normalnoy-anatomii/klub-lyubiteley-poyezii/muzy/grecheskie-muzy.-opisanie-i-atributy

Гении эпохи Возрождения и барокко

?mashasanti (mashasanti) wrote,
2015-07-04 22:55:00mashasanti
mashasanti
2015-07-04 22:55:00Это обстоятельный разговор о личностях, которые сформировали историю искусства.

Художники, начиная с Джотто, сами создавали тренды, которые последующие поколения порой просто повторяли. Эта лекция — результат восьмилетнего преподавания в вузах и огромной любви к искусству эпохи.

Кто эти люди, создававшие изумительные произведения?

В чем секрет каждого из них?Почему именно в те века шедевры возникли в таком количестве?

Скольких из этих художников вы знаете? А каждый из них расширил палитру мировых визуальных форм.

Козимо Тура. Муза Каллиопа.
Мантенья. Мертвый Христос (ранее «Ракурс»)
Эль Греко. Детали разных картин.Вас ждет два академических часа емких и информативных рассказов про характерные особенности крупнейших художников. Кто создал психологическую живопись? Кто первым стал изображать обнаженное тело? Кто изобрел масляные краски, а кто — сюрреализм?Любой человек — личность многосоставная и зависимая от своего окружения. Гений отличается уровнем саморедактуры, умением прятать свои ошибки и, конечно, бульдозерной волей к достижению наилучшего результата. Слабости расхлябанных людей интересны в лучшем случае их близким, а вот про особенности характеров великих художников приходите послушать 24 июля.

Вы получите знания об истоках искусства Нового времени и современного кинематографа и поймете, откуда крадут черпают вдохновение художники, дизайнеры, декораторы.

Если вы хотите разбираться в искусстве, а не бездумно повторять «прогрессивные» или «консервативные» штампы, нужно представлять себе и богатство форм прошлого, и бурлившие в среде конкурентов страсти. Только в результате изучения истории искусств у вас появится свой взгляд на феномен творчества.
Вы научитесь отличать прекрасное от возвышенного, милого, сексуального. Эти знания вы сможете применять во всех областях жизни, связанных с воображением: от формирования гардероба до обсуждения сериала.

Ведущая:  искусствовед, колумнист «Серебряного дождя» Мария Санти.

Послушать и посмотреть эфиры можно здесь: http://radiomayak.ru/guests/guest/id/218044/
https://vk.com/audios206656887
Блог на «Снобе»: http://snob.ru/profile/29218/blog
Посмотреть экскурсию по Эрмитажу: http://www.youtube.com/watch?v=eh1IOizP5Aw
Кстати, в группе Pro искусство вы каждый день найдете картину для вдохновения.

Время проведения: 19-30 — 21-00.

Пожалуйста, учитывайте, что лекции всегда начинаются вовремя, и, опаздывая, вы пропускаете увлекательные истории.
Лекция пройдет в изысканном лофте возле метро Савёловская.
Стоимость участия: 2000 рублей в том случае, если вы заранее вносите предоплату 1000. Вы можете оплатить на месте в день мероприятия, это будет стоить 2500.
Абонемент на 5 занятий — 8000 рублей.

Реквизиты для предоплаты можно узнать, написав личное сообщение:

Источник: https://mashasanti.livejournal.com/11067.html

Ссылка на основную публикацию