Пабло Пикассо «Я, Пикассо». Описание картины. Пикассо картины описание
Главная » Пикассо картины » Пикассо картины описание
Работа «Склеп» — эта первая картина с драматическим антивоенным содержанием после нашумевшей в 1937 году «Герники». Можно рассмотреть и явное стилистическое сходство этих двух тригико-щемящих работ.
Над картиной Пикассо начал в 1944 году, создав шедевр-художественный отклик на нечеловеческие события Второй мировой войны. Кто изображён на этой картине? Пикассо не даёт конкретного ответа, однако, многими принято считать, что этой работой великий художник отдавал дань жертвам концентрационных лагерей, которых с избытком было выстроено по всей Европе нацистами.
Очень сложно рассмотреть героев полотна – это какая-то хаотичная груда сваленных вместе тел. Взрослые и дети, окоченевшие части тел, ноги и руки, запрокинутые головы, вздутые животы – всё это создаёт поразительную по своей силе драматизма сцену.
При этом страшная картина убитых и замученных людей обладает своей ужасной динамикой – это не вечный покой, которые заслуживают все люди, закончившие свои жизни.
На каком-то сверхреальном уровне можно уловить смрад замкнутого помещения, затхлость, холод и жуткую атмосферу.
Контрастом выступает изображение какой-то пищи над телами, скинутыми в склеп. На огромном столе с массивными ногами — кружка, отдалённо напоминающие песочные часы, тарелка и хлеб – в скудной трапезе можно усмотреть символическое воплощение поминальной трапезы.
Для написания картины Пикассо использовал масло и уголь. Поразительным является то, как мастер пользуется тенями – это своего рода метод художественного воздействия. Все фрагменты рисунка подчёркиваются резкими тенями, выписанными голубыми и тёмными сизо-фиолетовыми красками. Верхнюю часть работы Пикассо намеренно оставил лишь в рисунке, тем самым переместив акцент именно на сам склеп.
И сегодня работа, казалось бы, написанная совсем не в духе реализма, оказывает невероятно сильное воздействие на любого зрителя: то ли оттого, что память о войне и зверствах ещё жива и не потеряла своей остроты спустя больше полвека, а то ли оттого, что всё дело в гении мастера, который смог в своей неповторимой манере создать шедевр, затрагивающие тончайшие струны.
Сегодня картина «Склеп» экспонируется в Нью-Йорке и входит в список самых известных работ Пабло Пикассо.
Картина испанского художника Пабло Пикассо «Склеп» 1945 г. Холст, масло, уголь. 200 х 250 см. Нью-Йоркский музей современного искусства, США
picasso-picasso.ru
Пабло Пикассо «Семья Солер». Описание картины
Наряду с кричащими, горестными, печальными и глубоко философскими работами «голубого» периода творчества Пабло Пикассо, есть и несколько картин, которые не носят столь трагических мотивов, хотя и не противоречат общей гамме, выбранной художником в это время. «Семья Солер» одна из таких творений.
Как известно, в начале 1900-х Пикассо испытывал серьёзную нужду и с радостью брался за заказы, сулившие хоть какую-то прибыль. Солер был преуспевающий портной из Барселоны.
Неизвестно чем приглянулся молодой художник, которому тогда было всего 21 год, зажиточному портному, но именно ему он заказал несколько картин – собственный портрет, портрет супруги и групповой портрет.
Одна из картин этого условного триптиха сегодня находится в Эрмитаже в Санкт-Петербурге.
Семейный портрет «Семья Солер» выполнен в так называемом жанре «завтрак на траве», когда-то модного в среде импрессионистов. Большая семья Солер расположилась вокруг застеленной на земле смятой скатерти.
Весь фон картины дан условно — он всего лишь обозначен контрастирующим тёмно-синим цветом.
Сам «завтрак» тоже весьма схематичен и оригинален – пустая тарелка, несколько фруктов, опрокинутая бутылка и кролик, который будто бы только что был подстрелен.
Всё внимание сосредоточено на членах семьи, очевидно заказчику было важно увидеть и узнать на семейном портрете каждого, даже собака как-будто бы позирует молодому мастеру.
Несмотря на то, что все лица имеют характерные отличительные черты, автор остался верен своей индивидуальной неповторимой манере – некоторая обобщённость и лубочность.
Картина выполнена в голубых тонах, которые были свойственны данному периоду соответствующего названия, однако, цвета не несут здесь обычной драматической смысловой нагрузки.
Скорее, наоборот, автору удалось изобразить тёплую семейную обстановку холодными тонами. Впрочем, на этот счёт мнения могут разниться.
Не известно понравилась ли работа заказчику, однако, семейный портрет, написанный в форме жанровой сцены, вошёл в анналы шедевров мировой живописи. Картина сегодня находится в Льеже и выставлена в музее современного искусства.
Картина испанского художника Пабло Пикассо «Семья Солер» 1903 г. Холст, масло. 150 x 203 см. Музей современного искусства, Льеж, Бельгия
picasso-picasso.ru
Пабло Пикассо «Я, Пикассо». Описание картины. Художники импрессионисты
Пабло Пикассо «Я, Пикассо». Описание картины
Одна из самых дорогих картин мира, цена которой была определена на «Сотбис» ещё в далёком 1989 году при покупке в частную коллекцию, и составила почти 48 млн. долларов, была написана ещё в ранний период творчества.
Какая ирония – молодой Пикассо, живший в самом бедном районе Парижа, отчаянно нуждавшийся в средствах к существованию, создавал на полотне портрет самого себя, который впоследствии займёт 11 место в рейтинге дорогих картин!!!
Даже самый непросвещённый зритель сразу узнает характерный стиль автопортрета – это импрессионизм. В молодые годы Пикассо находился ещё на стадии поиска собственной манеры письма, и неудивительно, что молодого и дерзкого прельщало творчество вольнодумцев-импрессионистов.
Портрет исполнен в яркой палитре, практически лишённых полутонов. Мазки Пикассо уверенные и настолько широки, что, кажется, приобретают объём.
Колорит картины наделён чувственной экспрессией и почти осязаемой энергетикой.
Молодой Пикассо на нём хорошо узнаваем, что будет редкостью в дальнейшем его портретном творчестве, где пространство разобьётся на геометрические формулы и фигуры, как на портретах Доры Маар или Марии-Терезы.
Автопортрет вместе с другими импрессионистскими картинами Пикассо представил на выставке Воллара, и сразу был отмечен зрителями. Однако критики, признавая одарённость юного Пабло, всё же призывали искать свою дорогу в искусстве, что живописец и сделал. Уже через полгода наступит его «Голубой период» творчества, подаривший миру восхитительные бессмертные шедевры.
Картина «Я, Пикассо» 1901 г. Холст, масло. 73,5 х 60,5 см. Частная коллекция
gorodkrasota2016-05-24T16:01:56+00:00
Поделиться ссылкой, выберите способ!
www.hudojnik-impressionist.ru
Пабло Пикассо «Трагедия». Описание картины
Картина «Трагедия» относится к плеяде самых известных работ Пикассо. Работа является одним из лучших достижений «голубого» периода.
Депрессивный период творчества, в котором царили трагедийность, драматизм, скорбь «породил» множество выдающихся произведений искусства великого мастера.
Сегодня доподлинно известно, что причиной столь мрачного периода творчества явилась смерть близкого друга Пикассо и тяжёлое материальное и моральное положение художника. Но по иронии судьбы именно те картины, которые создавались в обстановке крайней нищеты, сегодня не устают бить ценовые рекорды на всевозможных престижнейших аукционах. «Трагедия» — одна из таких знаменательных работ.
Сюжет картины родился в результате пристального наблюдения художником за такими же неустроенными и несчастными людьми как он сам. Работа изображает трёх бедняков, которые стоят на берегу моря. Скорбные лица, опущенные плечи, сложенные руки – всё это выражает горестные думы.
Все герои картины босы и бедно одеты. Они как будто кутаются в свои бедняцкие тряпки, стремясь укрыться от пронизывающего морского ветра.
Ощущение трагизма ещё более усиливается, стоит только взглянуть в лицо мальчику – его облик лишён присущий каждому ребёнку непосредственной живости, наоборот, оно не по-детски серьёзно и печально.
Автор не даёт нам подсказки, кто эти люди: семья рыбаков, или же просто случайные прохожие, ноги которых привели их на морское побережье.
Вся работа проникнута какой-то безысходностью и фатальностью происходящего, что невольно возникает вопрос, какие же сильные эмоции обуревали 20-летним юношей, коим тогда являлся Пабло Пикассо, раз они могли «выливаться» в столь трагические и беспросветные картины?!
Сегодня эта эмоциональную работу можно увидеть в Вашингтоне, в Национальной галерее искусств.
Картина испанского художника Пабло Пикассо «Трагедия» 1903 г. Дерево, масло. 105,4 x 69 см. Национальная галерея искусств, Вашингтон, США
picasso-picasso.ru
Пабло Пикассо «Поцелуй». Описание картины
Картину «Поцелуй» по праву относят к одной из лучших работ позднего периода творчества Пикассо.
Гиперболические лица, слитые в поцелуе… Здесь преувеличено всё – глаза, носы, уши, завитки бороды. В своей необычной манере, далёкой от реализма, мастер смог каким-то непостижимым образом передать и накал страстей, и разные эмоции двух целующихся людей.
Женщина на полотне чувственная, любящая и страстная. С безграничной преданностью и доверием она льнёт к любимому мужчине. Глаза её сведены к переносице – именно столько усилий требуется, чтобы рассмотреть любимые черты.
Мужчина же демонстрирует совсем иные эмоции. Он выглядит отрешённым и застывшим. Его огромные глаза устремлены вдаль, и совсем не ищут преданных глаз женщины.
Удивительный феномен картины состоит в том, что изображённые люди, застигнутые в таком интимном моменте, как поцелуй должны быть очень близки, однако, картина явно демонстрирует между ними непреодолимую огромную дистанцию в эмоциональном плане.
Техника, используемая художником в этой работе, далека от однородности. То ли Пикассо намеренно использовал различные приёмы, то ли такая стилистическая многогранность обусловлена слабым зрением мастера, вынуждающим постоянно вносить коррективы. Какие-то мазки на полотне отличаются точностью и выверенностью, другие же, напротив, – характеризуются поспешностью и «легкостью».
Колорит, на котором остановился художник, также несвойственен позднему Пикассо. Это голубые, синие и серые тона. Словно в конце своей жизни мастер вновь вспомнил о меланхоличном и тоскливом голубом периоде своего творчества ещё в начале художественного пути длиною в жизнь.
Картина при всей своей авангардности – изломанные лица, неправдоподобные пропорции, деформированные линии, чрезвычайно эмоциональна. Ей ни чужда обличительность, но без агрессии, которую можно уловить в более ранних работах Пикассо.
Сейчас картина находится в Париже, в музее Пабло Пикассо, и она неизменно привлекает внимание своим необычным представлением пространства, фигур и демонстрацией человеческих страстей и эмоций. Этот неисчерпаемый интерес, который живёт уже много лет, является очевидным подтверждением самобытности великого мастера изобразительного искусства, Пабло Пикассо.
Пабло Пикассо «Поцелуй» 1969 г. Холст, масло. 97 x 130 см. Музей Пикассо, Париж, Франция
picasso-picasso.ru
Описание картины Пабло Пикассо «Любовники»
Картина создана в 1923 году маслом на холсте.
Пикассо – это гениальный художник, который оставил свое творческое наследие, поражающее свой необычностью. Работы великого художника не встречают аналогов. Понять Пикассо дано далеко не всем. При первом знакомстве с его работами, они шокируют. В мире неоднозначное отношение к его творчеству. Кто-то восхищается и считает Пикассо гением, кто-то не понимает и полностью отрицает его живопись.
Жизнь художника поделена на различные периоды, каждый из которых имеет свое название. Все они влияли на Пикассо и имели отражение в его полотнах.
Картина «Любовники» принадлежит к периоду под названием «классицизм». Он был в жизни художника с 1917 года по 1925 год. Сюжет показывает пару влюбленных. Не известно, возможно, они познакомились и возникла любовь. Возможно, они давно знакомы и у каждого свои семьи. Мужчина с любовью и желанием обнимает девушку. Она скромно опустила взгляд, словно, очень стесняется происходящего.
Примечательный момент в этой картине, то, что пара изображена в привычном для обычных людей образе. Ведь Пикассо написал множество полотен, где люди изменены до неузнаваемости и уродства. Также его не раз обвиняли, в том, что он ненавидит женщин и издевается над ними в своих работах.
Пикассо нарочно искажал лица, фигуры, раз резал тело на геометрические фигуры. Многие исследователи объясняют негативное отношение к женскому полу, тем, что у Пикассо были сложные отношения с его первой женой. Но женщин в его жизни было столько, сколько не было не у кого.
Данная работа показывает нам милые черты лица, как парня, так и его возлюбленной. Пикассо создал картину, когда ему было 41 год. Что повлияло на него в момент создания этого сюжета? Возможно, он снова был влюблен в очередную женщину.
Полотно находится на хранении в Национальной галерее Вашингтона. США.
opisanie-kartin.com
Источник: http://evg-crystal.ru/pikasso-kartiny/pikasso-kartiny-opisanie.html
Искусство поцелуев: самые красивые картины поцелуев
Один из самых знаменитых кинопоцелуев — слияние уст красавчика Ретта Батлера и строптивицы Скарлетт. А вот рекордсмен по количеству поцелуев (191) — драма «Дон Жуан» 1926-го года. Но сегодня мы решили обратиться к картинам и вспомнить предметы искусства, запечатлевшие это таинство.
Самые красивые картины поцелуев
Ну очень экспериментально!
Художник и фотограф, сын эмигрантов-евреев Ман Рэй много экспериментировал. Это, пожалуй, самая странная работа в сегодняшнем рейтинге, ибо выполнена на рентгеновском снимке. Его творение, относящееся в 1922-му году, так и называется — «Поцелуй».
Сюрреалист Рене Маргитт тоже не обошелся без странностей в изображении двух любящих людей. Его творчеству присуща загадка, каковая имеется и на картине «Любовники». Сами видите — головы героев замотаны тканью, словно они — приговоренные к повешению преступники, что не очень-то романтично.
Австрийское золото и французская страсть
К «Золотому периоду» относится «Поцелуй» австрийца Густава Климта, именно в эти годы он создал свои знаменитые шедевры. Посмотрите на эту переливающуюся роскошь одежд и фона — они навеяны византийскими мозаиками, художник впечатлялся ими в Италии.
Частым гостем в монмартрских ночных заведениях был постимпрессионист Анри де Тулуз-Лотрек. Излюбленными персонажами его картин часто становились куртизанки, певички из «Мулен Ружа», собратья по шумным и веселым попойкам. Вот и на полотне «В постели: Поцелуй» запечатлены две девушки, слившиеся в чувственном экстазе.
Авангард и поп-арт
Музой Марка Шагала была первая его жена Белла, ее бездонные черные чуть выпуклые глаза смотрят со многих картин живописца. Он очень тяжело переживал, когда любимая умерла от сепсиса во время Второй мировой. А вот двойной портрет «День рождения» написан задолго до этих страшных событий, в 1915-м. Сколько любви, нежности, экспрессии!
Широкие страстные мазки «Поцелуя» Пабло Пикассо завораживают. А ведь эта работа создана мастером в 85 лет!
Друг Энди Уорхолла американец Рой Лихтенштейн был признанным гением поп-арта. В 1964-м он создал очень характерную (его творческий почерк в ней легко узнаваем) работу «Поцелуй В». Крупные слезы, хлынувшие из глаз женщины, — это признак того, что она рада встрече? Или же это нежное прощание?
Легендарные любовники
На британца Франка Дикси, несомненно, оказали влияние прерафаэлиты, но все же его произведение «Ромео и Джульетта» ближе всех вышеперечисленных к «классике». Шекспировские герои слились в поцелуе, краски полотна так ярки, а жизнь пока улыбается юным веронцам.
Француз Жан-Леон Жером был певцом античности и красот Востока. Стоит ли удивляться, что он изобразил мифологического персонажа — талантливого художника, влюбившегося в свою статую. На картине «Пигмалион и Галатея» мы видим миг, когда камень превращается в теплое женское тело, ведь богиня любви смилостивилась над несчастным и вдохнула жизнь в его творение.
Абстракция против классики
А вот скульптор-абстракционист Константин Бранкузи подходил к изображению человеческого тела по-своему. Что мы и можем наблюдать в его «Поцелуе». Каменные объятия плотны, их не разомкнуть, эти двое — единое целое.
Самым же известным и очень широко тиражируемым (только автором было выполнено несколько копий своего же творения, а потом «в ход» пошли миниатюрные статуэтки) является «Поцелуй» Огюста Родена. Оригинал мастер изготовил из мрамора для Всемирной парижской выставки.
Герои композиции — исторические личности, легендарные Паоло и Франческа, выведенные в качестве героев самим Данте в «Божественной комедии». Они жили в XIII веке в Италии. Франческа была замужем за тираном и малосимпатичной личностью, старшим братом Паоло.
Читая вместе страстные строки о запретной любви рыцаря Ланселота к Гвиневре, супруге его повелителя, короля Артура, женщина и ее деверь внезапно почувствовали взаимное влечение. Они не дочитали произведение — их застал вместе и убил, ослепленный ревностью, муж Франчески Джованни.
Однако Роден изображает влюбленных хоть и обнаженными, но в тот момент, пока их губы еще не соприкоснулись. Значит, грехопадения еще не случилось, и они умерли невиновными.
Источник: https://fancy-journal.com/kulturnaya-zhizn/stil-zhizni/6279-iskusstvo-potseluev-samye-krasivye-kartiny-potseluev
Самые странные картины
Какие-то произведения искусства словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Какие-то — затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а некоторые — удивляют непомерной ценой.
«Странность» — это довольно субъективное понятие, и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства.
Эдвард Мунк «Крик»
1893, картон, масло, темпера, пастель. 91×73,5 см
Национальная галерея, Осло
«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.
«Я шёл по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фиордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.
Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал 4 версии «Крика», и есть версия, что картина эта — плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.
Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?»
1897-1898, холст, масло. 139,1×374,6 см
Музей изящных искусств, Бостон
Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа.
По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством, потому что «Я верю, что это полотно не только превосходит все мои предыдущие, и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще 5 лет, так и получилось.
По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии.
Три женщины с ребёнком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица… представляет бесполезность слов».
Пабло Пикассо «Герника»
1937, холст, масло. 349×776 см
Музей королевы Софии, Мадрид
Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен.
Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.
«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» — «Нет, это сделали вы».
Ян ван Эйк «Портрет четы Арнольфини»
1434, дерево, масло. 81.8×59.7 см
Лондонская национальная галерея, Лондон
Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.
Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», что превратило ее не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реально происходившее событие, на котором присутствовал художник.В России последних лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.
Михаил Врубель «Демон сидящий»
1890, холст, масло. 114×211 см
Третьяковская галерея, Москва
Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Печальный длинноволосый парень совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух.
Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый». Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений.
Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении цветов. Композиция подчёркивает стеснённость фигуры демона, будто бы зажатого между верхней и нижней перекладинами рамы.
Василий Верещагин «Апофеоз войны»
1871, холст, масло. 127×197 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва
Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому что любил их. Наоборот, он пытался передать людям свое негативное отношение к войне.
Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого».
Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны», на которой изображено поле, вороны и гора человеческих черепов.Картина написана так глубоко и эмоционально, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше не увидит.
Сам же Верещагин с печальным сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа».Всe детали картины, в том числе жёлтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчёркивает мёртвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.
Грант Вуд «Американская готика»
1930, масло. 74×62 см
Чикагский институт искусств, Чикаго
«Американская готика»- один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей.
Сердитые лица, вилы прямо по середине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, выставленный локоть, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, а значит и угрозу, которая адресована всем, кто посягнет. Все эти детали можно разглядывать бесконечно и ежиться от неуюта.
Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.
Рене Магритт «Влюбленные»
1928, холст, масло
Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает. Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви.
О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия.
Магритт всё время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.
Марк Шагал «Прогулка»
1917, холст, масло
Государственная Третьяковская Галерея
Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью. «Прогулка» — это автопортрет с супругой Беллой.
Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель.
В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе.
Иероним Босх «Сад земных наслаждений»
1500-1510, дерево, масло. 389×220 см
Прадо, Испания
«Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший своё название по теме центральной части, посвящён греху сладострастия. На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.
Непреходящее очарование и одновременно странность триптиха заключается в том, как художник выражает главную идею через множество деталей.
Картина переполнена прозрачными фигурками, фантастическими сооружениями, чудовищами, обретшими плоть галлюцинациями, адскими карикатурами реальности, на которую он смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом.
Некоторые учёные хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму её тщеты и образы земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстранённость, с которыми трактованы отдельные фигурки, а также благосклонное отношение к этому произведению со стороны церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений.
Густав Климт «Три возраста женщины»
1905, холст, масло. 180×180 см
Национальная галерея современного искусства, Рим
«Три возраста женщины» одновременно и радостна, и печальна. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние. Молодая женщина органично вплетена в орнамент жизни, старая — выделяется из нее.
Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несёт с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — неизменное постоянство и конфликт с реальностью.
Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.
Эгон Шиле «Семья»
1918, холст, масло. 152.5×162.5 см
Галерея «Бельведер», Вена
Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.
«Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то, что это — наименее странно выглядящая его картина. Он нарисовал ее перед самой смертью, после того, как от испанки умерла его беременная жена Эдит.
Он умер в 28 лет спустя всего три дня после Эдит, успев нарисовать ее, себя и их так и нерожденного ребенка.
Фрида Кало «Две Фриды»
1939
История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли.
Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».
Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи её картин зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с Фридой.
Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода.В одной из лучших картин — «Две Фриды» — она выразила мужское и женское начало, соединенные в ней единой кровеносной системой, демонстрирующие ее целостность.
Клод Моне «Мост Ватерлоо. Эффект тумана»
1899, холст, масло
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние.
Сначала перед нами начинают проявляться непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем, мы видим явные очертания лодок и, отойдя на расстояние приблизительно двух метров, перед нами резко прорисовываются и выстраиваются в логическую цепочку все связующие произведения.
Джексон Поллок «Номер 5, 1948»
1948, фибролит, масло. 240×120 см
Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита — самая дорогая картина в мире. В 2006 году на аукционе Сотбис за нее заплатили 140 миллионов долларов.
Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал её мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.«Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких, как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то ещё.
Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живёт своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок.
Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».
Жоан Миро «Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»
1935, медь, масло, 23×32 см
Фонд Жоана Миро, Испания
Хорошее название. И кто бы мог подумать, что это картина говорит нам об ужасах гражданских войн.Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года.
По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании. Миро говорил, что это картина о периоде беспокойства. На картине изображены мужчина и женщина, тянущиеся друг к другу в объятья, но не движущиеся.
Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны как «полные отвращения и гадливой сексуальности».
Яцек Йерка «Эрозия»
Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создавая новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала, и нам пришлось выбрать одну — для иллюстрации его фантазии и мастерства. Рекомендуем ознакомиться подробней .
Билл Стоунхэм «Руки противятся ему»
1972
Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная — это факт.Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда она была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.adme.ru
Источник: https://p-i-f.livejournal.com/3723802.html
Пикассо Пабло
Другие известные художники
Официальные биографы называют Пабло Пикассо самым знаменитым художником ХХ века. Но сказать так, значит не сказать ничего.
Это титан, арт-карьера которого длилась 80 лет! Кроме картин, из-под его рук вышли тысячи скульптур, графических работ, керамических изделий, литографий, поэтических произведений и поделок из самых разных отбросов цивилизации. Он трансформировал искусство так, как никто другой в этом веке.
И по ходу Пикассо изменил жизнь семи неординарных женщин. Он брал их души, впихивал их в свои немыслимые произведения, а своих муз превращал в сумасшедших, разбитых и мертвых…
СТАРТ. Пикассо родился 25 октября 1881 года в испанской Малаге, его отцом был профессор рисования Хосе Руиз. Уже в 10 лет Пабло был маньяком рисования, чем несказанно радовал родителей, которые видели его доктором академического искусства.
Честолюбивый отец устроил первую выставку Пабло, когда тому было 13 лет. С самого детства рядовая фамилия отца не нравилась Пабло, и он использовал девичью фамилию матери, Марии Пикассо.
Через несколько лет это имя знала уже вся Испания — картина «Милосердие» получила премию Мадридской выставки.
Семейная мечта о профессоре классического рисунка разбилась в сопли, когда поступивший в Мадридскую королевскую академию Сан-Фернандо Пабло обозвал всех преподавателей тупыми и стал проводить время не на лекциях, а в кафе и борделях города, изучая настоящую жизнь.
Единственной культурной Меккой юного Пикассо стал музей Прадо, где парень открыл для себя Веласкеса, Эль Греко, Мурильо, Гойу, чьи работы он еще тысячу раз трансформирует в своей длинной жизни. Вскоре вместе с дружком Карлосом Касагемасом Пикассо отправился завоевывать Париж..
.
Пабло Пикассо в молодости
Там родился гениальный «голубой период», названный так по преобладанию в его работах того времени голубого и серого цветов. Темы работ — люди в дэнс-холлах и кафе, столичная жизнь, любовники…
Любовь пока ходит вокруг да около Пикассо, не попадая в его сердце. А друг Карлос сходит с ума по женщине, болеет, пытается убить ее и стреляется сам.
Пабло горюет по другу и окончательно переселяется в Париж, в обшарпанное здание, именуемое «прачечной баржей»…
ЖЕНЩИНА ПЕРВАЯ. В «барже» он и встретил ФЕРНАНДУ ОЛИВЬЕ — свою первую натурщицу и музу. Начинается «розовый период».
Тона — розовый и красный, темы — цирк, в который он таскается каждый день, арлекины, коломбины, бродячие фургоны.
На матрасе, брошенном на пол, будущий мэтр и его натурщица бешено занимались любовью, но Фернанда мечтала о ребенке, о семейном очаге, и Пикассо все реже стал приходить домой…
ЖЕНЩИНА ВТОРАЯ. В 1911 году Пабло отвязывался в кафе «Эрмитаж» с польским художником Маркуссисом и его подружкой Евой Гуэль. Ева сразу же поразила воображение Пикассо, и он за рекордно короткий срок создал картину «Моя красавица», выполненную уже в стиле кубизма.
Ева ответила взаимностью на скрытое признание в любви. У Пикассо был суперрецепт завоевания женских сердец — он их рисовал…
Ева и Пабло отправились путешествовать по Европе и весной 1915 года решили пожениться, но здесь Пабло пережил свое самое серьезное любовное разочарование за всю жизнь — Ева заболела раком и умерла.
Портрет Пикассо, выполненный Хуаном Грисом (1912)
ЖЕНЩИНА ТРЕТЬЯ. Он увидел ее танцующей и счел верхом совершенства. 26-летнюю русскую балерину Ольгу Хохлову он покоряет так же, как и других своих женщин — рисует ее. Они поженились 12 июля 1918 года.
Однако Пикассо недолго пребывал в эйфории — аристократке Ольге очень хотелось, чтобы он забросил своих сомнительных дружков и вел светскую жизнь, а Пикассо такой жизни чурался.
Ольга забеременела и родила 40-летнему мастеру его единственного законного сына Пауло.
ЖЕНЩИНА ЧЕТВЕРТАЯ. В январе 1927 года неподалеку от парижского магазина «Галерея Лафайет» он встретил 17-летнюю девушку, за которой долго шел, а потом остановил и сказал: «Мадемуазель, я Пикассо. Вместе мы сумеем многое сделать». Ее звали МАРИЯ-ТЕРЕЗА УОЛТЕР.
Но она была несовершеннолетней, и Пабло приходилось скрывать от всех свою связь с ней. Он приобрел для Марии-Терезы замок Буагелу, устроил там мастерскую, и она стала его единственной моделью.
Одна из скульптур, сделанных с нее, — «Женщина с вазой» — сегодня стоит на могиле мастера, похороненного в местечке Вовенарг.
В начале 1935 года Мария сообщила, что ждет ребенка. Пабло и рад бы жениться, но для этого он должен был окончательно порвать с Ольгой и лишиться части имущества, да и не желает художник, чтобы его двойная жизнь вскрылась. На его картинах жена Ольга того времени всегда изображена настоящей фурией…
Музей Пикассо в Париже
ЖЕНЩИНА ПЯТАЯ.
В 1936 году Пикассо официально расстался с Ольгой, с Марией-Терезой лишь поддерживает отношения, обеспечивает обеих женщин деньгами и начинает появляться на людях с югославской художницей и фотографом ДОРОЙ МААР, которая стала главным источником его вдохновения в предвоенные годы. Она же сфотографировала различные этапы создания «Герники». Его связь с Дорой длилась до 1946 года.
ЖЕНЩИНА ШЕСТАЯ. В 1943 году Пикассо в парижском ресторане, находившемся напротив его мастерской, познакомился с молоденькой художницей ФРАНСУАЗОЙ ЖИЛО. Живая, энергичная, она покорила Пикассо и очень быстро появилась на его полотнах. Знаменитый художник действительно влюбился в нее. Символом их союза стало создание картины «Женщина-цветок».
Пикассо устроил мастерскую в замке Гримальди и обрел вторую молодость. Франсуаза весьма скоро забеременела и в мае 1947 года подарила любимому сына Клода, а через два года — дочь Палому. В своей скандальной книге «Жизнь с Пикассо» она пишет, что художник постоянно издевался над ней, и когда она заболела, продолжал добивать ее, повторяя: «Ненавижу больных женщин».
ЖЕНЩИНА ПОСЛЕДНЯЯ. ЖАКЛИН РОК обладала изящным профилем, напоминающим сфинкса, в чем можно убедиться, глядя на ее портреты работы Пикассо. Он покупает для нее и для себя виллу в Каннах. А в марте 1961 года почти 80-летний художник тайно женится на 34-летней Жаклин.
Она запретила всем его детям и бывшим женщинам видиться с маэстро — лишь Марии-Терезе было дозволено с ним переписываться. Он был болен, не слышал, не видел, а Жаклин мыла и кормила его… Пикассо умер 7 апреля 1973 года в возрасте 92 лет, оставив после себя около 80 тысяч работ.
Картина Пабло Пикассо «Свидание»
Он не обладал выразительной внешностью, но его «взгляд палача» буквально завораживал.
Думал ли он о тех, кого любил, мучил и обессмертил в своих шедеврах? Фернанда тронулась умом, Еву забрал рак, Ольга сошла с ума и умерла, Мария-Тереза повесилась через 4 года после смерти художника, Дора помешалась, а его последняя жена Жаклин застрелилась через 13 лет после похорон Пикассо.
Его законный сын Паоло спился и умер от цирроза, его другой сын покончил жизнь самоубийством… Уцелела лишь Франсуаза, успевшая вовремя сбежать, а ее дочь Палома вовсю тиражирует отцовскую фамилию на украшениях и духах. Фамилия, сделавшая несчастными многих женщин, приносит ей баснословные деньги…
История жизни Пабло Пикассо
Пабло Пикассо родился в испанском городе Малага. Его отец Хозе Руиз Бласко был искусствоведом и иногда в свободное время любил порисовать. Пикассо практически не получил формального образования в живописи.
Его почти не учили рисовать, поскольку быстро выяснилось, что он значительно талантливее своих учителей. Как только отец Пабло осознал, что его сын гениален, он навсегда перестал заниматься живописью сам, а свои краски и кисти подарил сыну.
В молодости Пикассо особенно вдохновляли улочки Монмартра и работы Тулуз-Лотрека, Ван Гога и Сезанна.
Начиная с 20-летнего возраста Пабло стал подписывать свои творения дивичьей фамилией матери, как того требовал испанский обычай. В 1904 году он переехал в Париж. Там он стал работать вместе с Жоржем Браком. Они открыли новое направление в живописи — кубизм.
В 1936 году началась гражданская война в Испании. Она заставила Пикассо определить свои политические пристрастия.
Разрушение небольшой баскской деревушки гитлеровскими бомбардировками вдохновило его на создание огромной «Герники», которую многие считают вершиной его творчества.
Картины Пабло Пикассо «Девочка на шаре» и «Женщина в рубашке»
Пикассо был необычайно энергичным человеком. Вставал он обычно довольно поздно, встречался днем с друзьями, а потом приступал к работе, которая заканчивалась иногда под утро.
Несмотря на свой маленький рост (158 см), Пикассо, казалось, занимал гораздо больше места из-за своего взрывного темперамента. Он наслаждался богатством и славой. Каждый год он зарабатывал миллионы.
Считается, что за годы своей творческой деятельности Пикассо создал 14000 полотен, 100000 гравюр и эстампов и 34000 книжных иллюстраций.
Когда Пикассо умер в возрасте 91 года на своей вилле во Франции, он оставил недвижимость, которая была оценена в 1,1 миллиарда долларов.
В женщинах Пикассо ценил два качества: красоту и относительную молодость. Обычно до начала сексуальной связи и обязательно после таковой, его жены и любовницы становились еще и его натурщицами.
Фернанда Оливье стала спутницей жизни Пикассо сразу же после того, как он поселился в Париже. Она была молодой зеленоглазой красавицей, с которой Пикассо познакомился около обшарпанного дома на Монмартре, в котором они оба жили.
Она была старше его на 4 месяца. Им обоим было по 23 года, но Пикассо всегда говорил, представляя Фернанду друзьям: «Очень красивая девушка. Старая, правда».
Она позже говорила о нем, что у Пикассо был «магнетизм, которому я просто не могла сопротивляться».
Картина в стиле кубизм Пабло Пикассо «Авиньонские девицы»
Собственно, оказание какого бы то ни было сопротивления было, так или иначе, не в ее стиле.
Она очень любила позировать, особенно в наклонном положении, и не особенно возражала, когда не могла выйти из квартиры на протяжении двух месяцев подряд, поскольку у нее не было туфель, а у Пикассо не было денег, чтобы ей их купить.
Пикассо все же зарабатывал кое-какие деньги, на которые они кое-как перебивались, а в качестве единственного развлечения они всегда использовали секс. Пикассо обожал Фернанду и был страшно ревнив. Позже она заметила: «Пикассо заставлял меня жить как затворницу».
Время от времени беспокойная жизнь Пикассо требовала смены и натурщицы, и источника вдохновения. Марселла Амбер, которую он называл Ева, чтобы, вероятно, убедить ее в том, что она была его первой женщиной, была маленькой, стройной и нежной, в отличие от Фернанды, которая была крепкой, здоровой и шумной.
Не существует ни одного портрета Марселлы кисти Пикассо, поскольку они познакомились в разгар его увлечения кубизмом. Пикассо обессмертил ее другим образом. На нескольких его полотнах есть надпись «радость моя», а на двух полотнах написано: «Я люблю Еву». Марселла Амбер умерла в 1915 году от туберкулеза.
В 1917 году Пикассо упросил съездить в Рим с Жаном Кокто и труппой «Русский балет». Там он создал занавес для готового балета Дягилева «Парад». Во время ночной прогулки по залитым лунным светом улицам Рима, Пикассо обратил внимание на Ольгу Хохлову, одну из танцовщиц труппы.
Ольга была дочерью полковника русской армии. Пикассо понравились ее вкус и манеры, выдававшие в ней человека, получившего воспитание в семье с высоким социальным положением. Его богемный образ жизни умер вместе с Евой; он становился богатым и знаменитым.
Что-то очень испанское и очень буржуазное в его натуре подсказало ему, что он должен остепениться и завести семью.
Картина Пабло Пикассо «Девушка перед зеркалом»
Он свозил Ольгу в Испанию, где представил ее своим родным и друзьям, и нарисовал ее портрет в испанской накидке, после чего женился на ней.
При этом молодожены прошли не только через обязательную гражданскую церемонию заключения брака, но и через соответствующий обряд в русской православной церкви.
После этого супруги поселились в шикарно обставленной и богато украшенной парижской квартире. В их спальне стояли две кровати, что оказалось, как выяснилось позже, дурным предзнаменованием.
Первый сын Пикассо Пауло родился у Ольги в семье, которая уже практически начала распадаться. Его первая дочь Майя родилась в 1935 году у его любовницы и натурщицы Марии-Терезы Уолтер. Пикассо был в восторге. Ольга стала нервной, требовательной и раздражительной.
Пикассо отомстил ей, как мог, нарисовав целую серию портретов, на которых были изображены женщины-чудовища со ссохшейся грудью и преувеличенно огромными половыми органами. Его сексуальная неудовлетворенность выразилась в появлении жестких деформированных женских фигур на его полотнах.
После знакомства с Марией-Терезой женские груди на его полотнах вновь стали круглыми и крепкими, рты начали улыбаться, а фигуры, часто по-прежнему деформированные, стали излучать чувственную радость.
После рождения Майи отношения между ее матерью и Пикассо осложнились, поскольку появилась и родительская ответственность. Пикассо вскоре привлекли темные глаза и серьезное выражение лица Доры Маар, с которой он познакомился в одном из кафе.
Дора сама была фотографом и художником и умела не только рассуждать о творческом процессе, но и делать это на испанском языке. Пикассо был очарован.
Вскоре Дора Маар стала регулярно появляться в его парижской студии, а на полотнах Пикассо возникла женщина с летящими распущенными волосами. Дора стала интеллектуальной и сексуальной спутницей Пикассо.
К несчастью, она часто переживала состояние глубокой депрессии, а ее темперамент был столь же необузданным, как и темперамент самого Пикассо. Существует целая серия картин Пикассо, на которых изображена одна и та же плачущая женщина. Это Дора Маар.
Картина Пабло Пикассо «Голубь мира»
Пикассо исполнилось уже 60. Его сексуальная энергия, тем не менее, била ключом. Очередной любовницей Пикассо стала Франсуаза Жило, молодая художница. Франсуаза была в то время единственной женщиной, которая делила с Пикассо постель.
Она, однако, вскоре обнаружила, что определенную роль в жизни Пабло играют и Ольга, и Мария-Тереза, и Дора Маар. Летние месяцы, которые они проводили на юге Франции, оживлялись присутствием Ольги, которая следовала за ними повсюду, извергая на них потоки брани.
В Париже четверги и воскресенья были днями, когда Пикассо посещал Марию-Терезу и Майю. Если же Пикассо уезжал куда-нибудь с Франсуазой из Парижа, он ежедневно получал от Марии-Терезы письма, в которых она подробно рассказывала о своих с Майей успехах, заботах и трудностях, в особенности, финансовых.
Иногда Пикассо ходил в гости к Доре Маар или приглашал ее на обед. При этом он всегда настаивал, чтобы Франсуаза обязательно сопровождала его во время таких визитов.
Франсуаза Жило была моложе Пикассо почти на 40 лет. Ее отношения с ним были гораздо сложнее, чем у любой из ее предшественниц. Когда Франсуазе переставала нравиться роль, которую она играла, Пикассо приписывал ей простейшее лекарство — беременность.
Франсуаза в результате стала матерью двоих детей: у нее родились сын Клод и дочь Палома. Выяснилось все же, что жизнь с Пикассо оказалась слишком тяжела, и через 7 лет Франсуаза забрала обоих детей и уехала. Пикассо был вне себя от гнева. Он заявил: «Ничто не похоже так на пуделя, как другой пудель.
То же самое можно сказать и о женщинах». Франсуаза позже вышла замуж за доктора Джонаса Салка.
Последней продолжительной связью Пикассо стал его роман с молодой и красивой Жаклин Рок, которая развелась со своим мужем незадолго до их знакомства. Она стала чем-то вроде секретарши и помощницы.
После смерти Ольги в 1955 году Пикассо оказался, наконец, свободным от брачных уз человеком. Он женился на Жаклин в 1961 году.
Жаклин была, конечно, не такой чувственной, как Фернанда, не такой нежной, как Ева, не такой грациозной, как Ольга, не такой роскошной, как Мари-Тереза, и не такой умной, как Дора Маар и не такой талантливой, как Франсуаза.
Пабло Пикассо и Ольга Хохлова
Она, однако, и рассчитывала получить от Пикассо гораздо меньше, чем все ее предшественницы. Она была верной, способной, всегда желающей и пркрасной, как впрочем, и все остальные женщины в жизни Пикассо. В разные времена и с разной степенью страстности он любил их всех.
В его отношениях к ним всегда, впрочем, были и какие-то отголоски гнева и ненависти.
Пьер Кабанн, знаток жизни и творчества Пикассо, указал: «Сексуальные стимулы были основной движущей силой его лирических взлетов; желание, как он сам его видел, было насилием, расчленением, смятением чувств, негодованием, излишеством».
В 1942 году Поль Элюар провел анализ почерка Пикассо. В своем заключении о его характере он написал и такую фразу: «Любит страстно и интенсивно и убивает то, что любит».
Пикассо однажды объявил: «Для меня существует лишь два типа женщин — богини и тряпки для вытирания ног».
Пабло Пикассо с Франсуазой Жило
Источник: http://tunnel.ru/post-pikasso-pablo
Загрузка...
