Описание картины сальвадора дали «перспективы»

Сальвадор Дали об искусстве

Сальвадо́р Дали́ (полное имя Сальвадор Доме́нек Фелип Жасинт Дали и Доме́нек, маркиз де Дали де Пу́боль) родился в Испании 11 мая 1904 года в городе Фигерасе, провинция Жирона, в семье зажиточного нотариуса. По национальности был каталонцем, воспринимал себя в этом качестве и настаивал на этой своей особенности.

Сальвадор Дали — человек, который стал одной из самых одиозных и эксцентричных фигур XX века. Он дожил до преклонного возраста, до 85 лет, став современником многих изменений в искусстве и обществе. А часто — и причиной этих изменений.

«Сюрреализм — это Я!» — знаменитая фраза 1936 года, брошенная Дали после ссоры и исключения из группы сюрреалистов, сегодня уже не кажется слишком самонадеянной. Живописец и график, скульптор и режиссер, один из самых ярких и известных сюрреалистов, Сальвадор Дали создавал резонанс во всех областях искусства, где начинал свою деятельность.

Подобно фокуснику, он жонглировал образами, создавая причудливые и часто шокирующие их переплетения. Картины Сальвадора Дали до сих пор поражают современников неповторимой реалистичностью продуманных сюжетов.

Работы Дали выглядят современными и сегодня: вы можете убедиться в этом, просмотрев отрывок его знаменитого фильма «Андалузский пес» или внимательно рассмотрев упаковку леденцов на палочке «Чупа-чупс», которую он нарисовал за полчаса, когда к нему обратился владелец конфетной фабрики Энрике Бернат.

Жизнь и мировоззрение Дали окутаны невидимой завесой тайны — хотя он и вел публичную жизнь.

Книга «Тайная жизнь Сальвадора Дали, написанная им самим», изданная в 1944 году, показывает читателю мир глазами мастера. А книга «Дневник одного гения», со своей шокирующей откровенностью, спровоцировал в обществе новый виток скандалов вокруг Дали.

На фотографиях Дали предстает перед нами королем эпатажа. Его усы, которые ни с чем не спутаешь, — достойное дополнение и без того колоритного образа.

Мы собрали наиболее яркие и интересные высказывания великого гения об искусстве и окружающей его, по мнению Дали, иллюзорной действительности.

«Предел тупости — рисовать яблоко как оно есть. Нарисуй хотя бы червяка, истерзанного любовью, и пляшущую лангусту с кастаньетами, а над яблоком пускай запорхают слоны, и ты сам увидишь, что яблоко здесь лишнее.»

«Я до неприличия люблю жизнь.»

«Увидел — и запало в душу, и через кисть проявилось на холст. Это живопись. И то же самое — любовь.»

«Искусством я выправляю себя и заражаю нормальных людей.

«— Это очень трудно — писать картины?— Это либо легко, либо невозможно.»

«Если вы отказываетесь изучать анатомию, искусство рисунка и перспективы, математические законы эстетики и колористику, то позвольте вам заметить, что это скорее признак лени, чем гениальности.»

«Я только тем и занимаюсь, что порчу свои картины. И потом говорю «сделал, что хотел».»

«Я бы не купил ни одну из своих картин.»

«Произведение искусства не пробуждает во мне никаких чувств. Глядя на шедевр, я прихожу в экстаз от того, чему могу научиться. Мне и в голову не приходит растекаться в умилении.»

«От скульптуры мы вправе требовать как минимум одного — чтоб она не шевелилась.»

«Моя живопись — это жизнь и пища, плоть и кровь. Не ищите в ней ни ума, ни чувства.»

«Сюрреализм — не партия, не ярлык, а единственное в своем роде состояние духа, не скованное ни лозунгами, ни моралью. Сюрреализм — полная свобода человеческого существа и право его грезить. Я не сюрреалист, я — сюрреализм.»

«Искусство — ужасная болезнь, но жить без неё пока нельзя.»

«Нужно было возвращаться к традиции и в живописи, и во всем остальном. Все прочие пути ведут в тупик. Люди и так уже разучились рисовать, писать, слагать стихи. Искусство неуклонно сползает все ниже и ниже и становится все однообразнее, ибо ориентируется на единые международные образцы. Уродливо и бесформенно — вот главные характеристики такого искусства, вот симптомы недуга.»

«Живопись — это сделанная рукой цветная фотография всех возможных, сверхизысканных, необычных, сверх эстетических образцов конкретной иррациональности.»

«Меня совершенно не трогает, что пишут критики. Я-то знаю, что в глубине души они любят мои работы, но признаться боятся.»

«У лени шедевров нет!»

«Сам я, когда пишу, не понимаю, какой смысл заключен в моей картине. Не подумайте, однако, что она лишена смысла! Просто он так глубок, так сложен, ненарочит и прихотлив, что ускользает от обычного логического восприятия.»

Источник: http://PentelPen.ru/news/salvador-dali-ob-iskusstve/

Сальвадор Дали. Сюрреалист и классик в Музее Фаберже

Когда: 1 апреля  2 июля

Где: Музей Фаберже, Санкт-Петербург

«Сюрреализм — это я», — этой знаменитой фразой Дали в 1936 году порвал с Андре Бретоном и сюрреалистами, став еще при жизни олицетворением этого течения в искусстве. «Жадный до долларов», он превратил свое имя в бренд, став своеобразной поп-звездой от живописи.

Работы Дали регулярно выставляют в крупнейших музеях мира, показывая испанского мастера то как живописца, то в роли иллюстратора модных журналов. На этот раз выставка Дали пройдет в Музее Фаберже в Санкт-Петербурге.

В первую очередь она посвящена тому, как Дали осваивал наследие итальянских художников эпохи Возрождения. Кураторами выставки стали Монсе Агер, директор Музеев Дали фонда «Гала — Сальвадор Дали», и Томас Клемент Саломон, научный сотрудник компании Мондо Мостре.

Они поделились с нами тем, как проходила работа над концепцией и созданием экспозиции в Музее Фаберже.

«Выставка не имеет ничего общего с предыдущими проектами, мы хотели показать позднее наследие Дали и углубиться в важный иконографический элемент — пейзаж. В то же время мы хотели представить Дали в совершенно новом ключе, слабого и больного, но не потерявшего желание творить». 

Сальвадор Дали, «Пейзаж с загадочными элементами», 1934

Итальянская тема в творчестве Дали впервые была рассмотрена на выставке, проходившей в начале этого года в Палаццо Блу в Пизе.

На вопрос, что объединяет две выставки, Монсе Агер отвечает: «Сама идея объединяла оба проекта, однако в Санкт-Петербурге мы хотели подчеркнуть сюрреалистический период и присутствие пейзажа во всей его художественной карьере».

Разговор именно об этом жанре не случаен — на выставке будет представлен «Пейзаж с загадочными элементами», приобретенный фондом в 2011 году у частного коллекционера.

В отличие от других работ, где художник запечатлел каталонскую долину Ампурдан, здесь Дали обращается к работе Яна Вермеера «Искусство живописи», более известной как «Мастерская художника».

Переосмысление искусства старых мастеров было для Дали так же нормально, как писать свои собственные картины, — среди подобных работ можно назвать и «Капричос» Гойи, и «Пьету» Микеланджело, и иллюстрации к «Божественной комедии» Данте. Но почему так важен именно Вермеер? Агер отвечает на этот вопрос цитатой из книги самого художника «50 магических секретов мастерства», где он прямо заявляет, что готов лишиться левой руки, только бы увидеть Вермеера на десять минут за мольбертом.

«Дали считал Вермеера одним из величайших мастеров, он превозносил его мастерство, вдохновение, рисунок, цвет и достоверность его работ». 

Сальвадор Дали, «По мотивам Головы Джулиано Медичи Микеланджело» 

Источник: https://www.buro247.ru/culture/arts/29-mar-2017-salvador-dali-in-faberge.html

Странности картин

Порой мы видим на картинах то, чего не может быть в действительности, каким бы правдоподобным ни казалось изображение. Это происходит, когда художники допускают ошибки, связанные с нарушением законов геометрии.

В одних случаях несоответствия бросаются в глаза, в других вовсе незаметны, но вызывают у нас ощущение чего-то необычного и даже странного. Подобные неточности бывают как случайными, так и допущенными намеренно — с целью привлечь внимание или поразить воображение зрителя.

Леонардо да Винчи. Поклонение волхвов. Эскиз. 1481 год.

Мауриц Эшер. Бельведер. Литография. 1958 год.

Леонардо да Винчи. Благовещение. Около 1472—1475 годов.

Жос де Мэй. Натюрморт в окне. 1997 год.

Ван Дейк. Портрет знатной генуэзской дамы и её сына. 1626 год.

Джованни Беллини. Ужин в Эммаусе. 1490-е годы.

Джорджо де Кирико. Пророк. 1915 год.

Рене Магритт. Портрет Эдварда Джеймса. 1937 год.

Сальвадор Дали. Лебеди, отражённые в слонах. 1937 год.

Дирк Баутс. Христос в доме Симона. 1440 год.

Загадка Леонардо

Перед вами эскиз картины «Покло-нение волхвов» Леонардо да Винчи (1452—1519). Как признают специалисты в области живописи, знаменитый итальянский художник эпохи Возрождения превосходно владел приёмами построения линейной перспективы.

В самом деле, набросок заднего плана выверен с математической точностью — взгляд скользит по прямым линиям, устремляющимся к центральной точке схода*, и фиксируется на ней. Но приглядитесь к колоннам у левого края рисунка. Ничего странного не замечаете? Колонны изображены с нарушением той самой перспективы, которая так восхищает в рисунке Леонардо.

Колонна, что опирается на ступеньку, изображена сразу на двух планах: переднем (у основания) и зад-нем (на уровне капители). Да и вторая колонна стоит явно не на месте.

Истинная причина «ошибки», допущенной художником, так и останется для нас загадкой. В то время уже сложившийся мастер, Леонардо вряд ли допустил просчёт по неведению, тем более что налицо «отвлекающий манёвр» — взгляд зрителя волей-неволей сосредотачивается в центре картины.

Другое дело — работа начинающего художника, вчерашнего ученика. Взгляните на «Благовещение», самую раннюю из известных картин Леонардо да Винчи. На ней допущено несколько ошибок. Наиболее явная — рука Девы Марии не может достать книгу, лежащую на аналое: он стоит ближе к зрителю, чем к самой Деве. Как следствие — её правая рука длиннее левой, пропорции фигуры нарушены.

Нереальные объекты

Невозможную фигуру, или геометрически противоречивое изображение, подобное колоннам на эскизе Леонардо, представляет собой конструкция на знаменитой литографии «Бельведер» голландского художника-графика Маурица Эшера (1898—1972).

По этой картине, написанной почти через 500 лет после «Поклонения волхвов», можно судить о направлении имп-арт (от английского impossible — невозможный и art — искусство) в так называемом оптическом искусстве — оп-арте, которое представляет её автор.

Вариации на эту же тему встречаются в работах и других современных художников, создающих парадоксальные объекты, которые кажутся реальными, однако не могут существовать в действительности.

Изображая различные предметы, авторы намеренно нарушают законы геометрии и добиваются тем самым неожиданных визуальных эффектов — создают поразительные оптические иллюзии. Вот лишь один пример — «Натюрморт в окне» бельгийского художника и дизайнера Жоса де Мэя (1928—2007).

На картине верхняя и нижняя половины «оконной рамы», если рассматривать их по отдельности, выглядят как нормальные, но соединённые вместе образуют невозможный объект. Дело в том, что они показаны с различных точек, в разной перспективе, и это приводит к неверному расположению одной части относительно другой.

Нарушая соразмерность

А вот «Портрет знатной генуэзской дамы и её сына» кисти знаменитого фламандского портретиста Антониса ван Дейка (1599—1641). Герои картины производят совершенно разное впечатление. Из-за сильной диспропорции женщина выглядит нереально.

У неё огромный для человека рост, несоразмерно маленькая голова и, судя по положению рук и ног, проблемы с телосложением. Кажется, что портрет дамы собран по частям, и они плохо подогнаны одна к другой.

В фигуре мальчика ничего подобного не наблюдается, она воспринимается совершенно естественно.

Стоит или падает?

Наиболее частые ошибки в произведениях живописи — нарушение перспективы и пропорций. Но глаз замечает и другие неточности. Например, на картине «Ужин в Эммаусе», написанной предположительно итальянцем Джованни Беллини (около 1430—1516), сцена трапезы выглядит очень реалистично.

Тщательно прорисованы позы, лица и одеяния людей, детали интерьера, еда и посуда. А вот ножки стола явно не на месте. Через их концы, как верхние — со стороны столешницы, так и нижние — упирающиеся в пол, можно мысленно провести прямые линии, которые окажутся параллельны одна другой.

Это значит, что все ножки расположены в одной плоскости. Такой стол крайне неустойчив, он упадёт при первой же попытке поставить его на пол.

Следовало бы развернуть пары ножек (достаточно одну, а лучше сразу обе — из соображений симметрии конструкции) в пространстве, скажем на 90о, чтобы они располагались в параллельных плоскостях.

Любопытно, что эта ошибка встречается и на полотнах других живописцев, например в картине «Пророк» Джорджо де Кирико (1888—1978), одного из предшественников сюрреалистов. Хотя тут всё зависит от нашей договорённости. Если сочтём, что мольберт падает, то художник не ошибся, а если решим, что мольберт твёрдо стоит на полу, то это такой же вымысел автора, как и всё изображение.

Запрещённое изображение

Пример «ошибки» иного рода, свидетельствующий об оригинальном авторском замысле, — знаменитая картина-загадка «Портрет Эдварда Джеймса» бельгийского художника-сюрреалиста Рене Магритта (1898—1967). У полотна есть и другое название — «Воспроизведение запрещено».

Герой картины — известный в своё время английский коллекционер и меценат, друг и покровитель Магритта — смотрит на себя в зеркало, но, вопреки закону отражения (симметрии относительно плоскости), вместо лица видит свой затылок.

С точки зрения геометрии это невозможно, значит, такое «воспроизведение» действительно запрещено. Правда, это касается только героя портрета: и каминная полка, и лежащая на ней книга отражаются в зеркале правильно. Ошибка допущена Магриттом, конечно, намеренно.

Это в его стиле — сочетать в своих работах вещи, в реальности не сочетаемые, изображать персонажей со спины, закрывать или заменять их лица различными предметами.

Два в одном

Интересна для изучения и картина-перевёртыш Сальвадора Дали (1904—1989) «Лебеди, отражённые в слонах», в которой мы также сталкиваемся с нарушениями законов симметрии. С одной стороны, лебеди на воде — самостоятельная часть картины, а с другой — они словно срослись с деревьями.

Самое удивительное, что их отражение в воде — это не лебеди, а фигуры слонов, стоящих на земле. Перевернём картину «вверх ногами» и увидим лебедей, которые, отразившись «в обратную сторону», вновь превращаются в слонов.

С точки зрения геометрии такое взаимно обратное превращение объектов объясняется проявлением закона зеркальной симметрии. Но присмотритесь к группе лебедей. Три птицы отражаются в воде правильно, а четвёртая, будто завалившаяся набок, нет.

Не потому ли, что по замыслу автора этот лебедь отражается в другой зеркальной плоскости и она расположена под углом к первой? В реальности такое, конечно, было бы невозможно, а в воображении художника-сюрреалиста вполне.

Читайте также:  Описание картины тициана «венера и адонис»

Напоследок ещё одна картина-загадка. Перед вами полотно «Христос в доме Симона» нидерландского живописца Дирка Баутса (около 1410—1475). Она написана на библейский сюжет — помазание Христа женщиной при посещении им дома Симона**.

На полотне есть несколько заметных глазу ошибок и несоответствий. Попробуйте отыскать нарушения в изображении фигур и предметов, делающие картину больше похожей на коллаж. На ней также есть деталь, лишняя с точки зрения геометрии.

Какая именно?

(Ответ в следующем номере.)

Источник: https://www.nkj.ru/archive/articles/20410/

10 самых известных художников. От Леонардо до Дали

Их имена, как знак качества. Они знакомы даже тем, кто бесконечно далёк от мира искусства. Каждый из них был особым явлением своего времени.

Кому-то выпала роль первооткрывателя, кто-то манит своей загадочностью, кто-то удивляет реалистичностью – такие разные, но неповторимые.

Эти художники превратились в символ эпохи, страны, стиля.

Леонардо да Винчи. Великий и могучий

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 г. Королевская библиотека в Турине, Италия

Работы этого художника, изобретателя, музыканта, анатома и вообще «универсального человека» удивляют нас до сих пор.

Благодаря его картинам мировая живопись вышла на новый качественный уровень. Он двигался в сторону реализма, постигая законы перспективы и разбираясь в анатомическом строении человека.

Леонардо да Винчи. Витрувианский человек. 1490 г. Галерея Академии, Венеция

Идеальные пропорции он изобразил в рисунке «Витрувианский человек». Сегодня он считается одновременно и художественным шедевром, и научным трудом.

Самая же узнаваемая работа гения – «Мона Лиза».

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503-1519 гг. Лувр, Париж

Здесь мы можем увидеть главное достижение Леонардо в живописи. Сфумато, то есть размытую линию и наложенные тени в виде дымки. Отсюда такой живой образ. И ощущение, что Мона Лиза сейчас заговорит.

Сегодня имя загадочной Джоконды жестоко истреплено карикатурами и интернет-мемами. Но от этого она не стала менее прекрасной.

О работах мастера читайте в статье “5 шедевров Леонардо да Винчи”.

Также читайте о недавно найденном шедевре мастера в статье «Спаситель мира» Леонардо. 5 интересных деталей картины».

Иероним Босх. Загадочный и таинственный

Жак ле Бук. Портрет Иеронима Босха. 1550 г.

Полулюди-полумутанты, громадные птицы и рыбы, невиданные растения и толпы обнаженных грешников… Всё это перемешано и сплетено в многофигурные композиции.

Иероним Босх очень узнаваем. И самая известная его работа – триптих «Сад земных наслаждений».

Иероним Босх. Сад земных наслаждений. Фрагмент. 1505-1510 гг. Музей Прадо, Москва

Нет другого такого художника, который использовал бы столь много деталей для выражения идей. Каких идей? На этот счёт нет единого мнения. Босху посвящали диссертации и книги, искали толкования его персонажей, но к какому-то одному мнению так и не пришли.

У “Сада земных наслаждений” правая створка посвящена Аду. Здесь мастер ставил своей целью напугать и крестьянина, и образованного современника гнетущими видениями, ожидающими после смерти. Что ж… Босху это удалось. Даже нам чуток не по себе…

Иероним Босх. Сад земных наслаждений. Правая створка триптиха “Ад”. 1505-1510 гг. Музей Прадо, Мадрид.

Но Босх эволюционировал в течение своего творческого пути. И к концу жизни многофигурные, масштабные работы сменились очень близким приближением к героям. Так что они еле влезают “в кадр”. Такова работа “Несение креста”.

Иероним Босх. Несение креста. 1515-1516 гг. Музей изящных искусств, Гент, Бельгия. Wga.hu

Вне зависимости от того, рассматривает Босх своих героев издалека или вблизи, его посыл один. Показать людские пороки. И достучаться до нас. Помочь нам спасти наши души.

О мастере читайте также в статье “5 шедевров Иеронима Босха”.

Рафаэль. Тонкий и вдохновенный

Рафаэль. Автопортрет. 1506 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия

Самый знаменитый представитель Эпохи Возрождения поражает гармоничными композициями и лиризмом. Написать красивых людей не так сложно, как грамотно разместить их на полотне. Вот в этом Рафаэль был виртуозом.

Пожалуй, ни один мастер в мире так не влиял на своих коллег, как это удалось Рафаэлю. Его манеру письма будут нещадно эксплуатировать. Его герои будут кочевать из одного столетия в другое. И потеряют свою актуальность лишь в начале 20 века. В век модернизма и авангарда.

Вспоминая Рафаэля, мы в первую очередь думаем о его прекрасных Мадоннах. За свою недолгую жизнь (38 лет) он создал 20 картин с ее изображением. И ни разу не повторился.

Рафаэль. Сикстинская Мадонна. 1513 г. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия

Самая известная – «Сикстинская Мадонна».  Мы видим не сухую иконографическую героиню, а нежную мать, полную достоинства и душевной чистоты.

А только взгляните на озорных ангелочков! Такое правдивое изображение детской непосредственности, полное очарования.

Самым дорогим произведением Рафаэля стал на удивление эскиз «Голова молодого апостола». Он был продан на аукционе «Сотбис» за 48 млн. долларов.

Рафаэль. Эскиз “Голова молодого апостола”. 1519 г. Частная коллекция

Итальянский живописец, которого ценили современники за мягкость и естественность, сегодня воистину бесценен.

О мастере читайте в статье “Мадонны Рафаэля. 5 самых прекрасных лиц”.

Рембрандт. Реальный и поэтичный

Рембрандт. Автопортрет в возрасте 63 лет. 1669 г. Национальная Лондонская галерея

Рембрандт изображал мир таким, какой он был. Без прикрас и лакировок. Но получалось у него это очень душевно.

На полотнах Рембрандта – полумрак, из которого, подсвеченные золотым светом, выступают фигуры. Красивые в своей естественности. Именно такие герои его картины “Еврейская невеста”.

Рембрандт. Еврейская невеста. 1662 г. Рейксмузеум, Амстердам

Судьба величайшего голландского живописца похожа на трамплин – из неизвестности вознестись до богатства и популярности, чтобы потом низвергнуться вниз и умереть в нищете.

Он не был понят современниками. Которые предпочитали красивые бытовые сценки с милыми, тщательно прописанными деталями. Рембрандт же писал человеческие чувства и переживания, что было совсем не модно.

Рембрандт. Возвращение блудного сына. 1668 г. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Arthistory.ru

Это большое чудо, что самые известные работы, такие как «Возвращения блудного сына», находятся в России, в Эрмитаже. Куда можно прийти, чтобы полюбоваться, понять, почувствовать.

О картине читайте в статье “Возвращение блудного сына” Рембрандта. Почему это шедевр?”

Гойя. Глубокий и смелый

Висенте Лопес Портанья. Портрет Франсиско Гойи. 1819 г. Музей Прадо, Мадрид.

Гойя начал свой творческий путь с юношеской пылкостью и идеализмом. Даже стал придворным художником при испанском дворе. Но вскоре пресытился жизнью, увидев алчность мира, тупость, ханжество.

Франсиско Гойя. Портрет семьи Карла IV. 1800 г. Музей Прадо, Мадрид.

Только взгляните на его групповой «Портрет королевской семьи», где Гойя даже не пытался сгладить пустые выражения лиц и отталкивающее высокомерие монаршего семейства.

Гойя создал множество полотен, отображающих его гражданскую и человеческую позицию. И мир знает его прежде всего как смелого художника-правдолюба.

Доказательством может служить просто невероятное произведение «Сатурн, пожирающий своего сына».

Франсиско Гойя. Сатурн, пожирающий своего сына. 1819-1823 гг. Музей Прадо, Мадрид

Это хладнокровное, максимально честное толкование мифологического сюжета. Именно так должен был выглядеть спятивший Кронос. Который до смерти перепуган тем, что может быть свергнут своими детьми.

Иван Айвазовский. Грандиозный и преданный морю

Иван Айвазовский. Автопортрет. 1874 г. Галерея Уфицци, Флоренция

Айвазовский по праву находится в рейтинге самых известных художников. Его «Девятый вал» поражает своим масштабом.

Иван Айвазовский. Девятый вал. 1850 г. Русский музей, Санкт-Петербург. Wikipedia.org

Величие стихии, безысходность. Сможет ли спастись горстка моряков, выживших после шторма? Утреннее солнце своими тёплыми лучами будто дарит едва уловимую надежду.

Айвазовского можно назвать самым главным маринистом всех времён. Никто не писал характер морской стихии так разнообразно. Никто не изображал столько морских сражений и кораблекрушений.

Иван Айвазовский. Чесменский бой. 1848 г. Картинная галерея им. И.К. Айвазовского, Феодосия

При этом Айвазовский был и документалистом, досконально изображая корабельную оснастку. И немного фантазером. Ведь на самом деле Девятый Вал написан неправильно – в открытом море волна никогда не загибается “фартуком”. Но для пущей зрелищности Айвазовский написал ее именно такой.

О работах мастера читайте также в статье “Картины Айвазовского. 7 морских шедевров, 3 льва и Пушкин”.

Клод Моне. Красочный и воздушный

Клод Моне. Автопортрет в берете. 1886 г. Частная коллекция

Моне считается самым ярким представителем импрессионизма. Он всю свою долгую жизнь был предан этому стилю. Когда главные герои – свет и цвет, линии исчезают, а тени вполне могут быть голубыми.

Его «Руанский собор» показывает, как изменяется предмет, если глядеть на него сквозь солнечные лучи. Собор трепещет, живёт в лучах.

Клод Моне. Руанский собор. Закат. 1892-1894 гг. Музей Мармоттан-Моне, Париж

Моне много экспериментировал с мазками, чтобы передать не столько натуру, сколько впечатления от неё. И именно в этом он видел правду. Зачем фотографически повторять пейзаж или предмет?

В последние годы старый художник писал свой сад. Мы тоже можем взглянуть на один из самых живописных уголков этого сада на картине “Белые кувшинки”. Она хранится в Пушкинском музее в Москве.

Клод Моне. Белые кувшинки. 1899 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки, 19-20 вв.), г. Москва

Винсент Ван Гог. Сумасшедший и сочувствующий

Винсент Ван Гог. Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой. Январь 1889 г. Цюрих Кунстхаус музей, Частная коллекция Ниархоса. Wikipedia.org

Он не только поскандалил с Гогеном и отрезал себя мочку уха. Ван Гог – гениальный художник, оценённый только после своей смерти.

Он был человеком, не ведающим таких понятий, как “золотая середина” и компромисс. Когда он был пастырем, то отдавал последнюю рубашку бедняку. Когда стал художником, то работал сутки напролёт, забывая о еде и сне. Вот почему за 10 лет он создал такое колоссальное наследие (800 картин и 2 тысячи рисунков).

Сначала картины Ван Гога были мрачными. В них он выражал безграничное сочувствие к бедным людям. И первым его шедевром была именно такая работа – «Едоки картофеля».

На ней мы видим уставших от тяжкого и монотонного труда людей. Настолько уставших, что они сами стали похожи на картошку. Да, Ван Гог не был реалистом и гипертрофировал черты людей, чтобы передать суть.

Винсент Ван Гог. Едоки картофеля. 1885 г. Музей Ван Гога, Амстердам

Но зрители любят Ван Гога за яркие чистые цвета. Его картины стали красочными после знакомства с импрессионистами. С тех пор он написал немало букетов, летних полей и цветущих деревьев.

Никто до Ван Гога так не выражал свои эмоции и чувства с помощью цвета. А вот после него – многие. Ведь именно он – главный вдохновитель всех экспрессионистов.

Даже удивительно, как мастер, пребывающий в глубокой депрессии, которая приведёт его к самоубийству, написал такое жизнерадостное произведение как «Подсолнухи».

Винсент Ван Гог. Подсолнухи. 1888 г. Национальная галерея Лондона.

О мастере читайте также в статье “5 шедевров Ван Гога”.

Пабло Пикассо. Разный и ищущий

Пабло Пикассо. Автопортрет. 1907 г. Национальная галерея Праги

Этот известный ловелас прославился не только частой сменой муз, но и частой сменой художественных направлений. В начале 20 века он создал немало работ в “африканском стиле”, когда вместо лиц он рисовал маски экзотических племён. Потом был кубизм, а ещё абстракционизм и сюрреализм.

Пабло Пикассо. Герника. 1937 г. Центр искусств королевы Софии

Вершиной его творчества можно назвать эмоциональную «Гернику», посвящённую разрушенному войной городу. Символ страдания и варварства.

Именно Пикассо придумал соединять в портретах анфас и профиль, разбивать предметы на простые фигуры, собирая в удивительные формы.

Он изменил весь ландшафт изобразительного искусства, обогатив его революционными идеями. Разве мог кто-то до Пикассо так написать портрет знаменитого мецената Амбруаза Воллара?

Пабло Пикассо. Портрет Амбруаза Воллара. 1910 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва

Сальвадор Дали. Эпатажный и беспощадный

Вилли Риццо. Сальвадор Дали, лупы. 1949 г. Франция

Кто он? Сумасшедший художник, фрик своего времени или грамотный пиарщик? Сальвадор Дали со своим сюрреализмом наделал много шума.

Самое известное его полотно – «Постоянство памяти», где автор постарался показать уход от линейного времени.

Сальвадор Дали. Постоянство времени. 1931 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)

Но были в его работах и очень глубокие темы, например, война и разрушение. Были и весьма интимные. Иногда Дали в своем стремлении удивлять заходил слишком далеко.

Однажды на одной из своих картин на выставке художник написал чернилами “Иногда я с наслаждением плюю на портрет моей матери”. После этой выходки отец Дали не разговаривал с ним несколько лет.

Но нам он запомнился ещё и бесконечной любовью к своей музе, жене Гале. Ее можно увидеть на многих его картинах. Даже в образе Мадонны.

Да-да, Дали был верующим человеком. Правда стал он им уже будучи зрелым человек, под влиянием событий Второй Мировой войны.

Сальвадор Дали. Мадонна Порт-Льигата. 1950 г. Собрание Минами Гроуп, Токио

Дали – это сплошной эпатаж. Он придумал такси, в котором всегда идёт дождь и смокинг-афродизиак с подвешенными рюмочками с ликёром. Вполне достаточно, чтобы навсегда остаться в истории искусства.

Подведем итог

На свете жили тысячи художников. Но лишь единицы смогли стать знаменитыми настолько, что их знает почти каждый житель Земли.

Кто-то из них жил 500 лет назад, как Леонардо, Рафаэль и Босх. А кто-то творил в 20 веке, как Пикассо и Дали.

Что их всех объединяет? Они все, каждый по-своему, меняли то время, в котором жили. Как сказал искусствовед Александр Степанов, лишь посредственный художник живет в ногу со своим временем.

Ждём следующего гения такого же масштаба. Может, он уже творит прямо сейчас. Джефф Кунс? Дэмьен Херст? А может, дуэт художников Recycle group? Как думаете?..

Джефф Кунс. “Надувная собачка” на выставке в Версале в 2008 г.

Для тех, кто не хочет пропустить самое интересное о художниках и картинах. Оставьте свой e-mail (в форме под текстом), и Вы первыми будете узнавать о новых статьях в моем блоге.

Источник: https://arts-dnevnik.ru/izvestnye-hudozhniki/

Книга «Дневник одного гения»

Давненько книга не сподвигала меня к бурной умственной деятельности =0) Сальвадор он на то и есть Salvador, чтобы спасать людские души от духовной лени!

Читайте также:  Описание советского плаката «не болтай!»

Конкретно мое издание — изд. Искусство 1991г. — весьма удачное, в нем есть все, что необходимо для адекватного восприятия откровений Дали, а именно — пространные предисловия А.

Якимовича с экскурсом в биографию Дали и подробные объяснения на пальцах, что такое дадизм, сюрреализм, а главное — фрейдизм и ницшеанство, без которых не было бы ни сюрреализма, ни Сальвадора Дали. Еще тут есть иллюстрации с репродукциями не только самого Дали, но и др. сюрреалистов/дадаистов.

И Приложения: Трактат о пУках, Похвала мухам, Сравнительная таблица ценностей в соответствии с далианским анализом, в которой сравниваются таланты и гении художников разных эпох, и еще много вкусного =0)

В качестве аннотации: Дневник Дали не имеет самостоятельной литературной ценности, но является ценным лишь как часть САЛЬВАДОРА ДАЛИ. А Сальвадор — это больше, чем человек, чем человек-художник, даже больше, чем сумма всех его произведений.

Поэтому чтение Дневника категорически противопоказано тем, кто о Дали знает лишь то, что «был такой художник, который нарисовал расплавленные часы и горящего жирафа».

Людям без чувства юмора и думающим, что «тролль» — это такой скандинавский мифический зверь, чтение Дневника противопоказано вдвойне.

Сам Дневник совсем небольшой, всего-навсего 124 стр.
124 страницы, вдумайтесь! =0) 124 страницы, а порождает настоящее цунами мыслей, идей, вопросов, согласий-несогласий, догадок, озарений…

Трудно привлечь к себе внимание даже ненадолго. А я предавался этому занятию всякий день и час.

Наверное, самое первое и общее, что можно сказать о Дневнике как о книге, это то, что серьезно кого-то эпатировать и/или оскорбить она могла лет 50 назад (впервые издан в 1964), а сейчас такой прозой разве что домохозяек и прочих буржуа пугать =0))

На самом деле, если любой из нас поимеет смелость озвучить хоть часть своих мыслей, мимолетных желаний и образов, ассоциаций, которые приходят в голову — получилось бы точно так же, как и у Дали в его Дневнике.

Разница лишь в масштабе и контексте: если обычного человека странные мысли и «сопряжения идей далековатых» посещают иногда и изредка, то Дали все свое мышление перепрограммировал на ежеминутное производство парадоксов, изнаночных символических смыслов, диких метафор и всякого рода оксюморонов.

Впечатление второе — при всей его сделанности Дневник производит иллюзию безыскусности, импровизации. Одним происшествиям уделяется много места-текста, другие намечены пунктиром, то записи несколько дней подряд, то выпущены целые месяца и года. Впрочем, когда пропущен целый год, автор приписывает кокетливые примечания типа «чем занимался, расскажу потом» =0)

А теперь о главном =0)

Художник думает рисунком.

Основа творчества и жизненной философии — 1) фрейдизм (подсознательное имеет над человеком больше власти, чем сознательное; чтобы жить счастливо, надо выпустить наружу все иррациональное) и 2) ницшеанство (полная свобода от каких бы то ни было социальных, морально-этических, исторических рамок, концепция сверхчеловека).

Посему иметь хотя бы поверхностное представление об эпохе (после Первой мировой — начало и становление творчества), о предшественниках (дадизм), об идейно-философском фоне (пресловутые фрейдизм и ницшеанство), о коллегах по цеху и влияниях (Пикассо, например). В предисловиях Якимовича это есть, кому интересно — в Сети есть куча сайтов, посвященных Дали и его творчеству, в том числе с некоторой спискотой.

Без вышеозначенного ликбеза Дневник и открывать нечего, я настаиваю.

Я до неприличия люблю жизнь.

Дневник — как брызги шампанского в Новый год =0) бьющая через край жизнерадостность, восторг, упоение самим собой и любимым делом, бесконечные признания в любви жене, родной стране, искусству.. кто-то скажет — пафос и нарциссизм. Кто-то скажет — игра на публику.

Да пофиг, на самом-то деле =0) это просто приятно читать: в кои-то веки дневник и — без нытья, без драм, слез и соплей, мелочных обид и оправданий, которыми так полна мемуарная литература.

Просто для разнообразия — почитать дневник, автор которого ЛЮБИТ себя, любит людей, жену, свою страну, свое дело. Который наслаждается каждым мгновением своей жизни, ценит каждый миг, слово, звук, образ, запах.

В чем-то это совершенно детское восприятие мира — каждая мелочь важна и прекрасна, неповторима и единственна в своем роде.

Думаю, мне ничем не легче было родиться, чем Творцу — создать Вселенную. По крайней мере, он потом отдыхал, а на меня обрушились все краски мира.

Из «детского» взгляда на окружающую действительность вполне естественно вырастает художническая жадность — когда ВСЕ, буквально ВСЕ видимое, осязаемое, слышимое, а пуще всего — НЕвидимое, НЕосязаемое и НЕслышимое, скрытое, внутреннее — становится топливом для творчества. Дали абсолютно всеяден. Он принципиально не ограничивает себя ни в чем, для него нет ничего святого и — все свято. Никаких рамок, условностей, представлений о добре и зле («по ту сторону добра и зла» — помним?)

Увидел — и запало в душу, и через кисть пролилось на холст. Это живопись. И то же самое — любовь.


И вот Гитлер, Ленин и эта дохлая рыбка-натурщица, чешуйки которой Дали с такой тщательностью выписывает на холсте — все суть явления одного порядка, только некие внешние раздражители, дающие импульс его фантазии, толчок первой косточке домино — а за ней следуют все остальные.

Поражает воображение алчность, с которой Дали поглощает реальность, переваривает ее и извергает обратно в виде картин, гравюр, декораций, текстов, фильмов, ювелирных украшений, фотографий…

Дон Кихот был сумасшедший идеалист. Я тоже безумец, но при том каталонец, и мое безумие не без коммерческой жилки.

И все, к чему бы он не прикоснулся, превращается в золото =0) Не без помощи оборотистой жены, как мы сейчас понимаем, она была его финансовым агентом и менеджером и бухгалтером. Что такое деньги для Дали?

Еще в отрочестве узнав о том, что Мигель де Сервантес, так прославивший Испанию своим бессмертным «Дон Кихотом», сам умер в чудовищной бедности, а открывший Новый Свет Кристофор Колумб умер в не меньшей нищете, да к тому же еще и в тюрьме, узнав обо всем этом еще в отроческие годы, я, внимая благоразумию, настоятельно посоветовал себе заблаговременно позаботиться о двух вещах: 1. Постараться как можно раньше отсидеть в тюрьме. Это было своевременно исполнено. 2. Найти способ без особых трудов стать мультимиллионером. И это тоже было выполнено.

Самый простой способ избежать компромиссов из-за золота — это иметь его самому. Когда есть деньги, любая «служба» теряет всякий смысл. Герой нигде не служит! Он есть полная противоположность слуге. Как весьма точно заметил каталонский философ Франциско Пухольс: «Величайшая мечта человека в плане социальном есть священная свобода жить, не имея необходимости работать». Дали дополняет этот афоризм, добавляя, что сама эта свобода служит в свою очередь и необходимым условием человеческого героизма. Позолотить все вокруг — вот единственный способ одухотворить материю.

Деньги = свобода творчества, т.е. возможность заниматься только тем, чем хочется — без ограничений, без сроков, без необходимости продаваться. Будем честными, мы все ему в этом завидуем =0) Что он оставил после себя? Себя =0) всего себя включая собственное тело, свои творения, движимость и недвижимость, он оставил единственному наследнику — Испании.

Со всей ответственностью заявляю: я никогда не шутил, не шучу и шутить не собираюсь.


Какашки, козявки, слюни, навязчивое желание взрывать все вокруг, чтобы запечатлеть во всех подробностях разлетающиеся потроха и кровь..

Прежде всего Дали взрывает мозг окружающих по типу «а я взял и отхлебнул» =0)) Зачем? потому что он профессиональный тролль! Почитать только его диалоги с невинными гражданами:

Время от времени, но с упорным постоянством встречаются мне в свете весьма элегантные, то есть умеренно привлекательные женщины с почти чудовищно развитой копчиковой костью. Вот уже много лет эти самые женщины, как правило, горят желанием познакомиться со мною лично.

Обычно между нами происходит разговор такого порядка: Женщина-копчик: Разумеется, мне известно ваше имя. Я — Дали: Мне тоже. Женщина-копчик: Вы, наверное, заметили, что я просто не могла оторвать от вас глаз. Нахожу, что вы совершенно очаровательны. Я — Дали: Я тоже.

Женщина-копчик: Ах, не будьте же льстецом! Вы меня даже и не заметили. Я-Дали: Но я говорю о себе, мадам. Женщина-копчик: Интересно знать, как это вы добиваетесь, что усы у вас всегда стоят торчком? Я-Дали: Это все финики! Женщина-копчик: Финики?? Я-Дали: Да-да, финики. Именно финики, такие плоды, которые растут на пальмах.

Я заказываю на десерт финики, ем их, а когда кончаю, прежде чем омыть пальцы в миске, слегка прохожусь ими по усам. И этого достаточно, чтобы они держали форму. Женщина-копчик: По-тря-са-ю-ще!!! Я-Дали: У этого способа есть и еще одно достоинство: на финиковый сахар непременно слетаются все мухи.

Женщина-копчик: Какой кошмар!

Я-Дали: Что вы, я просто обожаю мух. Я могу чувствовать себя счастливым толькокогда лежу- на солнце, совершенно голый и весь облеплен мухами.

Глядя на шедевр, я прихожу в экстаз от того, чему могу научиться.

Дали как одержимый стремится к идеалу, вся его деятельность — вечный поиск того единственного божественного метода/способа/техники, которая одна позволит воплотить на холсте СОВЕРШЕНСТВО, т.е.

совершенно точно отпечатать на материальном носителе идею художника. Часто кажется, что вот-вот — и будет тот самый божественный мазок кисти, и часто бывает, что картина кажется Дали верхом совершенства, что лучше уже не сделать, но…

назавтра он снова берется за дело и снова ищет, как совершенно, идеально нарисовать тень на руке человека, складку ткани, чешуйку на рыбе…

*В грядущем году я стану не только самым совершенным, но и самым проворным художником в мире. Одно время я думал, что можно писать полупрозрачной и очень жидкой краской, но я ошибся. Амбра съедает жидкую краску, и все сразу желтеет.

*Снова тружусь над левым бедром (на картине — прим.). И опять, едва просохнув, оно покрывается какими-то пятнами.

Надо обработать это место с помощью картошки, а потом смело и прямо, гиперкубически все переписать, но не тереть и не скоблить.

Когда меня спрашивают: «Что нового?», я отвечаю: «Веласкес! И ныне и присно».
Спроси у любого «современного художника», где его корни, заведи с ним разговор об искусстве и почти с 99% вероятностью упрешься в его полное невежество и основанное на нем же непомерное самомнение (так, как я, никто еще не рисовал!!).

Но Дали зиждит свою оригинальность на прочном основании — знании и уважении к мастерам Возрождения.

В самом деле, если обратить внимание на то, КАК написаны его картины, а не ЧТО там изображено, на ум сразу приходят Леонардо да Винчи и Рафаэль, Вермеер — эти имена не сходят со страниц Дневника, он с ними спорит, изучает их, стремится проникнуть в тайну их техники, критикует, анализирует…

*Если вы отказываетесь изучать анатомию, искусство рисунка и перспективы, математические законы эстетики и колористику, то позвольте вам заметить, что это скорее признак лени, чем гениальности. *Увольте меня от ленивых шедевров!

*Для начала научитесь рисовать и писать как старые мастера, а уж потом действуйте по своему усмотрению — и вас всегда будут уважать.

Параноидно-критический анализ (метод) и далианство

Коротко говоря, метод Дали состоял в том, чтобы нечто вполне обычное и обыденное поместить в абсолютно иррациональный контекст (портрет девушки в совершенно вермееровском стиле — и с французской булкой на голове =0)) . Окружающая реальность подвергалась именно такой анализу — расчленению на простые составляющие («Кружевницу» Вермеера можно разложить на «носорожьи рога», т.е. на кривые линии), имеющие символический смысл (зачастую понятный только самому художнику =0))

Далианский = в духе Дали, т.е. символичный, мистический, иррациональный, необъяснимый. Вообще у Дали и язык далианский — он говорит дикими метафорами, парадоксами и оксюморонами, наделяет слова собственным, непонятном другим, содержанием. Любимая игра Дали — в ассоциации, алогичные скачки мыслей, идей и образов.

Я одним легким движением руки утихомирил восторги публики и добавил: «Думаю, после сегодняшнего выступления уже всякому ясно: догадаться перейти от Кружевницы к подсолнуху, потом от подсолнуха к носорогу, а от носорога прямо к цветной капусте способен только тот, у кого действительно есть кое-что в голове».

Особенность моей гениальности состоит в том, что она проистекает от ума. Именно от ума.


Дали есть самый яркий, на мой взгляд, пример self made man! Он не родился гениальным художником (посмотрите на его ранние картины), но родился со способностью находить возможность сделать из ничего что-то =0)) Кому-то Дневник покажется бредом сумасшедшего, автоматическим речитативом шизофреника. Нет.

Я совершенно нормален. А ненормален тот, кто не понимает моей живописи, тот, кто не любит Веласкеса, тот, кому не интересно, который час на моих растекшихся циферблатах — они ведь показывают точное время.

Язык Дали — это гениально сконструированный самостийный язык для выражения всего принципиально невыражаемого обычными средствами человеческого языка — сложнейших комплексов ощущений, клубков эмоций, сплетения ассоциаций, сплава идей/убеждений.. одним словом, подсознательного, иррационального, часто «стыдного», всего того, что мы с вами боимся обозначить словами.

Итоги: иметь на полке рядом с Тайная жизнь Сальвадора Дали, написанная им самим (молодой Дали) и 50 магических секретов мастерства за его же авторством.

Источник: https://www.livelib.ru/book/1000323943-dnevnik-odnogo-geniya-salvador-dali

ДАЛИ, САЛЬВАДОР ФЕЛИКС ХОСИНТО

ДАЛИ, САЛЬВАДОР ФЕЛИКС ХОСИНТО (1904–1989) – испанский живописец, сюрреалист, самый сенсацинный художник 20 в. Родился 11 мая 1904 в Фигерасе (Каталония).

В книге Пятьдесят волшебных секретов, когда перед ним было еще четыре десятилетия творческого пути, Дали написал: «В двадцать пять лет я хотел стать самым сенсационным художником в мире, и мне это удалось».

Сильной стороной своего искусства он считал его интеллектуальный потенциал, поиски смысла за пределами рационального восприятия, выход в сферу чисто интуитивного, подсознательного.

Читайте также:  Описание картины эдгара дега «гладильщицы»

Интерес Дали к психоаналитической теории связан с характером его творчества. Дали не принадлежит к художникам, совершенствующим в живописи ее собственно живописное колористическое начало.

Он тонко чувствует гармонию, но это гармония, использующая тон и только частично возможности цвета.

Все без исключения его работы и, в частности, история написания Атомной Леды, композицию которой Дали вычислял с помощью профессионального математика, свидетельствуют о том, что его прежде всего увлекал процесс конструирования, возможности манипулирования пластикой предмета.

Картины Дали выглядят как воплощение наваждения, и живопись в этом случае становится как бы инструментом освобождения. Психотерапевтический эффект, творчество как процесс проявления и запечатления тревожных интуиций-предчувствий, – один из важных моментов его становления как художника.

В начале 20-х благодаря своим кубистским работам он приобретает известность, входит в круг авангардистов, среди которых поэт Ф.Гарсиа Лорка и будущий знаменитый режиссер Луис Бунюэль. В Оде Сальвадору Дали, написанной Лоркой в 1926, есть слова, пророчащие его искусству большое будущее.

Наиболее кризисными для Дали были годы 29-й и 30-й. Его биографы считают, что в это время Дали находится на грани психического расстройства, от которого его спасает встреча с его будущей женой Гала – страстной всепоглощающей любовью на всю жизнь.

Этому предшествуют его поездки в Париж, связанные со съемками фильма Андалузский пес, созданного Дали вместе с Бунюэлем.

В Париже он знакомится с поэтами и художниками дадаистами и сюрреалистами, среди которых Тристан Тцара, Андре Бретон, Поль Элюар, Рене Магритт, Макс Эрнст и др.

Избранное Дали сюрреалистическое направление, сложившееся к 1929 в литературе, его предпочтения в искусстве безусловно связаны с особенностями его характера, темпераментом, его неустойчивой психикой, при этом есть и другие – внешние факторы, делавшие едва ли не неизбежным его обращение к сюрреализму.

Двадцатые годы, когда молодой человек из испанской провинции, обучавшийся вначале в средней художественной школе, затем в мадридской академии, пишет свои первые самостоятельные картины, в которых начинают проступать признаки его собственной манеры, – это годы, когда великая эстетическая революция 20 в.

уже совершилась. К этому времени достигнуты пределы всех направлений, раздвинувших границы классической изобразительной системы: фовизм исчерпал колористические возможности живописи, кубизм – ее пластические возможности.

Наконец общая тенденция к все большей условности выводит живопись в открытое пространство абстракции.

Дали, очень рано усвоивший профессиональные навыки, овладевший рисунком и секретами академической живописи, а также прошедший школу кубизма, для того чтобы оказаться на уровне своего времени, должен был двигаться дальше, т.к.

героическая пора кубизма была позади, а совершенствуясь в классическом мастерстве, он мог рассчитывать только на роль заурядного провинциального художника.

При этом необходимо отметить, что уже его юношеские работы: морские пейзажи – Лодка Эль-Сона, Парусник, Пейзаж Кадакеса, портреты крестьянок – Лусия, Гортензия, натюрморты и другие работы 1918–1921 – свидетельствуют о том, что Дали, развивая это направление, мог бы войти в испанскую живопись как интересный художник… И все же сказать «в историю живописи» было бы преувеличением. Если бы Дали в эпоху бурных перемен остался на уровне «классики» – одним из многочисленных реалистов с красивым фовистско-импрессионистическим уклоном или даже местным представителем увядающего провинциального кубизма, сегодня мы бы ничего не знали о нем. Точно так же он потерялся бы в истории, если бы по примеру своего кумира Веласкеса стал портретистом, т.к. его портреты далеко не самое удачное в его творчестве. Их скрупулезная «академическая» выписанность не заменяет глубокой психологической характеристики, свойственной большому классическому искусству.

Безусловная гениальность Дали была в том, что он выбрал оптимальный путь для реализации своего скромного живописного дара и удовлетворения более чем нескромного честолюбия.

Тому на редкость удачно соответствовали сюрреалистическая теория, с которой Дали, очевидно, познакомился раньше, чем появились его первые сюрреалистические «параноидальные» картины (Мед слаще крови, 1926, Прах, 1927 и др.).

Этим работам предшествуют вариации на тему Венера и моряк (1925), Летящая женщина (1926) и Портрет девушки в пейзаже (Кадакес) того же времени – отмеченные влиянием Пикассо, а также Фигура у окна (1925), Женщина перед скалами Пенья-Сегат (1926) – имитирующие манеру «метафизической» живописи Де Кирико.

В этих работах есть все, что делает живопись состоявшейся; все, кроме самостоятельности. Их вторичность очевидна.

В 1926 происходит крутой перелом. Трудно поверить, что расчлененный женский труп и разлагающаяся туша осла (Мед слаще крови) – эта картина ужаса и отчаяния написана в том же году, что и очаровывающие своей простотой, гармонией и целомудрием Портрет девушки в пейзаже (Кадакес) и Женщина перед скалами Пенья-Сегат.

Если и то и другое – отражение внутреннего состояния художника, тогда надо сказать, что индивидуальная манера, которой Дали обязан своей славой, была куплена высокой ценой.

Несмотря на относительно короткую «официальную» связь с сюрреалистским движением и группой Бретона, Дали изначально и навсегда остается художником, олицетворяющим сюрреализм. При этом расхождения с сюрреализмом у него начались довольно рано.

В соответствии с Манифестом сюрреализма (1924) этот метод отличается прежде всего тем, что он освобождает творческий процесс от контроля разума, т.е. от всех видов ангажированности, самоцензуры, идейных установок и т.п.

Метод же Дали предполагает присутствие в какой-то мере критического начала, что, естественно, противоречит идее автоматизма, абсолютной спонтанности ассоциаций, т.к. ставит их в конечном счете под контроль разума.

Разрыву Дали с сюрреалистами способствовали и его бредовые политические высказывания, и – в какой-то момент – некритическое отношение к личности Гитлера, несовместимое с этикой этого движения. Окончательный разрыв Дали с группой Бретона происходит в 1939 во время его сближения с Франко.

Dollars («жадный на доллары») – так окрестил Бретон своего бывшего друга, уехавшего в 1940 в США, где он с Гала в течение восьми лет, живя в Нью-Йорке, Калифорнии и Вирджинии, упрочивает закрепившуюся за ним славу эксцентричного гения. Он всегда умел привлечь к себе внимание прессы.

Несмотря на грозные события начавшейся мировой войны, «Таймс Геральд» помещает 23 февраля 1941 большой репортаж Один день с Дали, или Корова в библиотеке.

Одна за другой открываются его выставки, ставятся балеты Лабиринт, а несколько раньше Вакханалии, для которых он пишет либретто и декорации.

Во время своего пребывания в Америке Дали работает как ювелир, дизайнер, фоторепортер, иллюстратор, портретист, декоратор, оформитель витрин, делает декорации к фильму Хичкока Дом доктора Эдвардса, распространяет газету «Дали Ньюс» (в которой, в частности, печатается Иероглифическое толкование и психоаналитический анализ усов Сальвадора Дали). В то же время он пишет роман Скрытые лица. Его работоспособность поразительна. В 1942 выходит Тайная жизнь Сальвадора Дали; говоря об этом автобиографическом тексте, Дали замечает, что им написано шестьсот страниц… из расчета тридцать пять страниц в день.

Его тексты, фильмы, инсталляции, фоторепортажи и балетные постановки отличают ирония и парадоксальность, сплавленные в единое целое той же своеобразной манерой, которая свойственна его живописи.

Несмотря на чудовищную эклектику, соединение несоединимого, смешение (очевидно нарочитое) мягкой и жесткой стилистик – его композиции построены по правилам академического искусства. Какофония сюжетов (деформированные предметы, искаженные образы, фрагменты человеческого тела и т.д.

) «усмиряется», гармонизируется ювелирной техникой, воспроизводящей фактуру музейной живописи. Гладкопись и натуралистичность не обезличивают его индивидуальный стиль, который окончательно складывается к 1927 и остается до последних работ безошибочно узнаваемым.

Кроме особой стилизации, своеобразной манеры письма узнаваемости его работ способствуют некоторые постоянно присутствующие в них знаки-предметы: подпорка в виде рогов, выдвижные ящики, ложка, ключ, гвоздь, часы и другие, которые дополнительно помечают его работы.

Соединение фантастического сюжета и его реалистически точного изображения неминуемо ставит вопрос о смысле, содержании картины. Что хочет сказать художник, изображая горящую жирафу, мягкий рояль, слонов на птичьих ногах, висящую на нитке яичницу?

Любые попытки интерпретации этих образов рискованны. Тайна должна оставаться тайной – это условие притягательности такого искусства. Если бы существовал ключ к его разгадке (однажды Дали изобразил такой ключ), изображенное было бы не более чем ребусом.

Дали можно доверять, когда он говорит: «Я просто фиксирую свои самые причудливые, самые мимолетные видения, все таинственное, непонятное, личное, единственное в своем роде, что только может прийти мне в голову» (из листовки 1934. Меня приветствует Нью-Йорк).

Позднее он дополняет: «Тот факт, что в момент работы над моими картинами я сам не понимаю их смысла, вовсе не означает, что этого смысла в них нет» (из выступления в нью-йоркском Музее современного искусства, 1935).

Эти высказывания звучат вполне искренне, и они соответствуют реакции, которую вызывает у зрителя живопись Дали.

Первое мгновение встречи с его картиной обманчиво, поскольку первое обобщенное видение фиксирует обычные, типичные для всякого реалистического пейзажа: линию горизонта, светлую, изображающую небо часть картины, уходящие вдаль и обозначающие перспективу предметы; бросается в глаза иллюзорная выписанность деталей объемных фигур, по-своему логично соединенных друг с другом и образующих в целом законченную и формально убедительную композицию. Все предметы, находящиеся в поле зрения, имеют обманчивую реалистическую фактуру: камень выглядит как камень, металл – как металл, плоть остается плотью и при самых чудовищных деформациях.

Первый взгляд на картину под названием Средний бюрократ-атмосфероцефал, доящий череп (1933) фиксирует высокое синее небо с белым облаком, затем призматические архитектурные детали, выступающие на первом плане, и одновременно некую группу предметов, в которой угадываются антропоморфные элементы: абсолютно натуралистически написанная левая нога, левая рука, человеческий профиль… и только потом становится очевидно присутствие странного монстра с оплывшей головой, причудливым образом соединенной с еще более загадочным предметом, в котором только с трудом можно узнать невероятным образом деформированный череп. Одна из его гипертрофированных частей лежит на примитивной подпорке, присутствующей во многих композициях Дали. Затем, вновь возвращаясь к образу картины в целом, мы с изумлением констатируем, что бредовый сюжет и фантастические элементы вписаны в реалистический пейзаж, находятся с ним в полной гармонии, представляя в конечном счете некую правдоподобную, живущую своей жизнью «иррациональную реальность».

Точно так же – небо в верхней части, архитектурные призматические формы на первом плане плюс фантастический сюжет – построены композиции многих картин этого периода: Головокружение (1930), Кровавые розы (1930), Постоянство памяти (1931), Старость Вильгельма Телля (1931), Сюрреалистический предмет, показатель одномоментной памяти (1932), Встреча иллюзии и остановившегося мгновения. Жареные яйца в ложке (1932), Я в возрасте десяти лет, когда был мальчиком-кузнечиком (Комплекс кастрации) (1933), Постоянство хорошей погоды (1934) и др.

В числе излюбленных приемов – особенно в работах 30-х годов – анаморфизм: отражения лебедей превращаются в фигуры слонов, мужская голова – в женскую фигуру, фигуры в пышных одеждах – в бюст Вольтера и т.п.

Его занимает решение таких оптических задач, когда при смещении угла зрения предметы, находящиеся в глубине перспективы, вдруг трансформируются и оказываются на переднем плане.

В картине Рынок рабов с явлением невидимого бюста Вольтера (1940) фигуры на заднем плане превращаются в бюст Вольтера, который соединяется с пустовавшей на столе на переднем плане подставкой.

Есть сюжеты, проходящие едва ли не через все его творчество, другие надолго овладевают его воображением и в течение какого-то времени на разные лады варьируются в его работах. Наваждением может стать Ленин (Частичная галлюцинация.

Шесть явлений Ленина на рояле, 1931; Загадка Вильгельма Телля 1933), носорог (Носорогическая статуя Фидия, 1954; Юная девственница, содомизирующая себя собственной непорочностью, 1954; Параноико-критический вариант «Кружевницы» Вермейера Дельфтского, 1955 и многие другие).

Предметом бесчисленных вариаций может быть такой шедевр мирового искусства, как Менины Веласкеса, работы Рафаэля, Микеланджело и особенно часто Анжелюс Франсуа Милле.

Вне всякой конкуренции по значению и повторяемости – образ Гала, пронизывающий все творчество Дали от так называемого Первого портрета Гала (1931) и бесчисленных вариаций на тему Гала-Мадонны до стереоскопической работы Христос Гала (1979), состоящей из двух картин 100 на 100 см каждая.

Гала для Дали не модель, это доминанта его творчества, моделирующая самого художника. С ее смертью в июне 1982 «исчезает экстравагантный сюрреалист Дали». По свидетельству его друзей и биографов Р. и Н.Дешарн, «он превращается в больного гения, смирившегося и доверчивого». Среди работ, созданных Дали за несколько недель до ее смерти, – Три славные загадки Гала (1982).

Даты жизни и творчества

11 мая 1904. В Фигерасе (Каталония) родился Сальвадор Фелипе Хасинто Дали.

1914. Начинает занятия живописью. В начальной школе интересуется только рисунком и каллиграфией.

1917. Поступает в городскую художественную школу.

1921–1925. Поступает в мадридскую Школу живописи (Академию Сан Фернандо). Первая персональная выставка в галерее Далмау (Барселона).

1926. Отчислен из академии за эксцентричное поведение и политические акции. Поездка в Париж. Знакомство с Пикассо.

1928. Участвует в Международной выставке в Питсбурге, США. Пишет совместно с Бюнюэлем сценарий к фильму Андалузский пес.

1929–1930. В Париже знакомится с Тристаном Тцарой, А.Бретоном, П.Элюаром, Р.Магриттом и другими сюрреалистами. В Париже демонстрация и скандальный успех фильма Андалузский пес.

1931–1935. Показывает свои работы на выставках в Париже, Копенгагене, Питсбурге, Нью-Йорке, Барселоне. Пишет статьи для сюрреалистического журнала «Минотавр». 1938–1940. Участвует в составлении Словаря сюрреалистов. Работает над картиной Загадка без конца. После вторжения немцев во Францию уезжает в Испанию и затем США.

1941–1948. Живет в США – в Нью-Йорке, Хэмптон-Мэноре (Вирджиния) и Калифорнии.

21 июля 1948 – Вместе с Гала возвращается в Испанию.

1950–1962. Религиозные искания. Картины: Мадонна Порт-Лигате, Мадонна с младенцем, Ядерный крест, Тайная вечеря, Святой Иаков Великий и др.

Проповедует необходимость слияния в искусстве метафизики, научных открытий и классической изобразительной формы. 1963–1977. Увлечение новейшими научными открытиями. Открытие в Бигвуде (США) первого Музея Дали (март 1971).

Открытие Театра-музея Дали в Фигерасе (сентябрь 1974). Увлечение теорией катастроф.

1978. Избрание членом французской Академии искусств. 1981–1982. Вариации на тему картин Веласкеса.

10 июня 1982. Смерть Гала. 1983. Последняя картина Ласточкин хвост, навеянная теорией катастроф.

23 января 1989. Умер в своем доме в Фигерасе.

Виль Мириманов

Источник: http://www.krugosvet.ru/enc/kultura_i_obrazovanie/izobrazitelnoe_iskusstvo/DALI_SALVADOR_FELIKS_HOSINTO.html

Ссылка на основную публикацию